Museo del Prado

Museo del Prado
Bien de interés cultural
Fachada principal del Museo del Prado, con la estatua de Velázquez.
Ubicación
País	España España.
Localidad	Archivo:Bandera de Madrid.svg Madrid.
Coordenadas	40°24′50″N 3°41′32″O
Tipo y colecciones
Tipo	Museo de arte, Museo nacional, Organización, Atracción turística y Destino turístico
Superficie	45.000 m² aprox.
Historia y gestión
Creación	1819
Inauguración	19 de noviembre de 1819, 204 años.
Director	Miguel Zugaza (desde 2002).
Información del edificio
Construcción	Proyecto aprobado en 1786 (originalmente para albergar el Gabinete de Historia Natural).
Arquitecto	Juan de Villanueva
Información para visitantes
Visitantes	2.763.094 (2009).​
Teléfono	91 330 28 00.
Página del Museo.

El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid (España), es una de las pinacotecas más importantes del mundo, singularmente rica en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX. Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, Goya, Tiziano y Rubens, de los que posee las mejores colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar las colecciones de autores tan importantes como El Greco, Murillo, José de Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto, Van Dyck o El Bosco, por citar sólo los más relevantes. Las habituales limitaciones de espacio explican que el museo exhiba una selección de obras de máxima calidad (unas 900 pinturas), del total de más de 7.800 que tiene en su inventario, y que por ello sea definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Gracias a la reciente ampliación de Rafael Moneo, se prevé que la selección expuesta crezca en un 50%, con unas 450 obras más.​

Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y débil en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.

Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el protagonismo en el Prado, seguidas por el fondo francés, más limitado si bien incluye buenos ejemplos de Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. La pintura alemana cuenta con un repertorio discontinuo, con cuatro obras de Durero y múltiples retratos de Mengs como principales tesoros. Junto con un repertorio británico limitado, circunscrito casi al género del retrato, hay que mencionar la pintura holandesa, una sección no demasiado amplia pero que incluye a Rembrandt.

El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, la National Gallery de Londres, o incluso, a una escala mucho más reducida, el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas las escuelas y épocas, sino una colección intensa y distinguida, formada por unos pocos reyes aficionados al Arte, donde muchas de las obras fueron creadas por encargo directo. El núcleo de obras procedente de la Colección Real se ha ido complementando con aportaciones posteriores, que apenas han desdibujado su perfil inicial. Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores», enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet y Toulouse-Lautrec, que visitaron el museo en el siglo XIX, hasta Dalí y Antonio Saura, quien decía: «Este museo no es el más extenso, pero sí el más intenso».

Aunque sean aspectos menos conocidos, cuenta también con una importante sección de Artes decorativas (Tesoro del Delfín) y con una destacada colección de esculturas greco-romanas. Junto con el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el Triángulo del Arte, meca de numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones cercanas: el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otros pequeños museos.

Historia

Edificio Villanueva del Museo del Prado.

El edificio que alberga el Museo del Prado fue concebido inicialmente por José Moñino y Redondo, conde de Floridablanca y Primer Secretario de Estado del rey Carlos III, como Gabinete de Historia Natural, en el marco de una serie de instituciones de carácter científico (pensadas según la nueva mentalidad de la Ilustración) para la reurbanización del paseo llamado Salón del Prado. Con este fin, Carlos III contó con uno de sus arquitectos predilectos, Juan de Villanueva, autor también del vecino Jardín Botánico.

El proyecto arquitectónico de la actual pinacoteca fue aprobado por Carlos III en 1786. Supuso la culminación de la carrera de Villanueva y una de las cimas del neoclasicismo español, aunque dada la larga duración de las obras y avatares posteriores, el resultado definitivo se apartó un tanto del diseño inicial.

Las obras de construcción se desarrollaron durante los reinados de Carlos III y Carlos IV, hasta el punto de que el edificio quedó prácticamente finalizado a principios del siglo XIX. Pero la llegada de las tropas francesas a España y la guerra de la Independencia dejaron su huella en él; se destinó a fines militares (cuartel de caballería) y cayó en un estado casi de ruina total. Las planchas de plomo de los tejados fueron fundidas para la fabricación de balas.

La reina Isabel de Braganza, considerada la inspiradora del Museo, en una estatua de José Álvarez Cubero perteneciente a la propia colección del Prado.

Sólo gracias al interés manifestado por Fernando VII y, sobre todo, de su segunda esposa Isabel de Braganza, se inició, a partir de 1818, la recuperación del edificio, sobre la base de nuevos diseños del propio Villanueva, sustituido a su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.

El 19 de noviembre de 1819 se inauguraba discretamente el Museo Real de Pinturas (primera denominación del museo), que mostraba algunas de las mejores piezas de las Colecciones Reales Españolas, trasladadas desde los distintos Reales Sitios. Fallecida la reina meses antes, en reconocimiento de su labor se bautizaría con su nombre al salón ovalado (actual Sala 12, de Velázquez) que en aquel entonces tenía un balconaje desde el cual se podía observar la galería de escultura de la planta baja (luego convertida en salón de actos y actual Sala de las Musas). En este comienzo el museo contaba con 311 cuadros expuestos en tres salas, todos ellos de pintores de la escuela española, aunque almacenaba muchos más. En años sucesivos se irían añadiendo nuevas salas y obras de arte, destacando la incorporación de los fondos del Museo de la Trinidad, creado a partir de obras de arte requisadas en virtud de la Ley de Desamortización de Mendizábal (1836). Dicho museo fue absorbido por el Prado en 1872.

Tras el destronamiento de la reina Isabel II de España en 1868, el Museo Real pasó a ser nacional, medida ya irreversible tras absorber al de la Trinidad. Después se fueron integrando en él otras instituciones, entre la que destaca especialmente el Museo Nacional de Arte Moderno en 1971 —cuya sección del siglo XX se integra hoy en el Museo Reina Sofía—. La incorporación de las colecciones del Museo de Arte Moderno, trajeron aparejado, además, el ingreso de las colecciones de otros museos más, por entonces también desaparecidos: el Museo de Ultramar y el Museo Iconográfico, que obligarían a la institución a incrementar su política de difusión de fondos, mediante la creación de depósitos estables de obras de arte en otras instituciones publicas y privadas, dentro y fuera de la Península.

Las majas vestida y desnuda, de Goya, en las salas del Museo del Prado.

Durante el siglo XIX y buena parte del XX, el Prado vivió una situación de cierta precariedad, pues el Estado le brindó un apoyo y recursos insuficientes. Las deficientes medidas de seguridad, con una parte del personal del museo residiendo en él y montones de leña almacenados para las estufas, provocaron la alarma de algunos entendidos. Fue muy sonado el artículo ficticio de Mariano de Cavia de 1891, que informaba de un incendio que había arrasado el Prado. Los madrileños se acercaron al lugar alarmados, y la falsa noticia ayudó a la adopción de algunas mejoras de urgencia.

A pesar de diversas ampliaciones de alcance menor, el Prado sufría limitaciones de espacio, más graves a partir de los años 60, cuando el boom turístico disparó el número de visitantes. Poco a poco, la pinacoteca se adaptó a las nuevas exigencias técnicas; el sistema de filtraje y control del aire se instaló en los años 80, coincidiendo con la restauración de muchas pinturas de Velázquez. El tejado, construido con materiales dispares y mediante sucesivos remiendos, sufrió ocasionales goteras, hasta que en 1995 se convocó un concurso restringido para su remodelación integral, ganado por los arquitectos Dionisio Hernández Gil y Rafael Olalquiaga, ejecutándose las obras entre 1996 y 2001.​

En 1995, un acuerdo parlamentario suscrito por los dos principales partidos, PP y PSOE, puso al museo a salvo de los vaivenes políticos y proporcionó la calma necesaria para un proceso de modernización, que incluía cambios jurídicos además de la ampliación. Ésta, tras un controvertido concurso de ideas, fue adjudicada al arquitecto Rafael Moneo, ya bien conocido en estas lides por sus trabajos en el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida y el Museo Thyssen-Bornemisza.

Directores del Museo

Véase también: Anexo:Directores del Museo del Prado

La dirección del Museo del Prado, desde su fundación al momento presente se desarrolla en tres grandes etapas:

1. Grandes de España (Marqués de Santa Cruz, Príncipe de Anglona, Duque de Híjar), que asumieron labores administrativas ayudados para las cuestiones artísticas por pintores como Vicente López, primer pintor de Cámara de Fernando VII.
2. Pintores de Corte, académicos y otros artistas de gran reputación (era condición necesaria haber obtenido primeras medallas en exposiciones nacionales o extranjeras) (José de Madrazo, Juan Antonio de Ribera, Federico de Madrazo, Antonio Gisbert, Francisco Sans Cabot, Vicente Palmaroli, Francisco Pradilla o José Villegas, entre otros).
3. Historiadores de arte (Aureliano de Beruete y Moret, Francisco Javier Sánchez Cantón, Diego Angulo Íñiguez, Xavier de Salas, José Manuel Pita Andrade, Alfonso E. Pérez Sánchez, Francisco Calvo Serraller, José María Luzón Nogué, Fernando Checa Cremades o el actual director, Miguel Zugaza Miranda).

Colecciones

Formación

La Colección Real

El núcleo original de las colecciones del Museo del Prado procede de la monarquía española. Los Reyes de España fueron coleccionistas de arte durante siglos, y repartieron sus adquisiciones y encargos por las numerosas residencias que acumularon en toda la Península Ibérica: el Alcázar de Madrid, el Pardo, la Torre de la Parada, el Buen Retiro, La Granja de San Ildefonso, Aranjuez, así como los monasterios de Yuste y El Escorial.

• Antecedentes: La Colección Real de pinturas tal como hoy se conoce se cimentó en tiempos de Felipe II. Los Reyes Católicos y monarcas anteriores ya encargaron y coleccionaron pinturas, pero sus colecciones solían deshacerse cuando fallecían. De la colección de Isabel la Católica subsiste la pequeña parte que donó a la Capilla Real de Granada; incluye La Oración del Huerto, una rara pintura atribuida a Sandro Botticelli.

• Los Habsburgo: Carlos I encargó mayoritariamente retratos y obras religiosas con un fin práctico, sin ánimo de coleccionar. Hay que destacar que tuvo a su servicio a Tiziano, a quien otorgó la exclusividad de retratarlo, a semejanza de lo que hiciera Alejandro Magno con Apeles. Fue su hijo Felipe II quien empezó a valorar la Colección Real como un tesoro a preservar, y la adscribió a la Corona como patrimonio indivisible. El llamado «Rey prudente» reunió numerosas pinturas compradas por su padre, y otras que procedían de la colección de su tía, María de Hungría. Añadió importantes obras a las colecciones de la corona, como las significativas pinturas de El Bosco. Felipe III no contó con artistas de renombre internacional a su servicio como su padre y su abuelo, y fue su hijo Felipe IV quien otorgó a la colección de la corona española una categoría superior entre las colecciones reales europeas, en buena medida debido a la construcción y decoración del Palacio del Buen Retiro.​ Felipe IV, además tuvo a su servicio a Velázquez durante cuarenta años. Carlos II, pese a vivir en una de las épocas más críticas de la Historia de España, consiguió lo que ninguno de sus antecesores había logrado: traer al servicio de España al artista de mayor reputación en Europa, Luca Giordano (en España también llamado Lucás Jordán), desde Nápoles para encargarle numerosas obras reales, retratos y decoraciones, y además preservó la unidad de la colección; así, impidió que la gran Adoración de los magos de Rubens fuese regalada por su esposa Mariana de Neoburgo a un noble extranjero.

• Los Borbones: Durante el reinado del primer miembro de la nueva dinastía, Felipe V, se produjo el incendio del Alcázar de Madrid (1734), en él que se perdieron numerosas obras maestras de la Colección Real. Sobre su solar se construyó el actual Palacio de Oriente, y para su decoración y la del Palacio de La Granja, construido también durante el gobierno del primer Borbón, el rey, junto con su segunda esposa Isabel de Farnesio, adquirió una considerable cantidad de pinturas, con ejemplos excelentes del arte de Poussin y Murillo, así como la colección de escultura clásica de Cristina de Suecia (ésta última destinada a la decoración de La Granja). Carlos III compró piezas tan extraordinarias como Judith en el banquete de Holofernes de Rembrandt, que adquirió en 1768 al marqués de la Ensenada a instancias de Mengs, único ejemplo de dicho artista que se conserva en el Prado, y no hay que olvidar que fue él quien mandó construir el edificio que finalmente ocupa el Museo. Su hijo Carlos IV, con una extraordinaria sensibilidad artística que le convirtió en uno de los monarcas más refinados de toda Europa, es recordado como mecenas de Goya. Durante un viaje a Italia, siendo aún príncipe, adquirió el Retrato de cardenal de Rafael en Roma.​ La colección de pintura neoclásica del Museo, con obras de José de Madrazo, Juan Antonio Ribera y José Aparicio, así como del escultor José Álvarez Cubero, se debe también a este rey.

• La Invasión Napoleónica fue un terrible desastre para el patrimonio histórico-artístico español, del que no se libró la Colección Real. En su huida, José Bonaparte se llevó un numeroso conjunto de obras de pequeño y mediano formato, fácilmente transportables, escogidas entre las de mayor calidad de la Colección. Dicho cargamento fue interceptado por las tropas del Duque de Wellington tras la Batalla de Vitoria. El Duque informó al Rey, solicitándole instrucciones para efectuar la devolución de las obras, pero éste le respondió que se las regalaba. Perplejo por la respuesta, Wellington volvió a escribirle, agradeciéndole su generosidad pero diciéndole que era un regalo que no podía aceptar, puesto que eran piezas muy numerosas y de gran valor que eran propiedad de la Corona Española, y pidiéndole de nuevo que le indicara los detalles para devolvérselas. Sin embargo Fernando VII persistió en su absurda postura, con lo que dichas obras (que incluían cuadros tan extraordinarios como El aguador de Sevilla, de Velázquez) acabaron en manos del Duque, conservándose actualmente parte de ellas en su residencia londinense de Apsley House.​ Más adelante, Fernando VII, con el impulso imprescindible de su esposa Isabel de Braganza culminó un proyecto esbozado ya en tiempos de su padre: la fundación de un museo a la imagen del Louvre de París, que exhibiera las piezas más escogidas de la colección del Rey de España. Fernando aportó dinero de su «bolsa personal» o «bolsillo secreto» (el precedente de los «fondos reservados» de hoy), remozó el edificio proyectado por Carlos III e inauguró el Museo del Prado el 19 de noviembre de 1819, como un edificio privado de la Corona. El museo, con la denominación de Museo Real, se mantuvo como propiedad de los reyes hasta el destronamiento de Isabel II (1868). Ya anteriormente había eludido un gravísimo peligro, cuando se planteó, por cuestiones hereditarias, dividir los fondos entre la reina y su hermana. Este problema pudo solucionarse felizmente al llegarse al acuerdo de que la reina pagara a su hermana María Luisa Fernanda la parte que le correspondía en metálico, quedándose ella con la totalidad de la colección. La fusión del Prado con el Museo de la Trinidad terminó por afianzar su nueva condición de Museo Nacional.

Los principales artífices de la colección real de pintura
Carlos I (1500–1558) Tiziano Comenzó la colección y tuvo predilección por Tiziano.	Felipe II (1527–1598) Sofonisba Anguissola Continuó con Tiziano y cimentó la colección de pintura flamenca del siglo XVI, especialmente El Bosco y Moro.	Felipe IV (1605–1665) Velázquez Enriqueció considerablemente la colección, sobre todo con Velázquez, Rubens y pintura italiana.	Isabel de Farnesio (1692–1766) Jean Ranc Formó la colección de Murillo, compró las esculturas de Cristina de Suecia y hasta 351 de sus pinturas ingresaron en el Prado.

El Museo de la Trinidad

Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán, de Pedro Berruguete, obra procedente del extinto Museo de la Trinidad.

En la formación de las colecciones del Museo del Prado, el antiguo Museo de la Trinidad representa el segundo gran núcleo, aunque la extensión, variedad y calidad de sus fondos fueran mucho menores que los de la colección real. Fue creado este Museo, que se denominó Nacional, como consecuencia de las Ley de Desamortización de Mendizábal (1836), cuya magnitud y extensión creó en muchas personas una lógica preocupación por las obras de arte conservadas en las iglesias y conventos afectados. Como respuesta a esta inquietud, se decidió reunir en el antiguo convento de la Trinidad Calzada (del que el Museo tomó su nombre), sito en la calle Atocha de Madrid y fundado por Felipe II, las obras de arte que guardaban estos institutos religiosos. A esto se sumaron las colecciones propiedad del infante Sebastián Gabriel de Borbón, incautadas en represalia por su adscripción al bando carlista, aunque posteriormente se le devolvieron, en 1859, y no llegaron a incorporarse al Prado (si bien algunas acabaron ingresando años más tarde en el Museo mediante adquisición, como el Bodegón de caza, hortalizas y frutas, de Sánchez Cotán, que engrosó las colecciones de la pinacoteca en 1991). Con estos fondos, el museo fue inaugurado en 1838, aunque en condiciones bastante precarias, situación que se mantendrá durante toda la corta vida de este museo. La inmensa mayoría de las obras procedía de la propia provincia de Madrid y el resto de algunas provincias cercanas, en concreto de Ávila, Toledo, Segovia, Burgos y Valladolid, y se trataba sobre todo de grandes cuadros de altar u obras pequeñas de tipo devocional, incluyendo también algunas tallas religiosas. Casi todos los autores eran españoles, por lo que se pretendió articular la colección en torno a la creación de la llamada "escuela española". A las piezas fundacionales se unieron algunas adquisiciones que el Museo realizó más adelante, entre las que destacan la Anunciación de época italiana de El Greco y una serie de retratos de Goya. El museo pronto recibió muchas críticas por el estado de conservación de las obras, por la falta de rigor en su presentación y por la escasa adecuación del espacio a sus usos. Esta situación se vio del todo agravada con la instalación en el mismo edificio del Ministerio de Fomento en 1849. Finalmente, se decidió disolverlo, incorporando sus fondos al Museo del Prado, en el año 1872, provocando en éste una situación paradójica, pues si bien la colección de pintura de tipo religioso se vio completada de forma magnífica, por otro lado aumentó aun más la ya de por sí crónica saturación de espacios de que adolecía la institución, lo que dio inicio a la política de depósitos y cesiones que se ha mantenido hasta el presente (al Prado se incorporaron menos de 200 obras, mientras que 650 fueron depositadas en otras instituciones). Entre los fondos que el extinto museo aportó al Prado destacan la series de la vida de San Pedro Mártir y de la de Santo Domingo de Guzmán, ambas de Pedro Berruguete y procedentes del convento de Santo Tomás de Ávila; El triunfo de San Agustín, la obra más importante de Claudio Coello que tiene el Museo, del convento de agustinos de Alcalá de Henares; las pinturas del retablo de las Cuatro Pascuas de la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo, de Maíno, quizá la cima creativa de este artista; el retablo del Colegio de doña María de Aragón, de Madrid, obra fundamental del Greco; La Fuente de la Gracia y triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga, del taller de los van Eyck (Monasterio de El Parral -Segovia-), así como otras obras de Goya, Francisco Rizi, Cajés, y representación de casi todos los pintores de la escuela madrileña del siglo XVII. En el año 2004 se organizó una exposición mostrando los tesoros que, procedentes de este museo, se conservan en el Prado.​

Nuevas adquisiciones

El Prado no dispone de un presupuesto anual para adquisiciones, a diferencia de otros museos (en España, por ejemplo, el Reina Sofía), por lo que para adquirir nuevas obras depende de las entregas que hagan particulares, mediante donaciones, herencias, legados y daciones, y de las compras que realice el Estado. El plan que se encargó a la consultora estadounidense Boston Consulting en los tiempos en que Eduardo Serra fue presidente del Patronato preveía dotar al Museo de una cantidad de unos 3 millones de € anuales para tal fin. Dicho plan no fue aprobado, por el rechazo que suscitó en el sentido de que suponía una mercantilización del Museo. No obstante la mayor parte de las medidas que establecía han ido posteriormente aplicándose, siendo precisamente ésta una de las pocas que no lo han sido.

La Trinidad, de José de Ribera, la primera adquisición del Museo del Prado.

Desde los inicios del Prado hubo interés por completar las colecciones mediante la adquisición de nuevas obras y de hecho a los pocos meses de inaugurarse, el 5 de abril de 1820, se compró la primera de ellas, La Trinidad, de José de Ribera, por la que Fernando VII pagó 20.000 reales al pintor Agustín Esteve.​​

Las adquisiciones del Museo han sido muy importantes en cuanto a calidad y número (más de 2.300 obras sólo en el apartado de pinturas) y, como se ha señalado, han tenido lugar por diferentes vías.​ Por un lado, las donaciones, herencias y legados, fundamentales en su propia naturaleza filantrópica y su muchas veces buscado papel de complemento de las colecciones existentes. En los primeros tiempos una forma que se usó fue la suscripción pública para la adquisición de una obra determinada, aunque actualmente está en desuso. Por otro, la política de adquisición de obras de arte por parte del Estado, que ha tenido muchas veces como beneficiario al Prado. En este último aspecto es de destacar la modalidad del pago de impuestos mediante obras de arte, o dación, adoptada por la ley del Patrimonio Histórico Español de 1985 y que ha enriquecido las colecciones estatales de forma muy notable. Esta posibilidad, inspirada en la famosa "Ley Malraux" francesa, se podía aplicar en un primer momento al Impuesto de Sucesiones, extendiéndose a cualquier deuda tributaria en virtud de la ley de Mecenazgo de 2002.

Las políticas encaminadas al engrandecimiento del Prado han tendido más a reforzar las colecciones existentes que a suplir las faltas. Se han incorporado así obras de Velázquez (El barbero del Papa), Goya o Valdés Leal, aunque también algunas de artistas con pobre presencia en las colecciones, como Lucas Cranach el Viejo (una muy destacable Virgen con el Niño, dación del empresario Juan Abelló) o Juan de Flandes (su obra maestra La Crucifixión, pintada para el retablo mayor de la catedral de Palencia, recibida en 2005 también como dación de pago de impuestos, en este caso de la empresa Ferrovial -7 millones de €-).​

Sería prolijo detallar todas las adquisiciones hechas por el Museo en sus casi 200 años de existencia. En cuanto a los legados, el más destacable de épocas recientes fue el hecho por Manuel Villaescusa, en 1991. Con su importe, se compró un grupo de obras entre las que descuellan el Bodegón de caza, hortalizas y frutas de Sánchez Cotán, Ciego tocando la zanfonía de Georges de La Tour (pintores ambos sin presencia en el Museo hasta ese momento), la Fábula de El Greco y parte de La condesa de Chinchón, de Goya, sufragado en su otra parte con fondos estatales (ésta última calificada como "adquisición del año" a nivel mundial por la revista Apollo).

La condesa de Chinchón, de Goya, la adquisición más destacada del Museo en los últimos años.

Remontándonos en el tiempo, fueron también muy sobresalientes la donación del barón Frédéric Émile d'Erlanger (1881) y los legados de Ramón de Errazu (1904), Pablo Bosch (1915) y Pedro Fernández-Durán (1931), así como la donación Cambó (1941). El donativo del banquero belga Emile d'Erlanger consistió en la serie de Pinturas negras de la Quinta del Sordo, finca ubicada a orillas del río Manzanares que había pertenecido al propio Goya y que d'Erlanger había adquirido en 1873, haciendo pasar a lienzo las pinturas, que habían sido ejecutadas sobre las paredes de la misma casa. Tras intentar infructuosamente venderlas en París acabó por donarlas al Prado, casi como un modo de deshacerse de ellas, al constatar que, en aquella época, no eran excesivamente apreciadas.​ El mexicano de raíces españolas (vasco-navarras y andaluzas) Ramón de Errazu legó en su testamento al Museo óleos y acuarelas de artistas del siglo XIX, entre los que destacan Mariano Fortuny y Raimundo Madrazo y los franceses Ernest Meissonier (el Retrato de Josefa Manzanedo e Intentas de Mitjans, marquesa de Manzanedo de este pintor lo legó en realidad al Museo de Arte Moderno, pero acabó en el Prado al absorber a aquél en 1971); y Paul Baudry, del que legó La perla y la ola, uno de los desnudos más destacados de los que se pintaron en el París del Segundo Imperio, y que fue adquirido por la emperatriz Eugenia de Montijo tras ser expuesto en Salón de 1863.​

La del barcelonés Pablo Bosch fue una de las donaciones más importantes de la historia del Museo. Entre las obras procedentes de su colección (por la que había recibido sustanciosas ofertas del extranjero, especialmente de Alemania) destacan las piezas de pintores góticos españoles y de primitivos flamencos, además de una valiosa colección de monedas y medallas.​ Del legado de Fernández-Durán destacan, aparte de una muy nutrida colección de dibujos (casi 2.800, un tercio del total de los que tiene el Museo, entre ellos tres debidos a la mano de Miguel Ángel, incluidos los dos identificados en 2004)​​ y artes decorativas; la Virgen con el Niño, de Roger van der Weyden -también conocida como Madonna Durán- y varios cuadros de Goya, o al menos atribuidos a él, como el célebre El coloso.​​

Aunque el grueso de su colección (48 cuadros) lo legó al Museu d'Art Antic de Barcelona (actualmente Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC)), es también muy destacable la donación de Francisco de Asís Cambó Batlle (Francesc Cambó), que entregó en 1941 otras ocho obras al Prado: tres de las cuatro tablas de La historia de Nastagio degli Onesti, de Botticelli, dos obras que se atribuían a Taddeo Gaddi y que ahora se asignan al Maestro de la Madonna de la Misericordia, seguidor suyo; y una de Giovanni da Ponte (Las siete artes liberales), con la intención de suplir las carencias de primitivos italianos de la pinacoteca nacional, aparte de un bodegón de Zurbarán (Naturaleza muerta con jarra y tazas) -la otra era un Ángel músico de Melozzo da Forlì que resultó ser una falsificación-.​​

El barbero del Papa, retrato de Velázquez comprado por el Gobierno en 2003 por 23 millones de €.​

También realizó algunas donaciones la Fundación Amigos del Museo, aunque desde 1997, en que dio al Prado un Autorretrato de Luis Paret, no ha vuelto a donar ningún cuadro. Con todo, quizá la obra más importante que ingresó en el Prado en el siglo XX fue el Guernica, legado por su autor e ingresado en las colecciones en 1981. Esta obra, que por su significado y trascendencia artística, es sin duda la pieza clave del arte contemporáneo, se exhibe hoy en el Museo Reina Sofía.​ Aparte de los mencionados, ha habido muchos otros legados y donaciones que han enriquecido muy considerablemente las colecciones, entre ellos los de la duquesa de Villahermosa, conde de Niebla, conde de Cartagena, duques de Tarifa y marqués de Casa-Torres, por citar sólo algunos de los más importantes.

Por la forma de dación (BBVA, 26 millones de €, la de mayor importe realizada hasta ahora en España); entró en el Prado en el año 2006 la colección Naseiro de bodegones españoles, sin duda la mejor del mundo en su clase. Se incorporaron al Museo cuarenta obras de diecinueve pintores diferentes, nueve de los cuales no estaban representados antes con cuadros de este género, y con ellas toda una faceta del arte español que había permanecido poco conocida para el gran público.​​​

En cuanto a las adquisiciones estatales figuran piezas de la importancia del Retrato ecuestre del duque de Lerma, de Rubens (1969) -adquirido para celebrar el sesquicentenario (150º aniversario) del Museo-, el Retrato de Jovellanos por Goya (1974), el Retrato de la Marquesa de Santa Cruz, del mismo autor (1986), o el Retrato de hombre, el llamado "Barbero del Papa", de Velázquez (2003).

En 2009 la página web oficial ha incorporado una sección en la que se informa sobre las adquisiciones realizadas en los últimos años: [1].

Secciones

Pintura

Pintura española

Las Meninas, de Velázquez.

Con más de 4.600 piezas, la sección de pintura española no sólo es la más nutrida del Museo, sino que constituye también la colección más importante numérica y cualitativamente que de esta escuela existe en el mundo.​ Cronológicamente abarca desde murales románicos del siglo XII hasta el final del siglo XIX. Sus riquísimas colecciones incluyen pintura gótica, desde maestros anónimos a autores como Bartolomé Bermejo, Juan de Flandes, Fernando Gallego y Berruguete; el Renacimiento español representado por Pedro Machuca, Juan de Juanes, Fernando Yáñez de la Almedina, o Juan Correa de Vivar, con el protagonismo absoluto de El Greco, del que se exhibe el grupo de obras más numeroso de cuantos existen, en lo referido al Manierismo. El período de mayor brillantez de la pintura española, el Barroco, cuenta con excelentes ejemplos de prácticamente todos los autores y géneros del momento, como Zurbarán, Ribera, Murillo, Juan de Valdés Leal, Juan Bautista Maíno, Alonso Cano, Carreño, José Antolínez, Antonio de Pereda, Francisco Rizi, Herrera el Mozo, y, por encima de todos ellos, el gran maestro de la pintura hispana, Velázquez, del que se expone una colección sin parangón en el mundo, integrada por la mayoría de sus obras maestras. Del siglo XVIII, destaca la extensísima colección de Goya, que comprende todos los períodos y facetas de su arte, incluyendo grabados, dibujos y las célebres Pinturas negras. Relevantes son también los bodegones de Luis Meléndez y la variada colección de Luis Paret, considerado el mejor pintor español de estilo rococó. Desde hace muchos años se trabaja en la puesta en valor de la pintura española del siglo XIX posterior a Goya, que incluye caudalosos fondos -casi 3.700 obras, prácticamente la mitad del total- desde el Neoclasicismo hasta Sorolla. Este proceso ha culminado con la apertura en octubre de 2009 de doce salas en el Edificio Villanueva, una de ellas rotatoria, que acogen 176 piezas de este periodo (incluidas algunas de artistas de otros países). Aunque es común que se repita que se muestran por primera vez desde 1896 integradas con el resto de la colección,​​​ lo cierto es que desde 1904, que ingresó el legado Errazu en el Museo del Prado -tras esa donación otras más-, el Prado siempre exhibió pinturas españolas del siglo XIX en el contexto de su colección. Junto a Goya se expuso tradicionalmente obra de Vicente López y existió una sala destinada a pinturas de la familia Madrazo, (José, Federico y Raimundo), los Esquivel (Antonio María y Carlos) y Ferrant, entre otros. Sólo en los últimos veinte años, aproximadamente, la pintura del siglo XIX había quedado invisible en las salas del Prado.

Entre las últimas adquisiciones que han enriquecido la colección española, destacan las compras de La condesa de Chinchón de Goya, El barbero del Papa de Velázquez y la Colección Naseiro de bodegones, que ha cubierto múltiples lagunas dentro de tal temática.

Pintura italiana

Noli me tangere, por Antonio Allegri, il Correggio (c. 1525)

La colección de pintura italiana consta de más de mil obras​ y es sin duda uno de los grandes atractivos del Museo, aun cuando adolezca de ciertas lagunas, sobre todo en lo referido a obras anteriores al siglo XVI, los denominados "Primitivos italianos". Son muy escasas, de este modo, las obras correspondientes al Trecento, y las existentes corresponden a autores considerados menores, como Giovanni da Ponte o dos tablas atribuidas inicialmente a Taddeo Gaddi pero que actualmente se consideran de la mano del llamado Maestro de la Madonna della Misericordia, seguidor suyo. La pintura del Quattrocento, en cambio, si bien ofrece un panorama limitado, se precia de poseer auténticas obras maestras de tan importante capítulo de la Historia de la pintura, como el notable Retablo de la Anunciación de Fra Angelico, el Tránsito de la Virgen de Mantegna, tres de las cuatro tablas de La historia de Nastagio degli Onesti de Botticelli o el magnífico Cristo muerto sostenido por un ángel de Antonello da Messina. También hay que citar la pintura La Virgen y el Niño entre dos santas, obra de Giovanni Bellini aunque con amplia participación de taller.

La pintura del Cinquecento inicia el gran periodo de la pintura italiana en el Prado con algunas obras capitales de Rafael (La Virgen del Pez, Retrato de cardenal o El Pasmo de Sicilia). La nutrida colección de obras de este artista (ocho pinturas, entre las autógrafas y las realizadas en mayor o menor parte por sus discípulos) da cuenta del prestigio del que disfrutaba en España, donde sus obras eran enormemente apreciadas y demandadas. Otros nombres señalados de la plástica renacentista presentes son Sebastiano del Piombo, Correggio, Andrea del Sarto y Federico Barocci, autores en el tránsito al Manierismo, muy bien representado también por obras de Parmigianino, Bronzino o Francesco Salviati. Mención aparte merece la pintura veneciana del seiscientos, con amplísima presencia hasta el punto de constituir la mejor colección de la misma fuera de Italia. El artista central de la escuela, Tiziano, era el pintor favorito de Carlos V y Felipe II y compuso para ellos algunas de sus obras maestras, como el Retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg o la Dánae. Su representación en el Prado supera las treinta pinturas. Tintoretto, Veronese, los Bassano, e incluso algunos precursores como Vincenzo Catena están asimismo representados en la colección.

La pintura barroca italiana constituye uno de los núcleos más compactos del Prado, por la variedad de artistas y la calidad de las obras que podemos admirar. Las dos grandes tendencias pictóricas de la época, el tenebrismo y el clasicismo boloñés, cuentan con buenas colecciones, en cuanto a la primera comenzando por el iniciador Caravaggio (David vencedor de Goliat) y sus seguidores, como Orazio Gentileschi (Moisés salvado de las aguas), su hija Artemisia Gentileschi, Giovanni Battista Caracciolo (llamado Battistello) o Bernardo Cavallino. La presencia del clasicismo boloñés es asimismo muy nutrida, con cuadros de Annibale Carracci (Venus, Adonis y Cupido, Asunción de María), Domenichino, Guido Reni (Hipómenes y Atalanta), Guercino, o Giovanni Lanfranco. Incluso la tendencia del barroco decorativo cuenta con un singular ejemplo de Pietro da Cortona (La Natividad, para cuyo soporte utilizó una pasta vítrea llamada venturina y que ha sido recientemente restaurada)​ y el excelente grupo de obras de Luca Giordano, que trabajó en España para el rey Carlos II. A todo lo señalado cabe añadir los ejemplos de autores considerados a menudo secundarios en la pintura barroca, como Francesco Furini, Salvatore Rosa, Orazio Borgianni, Mattia Preti o Alessandro Magnasco, de indudable interés. La figura de Giambattista Tiepolo cierra el sugestivo capítulo de la pintura italiana en el Prado, junto a otros artistas que como él llegaron a España para decorar el nuevo Palacio Real de Madrid, como su hijo Domenico y Corrado Giaquinto. Todos ellos cuentan con una estimable, en calidad y cantidad, representación. Tristemente, faltan ejemplos de vedutistas como Canaletto y Francesco Guardi, bien representados en el vecino Museo Thyssen-Bornemisza.

Pintura flamenca

El juicio de Paris, de Rubens.

La sección de pintura flamenca es la tercera del Museo, tanto por cantidad (más de mil obras), como por calidad, sólo por detrás de la española y casi al nivel de la italiana.​ Comprende por un lado primitivos flamencos como Robert Campin (con 3 obras de las aproximadamente 20 que se le atribuyen), Weyden (El descendimiento de la cruz), Dieric Bouts, Petrus Christus y Hans Memling, y la mejor colección a nivel mundial de El Bosco. De este artista el museo conserva sus tres obras maestras: los trípticos de El jardín de las delicias, El carro de heno y la Adoración de los Magos. Proceden de la colección personal de Felipe II, que sentía tanta pasión por este enigmático pintor, que ordenó comprar cuantas obras suyas se pudiese, haciendo copiar algunas que no consiguió. Igualmente sobresalientes son las pinturas de Patinir, Mabuse, Jan van Scorel, El Triunfo de la Muerte de Pieter Brueghel el Viejo y varias obras de Quentin Metsys y Pieter Coecke.

En cuanto al siglo XVII posee la más extensa colección de Rubens, con más de 90 pinturas entre las que se cuentan varias de sus obras maestras; más de 25 ejemplos de van Dyck, varios de Jacob Jordaens, incluyendo su Autorretrato con su familia, y la serie de Los Cinco Sentidos de Jan Brueghel el Viejo (Brueghel de Velours) y Rubens. De lo anteriormente resumido se desprende que es una de las mejores colecciones de pintura flamenca del mundo, a la que tan sólo se puede comparar quizá la del Kunsthistorisches Museum (Museo de Historia del Arte), de Viena.

Pintura francesa

La perla y la ola, de Paul Baudry (legado Errazu).

Es la cuarta escuela nacional más extensamente representada, con más de trescientas pinturas. Apenas hay ejemplos anteriores a 1600, aunque los siglos XVII y XVIII cuentan con obras magistrales de Poussin, como El Triunfo de David y El Parnaso. Claudio de Lorena cuenta con varios paisajes sobresalientes, y hay un par de ejemplos de Simon Vouet. El tenebrismo cuenta con ejemplos llamativos de Georges de La Tour y Valentin de Boulogne. Retratistas de los borbones españoles, como Jean Ranc y Van Loo, así como de los franceses (Hyacinthe Rigaud y Antoine-François Callet) tienen presencia junto a maestros rococós como Watteau y Boucher. La colección de pintura francesa del Museo del Prado es sin duda uno de los aspectos menos estudiados hasta ahora de las colecciones. Existe un importante número de anónimos neoclásicos del entorno de J.-L. David que han de ofrecer en el futuro gratas sorpresas, además de un importante número de ejemplos de los discípulos franceses de J. A. D. Ingres. Hay asimismo obras más modernas de gran interés, como los dos retratos femeninos de Ernest Meissonier, algo muy raro dentro de su producción y una famosa pintura de desnudo de Paul Baudry, La perla y la ola, que perteneció a la emperatriz Eugenia de Montijo.

Pintura alemana

Adán y Eva, de Durero.

Reducida en número, pero de gran calidad. Destaca sobre todo el grupo de cuatro obras maestras de Alberto Durero, entre ellas su Autorretrato de 1498 y la pareja de tablas de Adán y Eva. Del resto de obras, descuellan una Virgen con el Niño Jesús, san Juanito y ángeles y dos curiosas escenas de cacería, las tres de la mano de Lucas Cranach el Viejo, del que además se adquirió en 2001 un retrato de Juan Federico el Magnánimo; dos alegorías muy importantes de Hans Baldung Grien, Las Edades y la Muerte y La Armonía o las tres Gracias, una pequeña pintura de Adam Elsheimer, Ceres en casa de Hécuba, y ya en el siglo XVIII, un nutrido grupo de obras de Anton Raphael Mengs, que fue nombrado Primer Pintor del rey Carlos III y trabajó en la Corte entre 1761 y 1769 y de 1774 a 1776. Fundamentalmente se trata de retratos de la Familia Real, aunque también hay un autorretrato y algunas piezas de asunto religioso. Asimismo, existe un interesante retrato de la infanta Paz de Borbón por Franz von Lenbach.

Pintura holandesa

Bodegón con vaso de plata y reloj, de Willem Claesz. Heda (legado Fernández-Durán).

La pintura holandesa tiene una presencia bastante reducida, cien obras, todas del siglo XVII, si bien incluye un importante cuadro de Rembrandt: Judit en el banquete de Holofernes, antes identificado como Artemisa recibiendo las cenizas de Mausolo o como Sofonisba recibiendo la copa de veneno.​ El fondo holandés incluye además un bodegón de Pieter Claesz y tres de Willem Claesz. Heda, los cuatro procedentes del legado Fernández-Durán, y obras de Gabriel Metsu, Gerard Ter Borch, Adriaen van Ostade, Mathias Stomer, Jacob van Ruysdael y Philips Wouwerman. Esta colección, tradicionalmente subestimada, ha sido objeto de una exposición y de la publicación del primer catálogo razonado de la misma en diciembre de 2009.​

Pintura británica

Retrato del médico Isaac Henrique Sequeira, de Thomas Gainsborough.

La histórica rivalidad entre España y el Reino Unido no contribuyó precisamente a facilitar la adquisición de obras de arte británicas por la Monarquía española, lo que redundó en que la sección de pintura inglesa del Museo del Prado no sea demasiado nutrida (no obstante, en Madrid hay una representación relativamente amplia de esta escuela en el Museo Lázaro Galdiano, de fundación privada). Las obras que hay llegaron mediante algunas compras y varias donaciones, casi todas ya en el siglo XX.

La colección del Prado está compuesta por obras fechadas en las últimas décadas del siglo XVIII y en el siglo XIX. Faltan en ella los grandes nombres del paisajismo inglés (Turner, Constable), pero sí hay en cambio algunos ejemplos de la obra de los principales retratistas. En la nómina figuran Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, George Romney, Francis Cotes, Henry Raeburn y John Hoppner, entre otros. Por otro lado, cuenta con varias vistas de distintos puntos de España del pintor del romanticismo David Roberts, que fueron adquiriéndose a lo largo del pasado siglo. Finalmente, ya de la época victoriana, el Museo tiene un espectacular lienzo del neerlandés afincado en el Reino Unido Lawrence Alma-Tadema, Escena pompeyana o La siesta, que ingresó en 1887 por donación de Ernesto Gambart.​

Algunos pintores representados

Por orden alfabético

Francesco Albani Lawrence Alma-Tadema José Antolínez Juan de Arellano Antonello da Messina Hans Baldung Grien Federico Barocci Jacopo Bassano Paul Baudry Francisco Bayeu Giovanni Bellini Ambrosius Benson Bartolomé Bermejo Pedro Berruguete Aureliano de Beruete El Bosco Sandro Botticelli François Boucher Dieric Bouts Agnolo Bronzino Brueghel de Velours Pieter Brueghel el Viejo Antoine-François Callet Robert Campin Alonso Cano Simone Cantarini Caravaggio Annibale Carracci Juan Carreño de Miranda José Casado del Alisal

Bernardo Cavallino Pieter Claesz Pieter Coecke Juan Correa de Vivar Correggio Pietro da Cortona Francis Cotes Lucas Cranach el Viejo Daniele Crespi Alberto Durero Anton van Dyck Adam Elsheimer Juan de Flandes Mariano Fortuny Fra Angelico Thomas Gainsborough Artemisia Gentileschi Orazio Gentileschi Luca Giordano Francisco de Goya El Greco Guercino Carlos de Haes Juan van der Hamen Willem Claesz. Heda Jacob Jordaens Juan de Flandes Juan de Juanes Giovanni Lanfranco Thomas Lawrence

Louis-Michel van Loo Vicente López Claudio de Lorena Bernardino Luini Federico de Madrazo José de Madrazo Raimundo de Madrazo Andrea Mantegna Quentin Massys Ernest Meissonier Luis Meléndez Hans Memling Anton Raphael Mengs Gabriel Metsu Luis de Morales José Moreno Carbonero Antonio Moro Antonio Muñoz Degrain Bartolomé Esteban Murillo Bernard van Orley Luis Paret Parmigianino Joachim Patinir Sebastiano del Piombo Nicolas Poussin Francisco Pradilla Rafael Sanzio Rembrandt Guido Reni Marinus van Reymerswaele Joshua Reynolds

Francisco Ribalta José de Ribera Martín Rico Hyacinthe Rigaud Hubert Robert George Romney Eduardo Rosales Pedro Pablo Rubens Jacob van Ruysdael Andrea Sacchi Alonso Sánchez Coello Juan Sánchez Cotán Andrea del Sarto Joaquín Sorolla Massimo Stanzione Mathias Stomer Bernardo Strozzi David Teniers el Joven Gerard Ter Borch Giambattista Tiepolo Giovanni Domenico Tiepolo Tintoretto Tiziano Georges de la Tour Andrea Vaccaro Juan de Valdés Leal Diego Velázquez Paolo Veronese Simon Vouet Antoine Watteau Rogier van der Weyden Philips Wouwerman Francisco de Zurbarán

Galería

• 
  La Anunciación, 1430-1432, de Fra Angelico.
• 
  El descendimiento, 1435, de Rogier van der Weyden.
• 
  Autorretrato , 1480, de Alberto Durero.
• 
  El Jardín de las Delicias, 1503-1504, de Hieronymus Bosch.
• 
  El Pasmo de Sicilia, o Caída en el camino del Calvario, por Rafael, 1517.
• 
  Carlos V a caballo en Mühlberg , 1548, de Tiziano.
• 
  La Trinidad , 1577–1579, de El Greco.
• 
  El caballero de la mano en el pecho, c. 1580, de El Greco.
• 
  David vencedor de Goliat, por Caravaggio, 1599.
• 
  La rendición de Breda, 1634-1635, de Diego Velázquez.
• Judit en el banquete de Holofernes, obra de Rembrandt, 1634.
  Judit en el banquete de Holofernes, obra de Rembrandt, 1634.
• 
  Las tres Gracias, 1636-1638, de Rubens.
• 
  Agnus Dei, 1635-1640, de Zurbarán.
• 
  La Inmaculada Concepción, 1678, por Bartolomé Esteban Murillo.
• 
  La familia de Carlos IV, 1800-1801, de Francisco de Goya.
• 
  Niños en la playa, obra de Joaquín Sorolla, 1910.

Dibujos y estampas

Sobresale la colección de dibujos de Goya, la más amplia del mundo. Junto a ella, la colección de dibujos españoles del siglo XIX, con más de 3.000 obras originales, es de extraordinaria importancia. Los fondos anteriores a 1600 son más limitados, pero incluyen un gran dibujo de Juan Guas sumamente raro, procedente del Museo de la Trinidad, que representa la capilla mayor del Monasterio de San Juan de los Reyes de Toledo, por él diseñado.​ Las colecciones de dibujos extranjeros son más desiguales, aunque incluyen notables ejemplos italianos, de autores como Giorgio Vasari (San Lucas pintando a la Virgen) y Annibale Carracci. También hay tres dibujos de Miguel Ángel, procedentes del legado Fernández-Durán, dos de ellos preparatorios para la Capilla Sixtina que fueron identificados en 2004.​​

Escultura

El conocido como Grupo de San Ildefonso, que representa a Orestes y Pílades, obra romana de hacia 10 a. C.

La colección de escultura del Museo procede en su mayor parte de las antiguas colecciones reales, aunque completada en épocas recientes con adquisiciones, legados y donaciones. Entre éstas últimas destaca la realizada en 2000 por el pintor chileno Claudio Bravo, consistente en diecinueve esculturas greco-romanas.​

Es muy destacable el fondo de esculturas antiguas, sobre todo obras romanas, aunque también algunos originales griegos, que se adquirieron para decorar los Reales Sitios. Hay raros ejemplos de escultura griega arcaica, así como versiones muy importantes del Diadúmeno de Policleto, Venus púdica (Venus del Delfín), Ariadna dormida o la Atenea Párthenos de Fidias, copias romanas de los originales perdidos. Las obras romanas originales comprenden piezas tan destacadas como la Apoteosis de Claudio o el muy conocido y copiado Grupo de San Ildefonso, obra maestra de la escultura imperial. Destacan también las Musas que pertenecieron a Cristina de Suecia, y que tras la última ampliación se ubican en el recibidor oval, bajo la sala de Las Meninas.

El segundo grupo en importancia del fondo escultórico corresponde al Renacimiento. Hay ejemplos debidos a Juan de Bolonia, Bartolomeo Ammannati e incluso dos rarísimas tallas de El Greco, Epimeteo y Pandora. Pero destaca de este periodo el conjunto de esculturas debidas a los broncistas milaneses Leone y Pompeo Leoni, entre ellas la célebre Carlos V dominando el Furor. De épocas posteriores, sobresalen las esculturas compradas en Italia por Velázquez.

En las salas que se han abierto en 2009 dedicadas al siglo XIX se han incorporado algunas esculturas de este periodo. Entre los representados figuran José Álvarez Cubero, los hermanos Venancio y Agapito Vallmitjana, Agustín Querol y Mariano Benlliure. Las obras de escultores extranjeros son escasas. Entre ellas hay dos antes atribuidas a Antonio Canova, Venus y Marte, ahora adjudicada a su círculo, y Hebe, que actualmente se considera realizada por su más destacado discípulo, Adamo Tadolini, copiando un original del maestro. También hay una escultura de Hermes, tradicionalmente considerada de la mano de Bertel Thorvaldsen y hoy asignada a su taller.

Artes decorativas

Vaso de la Montería (detalle), una de las piezas del Tesoro del Delfín.

Además del Tesoro del Delfín, la sección de Artes decorativas del Museo consta de tapices, armaduras y porcelanas, así como de un conjunto de 804 medallas de los siglos XV al XIX y 946 monedas autónomas españolas legado por Pablo Bosch. También es muy notable la colección de piedras duras, una de las más importantes en todo el mundo.

El Tesoro del Delfín se denomina así por haber pertenecido a Luis de Francia, el Gran Delfín, que falleció durante una epidemia de viruela en 1711 sin haber llegado a reinar, siendo parte de él heredado al año siguiente por su segundo hijo, Felipe V de España. El primer Borbón español recibió 169 obras, un porcentaje no muy grande del total (698 inventariadas en 1689), pero que fueron seleccionadas entre las mejores de la colección. Sin embargo casi todas las actualmente existentes están mutiladas por los robos producidos durante la Invasión francesa y otro realizado a principios del siglo XX, que además redujeron su número a 120. De ellas, 49 están realizadas en cristal de roca y las otras 71 en piedras duras (piedras semipreciosas como ágata, lapislázuli, calcedonia, jaspe, jade, serpentina o alabastro) y otros materiales, como conchas de nautilos. Las guarniciones son generalmente de oro, aunque también hay algunas de plata, tanto sobredorada como en su color, y frecuentemente van realzadas con ricos esmaltes y piedras finas (turquesas, amatistas, granates) y preciosas (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes), además de con perlas.

La mayor parte de las piezas son de los siglos XVI y XVII, de talleres parisinos e italianos (en el caso de las de cristal de roca, milaneses en concreto), aunque también hay ejemplares de la Antigua Roma, bizantinos, medievales e incluso de la Persia sasánida, el Imperio mogol y China.

Se muestran también algunos de los estuches de cuero en los que se guardaban estas piezas y que se realizaron reproduciendo exteriormente su forma con el fin de poder identificarlas sin necesidad de abrirlos (varios más se exhiben en el Museo Nacional de Artes Decorativas).

La colección de piedras duras comprende tableros, consolas y paneles decorativos, tanto de la Real Fábrica del Buen Retiro (que además de dedicarse a la porcelana tenía también un taller dedicado a esta especialidad); como de manufacturas italianas (Talleres Papales de Roma y Granducales de Florencia -Opificio delle Pietre Dure-). Dentro de esta colección destacan los dos tableros sostenidos por leones de bronce dorado, el Tablero de mesa de Felipe II y la Mesa de don Rodrigo Calderón, exhibidos en la Galería Central y restaurados en 2008.​ Los leones, cada uno de los cuales apoya una garra sobre una bola de caliza de color rojizo, fueron encargados por Velázquez durante su segundo viaje a Italia para decorar el Salón de los Espejos del antiguo Real Alcázar de Madrid, dado que a su cargo de Pintor de Cámara unía el de Aposentador Real.​ El conjunto original se componía de doce, realizados entre 1651 y 1652, de los que el Prado posee siete. Otros cuatro se conservan en el Salón del Trono del Palacio Real de Madrid, mientras que el restante sufrió daños muy graves en el incendio del Alcázar -1734- (el otro león que tiene el Museo es una copia de 2004 que ha sustituido a otra de 1837 que se encontraba muy deteriorada). Su modelo fue un león de Flaminio Vacca de 1594, a su vez copia de uno del siglo II d.C., ambos en aquella época en la Villa Medici de Roma. Fueron fundidos por Matteo Bonucelli da Lucca (también conocido en España como Matteo Bonarelli de Luca), fundidor ayudante de Bernini, y del que el Prado posee otras dos obras: la Venus de la concha y el famoso Hermafrodita que se expone en la sala de Las Meninas, éste último un caso excepcional, ya que la copia resultó de tanta calidad que superó al original.

El "Prado disperso"

Las excepcionales vicisitudes del Prado, concebido primero como Museo Real, elevado después a la categoría de Museo Nacional, que absorbió en 1872 los fondos del disuelto Museo de la Trinidad; junto a las donaciones, adquisiciones, legados, que se han ido suceciendo desde la fundación en 1819, han hecho que los límites físicos del Museo se vieran desbordados en muchas ocasiones.

Ya desde el mismo instante en que abrió sus puertas, el Museo tuvo que dedicar más espacio a los almacenes que a la propia exposición de obras.​ Esta situación se vio más complicada con la llegada de los fondos del Museo de la Trinidad, excepcionalmente cuantiosos y formados por grandes pinturas de altar en muchos casos, difíciles de exponer y almacenar. Hay que tener en cuenta que el edificio del museo no se concibió para albergar colecciones de pintura, sino como Gabinete y Academia de Ciencias. De este modo, durante buena parte de los siglos XIX y XX, se siguió la política de ceder a diversas instituciones, en régimen de préstamo temporal, algunos de los fondos que habitualmente no podían exponerse por falta de espacio. Tales cesiones no siempre siguieron criterios de pertinencia ni se controlaron mediante inventarios, de modo que realizar un catálogo de estos fondos ha sido una tarea ardua y difícil: la labor se vio completada en los años 90 del siglo XX con la aparición del Inventario General del Museo, en tres volúmenes.​ Hay que anotar que muchas de estas obras pasaron a museos provinciales o locales (como el museo Balaguer de Vilanova i la Geltrú), pero otras acabaron en oficinas, iglesias (por ejemplo, la Basílica de Covadonga) e incluso despachos particulares. Según la página web del museo,​ del total de obras que posee el Prado, alrededor de 3100 se encuentran depositadas en diferentes instituciones, incluyendo algunas en el extranjero. Con la reordenación de las colecciones consiguiente a la ampliación, la dirección del museo pretende concentrar y racionalizar estos depósitos de forma que se garantice tanto su exposición al público como su conservación.​ Para ello, con la cesión al Estado del Palacio de los Águila en Ávila y su adscripción al Prado, pretende crearse un Centro de Gestión de Depósitos en dicho inmueble, al que serían trasladados parte de los fondos, quedando el resto en los Museos Provinciales más destacados -véase sección Palacio de los Águila (Ávila)-. Este proyecto, que ha sufrido paralizaciones y demoras, está aún en fase de estudio y definición, y hasta que la rehabilitación de dicho inmueble no sea completada no será del todo efectiva.​

Obras recibidas en depósito

San Jerónimo leyendo una carta, de Georges de La Tour, en depósito del Ministerio de Trabajo desde el año 2006.

Teniendo la mayor parte de sus propios fondos sin exponer, es obvio que las obras de terceros que el Museo acepta en depósito para exhibir en sus salas se circunscriben a piezas de muy alta calidad, siendo en consecuencia su número muy limitado. Casi todas estas pinturas prestadas pertenecen a otros organismos públicos, por lo que su permanencia en el Museo es bastante segura y la condición de préstamo es casi meramente técnica.

Entre ellas figuran obras tan significativas como El jardín de las delicias, de Hieronymus Bosch (El Bosco), El descendimiento de la cruz, de van der Weyden y El Lavatorio, de Tintoretto. Las tres proceden del Monasterio de El Escorial e ingresaron en el Prado en 1939, cuando regresaron a España de vuelta de Ginebra, a donde habían sido trasladadas durante la Guerra Civil junto con las obras maestras del Museo y algunas de particulares (como La condesa de Chinchón, de Goya, propiedad entonces de los duques de Sueca). Dichas obras pertenecen realmente a Patrimonio Nacional y permanecen en el Prado en depósito (El descendimiento fue sustituido en El Escorial por una copia de Michel Coxcie propiedad del Prado).

Otra destacada pieza, incorporada recientemente (2006), es San Jerónimo leyendo una carta, de Georges de la Tour, identificada fortuitamente en la sede central del Instituto Cervantes de Madrid y que fue depositada por el entonces Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales. También están en depósito los seis fragmentos de las pinturas murales de la ermita de San Baudelio de Berlanga, que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) dejó en depósito indefinido en 1957, a cambio del ábside de la iglesia de San Martín de Fuentidueña.​

Entre los depósitos de particulares destacan la Piedad, obra maestra de Sebastiano del Piombo, o La mujer barbuda, de José de Ribera, cedidas ambas por la Casa de Medinaceli; y el Retrato de Michele Marullo Tarcaniota, de Sandro Botticelli, que perteneció a Francesc Cambó y que permanece depositado por sus herederos desde 2004.

Las sedes

Panorama del conjunto de edificios que integran el denominado Campus Prado, con el Edificio Villanueva en primer término, el Cubo de Moneo y el Edificio Aldeasa detrás de él, y, al fondo a la izquierda, el Salón de Reinos y el Casón del Buen Retiro.

Edificio Villanueva

El edificio diseñado por Juan de Villanueva, en su concepción original, está formado por un cuerpo central terminado en ábside, al que flanquean dos galerías alargadas que terminan en pabellones cuadrados, uno a cada extremo. Dicho esquema fue ampliamente modificado, primero para adaptar al uso de pinacoteca un edificio que había sido concebido para Gabinete de Historia Natural (luego Museo de Ciencias Naturales), y después en las sucesivas ampliaciones que se fueron relizando, y que afectaron sobre todo a la fachada que mira a la iglesia de los Jerónimos.

El cuerpo central destaca en planta y en alzado por un gran pórtico compuesto por seis columnas de orden toscano, un entablamento, una cornisa y un ático que lo remata. Esta fachada es el acceso principal, orientado hacia el Paseo del Prado, y presenta la originalidad de no disponer sobre la columnata del característico frontón triangular, sino de uno con forma rectangular, adornado por un friso escultórico obra de Ramón Barba, representando una alegoría del rey Fernando VII como protector de las ciencias, las artes y la técnica. En su cara posterior, esta sección central termina en forma semicircular o absidial, de tal modo que su plano adopta forma basilical. Originariamente, dicha estancia abarcaba las dos plantas de altura, y a finales del XIX se dividió en dos pisos. El inferior era la sala de juntas, hasta su reciente conversión en recibidor. La planta superior es la actual sala 12, presidida por Las Meninas.

Planta del antiguo Museo del Prado, antes de su última ampliación.

Las dos galerías laterales tienen dos plantas en altura. La inferior con unos ventanales profundos y alargados que acaban en arco de medio punto y la superior con una galería de columnas jónicas (en la actualidad hay un tercer piso retranqueado, obra posterior).

La fachada norte presenta un pórtico con dos columnas jónicas y sobre ellas un entablamento liso. Esta fachada corresponde a la segunda planta del edificio. Cuando se construyó el edificio, la primera planta quedaba, por ese lado, bajo el nivel del terreno, que por aquella época bajaba en una pequeña cuesta hasta el paseo del Prado, hasta que más tarde se desmontó este desnivel hasta ponerlo a la misma altura que el suelo real del monumento. Hubo que construir una escalinata para su acceso (1882).

Vista de la fachada norte original del Museo del Prado (Entrada al Real Museo por el Lado de San Jerónimo, de Fernando Brambila).

La fachada sur (que da a la plaza de Murillo, frente al Jardín Botánico) está formada por un vano adintelado, de acceso al interior, y una logia o galería con seis columnas de orden corintio sobre las que se apoya un entablamento.

El interior del edificio es abovedado en sus salas centrales. El vestíbulo de la entrada norte está formado por una rotonda con ocho columnas jónicas cuya bóveda tiene decoración de casetones.

En el exterior, frente a la fachada principal, está ubicada la estatua de Velázquez, obra del escultor Aniceto Marinas. El pedestal es de Vicente Lampérez. Tiene una dedicatoria: Los artistas españoles, por iniciativa del Círculo de Bellas Artes, 1899. Este monumento se inauguró el día 14 de junio de ese mismo año con la presencia de la Reina Regente y de Alfonso XIII. Fue una ceremonia muy emotiva en la que se rindió homenaje y reconocimiento al gran pintor Velázquez y a la pintura española. Además de los reyes acudieron al acto:

• Como delegados de Francia, los pintores Jean Paul Laurens y Carolus Duran. Depositaron coronas con cintas que llevaban los colores franceses y en las que podía leerse: «Au grand Velázquez, les peintres français».
• Los embajadores de Alemania y del Imperio austrohúngaro.
• Edward Poynter, director de la Academia Real (Royal Academy) y de la Galería Nacional (National Gallery) de Londres.
• Mariano Benlliure, en nombre de los artistas de Roma.
• Representación de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría y del Ayuntamiento de Sevilla.
• Asociación de Escritores y Artistas.
• Escuela de Bellas Artes de Madrid, Barcelona y Valladolid.
• Sociedad de Arquitectura, Ayuntamiento, Diputación Provincial y Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Existen además, junto a sus puertas principales, otros dos monumentos del siglo XIX, dedicados a Goya, obra del escultor valenciano Mariano Benlliure, y a Murillo.​

Ampliaciones y reformas del edificio

Entre las reformas más importantes del edificio concebido por Villanueva, cabe citar, por orden cronológico, la de Narciso Pascual y Colomer, que diseñó la basílica y el ábside del cuerpo central (1853); la de Francisco Jareño, que desmontó la cuesta por la que se accedía a la fachada norte y crea una escalera monumental, abriendo ventanas en la parte baja (1882 y 1885); en 1927, Fernando Arbós y Tremanti construyó dos pabellones en la parte posterior del edificio; hacia la mitad del siglo se llevó a cabo la reforma de Pedro Muguruza, con una remodelación de la galería central y una nueva escalera para la fachada norte (que contó con bastantes críticas, ya que destruyó la espléndida escalera ideada por Jareño), con la intención de dar más luz a la zona de la cripta; Chueca Goitia y Lorente realizaron a su vez ampliaciones en las salas (1956 y 1967). La incorporación del Casón del Buen Retiro, en un principio para albergar las colecciones de pintura de los siglos XIX y XX, se decidió en 1971.

Edificio Jerónimos

Vista del llamado Cubo de Moneo, junto a la iglesia de los Jerónimos.

Siguiendo el proyecto de Rafael Moneo, en 2007 se culminó la mayor ampliación del Museo en sus casi doscientos años de historia. Esta ampliación no supuso cambios sustanciales para el Edificio Villanueva, y se plasmó en una prolongación hacia el claustro de los Jerónimos (el llamado Cubo de Moneo) a fin de que el museo contase con espacio suficiente para sus crecientes necesidades.

La conexión entre ambos edificios es subterránea, pues aprovecha y cubre el desnivel entre los Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. Las mejoras más visibles de esta intervención incidieron en la atención al visitante (vestíbulo, bar-restaurante, taquillas, tienda), la ampliación de los espacios expositivos, con cuatro nuevas salas para exposiciones temporales en dos plantas y la habilitación del claustro como sala de escultura; un auditorio nuevo y una sala de conferencias, así como otros espacios de uso interno (restauración y almacenes). Esta ampliación se presentó el 27 de abril de 2007 si bien la inauguración oficial no tuvo lugar hasta medio año después, el 30 de octubre, con una muestra temporal de las piezas más significativas de la colección de pintura española del siglo XIX, que había permanecido almacenada durante diez años, desde el inicio de las obras en el Casón en 1997.

La incidencia definitiva de la ampliación no será totalmente perceptible hasta 2010-12, ya que falta por reordenar toda la colección expuesta y sumarle más piezas.​ El traslado de los almacenes y equipos científicos al Cubo de Moneo liberó 25 salas del edificio principal que serán acondicionadas gradualmente. Los responsables del museo estiman en un 50% el incremento de obras expuestas, es decir, unas 450-500, que se podrán contemplar en nuevas salas del edificio Villanueva. En octubre de 2009 se abrieron los nuevos espacios dedicados al arte del siglo XIX, desde los últimos neoclásicos hasta Sorolla, incorporando tales corrientes artísticas, a menudo subestimadas, al discurso expositivo del Museo.​

Casón del Buen Retiro

Fachada oeste del Casón, obra del arquitecto Ricardo Velázquez Bosco.

El hoy conocido como Casón es una de las dependencias del antiguo Palacio del Buen Retiro que han llegado a nuestos días. Concebido como Salón de Bailes de dicho palacio, quedó muy malparado tras la Guerra de la Independencia (1808-1814), tras ser ocupado y parcialmente destruido por las tropas francesas. La parte subsistente, ya como edificio autónomo y separado de lo que fue el antiguo palacio, fue objeto de varias reformas a lo largo del siglo XIX. Se le dotó entonces de monumentales fachadas neoclásicas, de las cuales la occidental, con escenográfica columnata, fue diseñada por Ricardo Velázquez Bosco (la oriental, frente al Parque del Retiro, es del discreto arquitecto Mariano Carderera). Durante este siglo el edificio tuvo diversos usos, llegando ser sede del Estamento de Próceres (precedente del actual Senado). Ya en el siglo XX, fue utilizado como sala de exposiciones, albergando varias de las más importantes que se concibieron tras el paréntesis de la Guerra Civil. Decidido ya su uso museal, quedó adscrito al Prado en 1971, albergando desde entonces la sección correspondiente al arte del siglo XIX, función muy acorde con su arquitectura decimonónica, pero de escaso atractivo para los visitantes, dada la separación del Casón del edificio Villanueva, y el desconocimiento general hacia el arte español de esa época. Tal situación quedó paliada con la llegada del Guernica y otras pinturas muy representativas de la vanguardia pictórica española, como varias de Juan Gris. Tras la reordenación de las colecciones estatales de pintura y la creación del Museo Reina Sofía, se pensó en el Casón como espacio ideal para las exposiciones temporales del Prado. Finalmente, esas funciones y la pintura del siglo XIX han sido transferidas a la ampliación de Moneo y el edificio histórico, respectivamente. Tras ser sometido a una profunda reforma a principios del siglo XXI, que incluyó la restauración de la bóveda pintada por Luca Giordano en la sala central, es desde 2009 la sede del Centro de Estudios del Museo, la llamada Escuela del Prado, que, siguiendo el modelo de la École du Louvre, está dedicado a la investigación así como a la formación de especialistas en los diversos campos de la Historia del Arte. De este modo, el Casón alberga actualmente la Biblioteca del Museo del Prado, con la sala de lectura instalada en el salón principal bajo los frescos de Giordano. Este Centro recibió una aportación extraordinaria al donar el rey Don Juan Carlos el importe íntegro del premio que le otorgó la Mutua Madrileña (750.000 €) al Museo y destinarlo éste a tal fin.​ El Centro abrió sus puertas por primera vez el 9 de marzo de 2009. Cuenta con libros sobre pintura, dibujo e iconografía, escultura y artes decorativas, en un arco que abarca desde la Edad Media hasta el siglo XIX. Parte de ellos son catálogos de exposiciones, existiendo también un importante fondo antiguo, en buena medida gracias a las recientes adquisiciones de las bibliotecas Cervelló y Madrazo. En total hay alrededor de 60.000 volúmenes y unos 700 títulos de revistas, 200 de ellas vivas. En 1987 se inició la digitalización de los fondos, pudiendo accederse ya a la mayoría a través de terminales instalados en la sala de lectura.​ Uno de los principales programas que desarrolla el Centro de Estudios es el de las Cátedras anuales. La primera de ellas, la del año 2009, ha tenido como titular al director emérito del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Philippe de Montebello.​

Otras sedes

Salón de Reinos

El Salón de Reinos, que, tras acoger durante décadas al Museo del Ejército, será reformado en los próximos años para su uso por el Prado.

Correspondiente al ala principal (norte) del antiguo Palacio del Buen Retiro, recibe su nombre por haber albergado originalmente el Salón de Reinos o de Embajadores, donde el rey recibía a los dignatarios extranjeros; dicho espacio se concibió como una escenográfica puesta en escena de la monarquía española, con grandes cuadros encargados por Felipe IV a los principales pintores de la época, entre ellos Velázquez (La rendición de Breda y los retratos ecuestres de Felipe III, la reina Margarita de Austria, Felipe IV, la reina Isabel de Borbón y el príncipe Baltasar Carlos), Juan Bautista Maíno (La recuperación de Bahía) y Zurbarán (la serie de Los trabajos de Hércules, La Defensa de Cádiz contra los ingleses y otro cuadro de batalla hoy perdido). Tras la casi total destrucción del palacio (ver Casón del Buen Retiro) esta parte del mismo fue destinada a albergar el Museo del Ejército, y muy modificada para dicho fin. En el concurso internacional para la ampliación del Museo del Prado (1995-1996),​ ya se preveía la adscripción al mismo de este edificio, para lo cual se ordenó el traslado del Museo del Ejército al Alcázar de Toledo. Está previsto licitar la obra en 2009 ó 2010 y realizar la adjudicación, ejecución de trabajos y habilitación en el periodo 2010-2012, con un presupuesto de 42,5 millones de €. Se destinará tanto a exposiciones temporales como a exhibir obras de la propia colección permanente del Museo.​

Edificio Aldeasa

El Edificio Aldeasa, sede de las oficinas del Museo.

Situado junto al Claustro de los Jerónimos, se trata de un edificio de oficinas de factura contemporánea. Perteneciente al Patrimonio del Estado, estuvo inicialmente asignado a la empresa de dicho nombre, entonces de propiedad estatal, hasta que fue privatizada en 1997. Fue entonces adscrito al Prado por iniciativa del entonces Presidente del Gobierno José María Aznar, para instalar en él las oficinas del Museo, hasta entonces ubicadas en la segunda planta del ala sur del edificio Villanueva, en la que tras el desalojo se habilitaron once nuevas salas, diez que acogen obras de Goya (entre ellas los cartones para tapices) y de contemporáneos suyos, como Paret y Maella, y una circular que se utilizó inicialmente como sala de exposiciones temporales de dibujos, y que, tras el traspaso de las actividades expositivas al Edificio Jerónimos, se ha habilitado como sala de bocetos y pinturas de gabinete españoles del siglo XVIII.​ La rehabilitación del conjunto de estas salas se hizo según proyecto del artista Gustavo Torner, que ya previamente había diseñado la de la segunda planta del ala norte (antes ocupada por el taller de restauración y en la que en un primer momento se instalaron las colecciones de arte europeo del siglo XVIII) y varias salas más de las plantas baja y primera.​ Por otro lado, en el edificio contiguo, en el número 21 de la calle Ruiz de Alarcón, está la sede de la Fundación Amigos del Museo.

Palacio de los Águila (Ávila)

Palacio de los Águila, en Ávila, futuro Centro de Gestión de Depósitos del Museo.

Este edificio abulense, conocido como Casa de Miguel del Águila, por quien mandó construirlo en 1546, o, más comúnmente, como Palacio de los Águila, fue adquirido en 1901 por don José María de Narváez, duque de Valencia. En 1983 falleció su última propietaria privada, doña María Luisa Narváez Macías, duquesa de Valencia, que lo legó al Estado con todo su contenido para la instalación de un museo, legado aceptado en 1985. Inicialmente (1992) fue adscrito al Museo de Ávila, pero mediante un nuevo Convenio de colaboración entre el entonces Ministerio de Educación y Cultura y la Junta de Castilla y León se cambió la adscripción, pasando a estar asignado desde entonces al Museo del Prado.​ De este modo, este antiguo palacio de típica cantería abulense pasaba a ser la primera sede del Prado fuera de Madrid, siendo destinado a acoger el Centro de Gestión de Depósitos (véase sección El "Prado disperso"). Arquitectónicamente sigue los modelos típicos de las casas señoriales abulenses de la época. Sus líneas son muy sobrias, concentrándose la escasa decoración en la portada, en la que figuran tres escudos sostenidos por águilas. Consta de dos pisos con un patio. Las labores para la adaptación a su nuevo uso se iniciaron en 2003, pero han pasado por muchas vicisitudes, incluido un contencioso entre el Ministerio y la empresa adjudicataria que acabó con la rescisión del contrato y la adjudicación a una nueva contratista. También ha habido retrasos a causa del hallazgo de restos arqueológicos romanos, medievales y modernos, resultando todo ello en que en la actualidad (2009) las obras no hayan aún concluido.​

Actividad científica

El Museo Nacional del Prado cuenta con un importante número de investigadores en sus distintas Áreas de Conservación, y establece colaboraciones con otros reputados investigadores e historiadores del Arte para desarrollar algunos de sus proyectos más importantes. Además, de forma continua, publica un Boletín en el que prestigiosos autores estudian aspectos inéditos de muchas de sus obras, así como un amplio número de catálogos de exposiciones y catálogos razonados de sus cuantiosas colecciones. Cuenta con un gabinete técnico y un laboratorio químico en el que se hacen estudios de las obras de su colección o de otras obras importantes, en relación con campañas de restauración. El Museo, además, a través de su Área de Educación, organiza Cursos de Alta Especialización, Congresos internacionales y symposia. La reciente creación del Centro de Estudios del Museo viene a reforzar la actuación del Prado en este campo (ver sección Casón del Buen Retiro).

Política de exposiciones

El Museo Nacional del Prado lleva a cabo una intensa política de exposiciones temporales que revisa, conmemora y da a conocer los aspectos de la Historia del Arte que más estrechamente se relacionan con sus propias colecciones, o que la complementan. Así, el Prado ha repasado a través de exposiciones temporales los grandes núcleos de interés de sus colecciones, desde la pintura medieval hasta la del siglo XIX,​ pasando por los aspectos más llamativos de sus colecciones como Patinir,​ Durero,​ Tiziano,​ Tintoretto,​ Velázquez,​ Murillo,​ El Greco​ o Goya,​ o de los artistas que no tienen representación a pesar de tratarse de grandes pintores de la Historia, como Vermeer,​ así como algunos de los coleccionistas más importantes relacionados con su historia, como Felipe II,​ Felipe IV,​ Cristina de Suecia, Carlos I de Inglaterra,​ Felipe V​ o Ramón de Errazu.​

Desde abril de 2007 y en conexión con la apertura de la ampliación de la Pinacoteca, que tendría lugar en noviembre de ese año, dio comienzo una nueva política de exposiciones que asume la exhibición de obras de artistas contemporáneos. Hasta ahora se han celebrado ya una exposición de fotografías de Museos de Thomas Struth,​ que se convirtió así en el primer artista vivo que expone en el Prado desde el siglo XIX, también se ha visto una selección de obras de artistas españolas en activo con las colecciones del Prado como referencia en común,​ un happening de Miquel Barceló acompañado del coreógrafo Josef Nadj,​ una de Cy Twombly​ inspirada en la Batalla de Lepanto y una antológica de Francis Bacon,​ que redefinen así la misión sustancial del Prado en la cultura española y le implican directamente en la acción del Estado sobre el arte actual. Este nuevo rumbo del Museo ha suscitado importantes críticas por reconocidos expertos en el campo de la museología y la historia del arte.​ De hecho, se ha considerado que esta nueva programación podría afectar de algún modo al Decreto que marca el límite de la actividad museística entre los dos grandes museos nacionales españoles de pintura y que señala que los artistas nacidos después de 1881, año del nacimiento de Picasso, corresponden salvo algunas excepciones que están especificadas en ese documento legal, al Museo Reina Sofía, cuya acción quedaría menoscabada por la acción del Prado.​

Desde 2009 se ha iniciado una nueva modalidad dentro de este apartado con el programa La obra invitada, en colaboración con otros museos del mundo, y mediante el cual se ha expuesto la Magdalena Penitente de Georges La Tour, prestada por el Museo del Louvre.

Además hay conciertos, representaciones teatrales y se realizan proyecciones de largometrajes y documentales como complemento de las exposiciones, y también existen ciclos de conferencias, en muchos casos conectados igualmente con las muestras temporales. Asimismo desarrolla una amplia labor difusora del conocimiento de sus colecciones a través de ambiciosos programas educativos destinados a centros docentes fuera y dentro de la Comunidad de Madrid.

Algunas curiosidades

• Ningún museo o colección en el mundo supera al Prado en cuanto a la representación de los siguientes artistas:

• El Greco (36 pinturas y dos esculturas).
• Velázquez (48 pinturas, de las poco más de 120 catalogadas, entre ellas casi todas sus obras capitales).
• Goya (133 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones para tapices).
• Eduardo Rosales, (casi 200 obras, entre pinturas y dibujos).
• Tiziano (40 pinturas), junto con importantes series de Tintoretto y Veronés.
• El Bosco, (6 obras seguras y varias más atribuidas).
• Patinir (varias de sus obras maestras, de su cortísima producción).
• Rubens (alrededor de 80 obras, algunas pintadas a dúo con otros artistas).

• En el museo se encuentra el cuadro llamado La Gloria pintado por Tiziano para Carlos V, que junto al retrato de la Emperatriz del mismo autor le acompañaría en su retiro del monasterio de Yuste en Cáceres, Extremadura.

• Se guarda también el Retrato ecuestre de la reina Margarita del pintor Bartolomé González, mostrando dos de las joyas más famosas del Joyero de la Corona de España: la perla llamada Peregrina (que actualmente se cree identificar por algunos con la que está en poder de Elizabeth Taylor) y el diamante el Estanque, hallado en tierra de Madrid y tallado por Jacopo Nizzolo da Trezzo (conocido también en España como Jacometrezo).

• En sus inicios, el Museo abría apenas dos o tres días a la semana, y cerraba siempre que llovía, se supone que para evitar masificaciones y suciedad. Por otro lado, durante un tiempo las salas de escultura no estuvieron debidamente pavimentadas, y el polvo debía eliminarse regando el suelo con agua, aunque pronto se esteró y posteriormente se instaló tarima de madera en casi todas las salas. Por cuestiones de seguridad, la madera fue sustituida por mármol después de los años 30.

• La famosa Dama de Elche es en realidad propiedad del Prado (número de catálogo E433), encontrándose en el Museo Arqueológico Nacional en condición de depósito. Se obtuvo en 1941 mediante un intercambio de obras con el Gobierno de Vichy del mariscal Pétain, un acuerdo tremendamente desequilibrado (a favor de España), que incluyó también la Inmaculada Concepción de los Venerables o Inmaculada de Soult (por el mariscal francés que la robó) de Murillo, que era al igual que la Dama propiedad del Museo del Louvre, y varias piezas del Tesoro de Guarrazar, que pertenecían al Museo Nacional de la Edad Media de París (Museo de Cluny), además de los restos de las esculturas ibéricas de Osuna. A cambio se entregó a Francia un retrato de Mariana de Austria de Velázquez, del que el Prado poseía otra versión casi idéntica (se transfirió la versión considerada de inferior calidad, que para algunos es incluso simplemente una copia de taller), y una obra de El Greco del Museo de Santa Cruz de Toledo.​ Permaneció en el Prado durante 30 años, desde que regresó a España hasta que en 1971 fue trasladada al M.A.N..​

Véase también

General

• Historia del Museo del Prado.
• Anexo:Directores del Museo del Prado.
• Fundación Amigos del Museo del Prado.
• Enciclopedia del Museo del Prado.

Colecciones

• Pintura española del Museo del Prado.
• Pintura italiana del Museo del Prado.
• Pintura italiana del Quattrocento del Museo del Prado.
• Pintura flamenca del Museo del Prado.
• Pintura holandesa del Museo del Prado.
• Pintura francesa del Museo del Prado.
• Pintura alemana del Museo del Prado.
• Pintura británica del Museo del Prado.
• Escultura del Museo del Prado.
• Artes decorativas del Museo del Prado.

Arquitectura

• Edificio Villanueva del Museo del Prado.
• Casón del Buen Retiro.
• Salón de Reinos.
• El Cubo de Moneo.

Notas y referencias

Referencias bibliográficas

• Arbeteta Mira, Letizia (2001). El Tesoro del Delfín. Catálogo razonado. Museo Nacional del Prado. ISBN 84-8480-024-5. 

• Balis, A.; Díaz Padrón, M.;Van der Velde, C.; Vlieghe, H. (1991). La pintura flamenca en el Prado. Fonds Mercator. ISBN 84-87007-54-6. 

• Bettagno, Alessandro; Brown, Christopher; Calvo Serraller, Francisco; Haskell Francis; Pérez Sánchez, Alfonso Emilio (1996). El Museo del Prado. Fonds Mercator. ISBN 90-6153-363-5. 

• Pérez Sánchez, Alfonso Emilio (1993). El Prado. Londres: Scala Books. ISBN 1-870248-46-5. 

• VV.AA. (2006). La enciclopedia del Museo del Prado. Tf. Editores. ISBN 84-96209-60-1. 

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Museo del Prado.
• Página web oficial.
• Tienda Prado Tienda oficial online.
• El Museo del Prado en el Centro Virtual Cervantes.
• El Museo del Prado en Google.
• Reportaje sobre varias obras maestras del Prado, con imágenes de Google y música
• Reportaje sobre la sede del Museo del Prado.