Inside Out (película de 2015)
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Inside Out (titulada Intensa-Mente en Hispanoamérica y Del revés (Inside Out) en España) es una película estadounidense de animación por computadora en 3D de comedia dramática y aventuras de 2015, producida por Pixar Animation Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. Su trama se desarrolla en la mente de una niña, Riley Anderson (Kaitlyn Dias), donde cinco emociones —Alegría (Amy Poehler), Tristeza (Phyllis Smith), Temor/Miedo (Bill Hader), Furia/Ira (Lewis Black) y Desagrado/Asco (Mindy Kaling)— buscan guiarla en el día a día de su vida. El filme fue dirigido y escrito por Pete Docter y Ronnie del Carmen, producido por Jonas Rivera y con música de Michael Giacchino.
Docter comenzó a desarrollar Inside Out, su tercer largometraje, en 2009 tras observar cambios en la personalidad de su hija. Los productores consultaron a numerosos psicólogos y neurólogos, incluyendo a Dacher Keltner[6] de la Universidad de California en Berkeley, quien ayudó a revisar la historia enfatizando los descubrimientos en neuropsicología que indican que las emociones humanas se reflejan en las relaciones interpersonales y pueden ser significativamente moderadas por ellas.[7]
La película se estrenó el 19 de junio de 2015, aunque previamente se mostró durante el 68.º Festival de Cine de Cannes en mayo, acompañada del cortometraje Lava, dirigido por James Ford Murphy. Tras su estreno obtuvo críticas positivas, con especial atención a las actuaciones de Poehler, Smith y Richard Kind, a su banda sonora y a los temas que aborda. Recaudó más de 857 millones de dólares a nivel mundial[5] —con 90.4 millones, tuvo el fin de semana de estreno de mayor recaudación para un filme original—. Por otra parte, recibió múltiples premios y nominaciones, como el Globo de Oro, el premio de la Crítica Cinematográfica, el premio Annie y el premio Óscar a la mejor película animada. En 2016, fue nombrada por la BBC como una de las 100 mejores películas del siglo XXI.[8]
Índice
Argumento[editar]
Riley Anderson es una niña de 11 años nacida en Minesota que a lo largo de toda su vida ha llevado un crecimiento emocional bastante saludable gracias a que la emoción que más la predomina, Alegría se asegura de que sea una niña optimista casi todo el tiempo. Ella labora en el cuartel central junto al resto de las otras emociones básicas: Tristeza, Temor, Desagrado y Furia; la mayoría de ellos cumplen y están conscientes de su propósito en la vida de Riley, con excepción de Tristeza cuya actitud pesimista tiende a ponerla en conflicto con Alegría. Así mismo Alegría ha sido la responsable de la creación de los 5 pensamientos centrales de Riley, aspectos fundamentales en su personalidad.
Cuando Riley tiene que mudarse de su hogar a la ciudad de San Francisco por el empleo de su padre, la niña comienza a sufrir de una inestabilidad emocional poniendo a prueba el liderazgo de Alegría y su control sobre las demás emociones a medida que su primer día en San Francisco empeora, en especial con Tristeza que comienza a actuar de forma más inquieta cuando convierte algunos recuerdos alegres en tristes al tocarlos. En su esfuerzo por mantener a Riley feliz Alegría asume el control total del cuartel central hasta que en una presentación en su nueva escuela, Tristeza toma el control, entristece otro recuerdo y crea un pensamiento central triste. Alegría trata de deshacerse del pensamiento pero crea una riña con tristeza que resulta en las dos siendo enviadas hacia memoria a largo plazo junto a los pensamientos centrales y abandonando al resto de sus compañeros.
En ausencia de Alegría, Temor, Desagrado y Furia intentan mantener a Riley feliz pero solo la aíslan paulatinamente de sus amigos y familia así como hacer que se comporte de manera cínica y temperamental. Por su parte Alegría y Tristeza tratan de encontrar la manera de volver al cuartel central gracias a que esta última conoce a fondo la memoria a largo plazo. En su búsqueda ellas se encuentran a Bing Bong, el amigo imaginario de la infancia de Riley, quien se compromete a ayudarlas a volver al cuartel cuando alegría le promete que se aseguraran de que sea recordado de nuevo. Después de ver como Riley pierde las islas de las bobadas y de la amistad, Bing Bong sugiere desplazarse por el tren del pensamiento al cuartel general pero pierden la oportunidad de abordarlo cuando casi quedan atrapados en pensamientos abstractos. Como consecuencia Riley pierde la isla del Hockey al tratar de audicionar para una liga infantil de dicha ciudad.
En el cuartel general Furia propone como idea hacer que Riley huya de casa para crear pensamientos felices en Minesota, idea que tanto Desagrado como Temor aceptan pero que posponen para al día siguiente. En la memoria a largo plazo Alegría, Tristeza y Bing Bong por fin alcanzan el tren del pensamiento pero como Riley se queda dormida; ellos intentan despertarla al irrumpir en su sueño. Sí bien Alegría se opone a asustar a Riley, ella acaba cediendo cuando ve que ve es la única manera. Por lo que junto a Tristeza liberan a Jiggles, un recuerdo aterrador de un payaso para que aparezca en el sueño, logrando despertar a la niña. No obstante Riley acepta la idea de huir a Minesota por lo que huye de su hogar al robar la tarjeta de crédito de su madre y comprarse un boleto de autobús, destruyendo la isla de la honestidad y descarrilando el tren del pensamiento en el progreso. Esto ocasiona que Alegría, Tristeza y Bing Bong casi caigan al basurero mental, una enorme fosa donde van todos los recuerdos destinados a olvidarse.
Como Riley esta abandonando a su familia, la última isla del mismo nombre comienza a desmoronarse, desesperando a Alegría quien al ver que puede llegar al cuartel general entrando a un tubo que envía recuerdos ella abandona a Tristeza, pero el derrumbe de parte de la isla causa que Alegría y Bing Bong caigan al basurero mental. Al estar en peligro de ser olvidada, Alegría reflexiona sobre sus acciones hasta que descubre cuál es el verdadero propósito de Tristeza al recordar como gracias a ella Riley puede ser consolada por sus amigos y familia, al mismo tiempo dándose cuenta de sus errores. Usando el cohete imaginario de Bing Bong para intentar salir, Alegría logra alcanzar la superficie cuando Bing Bong opta por sacrificar su vida saltado fuera del vehículo, consciente de que Riley ya no lo necesita, le suplica a Alegría que cuide de Riley antes de morir convertido en polvo. A pesar de la pérdida de Bing Bong, Alegría decide rastrear a Tristeza y posteriormente llegan al cuartel general cuando convence a su contraparte de que es una emoción igual de importante para Riley como todos los demás.
Mientras tanto Furia, Desagrado y Temor tienen problemas para hacer que Riley aborte la idea que estos provocaron y se retracte de abordar el autobús, pero que la consola principal quede inoperativa, ya que Riley no siente otra emoción. Una vez que Alegría y Tristeza ingresan al cuartel general, esta última consigue hacer que Riley aborte la idea de escapar y vuelva a casa y confronte a sus padres revelando que extraña su antiguo hogar. Tristeza también hace que Alegría participe en la reconciliación lo que causa que Riley cree un nuevo y mejorado pensamiento central de la familia y que ella por fin se adapte a su nuevo hogar. Después de algún tiempo, las emociones ahora trabajan de manera más coherente y unificada para ayudar a Riley a llevar una vida emocional más compleja con una consola expandida y en pleno inicio de la pubertad y con nuevas islas de personalidad producidas por nuevos pensamientos centrales que son combinaciones de múltiples emociones.
Durante los créditos, se pueden ver las emociones en las mentes de otros personajes de la película.
Análisis[editar]
La película narra la historia de Riley Anderson, una niña de once años que debe mudarse con sus padres de su hogar en Minnesota a San Francisco. No obstante, la mayor parte de la trama se desarrolla en su mente, donde un grupo de cinco emociones antropomórficas —Alegría, Tristeza, Temor/Miedo, Desagrado/Asco y Furia/Ira—[9] se encargan de dirigir los comportamientos de su vida cotidiana.[10] Además, deben ocuparse de examinar cuidadosamente el sistema de almacenamiento de memoria y «luchar» por estabilizar el estado mental de Riley.[9]
Las memorias de la protagonista se representan como esferas del color de la emoción dominante, para posteriormente ser clasificadas y almacenadas como memorias a corto o largo plazo o arrojadas a un «abismo» para ser eliminadas.[11] La mudanza y todo lo que conlleva hacen que Tristeza poco a poco relegue a Alegría, hasta ese entonces la emoción predominante de Riley. La mente de la protagonista, dividida en diversas áreas, sufre por la situación y se producen incluso destrucciones de diversas «islas de personalidad».[12][13] La pelea entre ambas emociones ocasiona su expulsión accidental y la de las «memorias principales» al «amplio mundo emocional» de Riley. Subsecuentemente, la película se convierte en una «carrera para evitar que esas memorias principales sean eliminadas».[11]
En ese camino, mientras las demás emociones se encargan del resto del trabajo, Alegría y Tristeza se encuentran con el amigo imaginario de Riley «Bing Bong», viajan en el «Tren del Pensamiento» y sufren un proceso de abstracción. Aunque en un principio se favorece la visión de las cosas de Alegría, en el desenlace la cinta lleva a comprender que Tristeza y el resto de la emociones tiene el mismo valor y que ninguna debe excluir al resto.[11]
Temática[editar]
Pese a haber presentando a Tristeza en un inicio simplemente como una carga o algo capaz de transformar memorias alegres en tristes, la conclusión de la cinta refleja cómo esta emoción «desempeña otras funciones útiles para el ser humano».[6] En palabras de Pete Docter, uno de los directores, gran parte del filme trata sobre «el delicado balance que debe existir entre Alegría y Tristeza para que las cosas funcionen». Con respecto al concepto de las «islas de la personalidad» y la destrucción que algunas sufren en la película, Docter indicó que «el concepto me llegó al ver a mi propia hija y a muchos niños más crecer y cambiar; y siempre te sientes mal por el hecho de que abandonen algo que estaba tan conectado a lo que eran».[14]
Reparto[editar]
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Asimismo, algunos de los creadores de la película también contribuyeron con sus voces, incluyendo a Pete Docter como Furia / Ira del padre[21] y Ronnie del Carmen.[21]
Producción[editar]
Desarrollo[editar]
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Durante su infancia, el director Pete Docter se trasladó a Dinamarca con su familia debido a que su padre estudiaba la música de Carl Nielsen.[24] Aunque sus hermanas se adaptaron fácilmente al cambio, Docter se sintió constantemente juzgado por sus pares.[25] Mientras otros niños se interesaban en los deportes, Pete se mantenía alejado dibujando, un pasatiempo que, finalmente, lo llevaría a la animación.[26] Su ansiedad social acabó en la secundaria.[24]
En 2009, Docter observó que su hija preadolescente, Elie, mostraba una timidez similar.[27] «Ella comenzó a mostrarse más silenciosa y reservada y eso, francamente, desencadenó muchas de mis propias inseguridades y temores», aseguró.[24] De esta forma, comenzó a imaginarse qué sucedía en la mente humana cuando las emociones se establecían. Docter, quien se sentía en la posición ideal para retratar «personalidades fuertes, obstinadas y caricaturescas»,[28] se emocionó ante la idea de representarlo a través de la animación. Junto a Jonas Rivera y Ronnie del Carmen, comenzó a buscar información sobre la mente. Los tres consultaron a Paul Ekman, un conocido psicólogo estudioso de las emociones y Dacher Keltner, un profesor de psicología en la Universidad de California en Berkeley. Ekman había identificado seis emociones principales: furia, miedo, tristeza, disgusto, alegría y sorpresa. Dado que Docter consideró que sorpresa y temor eran muy similares, se decidió por cinco emociones para construir los personajes.[28] Por su parte, Keltner se concentró en la tristeza como emoción fortalecedora de relaciones.[28]
El exitoso largometraje de Docter Up (2009), animó a Pixar a permitirle producir otra película con una historia más sofisticada.[24] Inside Out es la primera película de Pixar que no contó con la participación del director ejecutivo de Apple, Steve Jobs, fallecido en 2011. Tampoco tuvo muchos aportes de John Lasseter, quien se centró en reestructurar Walt Disney Animation Studios en Los Ángeles en el momento de la producción.[24] Los ejecutivos de Disney y Pixar se mantuvieron positivos ante la propuesta de realizar el filme, aunque reconocieron que sería difícil de promocionar.[29]
Guion[editar]
Aunque la industria de la animación ha sido históricamente dominada por hombres, la mitad del equipo encargado de la trama estuvo conformado por mujeres, en un intento de obtener contribuciones más diversas.[26] La idea de enfocar el filme en una niña llegó de investigaciones que sostienen que las mujeres de 11 a 17 años son las personas más sintonizadas en cuanto a expresiones y emociones.[26] Por su parte, el hecho de que Riley jugara hockey fue propuesta de Del Carmen, quien destacó la popularidad de ese deporte en Minnesota. El equipo buscó alejarse de los intereses «femeninos» estereotípicos, como el color rosado o los vestidos.[26] Una de las ideas iniciales para la película era que la protagonista, Riley, sufría de depresión severa. No obstante, Docter desechó esta idea al considerarla demasiado inapropiada.[24]
El guion gráfico de la película se desarrolló en un periodo de dos a tres años, al tiempo que se llevaban a cabo revisiones del «Pixar Braintrust», donde un pequeño grupo de líderes creativos del estudio supervisan el desarrollo de los filmes.[30] Tras varias revisiones y sugerencias de otros cineastas, comenzó la producción. Al cabo de tres meses, fue evaluada nuevamente. Kevin Nolting, editor de la película, estima que hubo siete versiones de Inside Out antes de que se iniciara la producción.[30] El equipo encargado del guion intentó crear personajes con el mayor contraste posible entre sí.[26] De entre ellos, Alegría fue el más complejo para el que escribir, dado que ilustra un amplio rango de «sentimientos felices».[31] En la primera idea sobre el final del filme, Alegría se aferraba demasiado a la juventud, causando un «daño emocional» en Riley.[32] Fue hasta varias revisiones después cuando se consideró trasladar el concepto de la película a un nuevo contexto; un conflicto externo que facilitaría escribir la historia. Inicialmente, esta crisis se desarrollaría durante un desfile del Día de Acción de Gracias, donde Riley esperaba obtener el papel principal, el pavo. Sin embargo, la idea fue sustituida debido a que Docter la juzgó «demasiado extraña».[33]
El director estimó que fueron necesarios cuatro años para desarrollar una película que lograra empatar exitosamente la arquitectura de la mente de Riley y sus problemas personales.[33] El concepto de las «Islas de Personalidad» ayudó a desarrollar las bases emocionales del filme, dado que estas afectan directamente las actividades dentro de la mente y en la vida.[32] En un boceto, los personajes caían en los «Campos de las Ideas», donde «cultivarían nuevas ideas», de manera similar a un granjero cultivando.[33] El personaje de Bing Bong apareció en otro boceto como parte de un campo de refugiados en la mente de Riley.[32] Por otro lado, los creadores tuvieron dificultades en conseguir el tono correcto para la película; por ejemplo, los espectadores no podrían distraerse por la naturaleza de Alegría o sentirse negativos respecto al lío al que conduce a Riley.[32]
En otra versión, la película se enfocaba en que Alegría y Temor se perdían, ya que parecía ser la opción más cómica. Para julio de 2012, se fijó una revisión de evaluación del proyecto con otro director de Pixar. Gradualmente, Docter dejó de creer que la historia funcionaba, despertando en él el temor de ser despedido. Durante una larga caminata en su hogar, comenzó a sentirse como un fracaso y a considerar sus éxitos previos como simples «casualidades» y, en general, un sensación de que debería renunciar.[28] Mientras reflexionaba, concluyó que perdería a sus colegas y amigos. Pronto llegó a un descubrimiento: las emociones tienen la intención de unir a las personas y las relaciones son lo más importante en la vida.[29] Por lo anterior, se decidió a reemplazar a Temor por Tristeza. Además se reunió con Rivera y del Carmen para explicar el cambio de planes y, para su sorpresa, ambos reaccionaron positivamente. En la revisión, informó a sus superiores de los nuevos planes para la película. Aunque, según sus palabras, fue un «momento escalofriante», el filme continuó en producción.[24]
Reparto[editar]
A inicios de agosto de 2013 se anunció a los principales integrantes del reparto: Amy Poehler, Lewis Black, Mindy Kaling, Bill Hader y Phyllis Smith.[34] Con la publicación del primer avance del filme, en diciembre de 2014, se reveló que Diane Lane y Kyle MacLachlan participarían como los padres de Riley.[35]
Banda sonora[editar]
| Inside Out: Original Soundtrack | |||||
|---|---|---|---|---|---|
| Banda sonora de Michael Giacchino | |||||
| Publicación | 16 de junio de 2015[36] | ||||
| Género(s) | Música cinematográfica, música clásica y jazz[37] | ||||
| Formato | Descarga digital y CD[38] | ||||
| Duración | 58:43 | ||||
| Discográfica | Walt Disney Records[38] | ||||
| Productor(es) | Jonas Rivera, John Lasseter y Andrew Stanton | ||||
| Calificaciones profesionales | |||||
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Soundtrack Geek 77.5/100[39] Filmtracks   [38] | |||||
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Cronología de Pixar
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Creo que [a Michael Giacchino] el tema le marcó fuertemente e inmediatamente comenzó a trabajar. Compuso una suite de ocho minutos y nos dijo: «Su película me hizo sentir así. Miren si doy en el clavo». Lo hizo [...] Comencé a llorar, [pues] había capturado, en tono y ritmo, la experiencia de ver a un niño crecer. —Pete Docter.[40]
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La banda sonora del filme fue compuesta por Michael Giacchino. Esta fue su quinta colaboración con Pixar —Los Increíbles (2004), Ratatouille (2007), Up (2009) y Cars 2 (2011)— y su segunda con Docter. En términos musicales, abarca géneros como el jazz y la música clásica. Según Marcy Donelson de Allmusic, es una banda sonora «melancólica, ansiosa, jazzística, cómica [...]». Giacchino logra un «sonido clásico de los dibujos animados» gracias al empleo de una orquesta completa y efectos electrónicos que, por momentos, alcanza un «nivel de vivacidad similar al de Raymond Scott».[37]
El 16 de junio de 2015, Walt Disney Records publicó la banda sonora en formato físico y digital. Solamente en el formato físico se incluyó la pista Lava, del cortometraje del mismo nombre.[38] Los productores se reunieron con Giacchino para mostrarle el largometraje y explicarle su concepto. En respuesta, compuso una suite de ocho minutos de duración y sin conexión con la película, basada en las emociones que experimentó al observar la producción. Rivera destacó que, aunque Docter y Giacchino son músicos, ambos discutieron el filme en términos de historia y personajes.[41]
Sobre su trabajo, Giacchino aseguró que «tenía que sentirse emocional. No estaba seguro de cómo quería el sonido, pero sabía cómo quería sentirse. Esta película es personal», y aclaró que «Pete [Docter] quería que la música se sintiera como si viniera del interior, de los pensamientos. Buscábamos algo evocador. Algo que no fuera una banda sonora tradicional».[42] En relación con su trabajo en Up, indicó que buscó que esta banda sonora fuera más emocional.[43]
Sin embargo, Christian Clemmensen de Filmtracks no comparte del todo esa opinión. Pese a instar a quienes «establecieron tolerancia a una música infantil retro altamente efectiva pero exasperantemente optimista» a comprar la música, desalienta a aquellos que «esperan que Michael Giacchino compita con la gravedad emocional que logró en Up». En este caso, la «atmósfera se acerca demasiado al territorio carnavalesco de Danny Elfman». Clemmensen otorgó 3 de 5 estrellas a la banda sonora de la cinta.[38] Por su parte, Jørn Tillnes, de Soundtrack Geek, señala que: «Es desconcertante. Me siento como un balón desinflado tras escuchar esta música. [...] Un adorable tema principal, pero eso es prácticamente todo. [...] No está mal, pero para los estándares de Giacchino está lejos de ser la mejor».[39]
| N.º | Título | Duración | ||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| 1. | «Bundle of Joy» | 2:48 | ||||||||
| 2. | «Team Building» | 2:18 | ||||||||
| 3. | «Nomanisone Island/National Movers» | 4:20 | ||||||||
| 4. | «Overcoming Sadness» | 0:51 | ||||||||
| 5. | «Free Skating» | 0:59 | ||||||||
| 6. | «First Day of School» | 2:02 | ||||||||
| 7. | «Riled Up» | 1:02 | ||||||||
| 8. | «Goofball No Longer» | 1:11 | ||||||||
| 9. | «Memory Lanes» | 1:22 | ||||||||
| 10. | «The Forgetters» | 0:50 | ||||||||
| 11. | «Chasing the Pink Elephant» | 1:55 | ||||||||
| 12. | «Abstract Thought» | 1:47 | ||||||||
| 13. | «Imagination Land» | 1:25 | ||||||||
| 14. | «Down in the Dumps» | 1:47 | ||||||||
| 15. | «Dream Productions» | 1:43 | ||||||||
| 16. | «Dream a Little Nightmare» | 1:50 | ||||||||
| 17. | «The Subconscious Basement» | 2:01 | ||||||||
| 18. | «Escaping the Subconscious» | 2:09 | ||||||||
| 19. | «We Can Still Stop Her» | 2:54 | ||||||||
| 20. | «Tears of Joy» | 2:39 | ||||||||
| 21. | «Rainbow Flyer» | 2:58 | ||||||||
| 22. | «Chasing Down Sadness» | 1:45 | ||||||||
| 23. | «Joy Turns to Sadness/A Growing Personality» | 7:49 | ||||||||
| 24. | «The Joy of Credits» | 8:18 | ||||||||
| 58:43 | ||||||||||
| Pista adicional | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Duración | ||||||||
| 25. | «Lava» (Del cortometraje Lava) | 5:46 | ||||||||
Doblaje al español[editar]
Como en otras ocasiones, la película contó con dos doblajes al español, uno destinado a España y otro para su distribución en Hispanoamérica. El primero estuvo a cargo de SDI Media Iberia, con sede en Madrid, con la dirección y ajustes de Lorenzo Beteta,[44] director de otros filmes como Los Increíbles, WALL·E y Up,[45] y la traducción de Kenneth Post.[46] El elenco principal estuvo conformado por Mar Bordallo (Alegría), Beatriz Berciano (Tristeza), Fernando Cabrera (Miedo), Salvador Aldeguer (Ira), Ana Esther Alborg (Asco), Carlos Ysbert (Bing Bong) y Ángela Arellano (Riley).[46]
Para Hispanoamérica, el doblaje se realizó en el Taller Acústico S.C. de la Ciudad de México. Estuvo dirigido por Mario Castañeda, con la dirección creativa de Raúl Aldana y la traducción de Katya Ojeda.[46] Castañeda y el Taller Acústico han realizado los doblajes de otros filmes de Pixar como Cars 2, Brave y Monsters University.[47] Los papeles protagónicos estuvieron a cargo de Cristina Hernández (Alegría), Kerygma Flores (Tristeza), Moisés Iván Mora (Temor), Jaime Vega (Furia), Erika Ugalde (Desagrado), Jesús Guzmán (Bing Bong) y Verania Ortiz (Riley).[46]
Mercadotecnia y estreno[editar]
En agosto de 2011, durante la D23 Expo, se anunció la producción de «The Untitled Pixar Movie That Takes You Inside The Mind» («La película sin título de Pixar que te lleva dentro de la mente»), filme que sería dirigido por Pete Docter y Ronnie del Carmen y descrito como «una ingeniosa nueva película que explora un mundo ampliamente conocido, pero visto por nadie: el interior de la mente humana».[48] En diciembre del año siguiente, Bleeding Cool reveló que el título del filme sería The Inside Out,[49] mientras que, en febrero del año siguiente, ComingSoon.net reportó que el título sería simplemente Inside Out.[50] No obstante, no fue hasta abril de 2013, durante el CinemaCon, cuando Disney anunció oficialmente el título vía Twitter.[51] Antes de su lanzamiento, se realizaron proyecciones de prueba para niños, dada la preocupación de que la película fuera demasiado compleja para el público más joven. Sin embargo, la cinta causó reacciones positivas en la audiencia.[52]
El 18 de mayo de 2015, el filme se estrenó en el 68° Festival de Cine de Venecia, en una proyección fuera de competencia.[53] Menos de un mes después, el 8 de junio, debutó en Estados Unidos, en el El Capitan Theatre de Hollywood.[54] 11 días después, se estrenó en todo el país en cines.[55] Fue la primera película animada debutada en formato Dolby Vision en Dolby Cinema.[56] Además, con el lanzamiento de The Good Dinosaur en noviembre, Pixar estrenó, por primera vez en su historia, dos películas en el mismo año.[57]
En sus presentaciones, fue acompañada por el cortometraje Lava, un musical romántico dirigido por James Ford Murphy y producido por Andrea Warren. Lava se trata de una historia que tiene lugar a lo largo de millones de años, inspirada en la belleza de las solitarias islas tropicales y en el explosivo encanto de los volcanes océanicos.[58] El 18 de junio de 2015, Skype agregó las caras de los cinco personajes de la película a su lista de emoticonos disponibles para el uso en su servicio IM durante los siguientes tres meses.[59] El 3 de noviembre, Walt Disney Studios Home Entertainment lanzó a la venta el filme en Blu-ray (2D y 3D) y DVD.[60] Por su parte, el estreno digital ocurrió el 13 de octubre.[61] Junto a la película, se incluyó Lava y otro cortometraje llamado Riley's First Date? (¿La primera cita de Riley?), el cual tiene lugar en el mundo de Inside Out y que fue dirigido por Josh Cooley.[62][63] Los cinco personajes principales se incluyeron en el videojuego Disney Infinity 3.0[64] y, el 18 de junio de 2015, se lanzó Inside Out: Thought Bubbles en App Store, Google Play, Amazon Appstore, Windows Store y Windows Phone Store.[65]
Recepción[editar]
Recaudación[editar]
El filme recaudó 356.5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y 500.3 en otros territorios, para un total a nivel mundial de 856.8 millones de dólares.[5] Fue la séptima película con la mayor recaudación de 2015, la segunda entre las producciones animadas,[66] la tercera en la lista de largometrajes de Pixar,[67] la número 56 de toda la historia[68] y la novena entre las películas animadas.[69]
Estados Unidos y Canadá[editar]
Debutó en 3946 cines (3100 la mostraron en 3D) en los Estados Unidos y Canadá.[70] Acumuló 3.7 millones durante sus presentaciones preliminares del jueves por la noche, lo que estableció un récord para los filmes del estudio que contaron con este tipo de muestras nocturnas.[71] En su día de estreno, alcanzó los 34.2 millones, es decir, fue el segundo mayor debut para una película de Pixar, solamente por detrás de Toy Story 3 (41.1 millones).[72][73] Finalizó su fin de semana de estreno en el segundo lugar con 90.4 millones, por detrás de Jurassic World (106.6 millones).[74] Aunque fue la primera producción de Pixar que no debutó en el lugar número uno, su fin de semana de estreno fue el de mayor acumulación para un filme original (rompiendo el récord de Los Increíbles), el segundo con mayor recaudación de toda la historia (por detrás de Toy Story 3), el mayor para una película que no debutó en el primer lugar (venciendo a The Day After Tomorrow)[75] y el mayor para una película original, de imagen real o cualquier otra, superando el debut de 77 millones de Avatar.[76][77]
El exitoso estreno del filme ha sido atribuido a su presentación en el Festival de Cine de Cannes, las muestras a la prensa en el CinemaCon, el puntaje recibido en Rotten Tomatoes, a un buen boca a boca, a que tuvo lugar en el fin de semana del día del padre y a sus muestras nocturnas del jueves anterior a su estreno.[78][79] En su segunda semana, sufrió una caída del 42%, es decir, la recaudación llegó a los 52.3 millones. No obstante, mantuvo su segundo lugar, por detrás de Jurassic World.[80] Durante el resto de la semana, Inside Out superó ligeramente a esta última.[81] Alcanzó el primer lugar en la taquilla en su tercera semana, con 29.8 millones.[82] En general, IMAX contribuyó con el 10% o 36 millones de su total acumulado en Estados Unidos y Canadá.[83] Finalizó sus proyecciones con un total de 356.6 millones.
Otros países[editar]
Por su parte, recaudó un estimado de 40.3 millones en sus estrenos en 37 países.[84] Sus mayores debuts se registraron en China (11.7 millones), el Reino Unido, Irlanda y Malta (11.4 millones), México (8.6 millones), Rusia y la Comunidad de Estados Independientes (7.6 millones), Italia (7.4 millones), Alemania (7.1 millones) y Corea del Sur (5.1 millones).[84][85][86][87][88][89] Por su acumulación total, los mercados más grandes fuera de los Estados Unidos y Canadá fueron el Reino Unido (58.1 millones), Corea del Sur (31.7 millones) y México (31 millones).[90][91][92][93] Se convirtió en el filme animado de Pixar o Disney con la mayor recaudación en México (por delante de Frozen), Filipinas (por delante de Big Hero 6),[94] India y Ucrania. En Rusia, fue la segunda película de Pixar o Disney con la mayor recaudación y la primera de Pixar en superar el millón de rublos.[87]
Crítica[editar]
Anglosajona[editar]
A partir de 318 reseñas, el sitio web Rotten Tomatoes reportó un 98% de aceptación, con un promedio general de 8.9/10. El consenso señala lo siguiente: «Inventiva, magníficamente animada, y poderosamente conmovedora, Inside Out es otra excepcional adición a la biblioteca de clásicos modernos animados de Pixar».[95] Además, también en esa página, lidera la lista de "Las 100 Mejores Películas Animadas" y ocupa el octavo puesto de "Las 100 Mejores Películas de la Historia".[96][97] Por su parte, en el sitio web Metacritic posee una calificación de 94/100 con base en 48 críticas[98] y en CinemaScore alcanzó una calificación de «A» en un rango que va de a «A+» a «F».[99]
Antes de su estreno, el público mostró cierta preocupación sobre un posible declive en la calidad de las películas de Pixar, especialmente por su excesiva dependencia de las secuelas.[100] Además, los problemas que Dreamworks Animation enfrentó con diversas películas a inicios de la década de 2010, llevó a la conjetura de que el género de la animación por computadora estaba «en bajada».[24] Sin embargo, para diversos críticos, Inside Out significó el regreso de Pixar a su mejor estado.[101][102][103][104][105] El 22 de abril de 2015, durante un preestreno realizado en el CinemaCon, recibió buenas críticas de la audiencia. Los elogios apuntaban a su inteligente trama. Sin embargo, algunas personas se preguntaron si el concepto era demasiado complicado para el público infantil y si sería lo suficientemente atrayente para las familias.[106][107]
Tras su presentanción en el Festival de Cine de Cannes, el 18 de mayo de 2015, la película fue aclamada por la crítica. Peter Debruge, de Variety, se mostró efusivo al llamarla la «más grande idea» del estudio y «un concepto asombrosamente original que [...] promete cambiar para siempre la forma en que la gente piensa sobre cómo la gente piensa».[108] Michael Phillips, del Chicago Tribune, la consideró la mejor película del estudio desde Up (también dirigida por Docter), una «inventiva consistente y una corrección esperanzadora de las recientes inferioridades guiadas por los inversionistas».[109] Por su parte, Todd McCarthy, de The Hollywood Reporter, estimó que era «concepto audaz», ubicado entre los filmes más «conceptualmente psicodélicos» para los públicos familiares.[2] «Con su enfoque literalmente cerebral, creo que Inside Out podría tener algunos problemas para conectar plenamente con los niños más pequeños, pero los adultos probablemente derramarán más de una lágrima», comentó Richard Lawson de Vanity Fair.[110] Peter Bradshaw, de The Guardian, la calificó de «alegre y afable», aunque ligeramente inferior a lo mejor de Pixar.[111] En ese sentido, pese a que, en términos generales, presenta una crítica positiva, Ignatiy Vishnevetsky, de The A.V. Club, indica que el filme «intercambia la muda elegancia y el sentido de descubrimiento del mejor trabajo del estudio de animación por una explicativa voz en off y una exposición repetitiva». También argumenta que los animadores pudieron haber sido más intrépidos en términos visuales para coincidir con la audacia conceptual.[112]
Aparte de considerarla la mejor película de 2015,[113] Kristopher Tapley, de HitFix, aseguró que es «una de las mejores películas del siglo 21».[114] Para A. O. Scott, de The New York Times, el filme es «un placer absoluto», haciendo especial énfasis en su «defensa de la tristeza, un argumento para la necesidad de melancolía vestido en los brillantes colores del entretenimiento».[103] En palabras de Ann Hornaday, de The Washington Post, Inside Out es «esa rara película que trasciende su rol de puro entretenimiento y se convierte en algo genuinamente catártico, incluso terapéutico, dando a los niños un lenguaje simbólico con el que manejar sus emociones rebeldes».[16] Por otra parte, Richard Roeper, del Chicago Sun-Times, la encontró «audaz, preciosa, dulce, divertida [y], en algunos momentos, desgarradoramente triste».[115] Chris Nashawathy, de Entertainment Weekly, la elogió afirmando que es «extraordinaria y connmovedora, [...] muy inteligente y psicológicamente ingeniosa».[116] Para Mary Pols, de Time, es un trabajo «casi alucinógeno, completamente hermoso» que «desafía las convenciones de las películas familiares».[117] Christopher Orr, de The Atlantic, instó a los lectores a mirar el filme e indicó que «Una vez más, Pixar regresó a la cima de su juego, contando el tipo de metahistoria amable y emotiva difícil de imaginar siendo producida en cualquier otro lugar».[104] Wai Chee Dimock, de Los Angeles Review of Books, la comparó con los trabajos escritos de Antonio Damasio, Dacher Keltner y Oliver Sacks.[118]
Hispanoamericana y española[editar]
En España, Carlos Boyero, de El País, destacó el deslumbrante sentido visual del filme, su contagiosa comicidad y humor y el inquietante «profundo conocimiento de lo que le ocurre a la gente en sus neuronas y en el corazón».[119] En el mismo diario, Gregorio Belinchón la califica de «original, sorprendente» y asegura que «apuesta por esa melancolía que ya exhalaba Toy Story».[120] Por su parte, para Irene Crespo, de Cinemanía, el filme convierte el funcionamiento de la mente humana en «un juego visual, en una lección de psicología y cuerpo humano que pueden entender adultos y niños». Además, destacó sus «colores brillantes y figuras reverberantes, con mundos "lynchianos" y ecos del cine clásico».[121] En este sentido, Rafa Martín, de Las horas perdidas, indicó que el filme es una mezcla de ficción y documental educativo, es decir, «es un entretenimiento educativo; jamás deja de ser didáctico».[122] Sergi Sánchez, de Fotogramas, alabó su concepto, aunque lamentó «que su brillante premisa pueda ensombrecer la belleza de su ejecución»[123] y Nando Salvà, de El Periódico de Catalunya, afirmó que con este filme «Pixar es más Pixar que nunca». «Si obras como Monstruos S.A. o Toy Story (1995) nos permitían conectar con el niño que fuimos [...] [Inside Out] conecta de forma directa con el adulto que somos», agregó.[124]
En Hispanoamérica, Alejandro Alemán, del diario mexicano El Universal, señaló que el filme es «una crítica brutal a la dictadura de la felicidad», puesto que la cinta se «torna en una revaloración de la tristeza como factor de cambio». Recalcó también la sencillez con la que se muestran sus conceptos e ideas y destacó su diseño de producción al afirmar que «es un nuevo triunfo visual para el estudio».[125] En Argentina, para Ezequiel Boetti, de Página/12, Docter y los animadores ofrecen una cinta donde la «lógica anárquica del subconsciente es traducida en un universo visual felizmente caótico» y alabó que, a diferencia de la mayoría de las superproducciones de Hollywood, este filme «deja un retrogusto de múltiples matices y sabores destinado a acrecentarse con el paso del tiempo [...]».[126] Wladimyr Valdivia, de El Otro Cine, de Chile, afirmó que la película «es un mundo inagotable de belleza visual y complejamente estructurado» y agregó que «Pixar alcanza su obra cumbre en lo narrativo [...] con un título dibujado para los niños, pero pensado por y para los adultos».[127] En el diario colombiano El Tiempo, Mauricio Reina calificó de «admirable acto de audacia» al filme, pues «hacer una película de animación sobre el subconsciente y la depresión no es una cosa fácil» y menos si se busca llegar «a todos los públicos».[128] Igualmente de Colombia, Manuel Kalmanovitz, de la revista Semana, coincidió al señalar que la del filme «es una idea maravillosamente excéntrica, que tiende hacia lo abstracto, pero que funciona a la perfección». «Es una experiencia rica y visualmente sofisticada que nos recuerda el dolor de dejar viejas ideas y la emoción de encontrar nuevas [...]», añadió.[129]
Premios[editar]
Inside Out recibió 15 nominaciones a mejor película, 21 a mejor guion original y 40 a mejor película animada, por parte de 50 distintas organizaciones y asociaciones.[130] Obtuvo el premio Óscar a la mejor película de animación y fue nominada al Óscar al mejor guion original.[131] Asimismo, recibió 10 premios Annie (de un total de 14 nominaciones), incluyendo los premios a la mejor dirección en un filme animado para Docter, mejor doblaje en un filme animado para Smith y el galardón a la mejor película animada.[132][133] El American Film Institute la seleccionó como una de las diez mejores películas del año.[134]
Ganó el Globo de Oro, el premio de la Crítica Cinematográfica y el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la mejor película animada.[135][136][137] Además, fue finalista del premio a la mejor película animada de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y de la Sociedad de Críticos de Cine de San Francisco.[138][139] Recibió nominaciones a los premios Satellite en las categorías de mejor guion original, mejor película o corto animado, de la que resultó ganadora, y mejor banda sonora.[140] También la Academia Británica la premió con el galardón a la mejor película de animación.[141] Por su parte, para más de 100 críticos y publicaciones, este filme fue uno de los mejores del año 2015. Fue segunda en la lista de las películas mejor calificadas de 2015 en el sitio web Rotten Tomatoes y la cuarta en Metacritic.[142][143][144] Según Critics Top10, este largometraje apareció en las listas de 340 críticos, ocupando el primer lugar en 27 de ellas.[145]
Referencias[editar]
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Enlaces externos[editar]
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Inside Out.- Inside Out en Internet Movie Database (en inglés)
- Sitio web oficial en Disney.
- Sitio web oficial en Pixar (en inglés).
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