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Francis Jean Marcel Poulenc (París, 7 de enero de 1899-íbid., 30 de enero de 1963) fue un compositor y pianista francés. Entre sus composiciones cabe destacar mélodies, obras para piano solo, música de cámara, piezas corales, óperas, ballets y música orquestal. Entre las más conocidas cabe citar la suite para piano Trois mouvements perpétuels (1919), el ballet Les biches (1923), el Concert champêtre (1928) para clavecín y orquesta, el Concierto para órgano (1938), la ópera Diálogos de carmelitas (1957), y el Gloria (1959) para soprano, coro y orquesta.

Los acaudalados padres de Poulenc querían que trabajara en Poulenc Frères, la empresa farmacéutica familiar, y no le permitieron matricularse en una escuela de música. En gran medida musicalmente autodidacta, estudió con el pianista Ricardo Viñes, que se convirtió en su mentor tras la muerte de sus padres. Bajo la tutela de Erik Satie pasó a formar parte de un grupo de jóvenes compositores conocidos colectivamente como Los Seis (Les Six). Sus primeras obras se caracterizaban por su optimismo e irreverencia. Durante la década de 1930 surgió su lado más circunspecto, especialmente en la música religiosa que compuso a partir de 1936, alternada con obras más desenfadadas.

Además de componer, Poulenc era un consumado pianista. Fue especialmente célebre por su asociación interpretativa con el barítono Pierre Bernac (que también le ofreció consejos a la hora de componer para voz) y la soprano Denise Duval, con los que realizó giras por Europa y América y efectuó numerosas grabaciones. Fue uno de los primeros compositores en ver la importancia del gramófono y desde 1928 empleó este formato con asiduidad.

En sus últimos años, y durante décadas después de su muerte, Poulenc tenía fama, especialmente en su país natal, de ser un compositor de música ligera y graciosa, y su música religiosa a menudo era pasada por alto. Durante el XXI se ha prestado más atención a sus obras serias, con muchas nuevas producciones de las óperas Diálogos de carmelitas y La voz humana en todo el mundo, y se han realizado numerosas grabaciones y actuaciones en directo de sus canciones y su música coral.

Biografía[editar]

Juventud[editar]

Poulenc nació en el VIII Distrito de París, hijo de Émile Poulenc y su esposa, Jenny, de soltera Royer.[1]​ Émile Poulenc era copropietario de Poulenc Frères, un exitoso fabricante de productos farmacéuticos (más tarde Rhône-Poulenc).[2]​ Era miembro de una devota familia católica de Espalion, departamento de Aveyron. Jenny Poulenc provenía de una familia parisina con amplias inquietudes artísticas. Según Poulenc, los dos lados de su naturaleza se originaron a partir de este contexto: la profunda fe religiosa a raíz de su familia paterna, y el lado mundano y artístico de la familia materna.[3]​ El crítico Claude Rostand más tarde describiría a Poulenc como «mitad monje, mitad niño travieso».[a]​

19th century buildings in Parisian style
La Place des Saussaies, de París, donde nació Poulenc

Poulenc creció en un hogar musical. Su madre era una pianista competente, con un amplio repertorio que iba desde lo clásico hasta obras más ligeras. En palabras del biógrafo Henri Hell, esto le hizo apreciar durante toda su vida lo que él llamaba «adorable mala música».[12]​[b]​ Tomó clases de piano desde los cinco años; cuando tenía ocho años escuchó por primera vez la música de Debussy y quedó fascinado por la originalidad del sonido. Le influyeron en su desarrollo el Viaje de invierno de Schubert y La consagración de la primavera de Stravinski, que le causó una profunda impresión.[14]​ Debido a la insistencia de su padre, Poulenc asistió a una escuela convencional, el Liceo Condorcet de París, en lugar de a un conservatorio de música.[15]​

En 1916, un amigo de la infancia, Raymonde Linossier (1897-1930), le descubrió la Maison des Amis des Livres, una librería de Adrienne Monnier.[16]​ Allí conoció a los poetas vanguardistas Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Paul Éluard y Louis Aragon. Más tarde puso música a muchos sirviéndose de las letras de sus poemas.[17]​ Ese mismo año se convirtió en alumno del pianista Ricardo Viñes. El biógrafo Henri Hell comenta que Viñes influyó profundamente en su alumno, tanto en la técnica pianística como en el estilo de sus obras para teclado. Poulenc, dijo más tarde de Viñes:

El pianista Ricardo Viñes impartió clases a Poulenc desde 1914.

Era un hombre encantador, un hidalgo bizarro con un enorme mostacho, un sombrero de ala plana al más puro estilo español y botas con botones que solía golpearme las espinillas cuando no usaba correctamente los pedales.[18]​ [...] Lo admiraba locamente, porque, en esta época, en 1914, era el único virtuoso que interpretaba a Debussy y Ravel. Ese encuentro con Viñes fue primordial en mi vida: le debo todo... En realidad, a Viñes le debo mis primeros intentos en la música y todo lo que sé sobre el piano.[19]​

La madre de Poulenc murió cuando éste tenía dieciséis años y su padre le siguió dos años más tarde. Viñes se convirtió en más que un maestro: era, en palabras de Myriam Chimènes en el Diccionario Grove de la Música y Músicos, el "mentor espiritual" del joven. Le animó a componer y, más tarde, ofreció el estreno de tres de sus obras tempranas.[c]​ Gracias a él, Poulenc trabó amistad con dos compositores que le ayudaron a dar forma a su desarrollo temprano: Georges Auric y Erik Satie.[21]​

Auric, que tenía la misma edad que Poulenc, musicalmente hablando era muy precoz. Cuando se conocieron, la música de Auric ya se había interpretrado en importantes salas de conciertos de París. Los dos jóvenes compositores compartieron una perspectiva musical y entusiasmo similares, y durante el resto su vida, Auric fue su amigo y guía más confiable.[22]​ Poulenc lo llamó «mi verdadero hermano en espíritu».[20]​ Satie, una figura excéntrica, aislada de la corriente principal musical francesa, fue mentor de varios jóvenes compositores en ascenso, entre ellos Auric, Louis Durey y Arthur Honegger. Después de calificar inicialmente a Poulenc como un aficionado burgués, cedió y lo admitió a su círculo de protegidos, a quienes llamó Les Nouveaux Jeunes.[23]​ Poulenc describió la influencia de Satie sobre él como «inmediata y amplia, en los planos espiritual y musical».[24]​ El pianista Alfred Cortot comentó que los Trois mouvements perpétuels de Poulenc eran «reflejos de la actitud irónica de Satie adaptada a los estándares sensibles de los círculos intelectuales contemporáneos».[22]​

Primeras composiciones y Les Seis[editar]

Poulenc hizo su debut como compositor en 1917 con su Rapsodie nègre, a diez minutos, cinco-movimiento de la pieza para barítono y grupo de cámara;[d]​ fue dedicada a Satie y se estrenó en uno de una serie de conciertos de música nueva, dirigido por la cantante Jane Bathori. Hubo una moda de artes Africanas en París, en el tiempo, y Poulenc estaba encantado de correr a través de algunas publicado versos supuestamente de Liberia, pero lleno de Parisino boulevard de la jerga. Él utilizó uno de los poemas en dos secciones de la rapsodia. El barítono contratada para la primera actuación perdió los nervios en la plataforma, y el compositor, a pesar de que ningún cantante, saltó. Este jeu d'esprit fue el primero de los muchos ejemplos de lo que se habla Inglesa de los críticos de vino a llamar "la pierna-Poulenc".[27]​[e]​ Ravel estaba asombrado por la pieza y comentó sobre Poulenc la capacidad de inventar su propio folclore.[29]​ Stravinsky fue impresionado lo suficiente como para utilizar su influencia para garantizar Poulenc un contrato con una editorial, una amabilidad que Poulenc nunca olvidó.[30]​

En 1917 Poulenc dieron a conocer a Ravel lo suficientemente bien como para tener discusiones serias con él acerca de la música. Él estaba consternado por el compositor francés maurice Ravel juicios, que han exaltado a los compositores a quienes Poulenc pensamiento poco por encima de los que admiraba.[31]​[f]​ Él dijo a Satie de este infeliz encuentro; Satie respondió con un despectivo epíteto de Ravel quien, dijo, habló de "un montón de basura".[g]​ Durante muchos años Poulenc fue equívoca acerca de Ravel de la música, aunque siempre respetando a él como un hombre. Ravel modestia acerca de su propia música gustó especialmente Poulenc, que buscó durante toda su vida para seguir Ravel ejemplo.[33]​{{Refn|group=lower-alpha|Poulenc commented in 1958 how much he had come to admire Ravel and that he had been glad to be able to show it, not only in words, but as a pianist, through his interpretations of Ravel's works.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> las exigencias de La música en tiempos de guerra enseñado Poulenc mucho acerca de la escritura por lo que los instrumentos estaban disponibles; a continuación, y más tarde, algunas de sus obras fueron inusuales combinaciones de jugadores.[34]​

En esta etapa de su carrera Poulenc fue consciente de su falta de académico de formación musical; el crítico y biógrafo Jeremy Sams escribe que fue el compositor de la buena suerte de que el ánimo del público fue volviendo en contra de la tarde-romántico exuberancia en favor de la "frescura y insouciant encanto" de sus obras, técnicamente sofisticados pesar de que eran.[35]​ Cuatro de Poulenc los primeros trabajos se estrenó en la Salle Huyghens en el distrito 14 de París (torre Montparnasse ), donde entre 1917 y 1920, el violonchelista Félix Delgrange presentan conciertos de música por compositores jóvenes. Entre ellos se encontraban Áurico, Durey, Honegger, Darius Milhaud y Germaine Tailleferre que, con Poulenc, que se conoce colectivamente como "Les Six".[36]​ Después de uno de sus conciertos, el crítico Henri Collet publicó un artículo titulado, "Los Cinco Rusos, los Seis Franceses y Satie". De acuerdo a Milhaud:

En completamente arbitraria de la moda de los collares eligió los nombres de seis compositores, Auric, Durey, Honegger, Poulenc, Tailleferre y a mí mismo, no por ninguna otra razón que la de que nos conocíamos, que nos eran amigos y estaban representados en los mismos programas, pero sin la más mínima preocupación por nuestros diferentes actitudes y nuestras naturalezas distintas. Áurico y Poulenc seguido las ideas de Cocteau, Honegger fue un producto del Romanticismo alemán y mis inclinaciones hacia un Mediterráneo arte lírico ... Collet del artículo hizo una gran impresión de que el Groupe des Six había llegado a ser.[37]​[h]​

Cocteau, aunque similares en edad de Les Six, fue algo de una figura paterna para el grupo. Su estilo literario, "paradójica y lapidario" en el Hell de la frase, era anti-romántico, concisa e irreverente.[40]​ Es mucho apeló a Poulenc, que hizo su primera configuración de Cocteau palabras en 1919 y su última en 1961.[41]​ Cuando los miembros de Les Seis colaborado con cada uno de los otros, que contribuyeron con sus propias secciones individuales para el trabajo conjunto. Sus 1920 piano suite de L'Album des Seis consta de seis independientes y no relacionadas piezas.[42]​ Su 1921 ballet Les mariés de la tour Eiffel contiene tres secciones por Milhaud, dos cada uno por Áurico, Poulenc y Tailleferre, uno por Honegger y ninguno por Durey, que ya estaba alejándose de el grupo.[43]​

En la década de 1920 Poulenc seguían preocupados por su falta de formación musical. Satie fue sospechoso de escuelas de música, pero Ravel aconseja Poulenc para tomar las lecciones de la composición; Milhaud sugirió el compositor y profesor Charles Koechlin.[44]​[i]​ Poulenc trabajado con él de forma intermitente desde 1921 a 1925.[46]​

1920: el aumento de la fama[editar]

A partir de la década de 1920 Poulenc fue bien recibido en el extranjero, particularmente en gran Bretaña, tanto como intérprete y compositor. En 1921 por Ernest Newman escribió en El Manchester Guardian, "puedo mantener mis ojos de Francis Poulenc, un joven que apenas ha llegado a sus veinte años. Se debe desarrollar en un farceur de primer orden." Newman dijo que él raramente había oído nada tan deliciosamente absurdo como partes de Poulenc el ciclo de canción de Cocardes, con su acompañamiento jugado por el poco ortodoxo combinación de corneta, trombón, violín y percusión.[47]​ En 1922 Milhaud, Poulenc y viajó a Viena para cumplir con Alban Berg, Anton Webern y Arnold Schönberg. Ninguno de los compositores franceses fue influenciado por sus colegas de Austria revolucionario de doce tonos sistema, pero que admiraba a los tres como sus máximos exponentes.[48]​ Al año siguiente Poulenc recibió una comisión de Serge Diaghilev para una longitud total de ballet de puntuación. Él decidió que el tema iba a ser una versión moderna de la clásica francesa fête galante. Este trabajo, Les biches, fue un éxito inmediato, primero en Monte Carlo en enero de 1924 y, a continuación, en París, en Mayo, bajo la dirección de André Messager; se ha mantenido como uno de Poulenc más conocida de las puntuaciones.[49]​ Poulenc nueva celebridad tras el éxito de el ballet fue el inesperado causa de su alejamiento de Satie: entre los nuevos amigos Poulenc hizo fue Louis Laloy, una escritora a la que Satie considerado con implacable enemistad.[50]​ Áurico, que había disfrutado de una similar triunfo con un ballet de Diaghilev, Les Fâcheux, también fue repudiado por Satie para convertirse en un amigo de Laloy.

Head and shoulders portrait of smiling middle-aged woman
Wanda Landowska, amigo y colega de 1923

A medida que la década avanzaba, Poulenc producido una gama de composiciones, de las canciones de la música de cámara y otro ballet, Aubade. El Hell sugiere que Koechlin la influencia ocasionalmente inhibe Poulenc natural del estilo simple, y que Áurico ofrecen una orientación útil para ayudar a él aparecen en sus verdaderos colores. En un concierto de música de los dos amigos en 1926, Poulenc canciones fueron interpretadas por primera vez por el barítono Pierre Bernac, de los cuales, en el Hell de la frase, "el nombre de Poulenc fue pronto a ser inseparables".[51]​ Otro artista con la que el compositor llegó a estar estrechamente asociado, en la clavecinista Wanda Landowska. Él la escuchó como el solista de Falla's El retablo de maese Pedro (1923), un temprano ejemplo de la utilización de una clave en una obra moderna, y fue trasladado inmediatamente con el sonido. En Landowska la solicitud escribió un concierto, el Concierto campestre, que se estrena en 1929, con la Orchestre Symphonique de París, llevado a cabo por Pierre Monteux.[52]​

El biógrafo Richard D. E. Burton comentarios que, en la década de 1920, Poulenc podría haber parecido a estar en una posición envidiable: profesional con éxito y de manera independiente, habiendo heredado una considerable fortuna de su padre.[53]​ compró una gran casa de campo, Le Grande Coteau, en Noizay, Indre-et-Loire, 140 millas (225,3 km) al sur-oeste de París, donde se retiró a componer en un entorno tranquilo. sin Embargo, él estaba preocupado, luchando para llegar a términos con su sexualidad, que era predominantemente homosexual. Su primer asunto serio fue con el pintor Richard Chanlaire, a quien él envió una copia de el Concierto campestre de puntuación de la inscripción, "has cambiado mi vida, eres el sol de mis treinta años, una razón para vivir y trabajar".[54]​ sin Embargo, mientras que este asunto estaba en progreso Poulenc propuso matrimonio a su amigo Raymonde Linossier. Como ella no sólo era bien consciente de su homosexualidad, sino que fue también románticamente conectado en otro lugar, ella lo rechazó, y su relación se volvió tensa.[55]​ sufrió el primero de muchos períodos de depresión, que afecta a su capacidad para componer, y estaba devastado, en enero de 1930 cuando Linossier murió repentinamente a la edad de 32 años. A su muerte, escribió, "Toda mi juventud la que sale con ella, toda esa parte de mi vida, que pertenecía sólo a ella. Yo snif ... ahora estoy de veinte años de edad".[56]​ Su romance con Chanlaire se agotan en 1931, a pesar de que seguían siendo amigos de toda la vida.[57]​

1930: nuevo seriedad[editar]

En el inicio de la década, Poulenc volvió a escribir canciones, después de una pausa de dos años de hacerlo. Su "Epitaphe", un poema de Malherbe, fue escrita en memoria de Linossier, y es descrito por el pianista Graham Johnson como "una profunda canción en todos los sentidos".[58]​[j]​ Al año siguiente Poulenc escribió tres conjuntos de canciones, a las palabras por Apollinaire y Max Jacob, algunos de los cuales fueron graves en el tono, y otros que recuerdan de su anterior desenfadado estilo, como lo fueron otras de sus obras de la década de 1930.[60]​ En 1932, su música fue uno de los primeros que se emitirá en la televisión, en una transmisión por la BBC en el que Reginald Kell y Gilbert Vinter jugó su Sonata para clarinete y fagot.[61]​ En este tiempo Poulenc comenzó una relación con Raymond Destouches, un chofer; como con Chanlaire anterior, lo que comenzó como un apasionado romance cambiado en una profunda y duradera amistad. Destouches, que se casó en la década de 1950, se mantuvo cerca de Poulenc hasta el final de la vida del compositor.[62]​

View of small cliff-top village
Rocamadour, que inspiró Poulenc para componer obras religiosas

Dos eventos no relacionados en 1936 combinado para inspirar a un despertar de la fe religiosa y una nueva profundidad de seriedad en la música de Poulenc. Sus compañeros compositor Pierre-Octava Ferroud fue asesinado en un accidente de coche tan violento que fue decapitado, y casi inmediatamente después, mientras estaba de vacaciones, Poulenc visitó el santuario de Rocamadour. Más tarde, explicó:

Unos días antes yo había escuchado de la trágica muerte de mi colega ... Mientras meditaba sobre la fragilidad de nuestro cuerpo humano, me sentí atraído una vez más a la vida del espíritu. Rocamadour tuvo el efecto de la restauración de mí a la fe de mi infancia. Este santuario, sin duda, la más antigua de Francia ... lo tenía todo para cautivar a mí ... La misma tarde de esta visita a Rocamadour, comencé mi Letanías à la Vierge noire para las voces femeninas y el órgano. En este trabajo he tratado de obtener a través de la atmósfera de "campesino devoción" que me llamó la atención lo fuerza, en la que los nobles de la capilla.[63]​

Otras obras que siguieron continuó el compositor de la nueva seriedad, incluyendo la configuración de muchos de Éluard surrealista y humanista poemas. En 1937, compuso su primera gran litúrgica de trabajo, la Misa en sol mayor para soprano y coro mixto a capella, que se ha convertido en el que más frecuentemente se realizan de todas sus obras sagradas.[64]​ Poulenc nuevas composiciones no fueron todos en este grave vena; su música incidental para la obra La Reine Margot, protagonizada por Yvonne Printemps, fue pastiche del siglo 16 de la música de baile, y se hizo popular bajo el título de Suite francesa.[65]​ los críticos de Música en general seguido para definir Poulenc por su desenfadada de las obras, y no fue hasta la década de 1950 que su lado serio fue ampliamente reconocido.[66]​

En 1936 Poulenc comenzó a dar frecuentes recitales con Bernac. En la École Normale de París, que dio el estreno de Poulenc del Cinq poèmes de Paul Éluard. Ellos siguieron para realizar juntos durante más de veinte años, en París, y a nivel internacional, hasta Bernac de jubilación en 1959. Poulenc, que se compone de 90 canciones de su colaborador,[67]​ le considera uno de los "tres grandes reuniones" de su carrera profesional, las otras dos son Éluard y Landowska.[68]​[k]​ En Johnson palabras, "por más de veinte y cinco años Bernac fue Poulenc del consejero y de la conciencia", y el compositor se basó en él para el asesoramiento no sólo en escribir una canción, pero en sus óperas y música coral.[69]​

A lo largo de la década, Poulenc fue popular entre los Británicos audiencias; estableció una fructífera relación con la BBC de Londres, la cual transmite muchas de sus obras.[70]​ Con Bernac, hizo su primera gira por gran Bretaña en 1938.[71]​ Su música fue también muy popular en estados unidos, considerado por muchos como "la quintaesencia de francés ingenio, elegancia y alta espíritus".[72]​ En los últimos años de la década de 1930, Poulenc composiciones continuó varían entre lo serio y desenfadada de las obras. Quatre motetes pour un temps de pénitence (Cuatro Penitencial de Motetes, 1938-39) y la canción "Bleuet" (1939), una poética de la meditación en la muerte, en contraste con el ciclo de canción de Fiançailles pour rire (desenfadada de los Esponsales), que rescata el espíritu de Les biches, en la opinión del Hell.[73]​

De la década de 1940: la guerra y la post-guerra[editar]

Poulenc fue brevemente un soldado de nuevo durante la Segunda Guerra Mundial; fue llamado el 2 de junio de 1940 y sirvió en un anti-unidad de aviones en Burdeos.[74]​ Después de que Francia se rindió a Alemania, Poulenc fue desmovilizado del ejército el 18 de julio de 1940. Pasó el verano de ese año con la familia y amigos en Brive-la-Gaillarde en el centro-sur de Francia.[75]​ En los primeros meses de la guerra, había compuesto poco de música nueva, en lugar de volver a orquestar Les biches y la reformulación de su 1932 Sexteto para piano y vientos. En Brive-la-Gaillarde comenzó a tres nuevas obras, y una vez de regreso en su casa en Noizay en octubre comenzó en un cuarto. Estos fueron L'Histoire de la historia de Babar, le petit éléphant para piano y narrador, la Sonata para Violonchelo, el ballet Les Animaux modelos y el ciclo de canciones Banalités.

Exterior of grandiose 19th-century theatre
La Óperade París, donde Les Animaux modèles se estrenó en 1942

Para la mayoría de la guerra, Poulenc fue en París, dando recitales con Bernac, concentrándose en canciones en francés.[l]​ Bajo el régimen Nazi estaba en una posición vulnerable, como un conocido homosexual (Destouches evitada detención y deportación), pero en su música hizo muchos gestos de rebeldía de los Alemanes.[76]​ Él puso música a los versos de los poetas destacados en la Resistencia francesa, incluyendo Aragón y Éluard. En Les Animaux modelos, que se estrenó en la Opéra en 1942, se incluye la melodía, que se repite varias veces, de la anti-alemán de la canción "Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorena".[77]​[78]​{{Refn|group=lower-alpha|This song, "You shall not have Alsace and Lorraine", was a popular patriotic French ditty dating from the Franco-Prussian War, when the Germans defeated France and annexed much of Alsace and Lorraine. France regained them after the First World War, but at the time of Les Animaux modèles they were once again under German control.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> En 1943 escribió una cantata para los menores no acompañados doble coro destinado a Bélgica, la Figura humana, el establecimiento de ocho de Éluard poemas. La obra, que termina con "Libertad", no podía ser dado en Francia, mientras que los Alemanes estaban en control; su primera actuación fue la emisión de un estudio de la BBC en Londres, en Marzo de 1945,[79]​ y no fue cantada en París, hasta que en 1947.[80]​ El crítico de música de Los Momentos más tarde escribió que la obra "es uno de los mejores trabajos corales de nuestro tiempo y en la misma quita Poulenc, de la categoría de petit maître para que la ignorancia ha sido, en general, el contenido de relegar a él."[81]​

En enero de 1945, encargado por el gobierno francés, Poulenc y Bernac volaba de París a Londres, donde recibió una entusiasta bienvenida. La Orquesta Filarmónica de Londres dio una recepción en el compositor del honor;[82]​ él y Benjamin Britten fueron los solistas en un rendimiento de Poulenc del Doble Concierto para Piano y orquesta en el Royal Albert Hall;[83]​ con Bernac dio recitales de francés mélodies y obras de piano en el Wigmore Hall y la Galería Nacional, y grabó para la BBC.[84]​ Bernac fue abrumado por la respuesta del público; cuando él y Poulenc salió en el Wigmore Hall de la etapa, "la audiencia se puso de pie y mi emoción fue tal que en lugar de comenzar a cantar, yo comencé a llorar."[85]​ Después de sus dos semanas de estancia, los dos volvieron a casa en el primer barco-tren para salir de Londres a París desde Mayo de 1940.[86]​

En París, Poulenc completó sus calificaciones de L'Histoire de la historia de Babar, le petit éléphant y su primera ópera, Les mamelles de Tirésias (Los Pechos de Tiresias), un corto opéra bouffe de alrededor de una hora de duración. El trabajo es un entorno de Apollinaire de la obra de teatro del mismo nombre, que se realizó en 1917. Sam se describe la ópera como "de alto espíritu topsy-turveydom" ocultar "una más profunda y más triste tema – la necesidad de repoblar y redescubrir una Francia devastada por la guerra".[87]​ se estrenó en junio de 1947 en la Opéra-Comique, y fue un éxito de crítica, pero no resultó ser muy popular con el público.[m]​ El papel protagonista femenino fue tomada por Denise Duval, quien se convirtió en el compositor favorito de los soprano, frecuente en el considerando pareja y con algunos de su música.[88]​ la llamó el ruiseñor que le hizo llorar ("Mon rossignol à larmes").[89]​

Image of bald late middle-aged man
Pierre Bernac (1960 fotografía)

Poco después de la guerra, Poulenc tuvo un breve romance con una mujer, Fréderique ("Freddy") Lebedeff, con quien tuvo una hija, Marie-Ange, en 1946. El niño fue criado sin saber que su padre era (Poulenc, supuestamente era su "padrino"), pero él hizo provisión generosa para ella, y ella fue el principal beneficiario de su voluntad.

En el período de la posguerra Poulenc espadas cruzadas con los compositores de la generación más joven que rechazó Stravinsky reciente trabajo e insistió en que sólo los preceptos de la Segunda Escuela de viena eran válidas. Poulenc defendió Stravinsky y expresó su incredulidad de que "en 1945 estamos hablando como si la estética de doce tonos es la única posible salvación de la música contemporánea". en Su opinión de que Berg había tomado serialism tan lejos como podía ir y que la música de Schoenberg ahora estaba desierto", de la sopa de piedras, sucedáneo de la música, o poética vitaminas" le valió la enemistad de compositores como Pierre Boulez.[n]​ Aquellos en desacuerdo con Poulenc tratado de la pintura de él, como una reliquia de la pre-guerra de la época, frívola y unprogressive. Esto le llevó a centrarse en su más grave obras, y para tratar de convencer al público francés a escuchar a ellos. En los estados unidos y gran Bretaña, con su fuerte coral tradiciones, su música religiosa se realiza con frecuencia, pero los resultados en Francia eran mucho más raro, de modo que el público y los críticos a menudo eran conscientes de su grave composiciones.{{Refn|group=lower-alpha|In 1949, thrilled by a new American recording of his 1936 Mass conducted by Robert Shaw, Poulenc exclaimed, "At last the world will know that I am a serious composer.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> regresó con frecuencia hasta 1961, dando recitales con Bernac o Duval y como solista en el estreno de su Concierto para Piano y orquesta (1949), por encargo de la Orquesta Sinfónica de Boston.

1950-63: Los Carmelitas y de los últimos años[editar]

Poulenc comenzó la década de 1950 con una nueva pareja en su vida privada, Lucien Roubert, un viajante de comercio.[91]​ Profesionalmente Poulenc fue productivo, escrito un siete-el ciclo de canción de configuración de poemas de Éluard, La Tonique et le feu (1950), y el Stabat Mater, en la memoria del pintor Christian Bérard, compuesto en 1950 y estrenada al año siguiente.[92]​

Church stained-glass window depicting the martyrdom of a line of nuns
Los Mártires de Compiègne

En 1953, Poulenc fue ofrecido una comisión por La Scala y la Milanesa editorial Casa Ricordi para un ballet. Él considera que la historia de santa Margarita de Cortona , pero encontró un baile versión de su vida imposible. Prefirió escribir una ópera sobre un tema religioso; Ricordi sugirió Dialogues des Carmélites, un unfilmed guión de Georges Bernanos. El texto, basado en un relato corto de Gertrud von Le Fort, representa a los Mártires de Compiègne, monjas guillotinado durante la Revolución francesa por sus creencias religiosas. Poulenc encontró "un movimiento y noble labor",[93]​ ideal para su libreto, y comenzó la composición de agosto de 1953.[94]​

Durante la composición de la ópera, Poulenc sufrió dos golpes. Aprendió de una obra literaria derechos disputa entre Albert Béguin, Bernanos literaria de albacea, y el escritor Norteamericano Emmet Lavery, que previamente había obtenido todos los derechos a adaptaciones teatrales de von Le Fort, la novela de ella en abril–Mayo de 1949, que le llevó a dejar de trabajar temporalmente en su ópera.[95]​ además, Roubert se puso gravemente enfermo.[o]​ Intensa preocupación empujado Poulenc en una crisis nerviosa, y en noviembre de 1954 fue en una clínica en L'Haÿ-les-Roses, a las afueras de París, fuertemente sedado.[96]​ Cuando se recuperó, y el de derechos literarios y los pagos de regalías disputas con Lavery fueron resueltos, se reanudó el trabajo en Dialogues des Carmélites de entre la extensa gira con Bernac en Inglaterra. Como su riqueza personal había disminuido desde la década de 1920, se requirió que el sustancial de los ingresos obtenidos de sus recitales.[97]​

Mientras trabajaba en la ópera, Poulenc compuesto poco más; las excepciones fueron dos mélodies, y a un corto movimiento orquestal, "Bucolique" en una obra colectiva, las Variaciones sur le nom de Marguerite Long (1954), a la que sus viejos amigos de Les Seis Áurico y Milhaud también contribuyó.[98]​ Como Poulenc estaba escribiendo las últimas páginas de su ópera en octubre de 1955, Roubert murió a la edad de cuarenta y siete. El compositor escribió a un amigo: "Lucien fue liberado de su martirio hace diez días y la copia final de Les Carmélites se completó (tomar nota) en el momento en que mis queridos, expiró."

La ópera fue entregado por primera vez en enero de 1957 en La Scala en la traducción italiana. Entre el entonces y el francés estreno Poulenc introdujo uno de sus más populares obras finales, la Sonata para Flauta, que él y Jean-Pierre Rampal a cabo en junio en el Festival de Estrasburgo.[99]​ Tres días más tarde, el 21 de junio, llegó el Paris premiere de Dialogues des Carmélites en la Ópera. Fue un tremendo éxito, el compositor es un alivio considerable. En todo este tiempo, Poulenc comenzó su última relación romántica, con Louis Gautier, un ex soldado, se quedaron asociados a la final de Poulenc de la vida.[100]​{{Caja de cita|width=30%|align=right|quote=It's not that I'm consumed by the idea of being a grrrrreat musician,[101]​Poulenc visitó los estados unidos en 1960 y 1961. Entre sus obras durante estos viajes fueron el estreno Estadounidense de La Voix humaine en el Carnegie Hall en Nueva York, con Duval, y el estreno mundial de su Gloria, la gran escala de la obra para soprano, de cuatro partes, coro mixto y orquesta, realizado en Boston por Charles Munch.[102]​ En 1961 Poulenc publicado un libro acerca de Chabrier, un 187-page estudio de que un revisor escribió en la década de 1980, "él escribe con el amor y la perspicacia de un compositor cuyas opiniones compartió en asuntos como el de la primacía de la melodía y la esencial seriedad del humor."[103]​ Las obras de Poulenc los últimos doce meses comprendidos de Septiembre répons des ténèbres para voces y orquesta, la Sonata para Clarinete y el Oboe Sonata.

El 30 de enero de 1963, en su piso enfrente del Jardin du Luxembourg, Poulenc sufrió un fatal ataque al corazón. Su funeral fue en la cercana iglesia de Saint-Sulpice. En el cumplimiento de sus deseos, ninguno de su música fue realizada; Marcel Dupré jugado obras de Bach en el gran órgano de la iglesia. Poulenc fue enterrado en el Cementerio de Père Lachaise, junto a su familia.[104]​

Poulenc la tumba en el Cementerio de Père Lachaise

La música[editar]

Ver también: FP (Catálogo de composiciones), Lista de composiciones

Poulenc la música es esencialmente diatónica. En Henri Hell's vista, esto es debido a que la característica principal de Poulenc del arte musical es su don melódico.[105]​ En las palabras de Roger Nichols en el Grove dictionary, "Para [Poulenc] el elemento más importante de todos fue la melodía y encontró su camino a un gran tesoro de descubrir melodías dentro de un área que, según la mayoría de los de arriba-a-fecha musical mapas, ha reconocido, trabajado y agotado". El comentarista de George Keck escribe, "Sus melodías son simples, agradable, fácil de recordar, y más a menudo emocionalmente expresivo".[106]​

Poulenc dijo que él no era inventivo en su lenguaje armónico. El compositor Lennox Berkeley , escribió de él, "Todos a través de su vida, él era el contenido para uso convencional de la armonía, pero su uso fue de manera individual, por lo que inmediatamente reconocible como propio, que dio a su música frescura y validez". Keck considera Poulenc del lenguaje armónico "como hermosa, interesante y personal como su melódico escribir ... claro, de armonías sencillas para mover obviamente que define áreas de tonos con cromatismo que es rara vez más que el paso". Poulenc no tenía tiempo para las teorías musicales; en una de sus muchas entrevistas en la radio que él llamó "una tregua para la composición de la teoría, doctrina, regla!"[107]​ Él fue desdeñoso de lo que él vio como el dogmatismo de los últimos días a los adherentes a la dodecafonía, dirigido por René Leibowitz,[108]​ , y en gran medida se lamentó de que la adopción de un enfoque teórico habían afectado a la música de Olivier Messiaen, de quien anteriormente había tenido esperanzas.[p]​ Al Hell, casi todos los Poulenc, la música de "directa o indirectamente inspirado por el puramente melódico asociaciones de la voz humana".[111]​ Poulenc fue un laborioso artesano, a pesar de un mito creció – "la légende de facilité" – que su música llegó fácilmente a él; él comentó, "El mito es perdonable, ya que hago todo lo posible para ocultar mis esfuerzos."[112]​

El pianista Pascal Rogé comentó en 1999, a la que ambos lados de Poulenc musical de la naturaleza eran igualmente importantes: "Usted debe aceptarlo como un todo. Si le quitas parte, el grave o no grave, destruirlo. Si una parte se borra usted obtener sólo un pálido fotocopia de lo que realmente es."[113]​ Poulenc reconocido la dicotomía, pero en todas sus obras que él quería que la música que estaba "sana, clara y robusta – la música como francamente francés como Stravinsky es Eslavo".[114]​{{Refn|group=lower-alpha|"Je souhaite une musique saine, claire et robuste, une musique aussi franchement française que celle de Strawinsky est slave."Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> El Concierto para Órgano (1938) es mucho más grave de la vena. Poulenc dijo que era "en las afueras" de su música religiosa, y hay pasajes que dibujar en la iglesia de la música de Bach, aunque también hay interludios en breezy estilo popular. El segundo ballet de puntuación, Les Animaux modelos (1941), nunca se ha igualado a la popularidad de Les biches, a pesar de que ambos Áurico y Honegger elogió el compositor armónico de estilo y de recursos de orquestación.[115]​ Honegger escribió, "Las influencias que han trabajado en él, Chabrier, Satie, Stravinsky, ahora están completamente asimilados. Escuchando su música que crees – Poulenc."[116]​ La Sinfonietta (1947) es una reversión a Poulenc antes de la guerra frivolidad. Él llegó a sentir, "me vestía demasiado joven para mi edad ... [que] es una nueva versión de Les biches , pero las chicas jóvenes [biches] que son de cuarenta y ocho años de edad – que horrible!" El Concierto para piano y orquesta (1949) inicialmente causó cierta decepción: muchos consideraron que no era un anticipo de Poulenc antes de la guerra de la música, un punto de vista él vino para compartir. La pieza ha sido re-evaluada en años más recientes, y en 1996 el escritor Claire Delamarche lo calificó como el compositor más finos de la pieza concertante.[117]​

Piano[editar]

Poulenc, un muy logrado pianista, compone, generalmente, en el piano y escribió muchas obras para el instrumento a lo largo de su carrera. En Henri Hell, Poulenc el piano de la escritura puede ser dividido en la percusión y el suave estilo que recuerda a la de un clavecín. El Hell considera que los mejores de Poulenc la música para piano está en el acompañamiento a las canciones, una opinión compartida por Poulenc sí mismo.[118]​ La gran mayoría de las obras de piano son, en opinión del escritor Keith W Daniel, "lo que podría ser llamado 'miniaturas'".[119]​ Mirando hacia atrás a su música de piano en la década de 1950, el compositor visto críticamente: "puedo tolerar la Mouvements perpétuels, mi viejo Suite en ut [C], y las Tres piezas. Me gusta mucho que mis dos colecciones de Improvisaciones, un Intermezzo en Un piso, y ciertos Nocturnos. Condeno Napoli y el Veladas de Nazelles sin indulto."[120]​

De las piezas citadas, con la aprobación de Poulenc, a los quince Improvisaciones fueron compuestas en los intervalos entre 1932 y 1959.{{Refn|group=lower-alpha|At the time of Poulenc's comments there were only twelve: the first set, numbers 1–10, date from the 1920s and the second set, numbers 11 and 12, from the 1930s; numbers 13–15 were written in 1958–59.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> Poulenc del favorecido Intermezzo fue el último de los tres. Los números uno y dos fueron compuestas en agosto de 1934; la plana seguido en Marzo de 1943. Los comentaristas de la Marina y Víctor Ledin describe la obra como "la encarnación de la palabra 'encanto'. La música parece simplemente para rodar fuera de las páginas, cada sonido tras otro en un honesto y de manera natural, con la elocuencia y la inconfundible Frenchness."[121]​ El ocho nocturnos fueron compuestas a través de casi una década (1929-38). Si o no Poulenc originalmente concebido como un conjunto integral, le dio el octavo el título de "servir como Coda para el Ciclo" (Pour servir de Coda au Ciclo). A pesar de que comparten su título genérico con los nocturnos de Campo, Chopin y Fauré, Poulenc no se asemejan a los de la anterior compositores, siendo "la noche de escenas y sonidos-imágenes de los eventos públicos y privados", más que romántico tono de los poemas.

Las piezas Poulenc simplemente tolerable fueron todas las obras tempranas: Trois mouvements perpétuels data de 1919, la Suite en C a partir de 1920 y la de Trois pièces de 1928. Todos constan de secciones cortas, la más larga de ser el "Hymne", el segundo de los tres 1928 piezas, que dura alrededor de cuatro minutos. De las dos obras de su compositor señalado para la censura, Napoli (1925) es una de tres movimientos retrato de la Italia, y Les Veladas de Nazelles es descrito por el compositor Geoffrey Bush como "el equivalente francés de Elgar's Enigma variations" – miniatura bocetos de los personajes de sus amigos. A pesar de Poulenc de su desprecio por el trabajo, Bush jueces es ingenioso y ocurrente.[122]​ Entre la música de piano que no se mencionan, de manera favorable o de la dureza, de Poulenc, las piezas más conocidas son las dos Novelettes (1927-28), el conjunto de seis miniaturas para los niños, Villageoises (1933), una versión para piano de la siete-movimiento de la Suite française (1935), y L'embarquement verter Cythère para dos pianos (1953).[123]​

Cámara[editar]

En Grove, Nichols se divide la cámara funciona en tres períodos claramente diferenciados. Los primeros cuatro sonatas provienen de los primeros de grupo, todos los escritos antes de Poulenc fue de veintidós años. Son para dos clarinetes (1918), dúo de piano (1918), el clarinete y el fagot (1922) y la trompa, trompeta y trombón (1922).[124]​ son algunos de los primeros ejemplos de Poulenc muchas y variadas influencias, con ecos de estilo rococó, diversificadas que junto a los no convencionales armonías, algunos influenciado por el jazz. Los cuatro se caracterizan por su brevedad – a menos de diez minutos cada uno – su picardía y su ingenio, que Nichols se describe como el ácido. Otras obras de cámara de este periodo son la Rapsodie nègre, FP 3, a partir de 1917 (principalmente instrumental, con vocal breve episodios) y el Trío para oboe, fagot y piano (1926).

La cámara de obras de Poulenc media del período fueron escritos en la década de 1930 y los años 1940. El más conocido es el Sexteto para Piano y Viento (1932), en Poulenc luz del corazón de la vena, que consta de dos animado exterior de movimientos y una central de divertimento; esta fue una de varias obras de cámara que el compositor se convirtió en insatisfecho con y revisado exhaustivamente algunos años después de su primera actuación (en este caso en 1939-40).[125]​[q]​ Las sonatas en este grupo son para violín y piano (1942-43) y para violonchelo y piano (1948). Escrito por cadenas no vienen fácilmente a Poulenc; estas sonatas fueron completados después de dos fallidos intentos anteriores,[r]​ y en 1947 destruyó el proyecto de un cuarteto de cuerda.[s]​ Tanto las sonatas son predominantemente grave de carácter; que para violín está dedicado a la memoria de Federico García Lorca. los Comentaristas, incluyendo Hell, Schmidt y Poulenc mismo se han considerado, y en cierta medida, la sonata para violonchelo, como menos eficaces que los de viento.[128]​ El Aubade, "Concierto choréographique" para piano y 18 instrumentos (1930) alcanza casi orquestal efecto, a pesar de su modesto número de jugadores.[t]​ El otro de la cámara de obras de esta época son los arreglos para conjuntos pequeños de dos obras de Poulenc más ligero del vena, la Suite française (1935) y el Trois mouvements perpétuels (1946).[130]​

Las tres últimas sonatas son para viento y piano: para flauta (1956-57), clarinete (1962), y oboe (1962). Tienen, de acuerdo a Grove, se convierten en accesorios en sus repertorios a causa de "sus conocimientos técnicos y de su profunda belleza". El Elégie para trompa y piano (1957) fue compuesta en memoria de el cuerno jugador Dennis Brain. contiene uno de Poulenc raro excursiones en la dodecafonía, con el breve empleo de un período de doce nota el tono de la fila.[131]​

Canciones[editar]

Poulenc canciones compuestas a lo largo de su carrera, y su salida en el género es amplia.[u]​ En Johnson vista, la mayoría de los mejores fueron escritos en la década de 1930 y los años 1940.[133]​ Aunque muy variada, de carácter, las canciones están dominados por Poulenc, la preferencia por ciertos poetas. Desde el principio de su carrera era partidario de versos por Guillaume Apollinaire, y a partir de mediados de la década de 1930, el escritor, cuya obra se establece con mayor frecuencia fue el de Paul Éluard. Otros poetas cuyas obras él con frecuencia incluye Jean Cocteau, Max Jacob, y Louise de Vilmorin.[134]​ En opinión del crítico musical de Andrew Clements, el Éluard canciones incluyen muchos de Poulenc más grande de configuración;[135]​ Johnson llama el ciclo de Tel Jour, Telle Nuit (1937), el compositor del "horario de trabajo", y Nichols se refiere a ella como "una obra maestra digna de estar al lado de Fauré La bonne chanson". Clements encuentra en la Éluard la configuración de una profundidad "mundos de distancia de la quebradizo, burlón superficies de Poulenc temprana de la orquesta y la música instrumental". El primero de los Dos poèmes de Louis Aragon (1943), titulado simplemente "C", es descrito por Johnson como "una obra maestra conocida en todo el mundo, es el más raro, y quizás el más emotivo, canción que habla de los estragos de la guerra que se han compuesto."[136]​

En un resumen de las canciones en 1973, el musical erudito Yvonne Gouverné dijo, "Con Poulenc, la línea melódica coincide con el texto tan bien que parece que en alguna manera de terminarlo, gracias al don que la música tiene para penetrar en la esencia de un poema; nadie tiene mejor diseñado una frase de Poulenc, resaltando el color de las palabras."[137]​ Entre las piezas más ligeras, una de las compositor de las canciones más populares es un entorno de Les Chemins de l'amour de Jean Anouilh's 1940 jugar como un Parisino vals;[138]​ por el contrario su "monólogo" de "La Dame de Monte Carlo", (1961) una representación de una mujer de edad avanzada adicto a los juegos de azar, muestra el compositor dolorosa de la comprensión de los horrores de la depresión.[139]​

Coral[editar]

Aparte de una sola obra temprana para menores no acompañados coro ("Chanson à boire", 1922), Poulenc comenzó a escribir la música coral en 1936. En ese mismo año se produjo tres obras para coro: Sept chansons (configuración de los versos de Éluard y otros), Petites voix (para las voces de los niños), y su obra religiosa Letanías à la Vierge Noire, para las mujeres o las voces de los niños y de órganos.[140]​ La Misa en sol mayor (1937) para los menores no acompañados del coro es descrito por Gouverné como tener algo de un barroco estilo, con "la vitalidad y el alegre clamor en el que su fe es marcadamente grande". Poulenc del nuevo tema religioso continuó con Quatre motetes pour un temps de pénitence (1938-39), pero entre sus más importantes trabajos corales es la cantata secular de la Figura humana (1943). Al igual que la Masa, es no acompañados, y para tener éxito en el rendimiento se requiere de los cantantes de la más alta calidad. Otros a capella obras incluyen el Quatre motetes pour le temps de Noël (1952), que hacen demandas severas en los coros de' rítmico de precisión y entonación.[141]​

Poulenc importante obra para coro y orquesta son el Stabat Mater (1950), la Gloria (1959-60), y Sept répons des ténèbres (Siete responsories para los Tenebrae, 1961-62). Todas estas obras están basadas en los textos litúrgicos, establecido originalmente para el canto Gregoriano. En la Gloria, Poulenc de la fe se expresa en un exuberante, alegre, con intervalos de oración calma y el sentimiento místico, y un final de serena tranquilidad. Poulenc escribió a Bernac en 1962, "he terminado Les Ténèbres. Creo que es hermoso. Con la Gloria y el Stabat Mater, creo que tengo tres buenas obras religiosas. Puede que me sobra un par de días en el Purgatorio, si me estrechamente evitar ir al infierno." Sept répons des ténèbres, que Poulenc no para escuchar en vivo a cabo, utiliza una gran orquesta, pero en Nichols de la vista se muestra una nueva concentración del pensamiento. el crítico Ralph Thibodeau, el trabajo puede ser considerado como Poulenc propio réquiem y es "el más vanguardista de su sagrado composiciones, la mayoría emocionalmente exigente, y el más interesante musicalmente, sólo comparable con su magnum opus, el sacro, la ópera, Dialogues des Carmélites."

Opera[editar]

Stage design, fairly abstract
Diseño por Sylvain Lhermitte de Les mamelles de Tirésias

Poulenc volvió a opera sólo en la última mitad de su carrera. Después de haber logrado la fama a los veintipocos años, él estaba en sus cuarenta, antes de intentar su primera ópera. La atribuyó a la necesidad de madurez antes de abordar los temas que él escogió para. En 1958 le dijo a un entrevistador, "Cuando tenía 24 años yo era capaz de escribir Les biches [pero] es obvio que a menos que un compositor de 30 tiene el genio de Mozart o la precocidad de Schubert él no podía escribir Las Carmelitas – los problemas son demasiado profundas". En el Sams de la vista, los tres de Poulenc las óperas de mostrar una profundidad de sentimiento distante de "el cínico estilista de la década de 1920": Les mamelles de Tirésias (1947), a pesar de la turbulenta trama, está llena de nostalgia y una sensación de pérdida. En los dos declaradamente graves óperas, Dialogues des Carmélites (1957) y La Voix humaine (1959), en la que Poulenc representa profundo sufrimiento humano, Sam ve un reflejo de que el compositor de la propia lucha con la depresión.

En términos de técnica musical las óperas de mostrar en qué medida Poulenc había llegado desde su ingenua e insegura inicios. Nichols comentarios en Grove que Les mamelles de Tirésias, se despliega "lírica solos, fraseología dúos, coros, falsete líneas para tenor y bajo los bebés y ... logra ser a la vez divertido y hermoso". En las tres óperas Poulenc se basó en anteriores compositores, mientras que la fusión de su influencia en la música inconfundible de su propio. En la partitura impresa de Dialogues des Carmélites reconoció su deuda a Mussorgsky, Monteverdi, Mozart y Verdi. El crítico Renaud Machart escribe que Dialogues des Carmélites es, con Britten Peter Grimes, uno de los muy raros óperas escritas desde la Segunda Guerra Mundial a aparecer en la ópera de los programas de todo el mundo.[142]​

Incluso cuando escribía para una gran orquesta, Poulenc utiliza la totalidad de las fuerzas con moderación en sus óperas, a menudo de puntuación para instrumentos de viento de madera o de latón o cadenas solo. Con el valioso aporte de Bernac mostró gran habilidad en la redacción de la voz humana, el ajuste de la música a la tesitura de cada personaje.[143]​ Por el tiempo de la última de las óperas, La Voix humaine, Poulenc se sentía capaz de dar la soprano tramos de la música sin acompañamiento orquestal, aunque cuando la orquesta toca, Poulenc llamadas para que la música sea "bañado en la sensualidad".[144]​

Las grabaciones[editar]

Poulenc fue uno de los compositores que ha reconocido en la década de 1920 el importante papel que el gramófono iba a jugar en la promoción de la música. La primera grabación de su música fue hecha en 1928, con la mezzo-soprano Claire Croiza acompañado por el compositor al piano, en el ciclo de canción de La bestiaire de francés de Columbia.[145]​ hizo numerosas grabaciones, principalmente por la división francesa de EMI. Con Bernac y Duval grabó muchas de sus propias canciones, y las de otros compositores, incluyendo Chabrier, Debussy, Gounod y Ravel.[146]​ jugó la parte de piano en las grabaciones de su historia de Babar el Elefante con Pierre Fresnay y Noël Coward como narradores.[147]​ En 2005, EMI publicó un DVD, "Francis Poulenc Y Amigos", con filmado actuaciones de Poulenc de la música, interpretada por el compositor, con Duval, Jean-Pierre Rampal, Jacques Février y Georges Prêtre.[148]​

Middle-aged man looking towards camera
Benjamin Britten, amigo e intérprete de Poulenc

1984 discografía de Poulenc de la música de las listas de las grabaciones por más de 1.300 directores de orquesta, solistas y conjuntos, incluyendo los directores de orquesta Leonard Bernstein, Charles Dutoit, Milhaud, Eugene Ormandy, Georges Prêtre, André Previn y Leopold Stokowski. Entre los cantantes, además de Bernac y Duval, la lista incluye Régine Crespin, Dietrich Fischer-Dieskau, Nicolai Gedda, Peter Pears, Yvonne Printemps y Gérard Souzay. Solistas instrumentales incluyen Britten, Jacques Février, Pierre Fournier, Emil Gilels, Yehudi Menuhin y Arthur Rubinstein.[149]​

Juegos completos de Poulenc el solo de piano de la música han sido grabadas por Gabriel Tacchino, que había sido Poulenc sólo estudiante de piano (publicado en la etiqueta EMI), Pascal Rogé (Decca), Pablo Crossley (CBS), Eric Parkin (Chandos) y Olivier Cazal (Naxos).[150]​[151]​ Integral de los conjuntos de música de cámara han sido grabadas por el Nash Ensemble (Hyperion), y una variedad de jóvenes músicos franceses (Naxos).[152]​

El estreno mundial de Dialogues des Carmélites (en italiano, como Dialoghi delle Carmelitane) fue grabado y ha sido editado en CD. La primera grabación de estudio fue poco después de que el francés estreno, y desde entonces no han sido, al menos, diez en vivo o en grabaciones de estudio en CD o DVD, la mayoría de ellos en francés, pero una en alemán y otra en inglés.[153]​

Reputación[editar]

Las dos caras de la Poulenc musical de naturaleza causados malentendido durante su vida y han continuado haciéndolo. El compositor Ned Rorem , observó, "era profundamente devoto y incontrolablemente sensual";[154]​ esto lleva a algunos críticos a menospreciar su seriedad. Su inquebrantable adhesión a la melodía, tanto en su encendedor y obras serias, también ha causado que algunos lo ven como unprogressive. Aunque él no estaba muy influido por los nuevos desarrollos en la música, Poulenc fue siempre muy interesados en las obras de las jóvenes generaciones de compositores. El síndrome de Lennox Berkeley, recordó, "a Diferencia de algunos artistas, estaba genuinamente interesado en el trabajo de otras personas, y, sorprendentemente, agradecidos de la música muy lejos de la suya. Yo le recuerdo jugando me los registros de Boulez es Le marteau sans maître con el que ya estaba familiarizado, cuando ese trabajo era mucho menos conocido de lo que es hoy".[155]​ Boulez no tomar el recíproco de la vista, comentando en 2010, "siempre Hay gente que va a tomar un fácil intelectual camino. Poulenc viene después de la basílica de Sacre [du Printemps]. No era el progreso".[156]​ Otros autores han encontrado más mérito en Poulenc la obra de Stravinsky le escribió en 1931: "Ustedes son verdaderamente buenas, y eso es lo que me parece de nuevo y de nuevo en su música".[157]​

En sus últimos años, Poulenc, observó, "si la gente sigue interesada en mi música en 50 años va a ser para mi Stabat Mater en lugar de la Mouvements perpétuels." En el centenario del tributo en Los Tiempos Gerald Larner comentó que Poulenc predicción de que estaba equivocado, y que en 1999, el compositor fue ampliamente celebrado por ambos lados de su carácter musical: "el Católico ferviente y el niño travieso, por tanto la Gloria y Les Biches, tanto Les Dialogues des Carmélites y Les Mamelles de Tirésias." En la misma época que la escritora Jessica Duchen describe Poulenc como "una efervescencia, burbujeante masa de Gala de la energía que se puede mover tanto a la risa y las lágrimas en cuestión de segundos. Su lenguaje, habla claramente, directamente y humanamente a todas las generaciones."[158]​

Notas[editar]

  1. ↑ «...y a en lui du moine et du voyou.»[4]​ «Voyou» no tiene traducción directa en inglés, y además de "naughty boy",[5]​ ha sido traducido como «ragamuffin or street-urchin»,[6]​ «guttersnipe»,[7]​ «bad boy»,[8]​ «bounder»,[9]​ «hooligan»,[10]​ y «rascal».[11]​
  2. ↑ Los favoritos de Jenny Poulenc iban desde Mozart, Schumann y Chopin a piezas populares sentimentales de compositores como Anton Rubinstein.[12]​ Poulenc dedicó su ópera Diálogos de carmelitas (1956) a «la memoria de mi madre, que me reveló la música».[13]​
  3. ↑ Las obras eran Tres movimientos perpetuos, Trois pastorales y Suite pour piano.[20]​
  4. ↑ The Poulenc scholar Carl B Schmidt lists two works earlier than Rapsodie nègre, unperformed and known to have been destroyed by the composer: "Processional pour la crémation d'un mandarin" (Processional for the Cremation of a Mandarin) (1914) and Préludes (1916) both for solo piano;[25]​ several later pieces composed between 1917 and 1919 were also destroyed or lost.[26]​
  5. ↑ A pun on the English colloquial expression "leg-pulling" – playful, humorous deception.[28]​
  6. ↑ Poulenc recalled Ravel as saying that Saint-Saëns was a genius, Schumann was mediocre and much inferior to Mendelssohn, late Debussy (such as Jeux) was poor, and Chabrier's orchestration incompetent.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>
  7. ↑ In the original, Poulenc's quotation of Satie's words is given as, "Ce c... de Ravel, c'est stupide tout ce qu'il dit!"[32]​
  8. ↑ Milhaud's view has been questioned by later writers. In Music & Letters in 1957 Vera Rašín cast doubt on the statement that Collet's choice was arbitrary, surmising that the label "Les Six" was carefully planned by Jean Cocteau, who had taken the group under his wing.[38]​ A similar view was put forward by the musicologist Robert Orledge in 2003.[39]​
  9. ↑ Koechlin, like Ravel, was a pupil of Gabriel Fauré, but Poulenc did not share their love of Fauré's music: the Fauré scholar Jean-Michel Nectoux comments that Poulenc's aversion seems strange because of all the members of Les Six, Poulenc "is the nearest to Fauré in the limpid clarity and singing quality of his own writing, in his charm".[45]​
  10. ↑ In addition to "Epitaphe", other Poulenc works were dedicated to Linossier or her memory are the Sonata for Horn, Trumpet and Trombone (1922), Ce doux petit visage (1939), Les Animaux modèles (1941) and "Voyage" from Calligrammes (1948).[59]​
  11. ↑ Bernac's timbre and sensitive musicianship considerably influenced Poulenc's compositional style in his mélodies, to a degree comparable with the musical relationship between Poulenc's friends the tenor Peter Pears and the composer Benjamin Britten, although unlike their English counterparts Poulenc and Bernac were partners only professionally.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>
  12. ↑ Poulenc recalled later that they performed only French songs, but his recollection was inaccurate: German songs, notably those of Schumann, were included in some programmes.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>
  13. ↑ The piece was not produced in the US until 1953, and did not reach Britain until 1958, when Britten and Pears presented it at the Aldeburgh Festival.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>
  14. ↑ Despite their musical differences, Poulenc and Boulez maintained amicable personal relations: exchanges of friendly letters are recorded in Poulenc's published correspondence.[90]​
  15. ↑ The illness is variously reported as pleurisy and lung cancer.Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>
  16. ↑ In a letter to Milhaud in 1950 Poulenc, who had earlier singled out Messiaen as one of France's most promising young composers,[109]​ privately compared Messiaen's recent compositions to "holy water out of a bidet".[110]​
  17. ↑ The List of compositions by Francis Poulenc gives dates for the major revisions
  18. ↑ An early violin sonata was performed at a Huyghens concert in 1919 but it was unpublished and is now lost.[126]​
  19. ↑ Hell notes that Poulenc reused some of the themes in his 1947 Sinfonietta.[127]​
  20. ↑ Hell lists the piece under the separate heading of "Works for Chamber Orchestra" along with the occasional work Two Marches and an Intermezzo (1937).[129]​
  21. ↑ A 2013 CD set of the complete songs occupies four full discs and plays for more than five hours in total.[132]​

Referencias[editar]

  1. ↑ Schmidt (2001), p. 3
  2. ↑ Cayez, p. 18
  3. ↑ Chimènes, Myriam and Roger Nichols. "Poulenc, Francis", Grove Music Online, Oxford Music Online, Oxford University Press, retrieved 24 August 2014 (requiere suscripción)
  4. ↑ Roy, p. 60
  5. ↑ Poulenc (2014), p. 247
  6. ↑ Burton, p. 15
  7. ↑ Buckland and Chimènes, p. 85
  8. ↑ Ivry, p. 8
  9. ↑ Schmidt (2001), p. 105
  10. ↑ Walker, Lynne. "The alchemical brother", The Independent, 27 January 1999
  11. ↑ Hewett, Ivan. "Part monk, part rascal", The Daily Telegraph, 23 March 2013
  12. ↑ a b Hell, p. 2
  13. ↑ Citado en Schmidt (2001), p. 6
  14. ↑ Hell, pp. 2–3
  15. ↑ Schmidt (2001), pp. 6 and 23
  16. ↑ Poulenc (1978), p. 98
  17. ↑ Schmidt (2001), pp. 26–27
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Fuentes[editar]

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Para más información[editar]

Enlaces externos[editar]

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