La consagración de la primavera

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La consagración de la primavera
(Le sacre du printemps)
Género Ballet Ruso
Música
Compositor Igor Stravinsky
Puesta en escena
Lugar de estreno Théâtre des Champs-Élysées
Paris Flag of France.svg Francia
Fecha de estreno 29 de mayo de 1913

La consagración de la primavera (original en francés, Le Sacre du printemps; en inglés, The Rite of Spring; en ruso, Весна священная) es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana (L'adoration de la terre y Le sacrifice), con música del compositor ruso Ígor Stravinski y coreografía de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Fue estrenada en París en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público.

El título en español se traduce de la versión original francesa: Le sacre du printemps, con el que fue estrenado. No obstante, su título en ruso es: Весна священная, que significa, literalmente: Primavera sagrada. En la partitura se agrega al título la siguiente frase: "Imágenes de la Rusia pagana". El escándalo que acompañó a esta representación fue célebre y se criticó tanto la música de Stravinski como la coreografía de Nijinski.

Índice

Historia [editar]

Teatro de los Champs-Élysées (París), donde se estrenó el ballet.

La consagración de la primavera es una obra musical para orquesta compuesta en 1913 por el compositor ruso Ígor Stravinski. El autor la compuso como parte integrante de la serie de ballets creados para la compañía de Serguéi Diáguilev, «Les Ballets Russes», presentados en París en la década de 1910, entre los que también se encuentran El pájaro de fuego y Petrushka.

El 29 de mayo de 1913[1] la situación es tensa en el patio de butacas del Nuevo Teatro de los Campos Elíseos de París. Es ya la tercera colaboración entre Igor Stravinsky y el célebre Ballet Ruso de Sergei Diaghilev, pero se nota en el ambiente que en esta ocasión no se va a repetir el éxito de El Pájaro de Fuego y Petrushka, ambas con coreografía de Michel Fokine. El público, hasta entonces acostumbrado a un cierto infantilismo narrativo producto de la música de ballet clásico, está muy sensibilizado después de la experiencia de apenas un año antes en el accidentado estreno del Preludio a la siesta de un fauno de Claude Debussy, con el provocador Vaslav Nijinsky de coreógrafo, como ahora, y no está dispuesto a tolerar otra exhibición de erotismo explícito que atenta tan indisimuladamente contra la moral conservadora de la época con sus mallas ajustadas, su gesticulación onanista y sus ninfas semidesnudas en actitudes provocadoras sobre el espectacular escenario de Nikolai Roerich. Además, el concepto musical es todavía más radical que en el caso de Debussy, de modo que los ingredientes para la tragedia están servidos.

Al acontecimiento acude la élite intelectual del momento, desde músicos como Camille Saint-Saëns y Florent Schmitt entre otros hasta artistas polifacéticos como Jean Cocteau pasando por pintores como Pablo Picasso, futuro colaborador de Diaghilev, y personajes de moda como Coco Chanel, futura amante de Igor. Algunos, como Saint-Saëns, la figura más respetada del momento, abandonarán la sala entre exabruptos a los primeros compases considerando lo visto y oído como “un ataque a la belleza inmutable del arte”. Otros, adalides de la modernidad, la elogiarán. Conservadores frente a revolucionarios, nadie queda indiferente ante la propuesta. Gritos y siseos en parte del público. Otros aplauden. Nadie está pendiente de la música, apenas audible pese a su intensidad a pesar de los esfuerzos del director musical, Pierre Monteaux., que permanece inmutable al ruido.

Tras el intermedio las cosas empeoran y se desata el infierno: la gente no comprende lo que está viendo, comienzan los gritos a diestro y siniestro dirigidos al escenario y, ya puestos, las bofetadas de alguna dama ofendida al espectador de al lado que ha tenido la ocurrencia de aplaudir. Hay quien dice que incluso se pactan duelos para el día siguiente entre partidarios y detractores. Algunas sillas empiezan a volar, pero la obra, afortunadamente breve, llega milagrosamente a su final. Stravinsky, confuso e indignado, desaparece por la puerta trasera. Diaghilev probablemente se frota las manos…. se hablará de ello durante mucho tiempo. Y aunque seguramente ninguno de los presentes lo intuye, lo cierto han sido artífices de uno de los momentos cumbre de la música del siglo XX que cambiará para siempre una manera de entender las cosas.

Estructura del ballet [editar]

La obra se divide en dos actos:

Primera parte: Adoración de la tierra [editar]

  • Introduction - Introducción (Lento. Più mosso. Tempo I).
  • Les augures printaniers (Danses des adolescentes) - Augurios primaverales (Danza de las adolescentes) (Tempo giusto)
  • Jeu du rapt - Juego del rapto (Presto)
  • Rondes printanières - Rondas primaverales (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo)
  • Jeux des cités rivales - Juego de las tribus rivales (Molto allegro)
  • Cortège du Sage - Cortejo del sabio
  • Adoration de la terre (Le Sage) - Adoración de la tierra (El sabio) (Lento)
  • Danse de la terre - Danza de la tierra (Prestissimo)

Segunda parte: El sacrificio [editar]

  • Introduction - Introducción (Largo)
  • Cercles mystérieux des adolescentes - Círculos misteriosos de las adolescentes (Andante con moto - Più mosso - Tempo I)
  • Glorification de l'Elue - Glorificación de la elegida (Vivo)
  • Evocation des ancêtres - Evocación de los antepasados
  • Action rituelle des ancêtres - Acción ritual de los antepasados (Lento)
  • Danse sacrale (L'Elue) - Danza sagrada (La elegida) (♪ = 126)

Argumento [editar]

Primera parte

En una colina sagrada se reúnen las tribus eslavas para celebrar los rituales de la llegada de la primavera. Una hechicera predice los augurios, un sabio anciano se aproxima y un grupo de adolescentes empieza a bailar la danza en honor del dios Yarilo. Los chicos y las mujeres se les unen en un frenesí intenso. Vuelve la calma y se emparejan mientras los miembros de la tribu buscan una virgen para el sacrificio. Las danzas se tornan cada vez más violentas. Un anciano besa la tierra en la que empiezan a aparecer brotes de vegetación. Las tribus muestran entusiasmo por la renovación de la vida que supone.

Segunda parte

En el crepúsculo reina la tranquilidad. Las vírgenes danzan formando círculos. Una de ellas será la elegida para el sacrificio bailando hasta la muerte para resarcir al mundo de la fuerza que la juventud le ha robado. El anciano, cubierto con una piel de oso, dirige los rituales de las tribus. En una especie de trance la virgen elegida baila su última danza hasta que muere y es conducida al montículo sagrado, donde será inmolada al dios Yarilo. La primavera ha sido consagrada.

Música [editar]

A diferencia de en los ballets anteriores, obras más “rusas” y menos “rupturistas”, Stravinski se atrevió, en esta obra, a innovar más de cuanto la corriente modernista francesa (una de las vanguardias en aquel momento) se había atrevido a hacer. Su estreno, como podía esperarse, supuso un estrepitoso fracaso: el público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado. La crítica por su parte estaba dividida entre los maravillados modernistas franceses, y los reaccionarios autores románticos y post-románticos, que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos.

Características musicales [editar]

La innovación de esta obra se produjo fundamentalmente en varios ámbitos musicales:

  • Ritmo. El autor prescinde de las típicas secuencias que caracterizaban hasta el momento toda obra (por ejemplo: Introducción, Tema principal, Variación 1, Variación 2, ...), adquiriendo una estructura lineal, prácticamente carente de repeticiones. Además, no hay sincronía y acompasamiento ni entre las distintas voces de los instrumentos, ni entre sí mismas a lo largo del tiempo, lo que produce en el oyente esa sensación de imprevisión, impulso, brutalidad y desorden. Por otra parte, los ritmos utilizados se vuelven irregulares por el constante cambio de compás, por el uso de compases complejos o por la utilización de la síncopa para alterar la posición de las partes acentuadas de los compases. Hay pulsación en el ritmo, naturalmente, pero la duración no es siempre la misma y unas son más largas que otras. Esta tipo de figura de pulsación desigual tiene un nombre propio: se llama ritmo Aksak (del turco, "cojo"), y es propia de la tradición de muchos pueblos del este de Europa, ya que los turcos lo llevaron a los pueblos eslavos. De nuevo algo antiguo suena realmente nuevo.
  • Melodía. Sin llegar a la destrucción del sistema de octavas, y la adopción de la música dodecafónica, es frecuente en esta obra el uso de disonancias, así como de líneas musicales (bien de fondo o como figura principal) que no respetan estrictamente las líneas marcadas por las modalidades y las escalas, sino a veces meramente onomatopéyicas, todo con una función figurativa al servicio de una mejor representación plástica. Es importante señalar que para la creación de estas melodías Stravinsky utiliza escalas y modos “antiguos” que se asemejan a los actuales pero en realidad no son del todo ni mayor ni menor. Con ello consigue un cierto efecto de antigüedad. También emplea pocas notas en la escala para crear melodías de poco recorrido (antaño dependían por completo de la voz para ser ejecutadas y no se permitían registros amplios para comodidad del intérprete vocal) y pocos saltos. Además son muy repetitivas. Otras se basan incluso en escalas pentatónicas de 5 notas.
  • Armonía. Como resultado de la superposición de líneas melódicas, la armonía que se obtiene se aparta de la tonalidad clásica. Esta armonía no tiene función estructural, como sucede en Schönberg, sino que muchas veces se compone de una simple acumulación de notas. El uso de estratificacion de terceras, o cluster. La obra esta cerca del atonalismo pero con un sentido muy estricto, aunque se usen acordes disonantes, con intervalos aumentados o disminuidos, todo tiene un sentido además de la capacidad del autor, para dar brillo a la obra y sacar la sonoridad que se pretende.
  • Orquestación. Stravinsky desarrolla aquí una sonoridad completamente nueva. Abundan los efectos percusivos, agresivos y violentos, desaparece sonido expresivo y melódico de los instrumentos de cuerda y se favorece el predominio de la percusión y los instrumentos de viento, evocadores de una naturaleza salvaje y primitiva. En algunos momentos el uso de los instrumentos de viento madera (corno inglés, flauta contralto) tiene un efecto exótico y evocador. El solo de fagot en el registro agudo con el que comienza la obra ya indica que nos encontramos en un mundo totalmente nuevo en lo que a la sonoridad orquestal se refiere. Otro tipo de recurso instrumental utilizado a menudo en la obra de Stravinsky es la mixtura de sonidos. Esta en concreto entre flauta contralto y violín solo tocando en armónicos una escala pentatónica como las de antes es realmente inusual. Merece la pena destacar igualmente el curioso papel reservado a las cuerdas en esta composición. Los violines, que por lo general son los encargados de llevar el peso de la obra, se limitan prácticamente a funciones de acompañamiento rítmico tocando notas breves y repetitivas, sin participar del protagonismo habitual. De hecho trata la cuerda de un modo rudo y áspero, como un instrumento de percusión.

Debido a su condición de primera obra claramente rupturista, y a la dificultad de su audición (especialmente para los oídos acostumbrados a los compases barrocos, neoclásicos y románticos), esta obra puede considerarse para el oyente como una obra inicial de la música clásica del siglo XX. A partir de Stravinski, el estilo rupturista domina todo el panorama musical europeo en todas sus dimensiones, como la melodía, la forma y el timbre. De hecho, en ninguna otra obra de Stravinski encontramos la misma voluntad de romper deliberadamente contra todo lo anterior, por lo que el escándalo de esta obra no se repetirá.

Instrumentación [editar]

Recreación electrónica del compositor Cezary Ostrowski de La consagración de la primavera
  • Maderas: Flautín, tres flautas (la tercera también toca el piccolo 2), Flauta en sol, Cuatro oboes (el cuarto también toca el corno inglés 2), Corno inglés, Clarinete en re (también toca el clarinete en mi♭) , Dos clarinetes en si♭, Clarinete en la (también toca el clarinete bajo), Clarinete bajo , Cuatro fagotes (el cuarto también toca el contrafagot), Contrafagot.

Stravinsky orquestó esta obra usando todos los registros de los instrumentos desde el grave hasta el sobreagudo, explorando los timbres poco usados. El ejemplo más claro de esto es al comienzo de la obra con el solo de fagot en el registro sobreagudo.

También usó instrumentos que rara vez integraban una orquesta sinfónica, incluyendo la flauta contralto, trompeta piccolo, trompeta baja, Tuba Wagner, y güiro. El uso de estos instrumentos, junto con la manipulación de los registros antes mencionados instrumental, dio a la pieza un sonido distintivo.

Coreografía y vestuario [editar]

Vestuario de las mujeres en la versión original de la obra

Vaslav Fomich Nijinsky (Kiev, 12 de marzo de 1890 - Londres, 8 de abril de 1950) fue un bailarín de ballet y coreógrafo ruso de origen polaco.

Nijinsky fue uno de los más dotados bailarines en la historia, y se hizo célebre por su virtuosismo y por la profundidad e intensidad de sus caracterizaciones. Podía realizar el en pointe, una rara habilidad entre los bailarines de su tiempo (Albright, 2004) y su habilidad para realizar saltos que evidentemente desafiaban la gravedad fue también legendaria.

En la Consagración debido a la irregular, cambiando constantemente el pulso de la música de Stravinsky, los bailarines (que habitualmente cuentan con sus pasos de baile por los números) cuanto se refiere a la partitura como "una lección de aritmética." Uno de los bailarines recuerda que la coreografía moderna era físicamente antinatural y que "con cada salto que daba notaba como todos los órganos del cuerpo se movían". Durante la presentación, con el pasaje de la Danza del sacrificio, que sacudió el escenario durante su baile en solitario, con las manos sostenidas por sus mejillas, alguien en el balcón gritó: "¡Llame a un médico. . . un dentista. . . que sean dos!”

Durante la presentación, Nijinsky se subió a una silla, y se inclinó hacia fuera, para contar en alto a los bailarines, que fueron incapaces de escuchar a la orquesta, además esta cuenta suponía un reto puesto que los números eran superiores a las polisílabas de los rusos. Como afirma Thomas Kelly, "Los paganos en el escenario hizo los paganos de la audiencia."

El arqueólogo y pintor Nicolás Roerich contribuyó con la escenografía y el vestuario, que fueron descritos en un artículo de la revista Ballet 2002 como "batas pesados, pintado a mano con [primitiva] símbolos de círculos y cuadrados"

Cine [editar]

El primer proyecto pedagógico de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Sir Simón Rattle, y el grupo de baile de Royston Maldoom[2] trata de que un grupo de 250 jóvenes ajenos hasta ese momento a la música clásica logren tras un intenso entrenamiento bailar La consagración de la primavera. El proyecto fue llevado al cine, en una producción alemana del año 2004, dirigida por T. Grube y E. Sánchez Lansch, titulada Rhythm is it! («¡Esto es ritmo!»).[3]

Asimismo, esta pieza musical participa en la gran película de dibujos animados de Disney Fantasía, estrenada en el año de 1940. Ésta nos narra la historia de la evolución de la Tierra desde el principio de los tiempos. Muestra las etapas desde las primeras moléculas a los dinosaurios pasando por cada una de las etapas. La banda sonora original de la obra de Stravinsky fue editado para su uso en Fantasía . La primera parte se redujo considerablemente y el solo de fagot de apertura se repite al final. Por otra parte, el final del segundo acto ( La Danse Sacrle ) se omitió por completo, ya que después de L'Action Rituelle des ancètres la música se remonta y que se dividide en dos partes y por último alterna entre los dos últimos movimientos ( La Adoración de la Terre y La Danse de la Terre ).

Grabaciones [editar]

Artículo principal: Anexo:Discografía de La consagración de la primavera.

Referencias [editar]

  1. ↑ Crónica y crítica del estreno en Le Figaro (31 de mayo de 1913)
  2. ↑ Véase [1]
  3. ↑ Véase [2]

Enlaces externos [editar]

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