John Ford (director de cine)

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John Ford
John Ford 1946.jpg
Ford en 1946
Nombre de nacimiento John Martin Feeney
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Cape Elizabeth, Maine,
Estados Unidos
1 de febrero de 1894
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Palm Desert, California,
Estados Unidos
31 de agosto de 1973 (79 años)
Nacionalidad Estadounidense
Apodo(s) Pappy, Jack
Ocupación Director, productor
Años activo/a 1917-1966
Características físicas
Estatura 1,83 m
Familia
Cónyuge Mary Ford (1920–1973)
Hijo/s Patrick Ford (1914-(†) 1979)
Barbara Ford (1922-(†) 1985)
Premios
Premios Óscar Mejor director
1935 El delator
1940 The Grapes of Wrath
1941 ¡Qué verde era mi valle!
1952 The Quiet Man
Ficha en IMDb


John Ford (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973) —bautizado como John Martin Feeney— fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio de la Academia. Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación, siendo muy respetado por otros colegas de su profesión como Ingmar Bergman y Orson Welles quienes lo consideraban como uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos.

Fue también marino y militar, participando en la Segunda Guerra Mundial como oficial de los servicios cinematográficos de la Armada de los Estados Unidos y siendo herido en combate durante la Batalla de Midway. Tras el final de la guerra continuó siendo reservista, colaboró en la realización de documentales en la Guerra de Corea y en la de Vietnam y alcanzó el grado de contraalmirante.

Primeros años[editar]

Nacimiento e infancia[editar]

Faro de Cape Elizabeth, localidad de Maine en la que Ford nació

El futuro John Ford nació el 1 de febrero de 1894 (aunque muchas veces diría que en 1895) en una granja de Cape Elizabeth (Maine) y fue bautizado con el nombre de John Martin Feeney, hijo de dos emigrantes irlandeses que le transmitieron su natal gaélico y el amor a su Irlanda de origen. Su padre, Sean A. Feeney, era oriundo de Galway, al igual que su madre, Barbara Abbey Curran, si bien la familia de ésta procedía de las Islas Aran.[1] Fue probablemente su madre quien inspiró la permanente asociación del hogar con la figura de una mujer presente a lo largo de su filmografía.[2] Hay dudas acerca del auténtico nombre del pequeño, pues el irlandés «Sean» parece haber sido sustituido por el equivalente anglosajón «John», que dio lugar a que se le conociera familiarmente con el americanizado «Jack». En cuanto al apellido, se escribe de diversas formas, como O'Fienne u O'Fearna. Además, el mismo Ford dijo muchas veces que su segundo nombre era Aloysius. Todo ello motivó muchas polémicas entre sus biógrafos.

Fue el menor de once o trece hijos. A los cuatro años, las dificultades económicas que atravesaba la familia le obligaron a desplazarse a Portland (Maine), sustituyendo la granja familiar por un apartamento. Allí llegó a completar sus estudios secundarios sin que mostrara más inquietudes artísticas que una habilidad para la caricatura muy apreciada por sus amistades.[3] Comenzó a trabajar en el departamento de publicidad de una fábrica de zapatos, y parece que intentó en vano entrar en la Academia Naval de Annapolis;[4] en cualquier caso, Ford mostraría años después su amor por la Marina.

Primer contacto con la industria del cine[editar]

Su hermano mayor, Frank O'Feeney, se había desplazado a Hollywood en 1911. Allí, con el nombre artístico de Francis Ford, inició una prometedora carrera en la naciente industria cinematográfica. El joven Jack se uniría a él en 1913, trabajando a sus órdenes en diversos oficios: regidor, doble de acción, atrezzista, asistente de su hermano y actor. Pronto adoptó el apellido artístico de Francis y se hizo llamar Jack Ford, para disgusto de sus padres a quienes no agradaba esa actividad profesional. Estos años le sirvieron al joven Jack para familiarizarse con el cine desde diversos ángulos y en diferentes géneros. Su hermano fue no sólo la primera influencia, sino quizá la más importante en su forma de hacer cine,[5] lo que siempre provocó cierta envidia en Jack.[6] Fuera de la tutela de su hermano, Ford participó como extra en el rodaje de El nacimiento de una nación, lo que le permitió conocer la forma de trabajar de David W. Griffith, director por el que Ford siempre sintió respeto. Estos años junto a su hermano le sirvieron a Ford para conocer la industria, pero todavía no tenía conciencia de las posibilidades reales de la labor de dirección cinematográfica.[7]

La época muda[editar]

El paso a la dirección de Ford parece una evolución lógica en su carrera, aunque el azar tuvo mucho que ver en tal tránsito. Se suele considerar que su primera película como director es The Tornado (El tornado) en 1917, en la que también figura como guionista. Se trataba de un western corto protagonizado por su hermano Francis, y resulta dudoso si John ya era el director o se limitaba todavía a ayudar a su hermano asumiendo cada vez más responsabilidades. La película, de la que no se conserva copia alguna, debió limitarse a una sucesión de acrobacias hechas por los especialistas, pero supuso el comienzo de una larga y brillante carrera profesional. Desgraciadamente, de los 62 films de diverso metraje que Ford rodó durante la época muda, sólo se conservan entre quince y veinte[8] (algunos mutilados), lo que dificulta hacer una valoración global de su obra en este período de formación.

Universal y Harry Carey[editar]

Harry Carey en un film de 1912. La colaboración del actor con Ford en 25 westerns lanzaría la carrera de ambos

Afortunadamente para Ford, las películas del Oeste no gozaban de mucho prestigio entonces y los directores de los estudios Universal eran reacios a dirigirlas. Eso provocó un vacío que su hermano Francis aprovechó recomendándole al estudio. Ford rodaría un total de 37 films para Universal en cinco años.[9] De allí nació una relación profesional y de amistad entre John Ford y el actor Harry Carey, quienes rodarían juntos un total de veinticinco películas mudas de apresurada realización y creciente rentabilidad.[10] Carey fue la respuesta de Universal a actores como Tom Mix o Broncho Billy y, de la mano de Ford, compuso un héroe alejado de los arquetipos tradicionales. Su personaje habitual recibió el nombre de Cheyenne Harry (Cayena, en ciertas versiones hispanas), aunque no era muy diferente cuando recibía otros nombres. El actor fue la segunda influencia en importancia en el cine de Ford tras su hermano Francis.[11] El éxito en taquilla de Carey permitió subir poco a poco el salario de Ford. Parece que las películas tenían una excelente fotografía y unos escenarios exteriores que resaltaban la trama violenta. Sólo se conservan Straight Shooting (A prueba de balas, 1917) y Hell Bent (El cowboy vengador o El barranco del diablo, 1918).

En enero de 1920, Ford rueda The Prince of Avenue A, reseñable por ser su primera película ajena al western. En el verano de ese año, Ford contrajo matrimonio con Mary France McBride Smith, con quien tendría dos hijos: Patrick (1921), quien llegaría a ser productor y realizador de cine de bajo presupuesto; y Barbara (1922), que trabajaría con el tiempo como montadora. En ese mismo año, su hermano Francis abandona definitivamente la dirección y se centra en el trabajo como actor.

Paso a la Fox[editar]

A finales de 1920, Ford filma Just Pals (Buenos amigos), su primer trabajo con la productora Fox, con la que mantendrá una relación casi en exclusiva hasta 1931 y con la que rodaría más de cincuenta películas a lo largo de su vida. Se trata de un western "moderno" ambientado en su propia época y que narra la relación entre un vagabundo y un niño en tono de comedia. Aunque Ford siguió rodando algunas películas con Universal y Carey, la nueva productora le permitió trabajar también con Tom Mix. Por esa época realiza un viaje a la Irlanda de sus ancestros, donde estableció contacto con el Sinn Féin y con el duro conflicto anglo-irlandés. Volvió a casa habiendo reforzado sus lazos con la tierra de sus padres.

En 1923, Ford rueda su película de mayor presupuesto hasta entonces. Se trata de Cameo Kirby (Sota, caballo y rey), protagonizada por la estrella John Gilbert y coloreada en algunas secuencias. Probablemente la importancia del encargo motiva que por primera vez firme con su definitivo nombre de John Ford.

Cartel anunciador de El caballo de hierro, en el que el nombre de John Ford ya aparece destacado

Una superproducción[editar]

En 1924, Ford rueda su mayor producción hasta la fecha, el western de tonos épicos The Iron Horse (El caballo de hierro). La película no estaba concebida inicialmente como una superproducción, pero la Fox no reparó en gastos conforme avanzaba el rodaje, desarrollado durante el primer trimestre del año. El film narra en tono de epopeya la construcción del ferrocarril Transcontinental por las compañías Union Pacific y Central Pacific entre los años 1863 y 1869, trama acompañada de una relación sentimental entre los protagonistas, encarnados por George O'Brien y Madge Bellamy.

El rodaje se desarrolló en difíciles condiciones, pues el numeroso equipo no fue a Nevada preparado para el duro clima propio de la estación. Hubo que improvisar alojamientos adecuados para el numeroso equipo. La productora hizo un importante esfuerzo económico encaminado a potenciar el tono épico. Hubo que construir dos ciudades enteras para las tomas generales. Dado que uno de los ejecutivos de la Fox se había encaprichado de la actriz protagonista, se añadieron posteriormente escenas rodadas sin el concurso de Ford para realzar su papel.[12]

Quizá El caballo de hierro no sea la mejor película de la época silente de Ford,[13] pero el director demostró saber hacer frente a las adversidades y dirigir a un numeroso equipo en condiciones difíciles. El resultado fue un éxito de taquilla que permitió que la compañía recuperase con creces su elevada inversión. Ello reforzó la posición de Ford en Fox y en la industria de Hollywood, en general. El tono grandioso del film es compensado con cierta ironía, en la que colaboran, como no, los personajes de tres viejos borrachines irlandeses (tipo que se hará habitual en posteriores películas de Ford).[14]

Diversidad de géneros[editar]

El éxito de El caballo de hierro garantizó a Ford la continuidad como director, realizando a continuación películas de diversa temática con las que experimentó géneros distintos al western. Tras la desaparecida Hearts of Oak, melodrama de ambiente marítimo, Ford rodó Ligtnin' (Don Pancho), amable comedia sin pretensiones aunque excesivamente larga, cuya acción se desarrolla en el peculiar Hotel Calivada, situado justo sobre el límite fronterizo entre los Estados de California y Nevada. La ubicación dará lugar a diversas situaciones cómicas, en las que destacan el matrimonio que regenta el hotel, personajes que prefiguran otros que poblarán más tarde la obra fordiana (como el Jeeter Lester de Tobacco Road).[15]

Kentucky Pride (Sangre de pista) permitió a Ford introducirse en el ambiente para él grato de las carreras de caballos. La comedia se inicia desde el punto de vista subjetivo del equino protagonista hasta que pasa a contarnos las historias paralelas de su dueño, un hombre acaudalado que pierde su fortuna y su montura, y el mozo de cuadras, un irlandés interpretado por J. Farrel McDonald y que anticipa futuros personajes de Ford. The Fighting Heart (Corazón intrépido) es un desaparecido melodrama que gira en torno a las consecuencias del alcoholismo, reseñable por suponer la primera aparición de un joven Victor McLaglen en el cine de Ford, del que el actor llegaría a convertirse en un emblema.

The Shamrock Handicap (La hoja de trébol) permite a Ford retomar el tema de la equitación. Narra la historia de un bondadoso aristócrata irlandés arruinado por ser generoso con sus arrendatarios. Ello le obliga a vender su mejor caballo para que compita en los Estados Unidos. Lo que podría haber sido una tragedia, adquiere visos de una optimista historia de superación personal en la que el noble, su hija y su mejor jockey emigrarán a Norteamérica, triunfarán en las carreras y regresarán a la patria victoriosos.[16] Tema muy grato a un emigrante de segunda generación como Ford. También narra una emigración desde Irlanda Mother Machree (¡Madre mía!), un film con el que la Fox experimentó la sincronización de música e imágenes y cuyo estreno se retrasó dos años. Sólo conservada parcialmente, la película es excesivamente sentimental y discursiva y, aunque cercana a la temática habitual de Ford, está lejos en resultado.

Retorno al western[editar]

George O'Brien junto a Heather Angel en una imagen de 1936. El actor protagonizó El caballo de hierro, Tres hombres malos y otras películas de Ford en esta época. La actriz trabajaría con Ford en Pilgrimage y El delator

3 Bad Men (Tres hombres malos) está considerada por muchos críticos como la mejor película del período silente de Ford. Basada en un hecho histórico, la carrera por la disputa de las tierras libres del Territorio de Dakota, podría haber dado lugar a otra superproducción épica como El caballo de hierro. Sin embargo, aunque la memorable secuencia de la carrera responde a ese planteamiento, el resto de la película se aparta de él. Oscilando con habilidad entre la comedia y el drama, el film presenta a tres bandidos de buen corazón que deciden defender a una joven huérfana y enfrentarse a un malvado sheriff. Los forajidos, conscientes de que su tiempo ha pasado, se sacrificarán por la muchacha y su novio, al que ellos mismos han ayudado a elegir, en lo que constituye un indudable anticipo del western crepuscular.[17]

La película no fue un éxito de taquilla pese a estar incluida en el género en el que Ford inició su carrera y con el que había conseguido su mayor éxito. Pasarían años hasta que el director volviera a dirigir su mirada hacia el oeste.

Éxito en el drama[editar]

Tras la encorsetada The Blue Eagle (El águila azul), film de ambiente castrense, Ford conocerá su mayor éxito de la era silente gracias al drama bélico Four Sons (Cuatro hijos). En este caso, público y crítica caminan de la mano al considerarla una gran película.[18] Aunque hoy permanezca casi olvidada, supuso el encumbramiento de Ford a la misma altura de figuras de la época como el mismísimo Griffith. El film trata temas habituales en Ford, como la guerra, la nostalgia de la patria perdida (Baviera en este caso sustituye a la habitual Irlanda) y la emigración como forma de reconstruir la propia vida.

Fin de una era[editar]

Ford se despediría del cine silente con tres películas muy diferentes. The Hangman's House (El legado trágico) supone una vuelta a Irlanda desde la perspectiva nacionalista que le caracterizó tras su contacto con el IRA, así como a las carreras de caballos. El film es reseñable por suponer la primera colaboración acreditada de John Wayne a las órdenes de Ford, además de contar de nuevo con Victor McLaglen. Riley the Cop (Policías sin esposas o El policía sin esposas), nuevamente protagonizada por J. Farrell McDonald, es una comedia sin pretensiones relacionada con el slapstick en torno a un agente que se vanagloria de no haber efectuado nunca una detención y es enviado en misión al extranjero. Strong Boy (¡Viva la ambición!) estaba también protagonizada por McLaglen y parece haberse perdido. Los dos últimos films fueron estrenados como películas mudas pero con sincronización musical, una técnica utilizada por los estudios en la fase de transición al sonoro.

Ford dirigió más de sesenta películas durante la era silenciosa del cine. Aunque su carrera se hubiera truncado con la llegada del sonido, como ocurrió con grandes creadores como D.W. Griffith, Erich von Stroheim o Buster Keaton, su obra sería digna de consideración en la historia del cine. Pero Ford tenía todavía muchas más cosas que aportar.[19]

Una década de adaptación[editar]

Napoleon's Barber (El barbero de Napoleón) constituye la primera toma de contacto de Ford con el cine sonoro. Es una película corta de Fox que trata una anécdota ficticia: camino de Waterloo, Napoleón Bonaparte se detiene en una barbería para ser afeitado; el barbero, que no le reconoce, se explaya explicando lo que le haría al Emperador si lo tuviera delante... hasta que acaba reconociéndole.[20] Hoy perdida, la película no parece tener mayor interés que el de la experimentación de Ford con el sonido, discutiendo con los técnicos acerca de los límites de la nueva técnica.[21]

Años después, Ford relató a Peter Bogdanovich cómo las productoras les despidieron a él y otros directores con la llegada del sonoro y les reemplazaron por directores teatrales. Cuando éstos fracasaron en una labor que desconocían por completo, Ford y los demás fueron vueltos a contratar con un aumento de sueldo. Según él, el que los actores declamaran su diálogo durante el rodaje no era nuevo pues ya se hacía durante la época muda en prevención del público que sabía leer los labios.[22] En cualquier caso, Ford fue de los directores que sobrevivieron al desarrollo técnico; y lo hizo gracias a asumir su condición de asalariado que debía obedecer las reglas impuestas por el patrón.

Primeras obras sonoras[editar]

El primer reto serio del director fue The Black Watch (conocida como Shari, la hechicera o Shari, la hechicera oriental en el ámbito hispano). La Fox buscaba un espectáculo de aventuras exóticas de tinte colonialista británico que guardara ciertas similitudes con Las cuatro plumas, de la que se había rodado una nueva versión ese mismo año 1929. Nuevamente es uno de los actores predilectos de Ford, Victor McLaglen, quien interpreta al oficial protagonista, secundado por Myrna Loy en el rol femenino. La película está lastrada por el deseo de explotar a ultranza las posibilidades del sonido, por lo que abundan las canciones, música militar y alaridos bélicos. Además, los productores contrataron a un director teatral para que rodara nuevas y postizas escenas con los protagonistas, en las que la cámara se situaba en plano fijo y los actores declamaban teatralmente, para nuevo disgusto de Ford.[23] Pese a ello, la película tiene algunos apuntes visuales positivos que llevaron al crítico Tag Gallagher a definirla como un melodrama neowagneriano.[24]

El anterior film cumplió las expectativas económicas, y Ford recibió un nuevo encargo de Fox: Salute (conocida en español como El triunfo de la audacia o La audacia triunfa, 1929). Quizá la menor ambición del encargo le hizo pensar que recibiría menos presiones; o quizá fuera la expectativa de rodar en un ambiente agradable (las instalaciones militares de Peaks Island) en compañía de sus amigos Ward Bond y John Wayne lo que le atrajo.[25] El film, protagonizado de nuevo por George O'Brien, narra en tono de comedia la rivalidad existente entre miembros del Ejército y de la Armada de los Estados Unidos (dos instituciones muy gratas al director) que culminará en un partido de fútbol americano.

Men Without Women (Tragedia submarina) supone la primera colaboración del director de Maine con el escritor Dudley Nichols, fructífera unión que se prolongaría durante catorce películas más. El propio Nichols relataría posteriormente la experiencia admitiendo su total ignorancia inicial acerca de cómo se escribía un guion y cómo Ford le enseñó.[26] Pero Nichols sí sabía contar historias y pronto dominó la técnica cinematográfica. El trabajo conjunto de ambos inspiraría algunas de sus mejores películas. Puesto que el guionista había servido en la Marina, propuso un tema naval para su primer film, algo fácilmente aceptado por el director.[27] La cinta relata la tragedia de la atrapada tripulación de un sumergible que se hunde sin remedio y sus desesperados esfuerzos por sobrevivir. El opresivo ambiente es suavizado mediante el habitual uso del humor en pequeñas situaciones colaterales a la trama principal. Ford recordaría más tarde que se trataba de la primera película rodada en un submarino auténtico.[28] Técnicamente sigue siendo una película muda pero con sonido sincronizado, que incluye música (incluso alguna canción), efectos de sonido y algún diálogo.[29]

En Born Reckless (El intrépido), de nuevo con ayuda de Nichols, Ford asumió el papel contrario al que había sufrido en El caballo de hierro o The Black Watch, pues tuvo que terminar una película encargada a otro director. Puesto que el proyecto no le gustaba, optó por introducir un partido de béisbol como elemento cómico, de forma semejante a como había hecho en Salute.[30] Algo similar ocurrió con Up the River (Río arriba), que contaba con un guion carcelario que disgustaba a Ford. Él y el comediante Bill Colliér reescribieron el guion convirtiéndolo en una hilarante comedia de gran éxito en la que los protagonistas entraban y salían del penal constantemente. El resultado es una extraña mezcla de géneros[31] que dio fama a una inusual pareja formada por los casi debutantes Spencer Tracy y Humphrey Bogart,[32] pero la guionista original se sintió muy molesta con Ford.[33]

Más interés tiene Seas Beneath (Mar de fondo), nueva aventura marítima de la mano de Dudley Nichols y con la colaboración de George O'Brien. En esta ocasión se relata la actuación de la tripulación de un buque "cazasubmarinos" durante la Gran Guerra. Aunque cierta crítica destaca hallazgos expresivos que dotan de gran "fisicidad" a la acción, como la colocación de una cámara en la popa del submarino durante su emersión,[34] Ford quedó molesto por la imposición por parte del estudio de una actriz protagonista a la que él consideraba incapaz.[35]

Mucho menos reseñable es The Brat (La huerfanita), comedia de la que Ford sólo recordaba años después una enérgica pelea entre dos mujeres.[36]

Primera aproximación a la medicina[editar]

Arrowsmith (estrenada en España como El doctor Arrowsmith y en Argentina como Médico y amante) es una película interesante por varios motivos. En primer lugar, es el primer trabajo de Ford con una productora distinta de Fox Film Corporation tras una larga relación de exclusividad con ésta; la colaboración con el productor Samuel Goldwyn en una obra ambiciosa no fue sencilla para el director. En segundo lugar, constituye la primera aproximación a un tema que luego reaparecería en Ford, la medicina, esta vez a través de la adaptación de una novela de prestigio del reciente Premio Nobel Sinclair Lewis, libro que había sido, a su vez, galardonado con el Premio Pulitzer. Por último, es el primer esfuerzo serio de Ford por describir en profundidad a un personaje complejo.[37]

Aunque la crítica ha considerado posteriormente que es una película fallida en varios aspectos, obtuvo en 1932 cuatro nominaciones a los Premios Óscar de la Academia, entre ellos el de mejor película, siendo la primera vez que una obra de Ford llegaba a obtener este tipo de reconocimiento.

El film tuvo consecuencias de otro tipo. Ford incumplió el contrato firmado con Goldwyn que le prohibía beber durante el rodaje, lo que hizo que fuera sancionado por aquél[38] y que, a continuación, Fox diera por concluido el contrato de exclusividad que había disfrutado durante años.[39] A partir de ese momento, aunque Ford siguió colaborando con Fox, quedó en libertad para desarrollar proyectos con otros estudios. Ello significó un importante cambio en la forma de trabajar de un director acostumbrado hasta entonces a estar en nómina de una compañía.

Free lance[editar]

Ford vuelve a trabajar con la compañía de sus inicios, Universal, en el rodaje de Air Mail (Hombres sin miedo, 1932). Allí conocerá al capitán de fragata Frank W. Spig Weady, condecorado piloto de aviación de la Marina que colaboró como guionista en éste y otros films (entre ellos, They Were Expendable, de nuevo con Ford), con el que le llegará a unir una estrecha amistad. La película se ambienta en el mundo de los pilotos dedicados al correo aéreo, y su temática se asemeja a la de la gran película posterior de Howard Hawks Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings, 1939). No obstante, a Ford le falta la vivencia personal que sí tuvo Hawks y que le permitió impregnar la película de verosimilitud, por lo que el film fordiano es mucho más frío que el del cineasta-aviador.

Flesh (Carne, 1932) supone la primera colaboración de Ford con la Metro-Goldwyn-Mayer. En este drama, un fuerte Wallace Beery debe enfrentarse tanto a una banda de gangsters como a una temible mujer fatal. El nombre de Ford no aparece en los títulos de crédito.

Con Pilgrimage (Peregrinos o Peregrinación en sus estrenos hispanos, 1933) Ford vuelve a trabajar con Fox Film Corporation. La película está basada en una narración de I.A.R. Wylie, la misma autora del relato que dio lugar a Cuatro hijos, el mayor éxito de Ford en la época del cine mudo. Nuevamente la historia versa acerca de las relaciones maternofiliales, pero en este caso la madre es una mujer dura que se niega a que su hijo contraiga matrimonio y rompe con él. El hijo morirá en la guerra y la madre sólo se reconciliará con su nuera y nieto tras conocer a otro soldado que ha tenido una experiencia similar a la de su difunto hijo.

Un nuevo icono[editar]

En 1933, Ford acepta el encargo de realizar una película protagonizada por el popularísimo actor Will Rogers. El éxito de Doctor Bull propiciará la realización de otras dos películas, Judge Priest (1934) y Steamboat' Round the Bend (1935), componiendo un ciclo que, por reunir una serie de características propias, se denomina a veces la trilogía de Will Rogers.[40]

Nuevos trabajos[editar]

Recobra a Dudley Nichols para La patrulla perdida que mete en escena en 1934 la RKO con Victor McLaglen, a quien ofrecería un nuevo gran papel en Hangman's house. Ford detestará siempre su siguiente película El mundo en marcha ambientada en los finales del siglo XIX y principios del XX a pesar de que tiene varias escenas de guerra muy realistas. Más éxito tuvo Judge Priest con Dudley Nichols en el guion y el actor Will Rogers que había dirigido el año antes en Doctor Bull y que nuevamente dirigiría en 1935 en la película Steamboat round the bend, justo antes de que éste muriera en un trágico accidente de avión. Esta película es una de las preferidas del director. Se hizo un remake en 1952 titulado El Sol brilla para todo el Mundo.

En 1934, Ford empieza a participar económicamente en sus películas. Se compró un yate al que bautizó como "L'Araner" en homenaje a Irlanda que tendría hasta 1970. Rodaría dos películas más y empezaría a tener problemas por la presión de Hollywood. Continuó su amistad con John Wayne, que trabajó con él como figurante en sus primeras películas, en El delator.

En 1935 funda con King Vidor, Lewis Milestone, William A. Wellman, Frank Borzage y Gregory La Cava la Asociación de Directores, reemplazando así la Asociación de Directores de Películas. El delator, realizada muy rápido para la RKO le permitió abordar el tema de la Irlanda británica. No son un misterio su simpatía hacia el IRA. En esta película se descubre al Ford de los decorados interiores, está lejos de sus grandes producciones y decorados clásicos del oeste. Con este trabajo, inspirado en el cine expresionista recibe su primer Óscar al mejor director que iría a parar a la Asociación de directores fundada anteriormente.

20th Century Pictures en 1935 absorbe a la Fox, y pasa a denominarse desde entonces 20th Century Fox, de Darryl F. Zanuck. Realiza junto a su nuevo productor, un gran admirador de Abraham Lincoln, Prisionero del odio. Los problemas entre Ford y Zanuck comienzan por el enfrentamiento a causa del acento sureño de Warner Baxter. Ford está a punto de dejar la 20th Century Fox pero finalmente accede a los deseos de Zanuck. Desde entonces mantienen una estrecha amistad y admiración.

Dirige a Katharine Hepburn en María Estuardo (Mary of Scotland) para la RKO en 1936. Dirigió también en 1937 Huracán sobre la Isla producida por Samuel Goldwyn.

En 1937 se alista en el Comité cinematográfico de Ayuda a la República Española para ayudar a los republicanos combatientes en la Guerra Civil Española (1936-1939). Se encarga personalmente de enviar una ambulancia con las Brigadas Internacionales. Es un luchador muy activo también en la lucha contra el nazismo. En 1938 defiende el bloqueo a la Alemania nazi y es nombrado miembro de la Liga Hollywoodiense Anti-Nazi. La firma del pacto germano-soviético le valió la crítica de los comunistas que le acusaron de "propaganda de guerra".

El período clásico[editar]

De La diligencia a El fugitivo[editar]

Con La diligencia, Ford regresa al western. En esta película cuenta con John Wayne que recibe la oportunidad de su vida y se convertirá en una gran estrella. Los exteriores se rodaron en Monument Valley. La película optó a ocho Óscar, de los que consiguió el de actor secundario con Thomas Mitchell y el de banda sonora, y John Ford recibió el Premio de la Crítica Cinematográfica Neoyorquina. La diligencia se considera la mejor película del Oeste de todos los tiempos.

Después y junto a Zanuck retomó su pasión por Lincoln y rodaron juntos El joven Lincoln con Henry Fonda, que será el protagonista de sus dos películas siguientes: The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira) (colaboración número doce con el guionista Nunnally Johnson) y Corazones indomables. En 1940 gana de nuevo el Óscar al mejor director. Su talento por fin es reconocido por los profesionales y la crítica.

Vuelve a trabajar con John Wayne en The Long Voyage Home. La última película de Ford antes de la guerra (Qué verde era mi valle) es todo un éxito de público y crítica. Recibe cinco Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor dirección (arrebatándoselo a Citizen Kane de Orson Welles).

En 1939 Ford tiene la intuición de que América no tardaría en entrar en la Segunda Guerra Mundial. Se pone a la cabeza de un grupo de cineastas que piden a Franklin Roosevelt el boicot a la Alemania nazi y funda un grupo de gente de Hollywood al servicio de la Armada Americana llamado Naval Field Photographic Unit. Tras el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941 se fundan otros dos grupos similares.

Durante la guerra, Ford y su equipo recorren los teatros informando de operaciones militares. A principios de 1.942 van al frente del Pacífico. Realizan para la Marina los documentales: 7 de diciembre sobre el ataque de Pearl Harbor, y La batalla de Midway; las imágenes del ataque japonés a la isla fueron rodados por Ford. Las dos le reportaron un Óscar al mejor documental. Realizó también una pequeña película para las familias de las víctimas de Midway llamada Escuadrón Torpedo. En 1942 se traslada al norte de África para cubrir el desembarco. Durante 1943 cubre múltiples operaciones exteriores y las victorias de los aliados en Victoria en Burma. Cubre también en 1944 el desembarco de Normandía. Sigue también al ejército durante la preparación del Proceso de Nuremberg.

De febrero a junio de 1945 rueda They were expendable para la Metro-Goldwyn-Mayer con John Wayne, Robert Montgomery y Donna Reed. Ésta es curiosamente la única película de Ford sobre la Segunda Guerra Mundial, en la que tan activamente participó. El dinero recaudado por esta película fue destinado para los veteranos de la Field Photo Unit y la Field Photo Farm.

Después de la guerra vuelve a Hollywood y vuelve a rodar en Monumental Valley: Pasión de los fuertes. En El fugitivo (1947) trabaja de nuevo con Henry Fonda, a quien permitía interpretar con total libertad.

El hombre tranquilo[editar]

La dirigió en 1952, de nuevo en compañía de su actor predilecto, John Wayne. La película trata sobre un boxeador norteamericano, Sean Thorton (interpretado por el nombrado Wayne), que regresa a su Irlanda natal para recuperar su granja y escapar de su pasado. Allí se enamora de una alegre chica, aunque para conseguirla deberá luchar contra las costumbres locales, incluidos el pago de una dote y la oposición del temperamental hermano de su prometida.

La película obtuvo siete nominaciones a los Óscar, incluyendo mejor película, y fue galardonada por dos. Una de las estatuillas fue a manos de Ford y la otra a los directores de fotografía Winton C. Hoch y Archie Stout.

Filmografía[editar]

Director[editar]

  • 1917
    • The Tornado (El tornado)
    • The Scrapper
    • Cheyenne's Pal / Cactus my Pal (El amigo Cayena / El misterio de Martín)
    • The Soul Herder (El bravo Cayena / La ley del más fuerte)
    • Straight Shooting / The Cattle War (A prueba de balas)
    • The Secret Man / The Round up (Hombre entre hombres / El reo 1432)
    • A Marked Man (Bajo sentencia de muerte)
    • Backing Brodway (El rescate)
  • 1918
    • Phantom Riders / The Range War (Bajo la máscara / Los fantasmas del valle)
    • Wild Women (Las dos mujeres)
    • Thieves' Gold (La nueva senda)
    • The Scarlett Drop / The Hill Billy (La gota de sangre)
    • Hell Bent (El cowboy vengador / El barranco del diablo)
    • A Woman's Fool (La envenenada / Marino de agua dulce)
    • Three Mounted Men (Lealtad / Los tres cowboys)
  • 1919
    • Bare Fists (Deuda pagada / El hombre inerme)
    • Roped (Hombre sin armas / Esposa por correo)
    • The Fighting Brothers
    • A Fight for Love (El barranco del diablo / Cuando el culpable confesó / El contrabandista)
    • By Indian Post
    • The Rustlers
    • Gun Law
    • Riders of Vengeance (El jinete vengador)
    • The Gun Packer
    • The Last Outlaw
    • The Outcasts of Poker Flat (Los parias de la sierra)
    • The Ace of the Saddle (El jinete de hierro / Un hombre de paz)
    • Rider of the Law (El brazo de la ley)
    • A Gun Fightin' Gentleman (El hombre de las pistolas de oro / El caballero cowboy)
    • Marked Men (La fuerza de las circunstancias / El vagabundo)
    • Harry Carey Tour Promotional Film (cortometraje)
  • 1920
    • The Prince of Avenue A (El príncipe de la avenida A)
    • The Girl in Number 29 (La joven del cuarto 29 / La doncella del 29)
    • Hitchin' Posts (Ligaduras de oro / El caballero tahur)
    • Just Pals (Buenos amigos / Camaradas)
  • 1921
    • The Big Punch (Manos de hierro / Amor filial)
    • The Freeze-Out (La deuda satisfecha)
    • The Wallop (El golpe / El azote del amor)
    • Desperate Trails (Caminos de desesperación / Huellas imborrables)
    • Action (Acción enérgica)
    • Sure Fire (Fuego certero)
    • Jackie (Juanita / Jacqueline)
  • 1922
    • Little Miss Smiles (La señorita Sonrisas / La cascabelera)
    • Silver Wings (El hijo consentido)
    • The Village Blacksmith (El herrero de la aldea)
    • The Face on the Bar-Room Floor (El relato del borracho)
  • 1923
    • Three Jumps Ahead (Venciendo abismos)
    • North of Hudson Bay (La jornada de la muerte)
    • Cameo Kirby (Sota, caballo y rey)
    • Hoodman Blind (El pecador errante)
  • 1924
  • 1925
    • Lightnin' (Don Pancho / El remolón)
    • Kentucky Pride (Sangre de pista / Sangre pura de carrera)
    • The Fighting Heart (Corazón intrépido)
    • Thank You (Con gracia a porfía)
  • 1926
    • The Shamrock Handicap (La hoja de trébol / Hojas de trébol)
    • 3 Bad Men (Tres hombres malos)
    • The Blue Eagle (El águila azul)
  • 1927
    • Upstream (Ser o no ser / Contra la corriente)
    • Mother Machree (¡Madre mía! / El sacrificio de una madre)
  • 1928
    • Four Sons (Cuatro hijos)
    • Hangman's House (El legado trágico / La casa del verdugo)
    • Napoleon's Barber (El barbero de Napoleón)
    • Riley the Cop (Policías sin esposas / El policía sin esposas)
  • 1929
    • Strong Boy (¡Viva la ambición!)
    • The Black Watch (Shari, la hechicera / Shari, la hechicera oriental)
    • Salute (El triunfo de la audacia / La audacia triunfa)
    • Men Without Women (Tragedia submarina)
  • 1930
    • Born Reckless (El intrépido)
    • Up the River (Río arriba)
  • 1931
  • 1932
    • Air Mail (Hombres sin miedo)
    • Flesh (Carne)
  • 1933
    • Pilgrimage (Peregrinos / Peregrinación)
    • Doctor Bull (El doctor Bull)
  • 1934

Guionista[editar]

Actor[editar]

Premios[editar]

Óscar[editar]

Año Categoría Persona Resultado
1935 Óscar a la mejor dirección El delator Ganador
1939 Óscar a la mejor dirección La diligencia Nominado
1940 Óscar a la mejor dirección The Grapes of Wrath Ganador
1941 Óscar a la mejor dirección ¡Qué verde era mi valle! Ganador
1952 Óscar a la mejor dirección The Quiet Man Ganador

Bibliografía utilizada[editar]

Notas y referencias[editar]

  1. Gallagher. p. 10. 
  2. Marcial Moreno (22/07/2009). «Casas y mujeres». Encadenados. Consultado el 09/10/2012.
  3. Gallagher. p. 14. 
  4. Gallagher. p. 15. 
  5. Bogdanovich. p. 49. «¿Quiénes influyeron sobre usted al principio? Bueno, pues mi hermano Frank, que era un gran cameraman, y de todas esas cosas que dicen que son tan nuevas, de las que hacen ahora las había hecho ya él; verdaderamente era un buen artista, un músico maravilloso, un actor imponente, un buen director; era uno de esos que hacen un poco de todo y todo lo hacen bien; lo que le pasaba era que no podía concentrarse demasiado tiempo en una sola cosa. Pero fue el único que influyó sobre mí en las películas.» 
  6. Gallagher. p. 24. «John Ford sentía una admiración extraordinaria por su hermano. Frank era trece años mayor que él, pero John le tenía unos celos terribles.» 
  7. Casas. «Capítulo 1. Sean Aloysius O'Feeney». pp. 19-26. 
  8. Casas, Quim (mayo 2008). «El cine mudo de Ford». Dirigido por (Dirigido por S.L.) (378):  pp. 50-53. ISSN 0212-7245. 
  9. Casas, Quim (enero 1991). «Universal. Una "major" nostálgica de la serie B». Dirigido por (Dirigido por... S.A.) (187):  pp. 34-49. ISSN 0212-7245. 
  10. Joan Lorente-Costa (abril 1983). Orts Climent, Edmundo. ed. «Origen y apogeo de los géneros». Dirigido por... (103):  p. 19. ISSN 0212-7245. 
  11. Gallagher. p. 30. «"El pastor de almas" fue el inicio de una colaboración de cuatro años y 25 películas con Harry Carey, la influencia formativa más importante para Jack después de la de su hermano» 
  12. Bogdanovich. p. 56. «tenían una chica a la que estaban pagando mucho dinero, y Sol Wurtzel [un ejecutivo de la Fox] dijo que no tenía suficientes primeros planos. Entonces contrataron a otro director que la puso contra una pared y ella gimplaba. No tenía nada que ver con la película: las luces no eran las mismas, ni siquiera los vestidos. Metieron unos doce de estos primeros planos, pero desde luego, para mí estropearon la película.» 
  13. Tomás Fernández Valentí. «Los hombres detrás de la historia». Cinearchivo. Consultado el 07/10/2012. «Pese a no ser su mejor película del período silente —no está a la altura, pongamos por caso, de la bellísima Cuatro hijos (1928)—, El caballo de hierro resulta un título importante en la carrera de John Ford y dentro de la evolución del género».
  14. Fernando Ramírez (13/07/2009). «El caballo de hierro (1924)». Encadenados. Consultado el 24/09/2012.
  15. Gallagher. pp. 671-672. 
  16. Casas, Quim (mayo 2008). «El cine mudo de Ford». Dirigido por (378):  p. 52. ISSN 0212-7245. «con lo que el regreso a casa resulta entonces menos frustrante que el de John Wayne en "El hombre tranquilo" (1952)». 
  17. Tomás Fernández Valentí. «La trastienda de la conquista del Oeste». Cine Archivo. Consultado el 07/10/2012. «Ford aquí juega a fondo, más aún que en "El caballo de hierro", la estrategia narrativa sobre la cual cimentaría la base de su poética cinematográfica, esto es, su maestría para caracterizar humorísticamente a los personajes, de manera que se ganen así el cariño del espectador y que este último se conmueva al verles afrontando más adelante situaciones dramáticas que, en el caso de los protagonistas de "Tres hombres malos", desembocan en trágicos sacrificios de sus propias vidas».
  18. Casas, Quim (mayo 2008). «El cine mudo de Ford». Dirigido por (Dirigido por S.L.) (378):  p. 51. ISSN 0212-7245. «"Cuatro hijos", de relevancia comercial menor que "El caballo de hierro", puede y debe considerarse en el estudio de la obra de Ford el perfecto equivalente a "...Y el mundo marcha", "Amanecer" y "Las tres luces" en el análisis del cine mudo de Vidor, Murnau y Lang». 
  19. Casas, Quim (1989). «Capítulo 2. El Ford silente: desglose de un aprendizaje». John Ford, el arte y la leyenda. Dirigido por.... pp. 29-56. ISBN 84-87270-01-8. 
  20. Casas. p. 53. 
  21. Bogdanovich. p. 61. «Fue la primera vez que se rodó en exteriores con un sistema de sonido directo. Decían que no podía hacerse y yo pregunté: -¿Por qué diablos no puede hacerse? -Pues no se puede porque... -y me empezaron a hablar en términos muy científicos, de modo que dije: -Bueno, vamos a intentarlo. (...) pero resultó perfecto» 
  22. Bogdanovich. pp. 61-62. 
  23. Bogdanovich. pp. 62-63. «Entonces estaba Winfield Sheehan de encargado de la producción, y dijo que no había bastantes escenas de amor. Creía que Lumsden Haré era un gran actor británico -no lo era pero había impresionado a Sheehan- y contrató a Haré para que dirigiera una escena de amor entre McLaglen y Myrna Loy. Y resultaron verdaderamente horribles, muy habladas, sin tener nada que ver con el argumento, y lo jorobaron todo. Cuando lo vi me dieron ganas de vomitar.» 
  24. Gallagher. p. 61. 
  25. Bogdanovich. p. 63. «El superintendente de Annapolis era de la misma isla de Maine que yo, Peaks Island, y él y mi padre eran muy amigos, de modo que fuimos allí a rodar y nos dejaron hacer todo lo que quisimos; (...) trabajaban Ward Bond y John Wayne, ambos perfectamente adecuados para todo, (...) y acabaron por tener papeles» 
  26. Casas. pp. 64-65. 
  27. Casas. p. 65. 
  28. Bogdanovich. pp. 63-64. «Fue la primera película de submarinos que se hacía con un submarino de verdad. Era una película muy eficaz... para aquellos tiempos; hay unos tíos encerrados en un submarino y acaban por rescatarlos, pero uno de los hombres tiene que quedarse; cosas que pasan.» 
  29. Casas, Quim (julio 2008). «El cine bélico de Ford (2)». Dirigido por (Dirigido por S.L.) (380):  pp. 54-57. ISSN 0212-7245. 
  30. Bogdanovich. p. 65. «El argumento -algo de gangsters- no era bueno, y en medio de la película se van a la guerra, de manera que metimos un partido cómico de béisbol en Francia. Aquello sí me interesaba. En aquella época, cuando los guiones eran aburridos, lo mejor que se podía hacer era meter algo de comedia.» 
  31. Aldarondo, Ricardo (mayo 2008). «En los márgenes de la comedia». Dirigido por (Dirigido por S.L.) (378):  pp. 69-71. ISSN 0212-7245. «comienza como un drama carcelario, continúa con rasgos de cine de gángsteres, desarrolla una pequeña historia romántica, y es asaeteada en el centro con un intermedio musical». 
  32. Aldarondo, Ricardo (mayo 2008). «En los márgenes de la comedia». Dirigido por (Dirigido por S.L.) (378). ISSN 0212-7245. «La única película en la que coincidieron Spencer Tracy y Humphrey Bogart». 
  33. Bogdanovich. pp. 65-66. «Sheenan se negó a ir al estreno, pero justo en aquellos días habían venido todos los exhibidores a celebrar una reunión; fueron a verla y se murieron de risa. Uno de ellos se cayó del asiento desmayado y tuvieron que reanimarlo.» 
  34. Casas. p. 67. «para mostrar las evoluciones de un submarino enemigo, por ejemplo, el director coloca la cámara en la popa de la embarcación cuando ésta emerge, con un duro y sincopado sonido que reproduce el ruido del motor, las entrañas mismas del submarino.» 
  35. Bogdanovich. p. 66. 
  36. Bogdanovich. p. 67. 
  37. Gallagher. p. 114. «si tenemos en cuenta que Martin Arrowsmith es el primer intento fordiano de crear a un personaje dotado de profundidad -aunque esa profundidad se antoje, a la postre, confusa- no debe extrañarnos que no resulte completamente satisfactorio» 
  38. García Sánchez, José Elías; García Sánchez, Enrique (2005). «El doctor Arrowsmith/ Arrowsmith (1931) o la investigación en microbiología». Revista de Medicina y Cine (Ediciones Universidad de Salamanca) 1 (3):  pp. 82-92. ISSN 1885-5210. http://revistamedicinacine.usal.es/dmdocuments/arrowsmith_esp.pdf. Consultado el 15/10/2012. 
  39. Coloquio entre José Luis Garci, Miguel Marías, Juan José Plans y Oti Rodríguez Marchante (26/05/2003). «El doctor Arrowsmith». ¡Qué grande es el cine!. Episodio 358. Temporada décima. Transcripción. Televisión Española. min. 07:35. 
  40. Casas. «1929-1939: una decada incierta». pp. 59-110. 

Enlaces externos[editar]