Cine de animación

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How Animated Cartoons Are Made (1919).
Pintar con pintura acrílica es una de las técnicas para el cine de animación.

El cine de animación es una categoría de cine (o de una manera general, una categoría de arte visual o audiovisual) que se caracteriza por no recurrir a la técnica del rodaje de imágenes reales sino a una o más técnicas de animación. Las técnicas tradicionales de animación han sido durante mucho tiempo el dibujo animado (dibujos planos en dos dimensiones fotografiados imagen por imagen) o la animación en volumen (modelos reducidos o marionetas, también fotografiados imagen por imagen), aunque en tiempos más recientes también se recurre a la animación por computadora.

El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo automáticamente en un número determinado de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes separadamente de la realidad, ya sea automáticamente (con la ayuda de una computadora, en el caso de la animación por computadora), ya sea una por una (como en el caso de las técnicas de animación tradicionales, mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma que, al proyectarse consecutivamente la película resultante, se produzca la ilusión de movimiento. La diferencia entre la animación y la imagen real estriba pues en que el cine de imagen real analiza y descompone un movimiento real, mientras que el cine de animación produce la sensación visual de un movimiento que en realidad es inexistente en el mundo real.

Definición de animación

Artículo principal: Animación

La definición correcta de la palabra animación proviene del latín, lexema «anima» que significa «alma». Por tanto, la acción de animar se debería traducir como «dotar de alma», refiriéndose a todo aquello que no la tuviera.

Según el animador norteamericano Gene Deitch, «“animación cinemática” es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»

Tipos de animación

Breve historia de la animación

La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento, para que se mantengan estáticos. Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.

El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.

El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».

Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.

Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.

Surgimiento en Francia

La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación. Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.

El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.

Otros pioneros

James Stuart Blackton y el español Segundo de Chomón Suecia incorporó nuevos movimientos en acción.

Durante el cine mudo

Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine de animación.

Por un lado, las películas más comerciales, destinadas al público masivo, como las producidas por Walt Disney o las que incluían personajes como Popeye o Betty Boop, y por otro lado artistas de vanguardia que contemplaron la animación como una extensión de las artes plásticas y realizaron obras experimentales (Oskar Fischinger, Len Lye, etc.).

Entre medias, infinitas modalidades, desde los cuentos tradicionales en siniestros muñecos animados por Ladislaw Starewicz hasta el "reportaje animado" sobre el hundimiento del RMS Lusitania de Winsor McCay.

Largometrajes de animación

El primer largometraje de animación fue mudo y argentino El apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines.[1]​

Otros largometrajes tempranos (que sí están a disposición del público actual) fueron Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanitos.

Previamente a la II Guerra Mundial, la animación era utilizada como arma política, en la que se ridiculizaba a los grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran populares entre los soldados estadounidenses las proyecciones y las tiras cómicas de "Ducktators", una serie de cortometrajes de Warner Brothers. Los soldados decoraban las bombas y los aviones con dibujos de "Ducktators".

Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un enorme desarrollo de lo que ya era la Industria del Cine de Animación.

En Estados Unidos, se consolidó el cartoon clásico con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros. (con artistas como Chuck Jones y Friz Freleng; personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas, Elmer, Porky, etc.), de la Metro Goldwyn Mayer (con Tex Avery), y posteriormente el nuevo estilo de la UPA.

El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Hasta nuestros días, el NFB ha producido la obra de numerosos artistas, entre los que se puede destacar a Frédéric Back, Ryan Larkin, Ishu Patel, Caroline Leaf, Chris Landreth, etcétera.

En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo (y en muchos casos realizaron películas contra el régimen político que sufrían, en clave para pasar la censura). La primera gran figura de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista popular y delicado.

En estos años también empezaron a realizarse películas animadas en China y Japón.

La animación y la televisión

En los años 1960 y 1970, con. la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de los cines, a partir de entonces limitadas a los largometrajes comerciales, terreno dominado por Disney hasta los años 1990. A pesar de ello el cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados, etc.), sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo.

En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine. Sin embargo, en los años 70 algunas alternativas gozaron de favor del público. El más conocido puede ser Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground (Heavy Traffic, Fritz el gato caliente) y posteriormente sus películas de fantasía (El señor de los anillos, Wizards, Tygra). Entre los cortometrajistas destacaron John y Faith Hubley.

Las industrias de Europa del Este y la Unión Soviética, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Švankmajer, que utiliza el stop-motion y la plastilina para crear mundos surrealistas. Otros nombres que se pueden mencionar son los de Marcell Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri Norstein, Walerian Borowczyk, Jan Lenica, etcétera.

Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados nipones, en lo sucesivo conocidos como anime. Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión Astroboy, que definió los rasgos habituales del anime: rasgos faciales de los personajes, animación limitada, narración semejante al cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y hasta cortometrajes experimentales. Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.

En Europa occidental los logros fueron más puntuales: películas como El submarino amarillo de George Dunning, Allegro non troppo de Bruno Bozzetto o El planeta salvaje de Réne Laloux tuvieron repercusión. En el cortometraje destacaron artistas como Raoul Servais, Jean-François Laguionie o Paul Driessen

En Estados Unidos

En Estados Unidos, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de la década de 1990, con algunas de sus más exitosas y mejores películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter (inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los años 1980) a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: Toy Story, Bichos, Monsters Inc., etc.

También se han producido algunas películas aisladas de gran calidad, como El gigante de hierro de Brad Bird, Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick, y las totalmente independientes y artesanales Me casé con un extraño y Mutant aliens de Bill Plympton, un frenético humorista que también es el autor de cortometrajes más conocido del período.

En Japón

El anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cines, después de desaparecer prácticamente durante los años 1970, volvieron con una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente a partir de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo. Se ha producido una explosión en la variedad de los estilos y temáticas que se tratan, con autores tan diferentes como Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata, y más recientemente Makoto Shinkai, mientras el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto internacional con el prestigio de los grandes directores de imagen real. Un animador independiente que ha logrado reconocimiento en Occidente ha sido Koji Yamamura.

Las diferentes industrias europeas han atravesado situaciones muy diferentes en este período.

En Europa

En Francia han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc. En adición y como largo más destacable se halla la película el planeta salvaje dirigida por René Laloux está considerada como uno de los grandes clásicos de la animación.

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y se lanzó a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director. Al abrigo de este éxito florecía la animación independiente, donde se puede citar al estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay.

Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con su prestigioso largometraje Fimfarum) y el veterano pero aún activo y conocido Jan Svankmajer; el polaco Piotr Dumala; los letones Priit Pärn y Priit Tender y, sobre todo, la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka a la cabeza.

En Hispanoamérica

Argentina

Colombia

Colombia tiene una historia de la animación que se remonta hasta 1938. Aunque surgió como iniciativas artísticas aisladas, el trabajo de Fernando Laverde quien realizó los largometrajes La pobre viejecita, Cristóbal Colón y Martín Fierro, así como la obra de animación experimental del artista Carlos Santa El pasajero de la noche, abrieron el terreno para los creadores interesados en este arte. Es también reconocida la labor de Nelson Ramírez cuya empresa encabezó la producción de comerciales publicitarios entre los años 1970 y comienzos de los años 1990.

Cuba

En 1960 fueron creados en Cuba los Estudios de Animación del ICAIC, institución que hasta la fecha ha creado innumerables series, cortometrajes y largometrajes. Entre ellos el laureado Vampiros en La Habana, del director Juan Padrón.

México

La animación mexicana, en sus comienzos, se intentó con varias producciones que en su mayoría fueron cortometrajes realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en el país.

En 1927 Miguel Acosta realizó las primeras películas animadas que duraban 30 segundos.

Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara Andrade y algunas de sus primeras obras como “Paco Perico en premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937 cortometrajes realizados en ava films, estudio que él mismo fundó.

En 1943 estrenan "Me voy de cacería" por Caricolor, estudio fundado por Santiago Richi y Manuel Mario Moreno.

En la década de 1970 y 1980 se produjeron una serie de largometrajes representativos del cine de animación mexicano:

  • Los tres Reyes Magos (1974)
  • Los supersabios (1977)
  • Crónicas del Caribe (1982), un filme hecho por el llamado Taller de Coyoacán
  • Roy del espacio (1983)
  • Katy la oruga (1984), una coproducción mexico-española.
  • Katy, Kiki y Koko (1987), co-producción con España.
  • Las aventuras de Oliver Twist (1987), adaptación animada de la novela de Charles Dickens hecha por Fernando Ruiz.

En 1994, el cortometraje animado "El héroe" de Carlos Carrera gana una palma de oro en el Festival de Cannes, uno de los premios más destacados en el mundo del cine.

Aunque la realización de largometrajes de animación en los años posteriores fue nula, limitándose la animación casi por completo a los cortometrajes, comerciales y publicidad, en años recientes se ha intensificado su producción.

Lista de largometrajes de animación mexicanos a partir del 2000:

  • Magos y gigantes (2003, Ánima Estudios y distribuida por 20th Century Fox).
  • Imaginum (2005, Ánima Estudios)
  • Una película de huevos (2006, Huevocartoon Producciones)
  • La leyenda de la nahuala (2007, Animex Estudios)
  • Los campeones de la lucha libre (2008, Bouncynet Inc y Azteca Cine) coproducción México-Estados unidos
  • El agente 00P2 (2009, Ánima Estudios)
  • Otra película de huevos y un pollo (2009, Huevocartoon Producciones) secuela de "Una Película De Huevos"
  • Nikté (película) (2009, Universal Pictures, Animex Estudios, Nahuala Producciones)
  • Boogie, el aceitoso (2009, largometraje) Coproducción México(metacube)-Argentina(Illusion Studios)
  • A Martian Christmas (2009, Ánima Estudios y Porchlight Entertainment) México-Estados unidos
  • Sabel Redemption (2009, Santo domingo Animation e Ithrax)
  • AAA sin límite en el tiempo (2010, Ánima Estudios)
  • Brijes (2010, Santo Domingo Animation) primera película animada mexicana en estereotipo 3D.
  • Héroes verdaderos'' (2010, White Knight Creative Productions) película basada en la Independencia De México.
  • Gaturro 3D (2010, Illusion Studios, Ánima Estudios) una coproducción México-Argentina
  • Kung Fu Magoo (2010, Ánima Estudios) película basada en el personaje Mr. Magoo.
  • Don Gato y su pandilla (2011, Ánima Estudios) película basada en la popular serie de Hanna-Barbera.
  • El gran milagro (2011, Imágica) película realizada en 3D
  • ZBaw Mejores Amigos (2011, Imagination Films, Eficine y Fidecine) película realizada en 3D y en formato estereoscópico, primera en la historia del cine Mexicano
  • La Revolución de Juan Escopeta (2012, Animex Estudios)
  • La leyenda de la llorona (2012, Ánima Estudios) secuela de "La Leyenda De La Nahuala"
  • El Secreto del Medallón de Jade (2012, Kaxan Animation)
  • El Santo vs La Tetona Mendoza (2012, Átomo Films, sello de Ánima Estudios) primera película animada mexicana para adolescentes-adultos
  • JOYFLUID 3D (2014, largometraje en 3D producido por Alejandro Rodríguez-Huerta)
  • La Leyenda De Las Momias (2014, Ánima Estudios) tercera entrega de la saga "La Leyenda De La Nahuala"
  • El libro de la vida (2014) Estados Unidos - México. Una película de Jorge Gutiérrez y producida por Guillermo Del Toro
  • Guardianes de OZ (2015) Película animada 3D de Ánima estudios
  • La increíble historia del niño de piedra (2015) Película animada 2D de la productora Mantarraya a través de CadereytaFilms
  • Selección canina (2015), Primera producción realizada por dos estudios mexicanos, ANIMEX e Imagination Films, Ricardo Arnaiz y Ricardo Gómez V. (Eficine)
  • Un gallo con muchos huevos 3D (2015, Huevocartoon Producciones) Primer película del estudio en realizarse en 3D, tercera entrega de la saga "Una Película De Huevos"
  • Don Gato: El Inicio de la Pandilla (2015, Anima studio)
  • El Callejón de los Sueños (2015, Imagination Films)
  • El Americano: The Movie (2016, Animex y Olmos Productions)
  • Ana y Bruno 3D (2016, Lo Coloco Films, Anima Estudios, IMCINE, EFICINE y PROSOFT) Una película de Carlos Carrera película realizada en 3D y en formato estereoscópico
  • Poncho Balón (2016, Kaxan animation y Mandaraka Animation)

Algunos de los estudios de animación mexicanos son:

  • Ánima Estudios
  • Huevocartoon Producciones
  • Animex Producciones
  • Imagination Films
  • Santo Domingo Animation
  • kaxan animation
  • Anim-Art Producciones
  • Lo Coloco Films
  • Imágica
  • Metacube technology & entertainment
  • Gyroscopik Studios

Perú

Perú ha sido el primer país de Hispanoamérica en realizar un largometraje animado en 3D. En 2003 fue creado en Perú el estudio Alpamayo Entertainment, especializado en animación en 3D. Estas son algunas de las películas producidas por Alpamayo Entertainment: Piratas en el Callao (2005), Dragones, destino de fuego (2006), Valentino y el clan del can (2008). También inició la producción de la película El diente de la princesa (2010), pero luego, por diversas circunstancias, vendió los derechos de producción a otra productora que lanzó esta película bajo el nombre "Rodencia y el diente de la princesa".

Festivales de animación

Los festivales de animación acogen tanto largometrajes comerciales como cortometrajes de todos los tipos, y son el principal medio de difusión para los mismos.

Festivales internacionales

Festivales de España

Festivales en Hispanoamérica

Véase también

Referencias

  1. ↑ a b «Cine argentino de animación». Página/12. 29 de septiembre de 2002. «Aunque tiene cerca de 85 años, la historia del cartoon criollo es más rica en pérdidas y descuidos que en películas. El primer espécimen del género fue un corto que satirizaba la figura de Hipólito Yrigoyen; el último, que se estrena el jueves próximo, es Mercano el marciano, de Juan Antín, un milagro técnico y creativo que acaso abra nuevos horizontes para esta disciplina maltratada. Mariano Kairuz analiza el film de Antín a la luz del accidentado linaje de la animación local.» 

Enlaces externos

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