Era dorada de la animación estadounidense

La Era Dorada de la animación Americana (Golden Age of American animation en inglés) fue el mayor período en la historia de la animación estadounidense que comenzó con el advenimiento de las caricaturas en sonido sincronizado en 1928, coincidiendo durante la Era Dorada de Hollywood, y continuó hasta mediados de los años 60, cuando los cortometrajes animados teatrales comenzaron a perder contra la nueva programación animada de la televisión con los Saturday-morning cartoons; así como el abandono de varios estudios de animación para realizar películas animadas y cancelando la mayoría de los cortometrajes animados que servían para acompañar a los largometrajes en los cines.

Muchos personajes populares surgieron de este período, incluyendo: Mickey Mouse, Bugs Bunny, Pato Donald, Pato Lucas, Goofy, Popeye, Tom y Jerry, Porky Pig, Betty Boop, Pájaro Loco, Droopy, Huckleberry Hound, Super Ratón, Mr. Magoo, Pantera Rosa, Flip the Frog, Ardilla Loca, Fauntleroy Fox y Crawford Crow o las primeras adaptaciones animadas de Casper, Little Lulu o Superman. La animación en largometrajes también comenzó durante este período, especialmente con las primeras películas de Walt Disney: Snow White and the Seven Dwarfs, Pinocchio, Fantasia, Dumbo y Bambi. También comenzó la animación en televisión con las primeras series animadas desde 1949 hasta principios de los años 60 durante la Era Dorada de la Televisión.

Este período destacó por su animación tradicional de alto presupuesto con sus efectos de imagen, sonido y calidad argumental. Grandes animadores de la industria de este período como: Chuck Jones, Tex Avery, Bob Clampett, Walter Lantz, Paul Terry, Max y Dave Fleischer, Lillian Friedman Astor, Ted Eshbaugh, Frank Tashlin, Ub Iwerks, Stephen Bosustow, Friz Freleng, Harman e Ising, William Hanna y Joseph Barbera, Ed Benedict o Don Bluth, trabajaron en los estudios de animación más célebres de este período como: Walt Disney Animation Studios (1928-1965) de Walt Disney Pictures; Warner Bros. Cartoons, Inc. (1930-1964) de Warner Bros.; MGM Cartoon Studio (1930-1957) de MGM; Fleischer Studios (1928-1942) y Famous Studios (1942-1959) de Paramount Pictures; Screen Gems (1929-1946), UPA (1943-1962) y Hanna-Barbera (1957-1961) de Columbia Pictures; Terrytoons (1929-1955) de 20th Century Fox; Republic Cartoons (1947-1949) de Republic Pictures; Van Beuren Studios (1928-1936) de RKO Radio Pictures; Walter Lantz Productions (1929-1959) de Universal Studios; DFE (1964-1965) de United Artists; Jay Ward Productions (1948-1960) de NBC y ABC; e incluso Chevrolet realizó cortometrajes animados como publicidad para sus automóviles.

Historia

Walt Disney Animation Studios (1928-1965)

Steamboat Willie fue lanzado el 18 de noviembre de 1928, y fue un gran éxito. Disney rápidamente ganó un gran dominio en el campo de la animación usando sonido en sus dibujos animados futuros al doblar Plane Crazy, The Gallopin' Gaucho y The Barn Dance casi terminado. La popularidad de Mickey Mouse coloca al personaje animado en las filas de las personalidades de la gran pantalla más populares del mundo. Los mayores competidores de Disney, Otto Messmer y Pat Sullivan con Félix el gato, fueron eclipsados por la popularidad de Mickey y el estudio Sullivan cerró en 1932. La comercialización basada en dibujos animados de Disney rescató a varias compañías de la bancarrota durante las profundidades de la Gran Depresión, y Disney aprovechó esta popularidad para avanzar con nuevas innovaciones en animación.

En 1929, lanzó una nueva serie titulada Silly Symphonies que se basaba en música sin personajes continuos. Sin embargo, no llegaron a ser tan populares como la serie Mickey Mouse.

En 1930, después de una pelea con Pat Powers; quien había vendido el sistema sonoro Cinephone para Steamboat Willie, Disney cambió los distribuidores a Columbia Pictures. Sin embargo, Ub Iwerks dejó a Disney después de una oferta de Powers para estar a cargo de su propio estudio de animación. [1]

En 1932, Mickey Mouse se había convertido en una sensación internacional, pero las Silly Symphonies no. Columbia Pictures se retiró de su distribución de la serie y Disney se sintió atraída a mudar las Silly Symphonies a United Artists por un aumento en el presupuesto.

Walt Disney luego trabajó con la empresa Technicolor para crear la primera caricatura a todo color de tres tiras, Flowers and Trees. Fue un gran éxito y también se convirtió en la primera caricatura en ganar un Premio de la Academia. Poco después, Disney negoció un acuerdo exclusivo pero temporal con Technicolor para que solo él pudiera usar el proceso de tres tiras en películas animadas, ningún otro estudio tenía permiso para usarlo. [2] Sin embargo, no quiso hacer Mickey Mouse en color porque pensó que Technicolor podría aumentar la popularidad de las Silly Symphonies.

En 1932, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionantes que atraparan a la audiencia y no la dejaran ir. Esta realización condujo a una innovación importante alrededor de 1932 y 1933: un "departamento de historia", separado de los animadores, con artistas de guiones gráficos que se dedicarían a trabajar en una fase de desarrollo de la historia en la cadena de producción. A su vez, el continuo énfasis de Disney en el desarrollo y la caracterización de la historia dio como resultado otro éxito en 1933: Three Little Pigs, que se considera la primera caricatura en la que varios personajes mostraban personalidades únicas e individuales y aún se considera el cortometraje animado más exitoso de todo el tiempo, y también presentó la exitosa canción que se convirtió en el himno en la lucha contra la Gran Depresión: "¿Quién teme al lobo feroz?" [3]

En la serie Mickey Mouse, continuó agregando personalidad a sus personajes; esto resultó en la creación de nuevos personajes como Pluto con The Chain Gang en 1930, Goofy con Mickey's Revue en 1932 y Pato Donald en 1934 con The Wise Little Hen (bajo la serie Silly Symphonies). Cuando el contrato de Disney con Technicolor expiró, la serie Mickey Mouse se trasladó a Technicolor comenzando con The Band Concert en 1935. Además, Mickey fue parcialmente rediseñado para Technicolor más tarde ese año. [4]

En 1937, Disney inventó la cámara multiplano, que dio una ilusión de profundidad al mundo animado. Primero lo usó en la caricatura de Silly Symphonies The Old Mill. Gran parte del trabajo de Disney estuvo fuertemente influenciado por historias y mitos europeos, y por el trabajo de ilustradores como Gustave Doré y Wilhelm Busch. [5]

También en 1937, Disney cambió los distribuidores a RKO Radio Pictures y se mantuvo en distribución hasta principios de la década de los años 50.

Películas de Disney

Nota: Los dos primeros cortometrajes animados de Winnie the Pooh, El Libro de la Selva y Los Aristogatos se realizaron después de la Era Dorada, pero son considerados como clásicos de animación tardíos. Así como el reconocimiento de Bedknobs and Broomsticks, junto a Mary Poppins, como clásicos honoríficos Disney. Esto es debido a que todas estas producciones en animación fueron producidas antes del fallecimiento de Walt Disney pese a estrenarse en los cines posteriormente. [6][7]

Era Dorada

• Mickey Mouse (1928-1953)
• Donald Duck (1934-1959)
• Goofy (1939-1965)
• Silly Symphonies (1929-1939)
• Blancanieves y los Siete Enanitos (1937)
• Pinocho (1940)
• Fantasía (1940)
• Dumbo (1941)
• Bambi (1942)

Era de Guerra

• Saludos Amigos (1942)
• Los Tres Caballeros (1944)
• Canción del Sur (1945)
• Música maestro (1946)
• Fun and Fancy Free (1947)
• Melody Time (1948)
• So Dear to My Heart (1948)
• The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949)

Era Plateada

• Cenicienta (1950)
• Alicia en el País de las Maravillas (1951)
• Peter Pan (1953)
• La dama y el vagabundo (1955)
• La Bella Durmiente (1959)
• 101 dálmatas (1961)
• The Sword in the Stone (1963)
• Mary Poppins (1964)
• Winnie the Pooh (1966-1968)
• El Libro de la Selva (1967)
• Los Aristogatos (1970)
• Bedknobs and Broomsticks (1971)

Fleischer Studios y Famous Studios (1928-1959)

Uno de los principales competidores de Disney fue Max Fleischer, director de Fleischer Studios, que produjo dibujos animados para Paramount Pictures. Fleischer Studios era una empresa familiar, operada por Max Fleischer y su hermano menor Dave Fleischer, que supervisaba la producción de los dibujos animados. Los Fleischers obtuvieron éxitos exitosos con los dibujos animados de Betty Boop y Popeye. La popularidad de Popeye durante la década de los años 30 rivalizó con Mickey Mouse a veces, y los clubes de fans de Popeye surgieron en todo el país en imitación de los clubes de fans de Mickey; en 1935, las encuestas demostraron que Popeye era incluso más popular que Mickey Mouse. [8] Sin embargo, durante la década de 1930, las reglas de censura más estrictas aplicadas por el Código Hays en 1934 exigían que los productores de animación eliminaran el humor subido de tono. Los Fleischers en particular tuvieron que bajar el tono del contenido de sus dibujos animados de Betty Boop, que luego se desvanecieron en popularidad. [9] Los Fleischers también produjeron una serie de dibujos animados, las Color Classics, durante la década de 1930 que intentaron emular el uso del color de Walt Disney, pero la serie no fue un éxito. [10] Otra serie significativa de Fleischer Studios fue Talkartoons en blanco y negro con las apariciones de Betty Boop, Bimbo y el regreso de Koko el payaso.

En 1934, Max Fleischer se interesó en la producción de un largometraje de animación poco después del anuncio de Disney sobre Snow White and the Seven Dwarfs, sin embargo, Paramount desechó la idea. En 1936, Fleischer Studios produjo la primera de las tres caricaturas de Popeye en Technicolor de dos carretes: Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor en 1936, Popeye the Sailor Meets Ali Baba's Forty Thieves en 1937 y Aladdin and His Wonderful Lamp en 1939.

En 1938, después del éxito de Disney con Snow White and the Seven Dwarfs, Paramount autorizó a los Fleischers a producir un largometraje y el estudio Fleischer se trasladó desde Nueva York a Miami, Florida, para evitar sindicatos organizados, que se convirtieron en una amenaza para el estudio. Una huelga de cinco meses ocurrió entre los trabajadores de Fleischer Studio a fines de 1937. [11] Aquí los Fleischer produjeron Gulliver's Travels en 1939. Fue un pequeño éxito y animó a los Fleischers a producir más.

En mayo de 1941, los Fleischer le otorgaron a Paramount la plena propiedad del estudio como garantía para pagar las deudas que les quedaban de los préstamos que obtuvieron del estudio para crear dibujos animados fallidos como Stone Age, Gabby y Color Classics. Sin embargo, todavía mantenían sus posiciones como jefes de la producción de su estudio. [12] Bajo la regla de Paramount, Fleischers introdujo a Popeye en la Marina y contribuyó al esfuerzo bélico, y obtendría más éxito al comenzar una serie de espectaculares dibujos animados de Superman (el primero de los cuales fue nominado a un Oscar) que se han vuelto legendarios en sí mismos.

A pesar del éxito que Superman le dio al estudio, un golpe importante al estudio ocurriría cuando el matrimonio Dave comenzara a tener una aventura adúltera con la secretaria de Miami. Esto condujo a muchas disputas entre los hermanos Fleischer hasta que Max y Dave ya no se hablaban entre sí. [13] En 1941 lanzaron Mister Bug Goes to Town, desafortunadamente fue lanzado unos días antes del ataque a Pearl Harbor, lo que causó que la película fallara en la taquilla. Poco después de la pobre taquilla de la película, Dave Fleischer, que aún mantenía su posición como co-jefe de su estudio, había dejado Fleischer Studios para ejecutar las caricaturas Screen Gems de Columbia Pictures. Debido a esto, Paramount Pictures despidió a Dave y Max Fleischer de sus puestos como jefes del estudio de dibujos animados. [14]

Paramount se hizo cargo por completo del estudio Fleischer y lo colocó bajo el pliegue de su propio estudio, renombrándolo Famous Studios y continuando el trabajo que los Fleischers comenzaron con Popeye, Superman y Screen Songs, e incluso incorporando nuevas series como: Casper, Little Lulu (reemplazada más tarde por Little Audrey), Baby Huey, Herman y Katnip (creados para competir con Tom y Jerry de MGM Cartoon Studio) y Noveltoons. La partida de los hermanos Fleischer tuvo un efecto inmediato en el estudio: los dibujos animados Paramount de los años de la Segunda Guerra Mundial continuaron siendo entretenidos y populares y aún retuvieron la mayor parte del estilo y brillo de Fleischer. Después de que la guerra terminara en mayo de 1945, comenzó un declive en la calidad de la historia y la animación que se haría cada vez más evidente a medida que comenzaba la década de los años 50; hasta el punto de terminar con la mayoría de sus dibujos animados en 1959. Cabe señalar que en 1958 Famous Studios se encargó de la producción de varios segmentos de la serie animada Felix the Cat. [15] El estudio siguió realizando la serie Noveltoons hasta 1967 cuando fue cerrado permanentemente.

Van Beuren Studios (1928-1936)

En 1928, el productor Amadee J. Van Beuren formó una alianza con Paul Terry y formó el "Aesop's Fables Studio" para la producción de la serie de dibujos animados de Aesop's Film Fables. En 1929, Terry se fue para comenzar su propio estudio y fue reemplazado por John Foster, que se hizo cargo del departamento de animación y le cambió el nombre del estudio a Van Beuren Studios. Entre los años 1930 y 1931 Charles Mintz estuvo involucrado en la creación del personaje Toby the Pup (personaje similar a Bimbo de Fleischer Studios) para RKO Radio Pictures, el propietario de Van Beuren Studios, logrando ser un éxito. Aunque la serie dejó de producirse debido a que no fue enteramente producida por Van Beuren Studios y Charles Mintz se encargaba de su propio estudio de animación con Columbia Pictures. [16]

Van Beuren continuó la serie Aesop's Film Fables, y sin éxito intentó una adaptación de dibujos animados de los comediantes de radio Amos 'n' Andy. Otros dibujos animados de Van Beuren presentaban a Tom y Jerry (no confundir con los personajes animados de MGM Cartoon Studio, sino un dúo humano similar a Mutt y Jeff, tuvieron que ser renombrados como "Dick y Larry" para evitar confusión) y varias adaptaciones animadas del personaje de cómic The Little King de Otto Soglow. Frank Tashlin y Joseph Barbera se encontraban entre los animadores que trabajaron brevemente para el estudio. [17]

En 1934, mientras otros estudios estaban poniendo dibujos animados en Technicolor para competir a la serie de dibujos animados Silly Symphonies de Disney, Van Beuren Studios abandonó sus dibujos animados restantes y respondió el uso de Technicolor de mediante la creación de la serie Rainbow Parade, que era de todo color. Sin embargo, la serie no fue un éxito, y en 1936, RKO Pictures cerró el estudio cuando RKO decidió distribuir los dibujos animados de Disney. Van Beuren Studios también fue el responsable de realizar las primeras adaptaciones a color y en sonido sincronizado de Félix el gato y Toonerville Trolley. Otras de sus series significativas son Parrotville, Burt Gillett's Toddle Tales, Cubby Bear y Molly Moo-Cow. [18] Incluye el trabajo independiente del animador canadiense Ted Eshbaugh; quien creó la primera adaptación animada de The Wizard of Oz en 1933. [19]

Terrytoons (1929-1955)

Después de perder su serie Aesop's Film Fables para Van Beuren Studios en 1929, Paul Terry estableció un nuevo estudio llamado Terrytoons. [20]

Terrytoons produjo 26 caricaturas al año para Educational Pictures, que a su vez suministró cortometrajes animados a Fox Film Corporation (más tarde 20th Century-Fox). Las caricaturas de Terry de la década de los años 30 eran principalmente dibujos animados musicales en blanco y negro sin personajes recurrentes, a excepción del granjero Farmer Al Falfa, que apareció en las caricaturas de Terry desde la época del cine mudo. Educational quebró a fines de la década de los años 30, y Terry firmó directamente con Fox para distribuir sus cortometrajes animados. El personaje que más popularidad consiguió en esta época fue Kiko the Kangaroo quien también hizo apariciones con Al Falfa. [21] [22]

En 1938 Paul Terry se las arregló para lanzar sus viejos dibujos animados a través del distribuidor de películas Castle Films. Tras el cierre de Educational Pictures, 20th Century-Fox continuó lanzando Terrytoons en los cines durante las siguientes dos décadas. Con un nuevo énfasis en los personajes estrella, Terrytoons presentó las aventuras de Super Ratón, Heckle y Jeckle y Ganso Gandy y Sourpuss (Gandy ya apareció en cortos de los años 30). Otras series notables del estudio incluyen: Fany Zilch, Dinky Duck, Little Roquefort (para competir con Tom y Jerry de MGM Cartoon Studio), The Terry Bears, Puddy the Pup, Dingbat y Silvestre el Zorro, Oil Can Harry y Pearl Pureheart (que se convirtieron en personajes recurrentes con Super Ratón) o las adaptaciones animadas del cómic Nancy. [23]

A lo largo de su historia, el estudio fue considerado como uno de los de menor calidad en la industria, hasta el punto en que Paul Terry señaló: "Disney es el Tiffany's en este negocio, y yo soy el Woolworth's". El estudio de Terry estaba adaptándose lentamente a las nuevas tecnologías, como el sonido y Technicolor, mientras que su estilo gráfico permaneció notablemente estático durante décadas. A pesar de ello, Terrytoons fue nominado tres veces para el Premio de la Academia por los cortos: All out for V en 1942, My Boy, Johnny en 1944 y Sidney's Family Tree en 1958. La producción musical de fondo fue confiada a Philip Scheib, y la negativa posición de Terry a pagar por canciones populares obligó a Scheib a componer sus propias partituras. Paul Terry se enorgullecía de producir una nueva caricatura cada dos semanas, independientemente de la calidad de las películas. Terry vendió su compañía y sus demandas a CBS en 1955 y se retiró del estudio, poniendo a los sucesores productores a los animadores Gene Deitch durante el resto de los años 50 y a Ralph Bakshi en los años 60. Pese a que el estudio permaneció activo hasta 1968, el estilo de animación original de Terrytoons fue cambiando a partir de 1956 a un estilo de animación de muy bajo presupuesto. [24] No obstante, el estudio logró realizar un nuevo personaje popular llamado Deputy Dawg, cuyo diseño se basó en personajes originales de Paul Terry. [25]

Screen Gems (1929-1946)

Después de que Charles Mintz fue despedido de Universal Studios, él todavía estaba a cargo de su propia dirección de dibujos animados produciendo las caricaturas en sonido sincronizado de Krazy Kat para Columbia Pictures. También creó una nueva serie con el personaje llamado Scrappy, creado por Dick Huemer en 1930. Scrappy fue la creación más exitosa del estudio, pero el estudio sufriría daños irreparables después de que Dick Huemer fuera despedido en 1933. [26] En 1934, Mintz, como la mayoría de los demás estudios de animación de la época, también intentó responder al uso de Technicolor por parte de Disney, y comenzó a hacer dibujos animados en color a través de la serie Color Rhapsodies; [27] la serie fue originalmente en Cinecolor, pero se movió a Technicolor después de que el contrato de Disney con Technicolor expiró en 1935. Sin embargo, la serie no logró atraer la atención, y en 1939, Mintz estaba en deuda con Columbia Pictures. Como resultado, Mintz vendió su estudio a Columbia. Columbia renombró el estudio, que Mintz todavía manejaba, Screen Gems; [28] Mintz falleció el año siguiente. Otras de las series producidas por Screen Gems incluyen: Phantasies, Fables, Flippity y Flop o las adaptaciones animadas de Barney Google y Snuffy Smith y Li'l Abner.

Frank Tashlin y John Hubley, fueron animadores de Disney que se fueron durante la huelga, y obtuvieron trabajos en Screen Gems, donde Tashlin se desempeñó como productor principal, mientras que Hubley actuó como director de estudio. [29] Tashlin ayudó a Screen Gems a obtener más éxito al presentar a los personajes Fauntleroy Fox y Crawford Crow, las estrellas más importantes de Screen Gems. Tashlin mantuvo su posición hasta que Columbia Pictures lo despidió del estudio a favor de Dave Fleischer en 1942. [30] Las caricaturas de Screen Gems tuvieron un éxito moderado y nunca superaron el talento artístico de Disney, Warner Bros. Cartoons, Inc. o MGM Cartoon Studio. Pese a no tener ninguna producción más por parte de Screen Gems, Columbia Pictures siguió distribuyendo sus caricaturas hasta cerrar el estudio en 1949 y comenzar a buscar una nueva compañía de producción de dibujos animados; encontrando como sucesor el estudio UPA.

Walter Lantz Productions (1929-1959)

En 1929, Walter Lantz reemplazó a Charles Mintz como productor de dibujos animados de Universal Studios. El personaje principal de Lantz en este momento fue Oswald el conejo afortunado, cuyos dibujos animados anteriores habían sido producidos tanto por Walt Disney y Ub Iwerks como por Charles Mintz. Lantz también comenzó a experimentar con dibujos animados a color, y el primero, llamado Jolly Little Elves, fue lanzado en 1934. En 1935, Lantz hizo que su estudio fuera independiente de Universal Studios, y Universal Studios era ahora solo los distribuidores de sus dibujos animados en lugar de su dueño directo. [31]

En la década de los años 40, Oswald comenzó a perder popularidad. Lantz y su equipo trabajaron en varias ideas para posibles nuevos personajes de dibujos animados (entre ellos Meany, Miny y Moe y Baby-Face Mouse). Finalmente, uno de estos personajes logró alcanzar el éxito; el personaje Andy Panda, que se transmitió en Technicolor. Por muy exitoso que fuera Andy, no fue sino hasta la quinta caricatura del personaje, Knock Knock, que se introdujo un verdadero personaje innovador. Este no era otro que el Pájaro Loco, quien se convirtió en la creación más exitosa de Lantz. [32] Durante esta época Lantz creó la serie Swing Symphony (para competir con las Silly Symphonies de Disney); teniendo el cortometraje animado Juke Box Jamboree nominado al Premio de la Academia. [33]

El estudio Walter Lantz cerró a fines de 1948 debido a problemas financieros y United Artist se convirtió en el nuevo distribuidor de las anteriores caricaturas de Lantz. Se abrió nuevamente en 1950 con un personal reducido, principalmente porque Lantz pudo firmar un acuerdo con Universal (en este momento conocido como Universal-International) para más dibujos animados de el Pájaro Loco, comenzando con Puny Express de 1951 y más tarde con el personaje Chilly Willy, creado por Paul J. Smith. El Pájaro Loco continuaría apareciendo en cortometrajes animados teatrales hasta 1972, cuando Lantz cerró su estudio permanentemente. Afortunadamente para Lantz, la popularidad del Pájaro Loco se alargó cuando comenzó a aparecer en The Woody Woodpecker Show desde 1957 a 1958, desde donde entró en la sindicación hasta 1966. NBC revivió el programa dos veces: en 1970 y 1976, y finalmente en 1985 Lantz vendió todas las producciones del Pájaro Loco a Universal Studios, tras formar parte de MCA.

A lo largo de la historia del estudio, mantuvo la reputación de una calidad media en sus trabajos. Sus dibujos animados fueron considerados superiores a los de Famous Studios y Terrytoons, pero no obtuvieron el mismo reconocimiento artístico que los creados por Disney, Warner Bros. Cartoons, Inc. o UPA. Sin embargo, el estudio se veía beneficiado con la llegada de personas de otros estudios, debido a la diferencia entre Lantz y otros productores como Walt Disney, Fred Quimby y Eddie Selzer. Tex Avery fue uno de los muchos talentos que llegaron al estudio. Walter Lantz también enseñaba el procesamiento de los dibujos animados a los espectadores; convirtiéndose en una de las figuras más memorables del cine de animación. [34]

Warner Bros. Cartoons, Inc. (1930-1964)

En 1929, los ex animadores de Disney Hugh Harman y Rudolf Ising hicieron una caricatura titulada Bosko, the Talk-Ink Kid, y trataron de venderla a un distribuidor en 1930. Warner Bros., que previamente había intentado sin éxito establecer un estudio de dibujos animados en Nueva York para competir con Disney, acordó distribuir la serie. Bajo la guía del productor Leon Schlesinger, Harman e Ising crearon Looney Tunes (el título es una variación de las Silly Symphonies de Disney) protagonizada por su personaje Bosko. Una segunda serie de Harman-Ising, Merrie Melodies, siguió en 1931. Ambas series mostraron la fuerte influencia de las primeras películas de Disney; especialmente, con el personaje Foxy tras sus apariciones en Lady, Play Your Mandolin!, Smile, Darn Ya, Smile! (basado en el cortometraje animado de Oswald Trolley Troubles) y One More Time. [35]

Después de disputas sobre el presupuesto, Harman e Ising se separaron de Schlesinger en 1933, llevándose a Bosko con ellos para trabajar con Metro-Goldwyn-Mayer. Schlesinger comenzó su propia operación de dibujos animados bajo el nuevo nombre de Leon Schlesinger Productions, contratando al animador de Harman-Ising Friz Freleng y varios otros para dirigir el estudio. El animador Tom Palmer creó un clon de Bosko conocido como Buddy y respondió al uso de color de Disney en las caricaturas de Silly Symphonies en 1934, y comenzó a hacer todas las futuras caricaturas de Merrie Melodies en color. [36] Sin embargo, dado que Disney tuvo un trato exclusivo con Technicolor, Schlesinger se vio obligado a utilizar Cinecolor y Two Strip Technicolor hasta 1935, cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor. En 1935, Schlesinger despidió a Tom Palmer y Buddy fue desechado.

En una de las Merrie Melodies de 1935 dirigido por Friz Freleng titulado I Haven't Got a Hat, fue la primera aparición en pantalla de Porky Pig. También en 1935, Schlesinger contrató a un nuevo director de animación que procedió a revitalizar el estudio: Tex Avery. Schlesinger puso a Avery a cargo de los Looney Tunes de bajo presupuesto en un viejo y deteriorado edificio que los animadores llamaron "Termite Terrace". Bajo Avery, Porky Pig reemplazaría la serie Buddy y se convertiría en el primer personaje de dibujos animados de Warner Bros. en alcanzar el poder de las estrellas de cine. También en "Termite Terrace", el animador Bob Clampett rediseñó Porky a un personaje más lindo e inocente.

A diferencia de los otros productores de dibujos animados de la época, Avery no tenía intención de competir con Disney, sino que traía un nuevo y alocado estilo de animación al estudio que aumentaría la popularidad de las caricaturas de Warner Bros. en el concurrido mercado. Esto se estableció firmemente en 1937 cuando Tex Avery dirigió Porky's Duck Hunt dando inicio de creación al personaje Pato Lucas. Después de su creación, agregaría aún más éxito a las caricaturas de Warner Bros. y reemplazaría a Porky Pig como el personaje animado más popular del estudio, [37] y Bob Clampett se hizo cargo de "Termite Terrace", mientras que Tex Avery se hizo cargo del departamento de Merrie Melodies.

La caricatura de 1940 nominada al Premio de la Academia A Wild Hare (dirigida por Avery) marcó el debut oficial de Bugs Bunny. Bugs rápidamente reemplazó a Lucas como la estrella principal del estudio. En 1942, Bugs se había convertido en el personaje de dibujos animados más popular. Debido al éxito de Bugs, Lucas y Porky, el estudio Schlesinger ahora había alcanzado nuevas alturas, y Bugs se convirtió rápidamente en la estrella de las caricaturas de Merrie Melodies, que también se habían utilizado para apariciones de personajes no continuos. En 1942, los cortos de Warner Bros. habían superado las ventas y la popularidad de Disney. [38]

Frank Tashlin también trabajó con Avery en el departamento de Merrie Melodies. Comenzó en Warner Bros. en 1933 como animador, pero fue despedido y se unió a Ub Iwerks en 1934. Tashlin regresó a Warner Bros. en 1936, asumiendo la dirección del departamento de Merrie Melodies. Regresó en 1943 dirigiendo las caricaturas de Porky Pig y Pato Lucas. Se fue en 1946 para dirigir películas de acción en vivo mientras que Robert McKimson se hizo cargo de su antigua unidad. Clampett fue despedido en ese mismo año y Arthur Davis se hizo cargo de su unidad durante 3 años antes de que la gerencia pensara que solo debería haber tres directores. McKimson creó muchos personajes recurrentes como el Gallo Claudio y el Perro George, Speedy Gonzales, Taz, el Demonio de Tasmania o Silvestre Jr.

Después de varias disputas con Schlesinger por el presupuesto, Avery dejó Warner Bros. en 1941 y se fue a trabajar a MGM Cartoon Studio. Avery creó Droopy en 1943 y muchos otros personajes durante su carrera de 12 años en MGM. Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. en agosto de 1944. Edward Selzer fue nombrado a su vez el nuevo productor. En este momento, los mejores directores de caricaturas de Warner Bros. de los años 40 y 50 fueron Friz Freleng, Chuck Jones y Bob Clampett. Sus dibujos animados ahora se consideran grandes clásicos audiovisuales. Dirigieron algunos de los cortos animados más queridos de todos los tiempos, incluyendo (por Clampett) Porky in Wackyland, A Corny Concerto, The Great Piggy Bank Robbery o The Big Snooze; (por Freleng) You Ought to Be in Pictures, Little Red Riding Rabbit, Birds Anonymous o Knighty Knight Bugs y (por Jones) Duck Amuck, Duck Dodgers in the 24½th Century, One Froggy Evening o What's Opera, Doc?. Durante esta época aparecerían en pantalla Piolín y el gato Silvestre, el Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew, Yosemite Sam, Marvin el Marciano o Elmer Fudd.

Después de más de dos décadas en la cima, Warner Bros. cerró el estudio original "Termite Terrace" en 1963 y DePatie-Freleng Enterprises asumió la producción de los cortometrajes en 1964, con licencia de Warner Bros., hasta 1967 y más tarde con el estudio Warner Bros.-Seven Arts hasta 1969. Los dibujos animados de ambos estudios de esta época fueron críticamente criticados y ampliamente considerados como los peores en la historia de Warner Bros. Cartoons, Inc. [39]

Una década más tarde, después del éxito de la película, The Bugs Bunny/Road Runner Movie, que consistía principalmente en imágenes de los cortometrajes clásicos de Jones, un nuevo estudio interno para producir animación original abrió sus puertas en 1980 con el nombre de Warner Bros. Animation, que existe hasta el día de hoy.

MGM Cartoon Studio (1930-1957)

Al principio, Mickey Mouse fue animado por el socio y amigo de Walt Disney, Ub Iwerks, quien también era un innovador técnico en caricaturas, y dibujó un promedio de 600 dibujos para Disney diariamente; Disney fue responsable de las ideas en las caricaturas, e Iwerks fue responsable de darles vida. [40] Sin embargo, Iwerks dejó el estudio de Disney en 1930 para formar su propia compañía, que fue respaldada financieramente por el propietario de Celebrity Pictures, Pat Powers. [41] Después de su partida, Disney finalmente encontró varios animadores diferentes para reemplazar a Iwerks. Iwerks produciría tres series de dibujos animados durante la década de 1930: Flip the Frog, Willie Whopper y las ComiColor para Metro-Goldwyn-Mayer, esta última sería continuada para Celebrity Productions. Sin embargo, ninguna de estas caricaturas podría igualar el éxito de las caricaturas de Disney o Fleischer Studios, y en 1933, MGM, el distribuidor de caricaturas de Iwerks desde 1930, terminó la distribución de sus caricaturas a favor de la distribución de las caricaturas de Harman e Ising, e Iwerks se fue después de que su contrato expiró en 1934. [42] Después de su estancia con MGM, Celebrity Pictures distribuyó los dibujos animados de Iwerks, e Iwerks respondería al uso de Technicolor por parte de Disney y continuaría la serie ComiColor, que transmitía dibujos animados en Cinecolor de dos bandas. [43] Sin embargo, en 1936, el estudio de Iwerks comenzó a experimentar reveses financieros y se cerró después de que Pat Powers retiró la ayuda financiera al estudio. [44] Iwerks regresó a Disney en 1940, donde trabajó como jefe de la división de "desarrollo de efectos especiales" hasta su muerte en 1971.

Después de que MGM retirara a Iwerks, contrataron a Harman e Ising tras dejar el estudio de Leon Schlesinger en Warner Bros. y los nombraron jefes del estudio. Comenzaron a producir dibujos animados de Bosko y las Happy Harmonies, que eran un emulativo de Silly Symphonies de Disney. [45] Sin embargo, no lograron triunfar en los cines, y en 1937 ambas series se suspendieron y MGM reemplazó a Harman e Ising con Fred Quimby. Después de que Quimby se hizo cargo, mantuvo un número del personal de Harman e Ising y buscó talentos en otros estudios de animación. Creó una adaptación animada de la serie de cómics The Katzenjammer Kids, a la que tituló The Captain & The Kids. La serie no tuvo éxito. Sin embargo, en 1939, Quimby obtuvo éxito luego de volver a contratar a Harman e Ising. Después de regresar a MGM, Ising también creó la primera estrella animada exitosa de MGM, Barney Bear. [46]

En 1939, William Hanna y Joseph Barbera comenzaron una asociación que duraría más de seis décadas, hasta el fallecimiento de Hanna en 2001. El primer dibujo animado del dúo fue Puss Gets the Boot (1940), presentando un ratón sin nombre para burlar a un gato llamado Jasper. Aunque fue lanzado sin fanfarria, el corto tuvo un éxito financiero y crítico, ganando una nominación al Premio de la Academia por Mejor Cortometraje Animado en 1940. Con la fuerza de la nominación al Oscar y la demanda del público, Hanna y Barbera se propusieron producir un producto de larga duración. Una serie de dibujos animados con una pareja de gato y ratón, bautizando pronto a los personajes Tom y Jerry. Puss Gets the Boot no ganó el Premio de la Academia de 1940 al Mejor Cortometraje Animado, pero sí otro dibujo animado de MGM, The Milky Way, de Rudolf Ising, convirtiendo el estudio MGM Cartoon Studio en ser primero en arrebatar el Premio de la Academia a los estudios Disney.

Después de aparecer en Puss Gets the Boot, Tom y Jerry se convirtieron rápidamente en las estrellas de los dibujos animados de MGM. Con Hanna-Barbera a sus espaldas, el estudio de dibujos animados de MGM finalmente pudo competir con Disney en el campo de los dibujos animados. Los cortometrajes tuvieron éxito en la taquilla, muchos productos con licencia (cómics, juguetes, etc.) se lanzaron al mercado, y la serie ganó doce nominaciones más al Premio de la Academia por Cortometrajes Animados, con siete de los Tom y Jerry ganando: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please! (1945), The Cat Concerto (1946), The Little Orphan (1948), The Two Mouseketeers (1951) y Johann Mouse (1952). Tom y Jerry finalmente se relacionaron con las Silly Symphonies de Disney como la serie de dibujos animados teatrales más premiada. Hanna y Barbera también produjeron para el estudio de MGM media docena de cortos dramáticos además de la serie Tom y Jerry, incluyendo Gallopin' Gals (1940), Officer Pooch (1941), War Dogs (1943) y Good Will to Men (1955) (este último siendo un remake del cortometraje animado Peace on Earth de Harman e Ising). Fred Quimby se retiró en 1955, con Hanna y Barbera reemplazando su cargo de los dibujos animados restantes (incluidos los últimos siete episodios de Droopy de Tex Avery) hasta 1957, cuando el estudio cerró para crear su sucesor Hanna-Barbera, poniendo fin a todas las producciones de animación. [47] Los dibujos animados de Tom y Jerry serían continuados, bajo licencia de MGM, con William L. Snyder desde 1961 a 1962 y Chuck Jones desde 1963 a 1967. Sin embargo, ambos animadores no lograron superar la calidad y el argumento de los dibujos animados antecesores.

La clave del éxito de Tom y Jerry y otras caricaturas de MGM fue el trabajo de Scott Bradley, que anotó virtualmente todos los dibujos animados para el estudio desde 1934 a 1957. Los puntajes de Bradley hicieron uso de las sensibilidades clásica y jazzística. Además, a menudo usaba canciones de las partituras de los largometrajes de MGM, la más frecuente de ellas era "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) y "Sing Before Breakfast" de The Broadway Melody (1936).

Mientras tanto, Tex Avery llegó a MGM en 1942 y revitalizó el estudio de dibujos animados con la misma chispa que había infundido en los estudios de Warner Bros. Cartoons, Inc. Las obras maestras surrealistas y salvajes de Tex Avery de sus días en MGM establecen nuevos estándares para el entretenimiento "adulto" en los dibujos animados de la era del Código Hays; especialmente cuando MGM lanzó el cortometraje animado Red Hot Riding Hood en 1943. A Tex Avery no le gustó usar personajes recurrentes, pero permaneció fiel a un personaje a lo largo de su carrera en MGM con Droopy, que fue creado en Dumb-Hounded (1943). Tex también creó la Ardilla Loca en 1944, pero Tex le tenía menos cariño y suspendió la serie después de cinco caricaturas. En 1953, Metro-Goldwyn-Mayer cerró el departamento de Tex Avery. [48]

United Productions of America (1943-1962)

En 1949 John Hubley dejó Screen Gems y formó un estudio con los antiguos animadores de Disney Stephen Bosustow, David Hilberman y Zachary Schwartz, quienes, al igual que Hubley, habían dejado Disney durante la huelga de animadores. El estudio que Hubley fundó era un estudio de animación más nuevo y más pequeño que se enfocaba en perseguir la propia visión de Hubley de probar estilos de animación más abstractos y experimentales. Bosustow, Hilberman y Schwartz nombraron al nuevo estudio como Film and Poster Service, o IFPS. [49] Artísticamente, el estudio utilizó un estilo de animación que se conoce como animación limitada. El primer corto del estudio recién formado fue Hell-Bent for Election (dirigida por el veterano de Warner Bros. Chuck Jones), una caricatura hecha para la campaña de reelección de Franklin D. Roosevelt. Aunque esta nueva película fue un éxito, no rompió los límites que Hubley y sus colaboradores esperaban. No fue hasta el tercer cortometraje, Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, que el estudio comenzó a producir cortos estilizados agresivamente en contraste con las películas de los otros estudios. La película de Cannon incluso realizaba un mensaje de tolerancia racial. En 1946, el estudio pasó a llamarse United Productions of America (UPA), y Hilberman y Schwartz vendieron sus acciones del estudio a Bosustow. [50]

En 1948 UPA también encontró alianza con Columbia Pictures y comenzó a producir dibujos animados teatrales para el público en general, además de usar temas de propaganda y entrenamiento militar. UPA también ganó dos nominaciones al Premio de la Academia por nuevas caricaturas protagonizadas por Fauntleroy Fox y Crawford Crow (ambos personajes originales del estudio Screen Gems) durante sus primeros dos años en producción. A partir de ahí, los animadores de UPA comenzaron a producir una serie de dibujos animados que inmediatamente se destacaron entre los demás dibujos realistas. El éxito de la serie Mr. Magoo de UPA hizo que todos los demás estudios tomaran nota y, cuando Gerald McBoing-Boing, cortometraje de UPA, ganó un Premio de la Academia, el efecto en Hollywood fue inmediato y electrizante. El estilo de UPA era notablemente diferente de todos los demás dibujos de los otros estudios, y el público respondió al cambio que UPA ofrecía a partir de la repetición de las habituales batallas gato-ratón. Mr. Magoo continuaría siendo el personaje de dibujos animados más exitoso del estudio. [51] Sin embargo, UPA sufriría un gran golpe después de que John Hubley fuera despedido del estudio en 1952, debido a sospechas de que tenía vínculos con el comunismo. Stephen Bosustow se hizo cargo del estudio, pero no tuvo tanto éxito como Hubley, y el estudio finalmente fue vendido a Henry Saperstein. [52]

En 1953 UPA había ganado gran influencia dentro de la industria. Los estudios de dibujos animados de Hollywood gradualmente se alejaron de los dibujos con exuberantes y realistas detalles de la década de 1940 a un estilo de animación menos realista. En este momento, incluso Disney estaba tratando de imitar a UPA. Notándose en las producciones en animación Melody y Toot, Whistle, Plunk and Boom de 1953, en particular, fueron experimentos de estilización que siguieron los pasos del estudio recién formado.

Las últimas producciones de UPA incluyen los largometrajes 1001 Arabian Nights (1959), protagonizada por Mr. Magoo, y Gay Purr-ee (1962), con la de voz de Judy Garland, y la primera adaptación animada del cómic Dick Tracy. [53] En 1964, UPA decidió abandonar la animación y simplemente convertirse en una empresa de distrbución.

Ideología

Los dibujos animados de este período, al igual que los de la Era Muda de la animación Americana, no eran considerados infantiles. Esto es debido a que muchos cortometrajes animados, como los Looney Tunes y las Merrie Melodies, mostraban el slapstick continuamente y en producciones más realistas, como los largometrajes de Disney, mostraban un lenguaje más culto y serio. Además, durante la Segunda Guerra Mundial los estudios de animación pactaron con el gobierno para realizar propaganda antinazismo y anticomunismo y realizando patriotismo estadounidense. Pese a que, debido a la mentalidad de la época, la gente afroamericana era caricaturizada estereotipadamente tanto en los dibujos animados, en el cómic, en el cine o en la televisión, las producciones de las eras Muda y Dorada solían criticar la esclavitud racista. Por ejemplo, Felix the Cat: Uncle Tom's Crabbin. Lo más curioso es que apenas hubo quejas por parte de la gente afroamericana en estas caricaturas e incluso, en varias ocasiones, participaron en la producción musical de las mismas. Por ejemplo, en el cortometraje animado Tin Pan Alley Cats en el que participaron cantantes de jazz y blues. [54] Otro dato, es el uso del dibujo erótico moderado por parte de personajes animados como Betty Boop o Red. No obstante, todos los dibujos animados eran considerados artísticamente de misma forma que el cine, la televisión, el cómic o la radio. En varios cortometrajes animados eran representados actores y cantantes de la época de Hollywood como: Chaplin, Laurel y Hardy, Abbott y Costello, Kate Smith o los Hermanos Marx, y se mostraban referencias al arte. La mayoría de estas características, incluyendo la animación tradicional y el argumento, fueron recuperadas durante la Era Renacentista de la animación Americana. Por ejemplo: en las series animadas como PatoAventuras, Bonkers, Tiny Toon Adventures, Animaniacs o Batman: The Animated Series, y en los largometrajes animados como los del Renacimiento de Disney.

Homenajes

La película de 1988 ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? se esforzó por homenajear a este período. Además, la animación de este período ha influenciado en grandes dibujantes y animadores de todo el mundo como: Osamu Tezuka en el manga y el anime (Astro Boy o Kimba the White Lion), [55] Shigeru Miyamoto en los videojuegos (Super Mario) [56] [57] o José Sanchis Grau en el tebeo (Pumby). [58] También, existen videojuegos que han rendido homenaje a los primeros años de este período como: Toontown Online, Epic Mickey, [59] Bendy and the Ink Machine o Cuphead, [60] e incluso en series animadas como: Pif y Hércules, Mickey Mouse Works o The Twisted Tales of Felix the Cat, y el juego de rol Toon: The Cartoon Roleplaying Game. [61] A parte, de que muchos personajes animados de este período consiguieron también fama en los cómics.

Los animadores e historiadores de arte todavía consideran la Era Dorada de la animación Americana como el mayor período que haya tenido la animación estadounidense hasta la fecha, tanto artísticamente como culturalmente; de misma forma que con otros períodos de diferentes medios vinculados: la Era Dorada de Hollywood, la Era Dorada de la Radio, la Era Dorada de la Televisión y la Edad de Oro de los comic-books. Esto se demuestra en las posiciones que todavía mantienen los cortometrajes y largometrajes animados en el libro The 50 Greatest Cartoons de Jerry Beck, [62] y en las listas de películas estadounidenses de National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos [63] y de AFI's 10 Top 10 publicada por American Film Institute. [64]

Véase también

• Cine sonoro
• Cine clásico de Hollywood
• Cine de animación
• Rotoscopio
• Código Hays
• Technicolor
• Cámara multiplano
• Animación abstracta
• Animación limitada
• Televisión
• Corporación Acme y Corporación Ajax
• Toon y Toontown
• Slapstick
• Física de los dibujos animados
• Historia del anime
• Historia de los videojuegos
• Edad de Oro de los comic-books
• Era dorada de la radio
• Era dorada de la televisión
• Era dorada de los videojuegos arcade
• Era muda de la animación americana (antecesor)
• Era televisiva de la animación americana (sucesor)

Referencias

• https://quizlet.com/97789293/golden-age-of-animation-flash-cards/
• http://disney.wikia.com/wiki/Disney_Golden_Age
• http://www.smh.com.au/news/obituaries/quick-on-the-draw-in-the-golden-age-of-animation/2006/10/31/1162278138986.html
• http://www.gizmodo.co.uk/2014/07/12-rare-flintstones-production-shots-from-the-golden-age-of-animation/
• https://www.theodysseyonline.com/brief-history-on-the-golden-age-of-animation
• https://mattpear.wordpress.com/2016/02/12/origins-golden-age-animation-hanna-barbera/
• http://www.huliq.com/13970/montreal-museum-presents-sources-of-inspiration-for-disney-studios
• http://sensesofcinema.com/2003/cteq/3_little_pigs/
• http://www.toonopedia.com/mgm.htm
• http://www.bcdb.com/cartoons/Columbia_Pictures/Shorts/A_Color_Rhapsody/index.html
• http://www.imagesjournal.com/2003/reviews/dreamland/
• http://www.imagesjournal.com/issue08/reviews/vanbeuren/