Bohemian Rhapsody

«Bohemian Rhapsody»
Sencillo de Queen del álbum A Night at the Opera
Publicación	31 de octubre de 1975
Formato	7"
Grabación	1975: Estudio Rockfield 1 Roundhouse SARM (Este) Scorpion Wessex
Género(s)	Rock
Duración	5:55
Discográfica	EMI, Elektra, Parlophone, Hollywood Records
Autor(es)	Freddie Mercury
Productor(es)	Roy Thomas Baker
«"Now I'm Here" (1974)» (1975) «Bohemian Rhapsody» (1975) «"You're My Best Friend" (1976)» (1975)

«Bohemian Rhapsody» (traducible al español como «Rapsodia bohemia») es una canción de la banda de rock británica Queen. La compuso Freddie Mercury para el álbum de la banda de 1975 titulado A Night at the Opera. «Bohemian Rhapsody» se encuentra dentro del estilo del monólogo de pesadilla, desconocido para la música pop de la época. La canción, en efecto, no posee estribillo, en lugar de lo cual se compone de secciones aparentemente inconexas que incluyen fragmentos de ópera, un pasaje a capela y un solo heavy metal.

Cuando se publicó como sencillo, «Bohemian Rhapsody» se convirtió en un impensable éxito comercial, que permaneció a la cabeza de la lista de sencillos británica durante nueve semanas consecutivas. Además, se transformó en uno de sus sencillos más vendidos en el Reino Unido (con un número de ventas de 2.176.000), sólo superado por «Do They know It’s Christmas?» de Band Aid y «Candle In The Wind 1997» de Elton John.​

El sencillo estaba acompañado por un video promocional que fue considerado novedoso y que ayudó a establecer los cimientos del lenguaje visual de los videos musicales modernos. Aunque las críticas que recibió fueron variadas, especialmente en Estados Unidos, a menudo se considera que «Bohemian Rhapsody» es el magnum opus de Queen y una de sus mejores canciones de todos los tiempos.​​ En 2004, la revista Rolling Stone colocó a «Bohemian Rhapsody» en su lista de las quinientas mejores canciones de todos los tiempos en el puesto 163.​

Historia

Freddie Mercury, escritor de "Bohemian Rhapsody", actuando en un concierto en Alemania.

Freddie Mercury escribió la mayor parte de la letra y la música de Bohemian Rhapsody en su casa, en Holland Road, Kensington, en el oeste de Londres.​ El productor Roy Thomas Baker relató cómo Mercury tocó una vez al piano para él la sección de balada que daba inicio al tema: «Tocó el comienzo en el piano, luego paró y dijo: "¡Y aquí es donde la sección operística entra!" Luego nos fuimos a cenar».​​ El guitarrista Brian May dijo que la banda pensó que el plan de Mercury para la canción era «intrigante y original, y digno de ser trabajado».​ Gran parte del material de Queen, según May, se escribía en el estudio, pero esta canción «estaba toda en la mente de Freddie» antes de que se empezara con el trabajo.​

La musicóloga Sheila Witheley sugiere que «el título se basa en gran medida en la ideología contemporánea del rock, el individualismo del mundo de los artistas bohemios, afirmando con la palabra 'rapsodia' los ideales románticos del rock artístico».​ En cuanto al aspecto «bohemio», Judith Peirano dice que «Mercury concibió... [esta canción] como una "ópera bufa", algo que se saliera de la norma de las canciones de rock y esto sigue una forma lógica de operar: los coros de muchas voces en varias pistas alternados con solos vocales parecidos a arias, las emociones son exageradas, el argumento, confuso».​​

La canción se grabó en tres semanas, empezando en Rockfield Studio 1, cerca de Monmouth, el 24 de agosto de 1975, luego de un ensayo de tres semanas de duración en Herefordshire.​ Durante el proceso de grabación, fueron necesarios además cuatro estudios adicionales: Roundhouse, SARM (Este), Scorpion y Wessex.​ De acuerdo con algunos miembros de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción de antemano y dirigió a la banda durante todo el proceso de grabación. Usaba un piano de cola Bechstein, que tocó en el video promocional y en el tour por el Reino Unido. Fue el sencillo más caro jamás hecho y sigue siendo una de las grabaciones más elaboradas de la historia de la música.​

May, Mercury y Taylor cantaron sus partes vocales continuamente de diez a doce horas al día, obteniendo como resultado 180 doblajes (overdubs) separados.​ Dado que que los estudios de ese tiempo sólo ofrecían grabaciones en cintas análogas de 24 pistas, fue necesario que los tres se grabaran muchas veces y «rebotar» esto a sucesivas submezclas. Al final, se usaron cintas de octava generación.​ Éstas se pasaron por los cabezales de grabación tan frecuentemente que la capa de óxido empezó a salirse, y las cintas, que eran normalmente oscuras, se volvieron casi transparentes. Las secciones varias de cinta que contenían las submezclas deseadas tuvieron que ser empalmadas (o sea cortadas con hojas de afeitar y ensambladas en la secuencia correcta usando cinta adhesiva).​

Letra y estructura

Desde que “Bohemian Rhapsody” fue lanzada al público, ha habido especulaciones sobre el significado que esconde la letra de la canción. Una común pero errada interpretación, es que la canción trata de una persona con SIDA, habiendo sido escrita más de una década antes de que Freddie Mercury portara el VIH, e incluso siete años antes de que éste fuera considerado un virus.​ Algunos creen que la letra trata de un suicidio o una representación de los momentos previos a una ejecución, considerando El extranjero de Albert Camus como una probable inspiración. Otros creen que la letra fue escrita sólo para encajar con la música, sin tener ningún sentido.​

Mercury fue muy evasivo cuando se le preguntó por el significado de la canción. A diferencia de los demás miembros de la banda, quienes constantemente hablaban sobre la inspiración presente en sus canciones, a Mercury no le gustaba analizar su propio trabajo, y prefería que el público tuviera sus propias interpretaciones. Lo que sí se sabe es que la canción tiene una conexión muy personal con éste, lo cual fue afirmado por los otros miembros de la banda.​

Tras el lanzamiento del sencillo, Mercury declaró:

Es una de esas canciones que tiene ese sentimiento de fantasía. Yo creo que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella, y luego descifrar qué es lo que les está diciendo…Bohemian Rhapsody simplemente salió de la nada. Investigué un poco, a pesar de que fuera una ópera medio humorística.​

Sin embargo, cuando la banda lanzó un casete con sus mejores éxitos en Irán, incluyó una explicación de la letra en idioma farsi. Queen explica que Bohemian Rhapsody trata sobre un hombre joven que ha matado accidentalmente a alguien y, como Fausto, vendió su alma al diablo. En la noche antes de su ejecución llama a dios en arábigo, Basmala bajo el nombre de Bismillah, y con la ayuda de ángeles recupera su alma.​ escogiendo a Beelzebub como su demonio personal.

La canción está compuesta por seis diferentes secciones: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, hard rock y final.​ Este formato, repleto de cambios abruptos de estilo, tono y ritmo, fue inusual para la música rock de la época.​

Introducción (0:00–0:48)

La canción empieza con una introducción a capella de los cuatro integrantes de la banda en Si♭. En el video los cuatro integrantes hacen sincronía de labios, ya que todas las voces de la sección eran partes empalmadas de Mercury, May y Taylor. La letra cuestiona si la vida es real o si es una fantasía, concluyendo después que no hay escape a la realidad.

Después de quince segundos, el piano entra y la voz de Mercury se alterna con las otras partes vocales. El narrador se presenta como un "pobre niño", que no necesita simpatía, ya que él "fácil viene y fácil se va". El sonido, durante este verso presenta una atmósfera soñadora. El fin de esta sección es marcado por la entrada del bajo y del piano, siendo éste tocado a manos cruzadas en Si♭.​

Balada (0:48–2:36)

Esta sección comienza cuando aparecen Freddie Mercury en el piano y John Deacon en el bajo. El piano es tocado en forma de vamp (una figura repetitiva muchas veces usada como melodía principal) en Si♭.

El bajo de Deacon entra tocando la primera nota y los versos vocales son cantados mediante una interpretación apasionada de Mercury.​

El contexto de la letra comienza con el narrador explicándole a su madre que ha matado a un hombre, además explica la sucesión de hechos mediante el verso "put a gun against his head, pulled my trigger and now he's dead" (puse el arma en su cabeza, presioné el gatillo y ahora esta muerto) y al realizar este acto, el narrador se da cuenta de que su vida ha llegado al fondo.

La sucesión cromática de notas por parte del bajo es sobre una modulación a Mi♭, expresando el modo de desesperación (1:19).​ En este momento Taylor toca en la batería una versión en forma de balada de "We Will Rock You" (presenta el ritmo 1-1-2) y el narrador realiza una nueva invocación a "Mama" en Mi♭. El narrador trata de consolar a su madre por medio del verso "Didn't mean to make you cry" (mi intención no fue hacerte llorar) y pidiéndole a su madre que si él no vuelve, que continúe como si nada realmente hubiera pasado: "...If I'm not back again this time tommorrow, carry on, carry on, as if nothing really matters..." (Y si yo no volviera a esta hora mañana, continúa, continúa, Como si nada realmente hubiera pasado). Una frase truncada en el piano une una repetición del vamp en Si♭.​

Mientras la balada se traslada al segundo verso, el narrador muestra su cansancio, de esta forma Brian May entra y toca las notas del piano en su guitarra (1:50).​

El narrador le dice a todos adiós, anunciando que se tiene que ir y que se prepara para "enfrentar la verdad"; la sección finaliza por medio del verso "Yo no quiero morir / a veces quisiera no haber nacido". Otro bajo cromático desciende trayendo una modulación hacia la clave de La y la sección operística.​

Solo de guitarra (2:36–3:03)

Cuando Mercury canta el verso "...I sometimes wish I'd never been born at all...", la banda intensifica el sonido, siendo liderada por el solo de guitarra, el cual sirve como puente entre las secciones de Balada y Opera. La intensidad continúa construyéndose, pero una vez que el bajo completa su descenso establece una nuevo tono y la banda corta abruptamente (3:03) excepto por una melodía en el piano, tocada en la modulación La mayor.

El productor Roy Thomas Baker recalca que el solo se grabó en una sola pista, en vez de ser unida en varias pistas. May ha declarado que siempre había querido componer "un pequeño tono que podría usarse como contraparte de la melodía principal, y que no quería tocar la melodía". El guitarrista dijo también que su mejor material salió de forma tal que: "Los dedos tienden a ser predecibles, a menos que el cerebro los lidere".

Ópera (3:03–4:07)

Una serie rápida de cambios armónicos y rítmicos introduce una sección seudo-operática, la cual contiene varias elaboradas partes de versos unificados en una sola pista, describiendo el descenso al Infierno por parte del narrador. En el principio de la sección, Mercury canta acompañado de un piano, y luego aparecen las voces de Mercury, May y Taylor, acompañadas de un coro formado por varias pistas empalmadas, un piano, la batería, el bajo y un tímpano. La grabación de las pistas vocales duraba desde diez a doce horas por día, resultando como producto final 180 grabaciones separadas.​​ A su vez, las pistas estaban formadas de sucesivas mezclas. Roger Taylor dijo que las voces de él, Mercury y May combinadas creaban un amplio rango vocal: "Brian podía cantar bajo, Freddie mediano y yo era bueno con las partes altas". La banda, además quería crear "una pared de sonido", que después fue hecha por medio del efecto de campana, usado en los versos "Magnifico" y "Let me go".

En cuanto a las referencias usadas en esta sección se encuentra a Scaramouche, el fandango, Galileo Galilei, Fígaro y a "Basmala," como facciones rivales que pelean por el alma del narrador. La introducción de la canción es recalcada mediante los versos "I'm just a poor boy, nobody loves me" (Soy sólo un pobre chico y nadie me quiere). La sección concluye con un coro cantando "Beelzebub has a devil put aside for me!" (Belcebú puso un demonio para mí!) en un bloque siendo tocado en la tecla Si mayor. Roger Taylor llega a la interpretación con un falsete en Si♭₅.

Usando la tecnología disponible en aquel entonces, la sección operística tardó tres semanas en ser completada. Roy Thomas Baker dijo que "Cada vez que Freddie cantaba un 'Galileo', tenía que agregar una pieza de cinta más al rollo".​

Hard rock (4:08–4:55)

El final de la sección operática trae un agresivo hard rock con un riff de guitarra escrito por Mercury y grabado en dos pistas. Él canta enojado versos dirigidos a un desconocido "Baby", acusando a éste de la traición, el abuso y la insistencia en el verso "can't do this to me, baby" (No me pudiste haber hecho eso a mi, nena) que podría interpretarse como un flashback a ciertos acontecimientos que ocurrieron en la sección anterior de balada "just killed a man" (sólo maté a un hombre). Tres guitarras ascendentes continúan, lo que puede describirse como algo que había que luchar con la canción en el ejercicio de vivir. Mercury llega tres veces a la nota tenor en Do₅, en el final de los versos 'de "So you think you can love me and spit in my eye"(Pensabas que podías amarme y escupirme en el ojo).

Peraino describe que, a raíz de la sala de audiencias del juicio en la sección operística "el héroe se vuelve desafiante", de piedra y sale victorioso del juicio como un rebelde.​

Whitely relaciona este "gran sentido de urgencia" de Mercury a una "agitación interior de abandonar la seguridad de Mary Austin, llegando a términos con el estilo de vida homosexual". Aunque los comentarios de Austin fueron de entendimiento y que él sigue siendo un amigo cercano de ella , el verso "just gotta get out" (sólo quiero salir) es una metáfora de la desesperación a medida que avanza hacia el clímax final. ​

Outro (4:55–5:55)

Después de que Mercury toca octavas ascendientes de la escala en Si♭ en modo mixolidio, la canción regresa al tempo y forma de la introducción. Una guitarra acompaña el coro "ooo, ooo yeah, ooo yeah". Una melodía de guitarra en dos pistas es tocada por medio de un amplificador creado por John Deacon, llamado por sus compañeros de banda "Deacy Amp".​ La línea que Mercury canta "Nothing really matters..."(Ya nada realmente importa) reaparece, además de un nuevo sentido de la libertad en cuanto al rango vocal del cantante.

De acuerdo con Peraino, esta sección final agrega "un nivel de resistencia a la complejidad de la canción en contraste con la encantadora subversión de un rock and roll machista." Esta resistencia es conocida mediante la "postura de la identidad bohemia, que constantemente busca cambios en su personalidad". El verso final "Any way the wind blows" (cualquiera sea la dirección en que sople el viento), es seguido por el sonido silencioso de un gran gong que finalmente expulsa la tensión creada durante toda la construcción de la canción.​

Lanzamiento

Cuando Mercury quiso lanzar el sencillo en 1975, varios ejecutivos sugirieron que cinco minutos y cincuenta y cinco segundos era demasiado tiempo de duración, y que el tema nunca sería un hit. Pero Mercury dio una copia a su amigo el DJ de Capital Radio Kenny Everett, informándole (con un guiño) que era para él personalmente y que nunca debía pasarla en el aire. El plan de Mercury (una forma de psicología inversa) funcionó – Everett burló a sus oyentes pasando sólo partes de la canción. La demanda de la audiencia se intensificó cuando éste pasó la canción entera en su show catorce veces en dos días. Hordas de fanáticos corrieron a comprar el sencillo el lunes siguiente, sólo para que la tienda les diga que no había sido lanzado todavía. El mismo fin de semana, Paul Drew, quien dirigía las estaciones de la RKO en los Estados Unidos, escuchó el tema en el show de Everett en Londres.​ Drew logró conseguir una copia de la cinta y empezó a pasarla en los Estados Unidos, quien forzó la etiqueta estadounidense de Queen, Elektra. En una entrevista con Sound On Sound, el productor Baker refleja que “¡fue una extraña situación cuando radios de ambos lados del Atlántico pasaba un tema que las compañías de grabación decían que nunca iban a ser puestas al aire!” Eventualmente, el inédito sencillo fue lanzado con I’m in love with my car como el lado B.​​

La canción dominó el 1975 UK Christmas number one, manteniendo aquella posición por nueve semanas. Bohemian Rhapsody fue la primera canción en obtener el puesto número uno dos veces con la misma versión. La segunda versión de este tema consistió en un re-lanzamiento con un doble lado A con el sencillo These Are the Days of Our Lives. En 1991, luego de la muerte de Mercury estuvo otras nueve semanas en aquel puesto.​

En los Estados Unidos, el sencillo fue un éxito, aunque en una escala más pequeña de lo que fue en el Reino Unido. El sencillo original, lanzado en 1976, alcanzó el noveno lugar en el Billboard Hot 100, y en el re-lanzamiento de 1992, el segundo puesto. En una entrevista retrospectiva, Anthony DeCurtis, de la revista Rolling Stone explica la relativamente pobre performance en el ranking diciendo que “el ejemplo quintaesencial del tipo de cosas no llegó exactamente bien a América”. La popularidad de Queen en América se vio perjudicada cuando aparecieron como drags para su video I Want to Break Free, ya que sus habitantes no sabían que se trataba de una parodia de la novela británica Coronation Street. De todas maneras, de acuerdo con DeCurtis, su uso en Wayne's World “masculinizó” su canción e hizo que la gente la considerara buena.​

Video promocional

Varios artistas de la época, incluyendo a Queen (Por ejemplo, "Killer Queen" y "Liar" ya tenían "promociones pop", de esta forma se los denominaba), ya habían hecho video clips para acompañar a las canciones, pero no fue hasta el éxito de "Bohemian Rhapsody" que la práctica de producir videos promocionales para los sencillos se hizo popular entre las Compañías disqueras. Estos se podían ver en programas televisivos, como el éxito de la BBC Top of the Pops, de esta forma las bandas o artistas no tenían que aparecer en persona para cantar los sencillos. Un video promocional, además, dejaba al artista a coordinar la música y escenas visuales, en vez de bailarines como son los Pan's People. Según May, el video fue producido de forma tal que la banda podía evitar recrearlo en Top of the Pops. El dice "Que fue una reacción a tener que ir normalmente a los programas y hacer la mímica rutinaria, por lo que se vendería nuestra historia" con el video.​ May explica que ellos habían estudiado la mimica de la canción. Además, la banda sabía que tendrían que realizar tours, en vez de aparecer en los shows. El video ha sido catalogado como el impulsor de la era MTV.

La banda había firmado con una empresa llamada Trillian, la cual cubría los eventos deportivos por ITV. Ellos también contrataron uno de sus camión y los llevaron a Elstree Studios, donde la banda practicaría para su tour. El video fue dirigido por Bruce Gowers, quien había dirigido un video de de la banda en su presentación de 1974 en el teatro Rainbow en Londres, y fue filmado por el camarógrafo Barry Dodd y el asistente y manager de piso Jim McCutcheon. El video tomó solo cuatro horas para filmar y costó entre £40,000 y £45,000. El director dice que la banda estaba envuelta en la discusión del video y del resultado final; y "era un trabajo en cooperación, pero solo había un líder."​

El video comienza con una toma de los cuatro miembros en la oscuridad, mientras cantan la parte a capela. Las luces luego los iluminan desde abajo, tomando como plano principal a Mercury. La composición de la toma es la misma de la fotografía de la tapa del álbum Queen II la cual fué fotografiada por el artista plástico y fotógrafo Mick Rock. La foto, inspirada por una toma de la actriz Marlene Dietrich, fue la imagen mas representativa y favorita de la banda.​

Todos los efectos especiales fueron hechos durante la grabación. El efecto de las caras haciendo zoom hacia afuera fue realizado por colocar la cámara apuntando hacía un monitor, creando una ilusión óptica, análoga al audio. El efecto de nido de abeja fue hecho mediante lentes ópticos reformados.​

Luego el video continua con los miembros de la banda tocando sus respectivos instrumentos. En la sección operatica, el video vuelve a la composición original, con los miembros de la banda solamente cantando, luego hacen una presentación en el escenario para la parte de heavy metal , y en los segundos finales Roger Taylor es mostrado con el torso desnudo mientras golpea el tam tam.

El video fue editado en cinco horas porque tenía que ser puesto en escena en esa misma semana. Al ser finalizado se envió lo antes posible a la BBC y se emitió por primera vez en el programa Top of the Pops en noviembre de 1975. Después de unas semanas en el puesto número uno, un video alternativo fue creado. La diferencia mas obvia fue la superposición de flamas en la introducción.

Cerca de una tercera parte de los encuestados en una encuesta comisionada por la compañía telefónica británica O2 votaron este video clip como el "mejor video del Reino Unido de todos los tiempos" en el año 2007.​​​

Presentaciones en vivo

En la imagen se observa una presentación en vivo de Queen.

La sección a capella era demasiado compleja para ser ejecutada en vivo, asi que Mercury siempre trataba de encontrar maneras de introducir la canción.​ Cuando la canción "Mustapha" se volvió,para los fans, un favorito en concierto, Mercury cantaba la ultima parte de la Mustapha y la unía al piano para iniciar la sección de balada, de esta forma se hacía mas facil reproducirla en vivo, ya que esta vez se trataba de una sola voz. Durante el tour Hot Space, ocacionalmente, Mercury realizaba una improvisación en el piano (Generalmente la introducción de "Death on Two Legs") que terminaba con las primeras notas de la balada de Bohemian Rhapsody. De vez en cuando, tambien cuando la canción precedente terminaba, Mercury se sentaba en el piano, decia una palabra rapida, y empezaba a tocar la sección de balada.

En los primeros conciertos, tras el lanzamiento del sencillo, la sección operística causaba un problema, ya que era muy complicado recrear las 180 voces combinadas por los cantantes de la banda. Queen no tocó la sección de opera en los tours promocionales de "Sheer Heart Attack" y "A Night At The Opera", durante las presentaciones separaban la canción en tres partes durante todo el concierto: La balada y el outro eran tocadas como un medley, con "Killer Queen" y "March of the Black Queen" en lugar de las secciones de opera y hard rock. Esas dos secciones eran tocadas al principio del concierto, como una introducción dando lugar a "Ogre Battle".

Empezando por el tour de "A Day at the Races" en 1977, la banda adoptó la ultima forma de tocar la canción en vivo. La balada inicial se haría en vivo, después el solo de Brian May, y las luces se apagarían y la sección operística se escucharía en forma de grabación. Una explosión de pirotecnia después de que se anuncia la ultima nota aguda de Roger Taylor, la banda regresa al escenario y realizan las secciones de hard rock y outro en vivo. De esta forma Queen realizó la versión en vivo hasta el Magic Tour de 1986, su ultima presentación. Este estilo es usado en el Concierto en tributo a Freddie Mercury, con Elton John cantando la sección de balada y después de la sección operística grabada, Axl Rose aparecío cantando la sección de hard rock. John and Rose cantaron la balada final en dueto.

En los tours de Queen + Paul Rodgers se ve un video de Mercury cantando y tocando la canción en el primer segmento, dejando afuera a los otros musicos y a Paul Rodgers.​ Durante las presentaciones se proyecta un video del concierto Live at Wembley '86, y también se usa material del concierto 1981 Montreal performance. En la sección operística, la banda va detras del escenario. La sección es acompañada de un tributo en video a Freddie Mercury y John Deacon, quien se retiro de la banda en 1997. Cuando comienza la sección de hard rock la banda sale a escena, incluyendo a Rodgers, quien canta durante toda la sección. Rodgers realiza un pequeño dueto con Mercury en el outro, dejando a la audiencia participar, cantando el verso final "Nothing really matters to me", mientras la imagen proyectada de Mercury da una reverencia a la audiencia. Rodgers repite el último verso y la linea final ('"Any way the wind blows"') es dejada a una ultima imagen de Mercury sonriendole al publico. Brian May comenta sobre esta presentación de la cancion: "Nosotros queriamos el reto de tener a Freddie allí de una forma respetada, pero sin sacarle el protagonismo a Paul en ninguna forma. De esta forma nos deja vivos y presentes, concientes y orgullosos de nuestro pasado logicamente."​

Recepción de la crítica y el público

Aunque la canción se volvió una de las mas importantes de la música popular de todos los tiempos, algunas de las críticas denotaban a la canción como pobre. El crítico de periódicos Allan Jones escuchó sólo un "pastiche impresionante" de estilos operáticos.​

La canción ha ganado varios premios, y ha sido versionada y parodiada por muchos artistas. En 1977, sólo dos años después de su lanzamiento, la Industría Fonográfica Britanica nombró a "Bohemian Rhapsody" como el mejor sencillo británico del período entre 1952-77.​

También quedó décima en una encuesta de la BBC World Service , cuyos fines eran los de conocer qué canción era la favorita en el mundo.​ En el 2000 salió segunda Imagine de John Lennon en una encuesta del Channel 4 para averiguar Los 100 Más Grandes Números 1. También estuvo en el top 5 del anual Holandés "Top 100 Aller Tijden" desde 1977, llegando al número uno ocho veces.​ En el anual "Top 2000", Bohemian Rhapsody mantuvo desde 1999 hasta 2005, el puesto uno cada año. En 2005, bajó un lugar, para recuperarlo en 2006 nuevamente. En las ediciones del 2007 y del 2008, el sencillo encabezó otra vez las listas.

En 2004, la canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.​ A partir de 2004, "Bohemian Rhapsody" fue considerada la segunda canción más escuchada en la radio británica, en los clubes y en jukeboxes colectivos, después de "A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum.​ El 30 de septiembre de 2007, en el 40mo cumpleaños de la BBC Radio 1, se puso de manifiesto que "Bohemian Rhapsody" fue la canción más escuchada desde el lanzamiento de Radio 1. En 2004, BBC Three, con la canción como parte de su La historia de ..., una serie de documentales dedicados a temas específicos. En su primera emisión en diciembre de 2004, el programa ha trazado la historia de la canción, discutieron sus credenciales, y tomó a los restantes miembros de Queen (Brian May y Roger Taylor) de nuevo a uno de los estudios en donde se grabó.

Wayne's World

La canción disfrutó de renovada popularidad en 1992 como parte de la banda sonora de la película Wayne's World. Su directora, Penélope Spheeris, dudaba de usar la canción, porque opinaba que no combinaba del todo con los personajes principales, quienes eran fanáticos del rock y del heavy metal. De todas formas, Mike Myers insistió en que la canción sí combinaba bien con la escena.​

De acuerdo con la experta musical Theodore Gracyk, en 1992, cuando fue lanzado el filme, las estaciones de radio de “rock clásico” dejaron de emitir la canción de seis minutos de duración.​ Gracyck sugiere que el comenzar la cinta en la mitad de la canción luego de la “letra que da la narrativa de la canción… fuerza a la audiencia del filme a responder a su presencia sin el ‘comentario’ de la letra”.​ Ayudado por Bohemian Rhapsody, el álbum del soundtrack de la película fue un gran hit.​

En relación con esto, un nuevo video fue lanzado, intercalando extractos de la película con partes del video original de Queen, junto con otras imágenes de la banda. La versión del video de Wayne’s World hizo que Queen ganara su único premio MTV Video Music Award a Mejor video para películas. Cuando los miembros sobrevivientes, Brian May y Roger Taylor, fueron llamados al escenario para recibir el premio, Brian May fue superado por la emoción y dijo: “Freddie estaría encantado”.​

Myers se horrorizó de que la compañía de grabación hubiera mezclado clips de Wayne’s World con el video original de Queen, creyendo que eso iba a molestar a la banda. Él dijo a la compañía de grabación que le avisara a la banda que ese video no había sido su idea, y se disculpó con los miembros de ella. Ésta dio una simple respuesta: sólo dijo: "Gracias por haber usado nuestra canción". El asombrado Myers más tarde dijo que les hubiera dicho "¡Gracias por dejarme siquiera tocar el dobladillo de su ropa!".​

Créditos

• Freddie Mercury: Cantante principal, piano, vocales.
• Brian May: Guitarrista principal, vocales.
• John Deacon: Bajo.
• Roger Taylor: Batería, vocales, timpano, gong.

Lista de posiciones

Listas 1975 ó 1992	Posición
UK Singles Chart​	1
Cuadro Irlandés de sencillos	1
Cuadro de sencillos de Nueva Zelanda	1
Cuadro de sencillos de Holanda​	1
Billboard Hot 100 de EE.UU.​	2
Cuadro de sencillos de Suiza​	4
Cuadro de sencillos Noruego​	4
Cuadro ARIA de sencillos Australianos	5
Cuadro Alemán de sencillos Media Control​	7
Cuadro de sencillos de Austria​	8
Syndicat National de l'Édition Phonographique​	15
Cuadro de sencillos de Suecia​	18

Fuentes

Bibliografía y enlaces adicionales

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• Chiu, David, «Unconventional Queen Hit Still Rocks After 30 Years», The New York Times .
• Creswell, Toby. 1001 Songs: The Great Songs of All Time and the Artists, Stories and Secrets Behind Them. New York: Thunder's Mouth Press. pp. 208-209. ISBN 1560259159. 
• McLeod, Kenneth (Mayo de 2001). «Bohemian Rhapsodies: Operatic influences on rock music». Popular Music (Cambridge: Cambridge University Press) 20 (2): 189-203. ISSN 0261-1430. doi:10.1017/S0261143001001404. 
• Barrow, Tony; Newby, Julian (1 de diciembre de 1994). «Video (10)». Inside The Music Business. London: Routledge. p. 91. ISBN 0415136601. 
• Creswell, Toby (11 de agosto de 2006). 1001 Songs: The Great Songs of All Time and the Artists, Stories and Secrets Behind Them. New York: Thunder's Mouth Press. pp. 208-209. ISBN 1560259159. 
• Gracyk, Theodore (2007). Listening to Popular Music, Or, How I Learned to Stop Worrying and Love Led Zeppelin:. Michigan: University of Michigan Press. ISBN 0472069837. 
• McLeod, Kenneth (May de 2001). «Bohemian Rhapsodies: Operatic influences on rock music». Popular Music (Cambridge: Cambridge University Press) 20 (2): 189-203. ISSN 0261-1430. doi:10.1017/S0261143001001404. 
• Whiteley, Sheila (2006). «Popular Music and the Dynamics of Desire». En Sheila Whiteley & Jennifer Rycenga, ed. Queering the Popular Pitch. CRC Press. pp. 249-262. ISBN 041597805X. 
• Peraino, Judith A. (2006). Listening to the Sirens: Musical Technologies of Queer Identity from Homer to Hedwig. University of California Press. ISBN 0520215877.