John Coolidge Adams

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John Adams
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Datos generales
Nacimiento 15 de febrero de 1947 (67 años)
Origen Bandera de los Estados Unidos Massachusetts (Estados Unidos)
Ocupación compositor, director de orquesta
Información artística
Género(s) Obras orquestales, óperas, danzas y bandas sonoras
Período de actividad 1973 - presente
Web
Ficha John Coolidge Adams en IMDb
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John Coolidge Adams (nacido en Worcester, Massachusetts, el 15 de febrero de 1947) es un compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.

Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, ópera, vídeo, película, y danza, así como música electrónica e instrumental. Composiciones suyas como Harmonium, Harmonielehre, Shaker Loops y The Chairman Dances están entre las más conocidas y frecuentemente interpretadas de la música contemporánea estadounidense. En estas obras ha llevado el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y dramático acercamiento a las formas musicales.

El primer recuerdo musical de John Adams es estar sentado en la sala de estar de su casa de Nueva Inglaterra escuchando grabaciones. Como ha observado «crecí en una casa donde Benny Goodman y Mozart no estaban separados». Cuatro décadas más adelante, sigue siendo esa apertura a cada variedad de música —estadounidense y europea, vieja y nueva, arte «elevado» o pop «vulgar»— lo que hace que las composiciones de John Adams sean tan distintas. Como Andrew Porter escribió en «The New Yorker», Adams es el creador de un «nuevo lenguaje, flexible, capaz de producir obras de gran escala atractivas y formalmente fuertes. La suya es una música (...) maravillosa». El diario Le Monde dice que su música «... da la impresión de una libertad redescubierta, de una puerta abierta que deja entrar el aire fresco en grandes ráfagas».

Su música ha desempeñado un papel decisivo en dar la vuelta a la corriente estética teórica del modernismo europeo y conducir a la música hacia un nuevo lenguaje más expresivo, propio del Nuevo Mundo.

Biografía[editar]

Los años de formación[editar]

John Adams nació en Worcester (Massachusetts) el 15 de febrero de 1947. Durante su infancia creció en Vermont y Nueva Hampshire, en un entorno de aislamiento rural. Estudió clarinete con su padre y luego con Felix Viscuglia, clarinetista de la Orquesta Sinfónica de Boston. A los diez años comenzó a tomar lecciones de composición y teoría musical, tocó en una banda de marcha, y a los catorce dirigió la orquesta de la comunidad con una composición suya. Consiguió una beca de la Universidad de Harvard y decidió centrarse en el estudio de dirección de orquesta y clarinete (1965-1971). Se graduó en 1971 (BA y MA, Licenciado y maestro en artes) y estuvo muy marcado por los intelectuales e instituciones culturales de Nueva Inglaterra. En esos años, tocó el clarinete de manera ocasional con la Sinfónica de Boston, y dirigió la «Harvard University Bach Society Orchestra». Sus maestros fueron Leon Kirchner, David Del Tredici, Earl Kim, Harold Shapero y Roger Sessions. Poco a poco, sus intereses fueron gravitando hacia la composición y aunque respetaba a su profesor de composición, Leon Kirchner, Adams encontraba la atmósfera de la música académica demasiado cerrada. Cuando se graduó, sus padres le regalaron el libro de John Cage, Silence, una obra muy importante para él y cuya lectura «caló en mi mente como una bomba de relojería» («dropped into my psyche like a time bomb»). Habitualmente, los graduados de Harvard amplían sus estudios en Europa —con una beca del Programa Fulbright o una «Paine Travelling Fellowship»— pero poco conforme con la música serial, que nunca le gusto, y viendo que había otras alternativas en la costa oeste, Adams, en 1971 se dirigió hacia allá en busca de la libertad necesaria para explorar esas nuevas opciones. Como él mismo cuenta:

Había dejado la costa este para ver qué vida podía tener en California. Cuando Milton Salkind me invitó a una entrevista yo estaba trabajando en un enorme almacén en los muelles de Oakland con el nombre memorable de «Regal Apparel» (lencería Real). Había comenzado fuera como estibador, es decir, uno de esos pobres individuos que descargan enormes contenedores a mano y los ponen en las carretillas elevadoras. Entonces, descubrieron que podía leer, y me dieron un trabajo menos aeróbico, contar cajas, pesarlas y enviarlas a todo el país por medio de Sears and Roebucks. Fui a la entrevista del conservatorio sin esperanzas de conseguir el trabajo, pero Milton, siempre buscando una ganga, me ofreció un puesto de unos 7000 dólares al año, por una semana de unas sesenta horas.

John Adams
Carta con ocasión de una celebración del San Francisco Conservatory of Music en honor de Adams, el 22 de abril de 2004[1]

En 1971, John Adams se trasladó a California y enseñó en el Conservatorio de Música de San Francisco durante diez años (entre 1972 y 1982), donde dirigió el «New Music Ensemble». Guarda un magnífico recuerdo de esos años, en los que enseñó música contemporánea y composición, además de orquestación, análisis, un curso de ópera (de la que reconoció que no sabía hasta ese momento), e incluso tuvo un único estudiante de clarinete. Al principio, con 25 años, sus alumnos eran mayores que él y tenía, como él mismo recuerda, poca experiencia:

No estoy muy seguro de que fuera un buen profesor, pero si sé que los diez años que pasé en el Conservatorio constituyeron la parte principal de mi propia educación como músico, y sé que no habría podido ser el compositor que soy de no haber surgido de ese maelstrom loco de la vida en la escuela (...) Y los estudiantes me cambiaron irrevocablemente. Sé que es un cliché decir «aprendemos de nuestros estudiantes». Por supuesto. Pero aprendí aún más. Aprendí humildad, comprendí que el talento genuino para la música es un regalo que es repartido injustamente por la naturaleza, como en atletismo.

John Adams.[2]

Al principio, y aún influido por Cage, sus obras se inspiran en el uso de fuentes de sonido poco convencionales, como en el tríptico de 1973 American Standard, bajo la influencia de Cornelius Cardew y su Scratch Orchestra; luego, exploró los instrumentos electrónicos, al extremo de construir su propio sintetizador (la tecnología sigue aún preocupándole: en casi todo los trabajos recientes usa sintetizadores y samplers, incluyendo la obra Hoodoo Zephyr, un disco de 1993 enteramente compuesto con instrumentos digitales y grabado usando el sistema MIDI.)

Sin embargo, no fue hasta su encuentro con el minimalismo, a mediados de los años setenta, cuando encontró una solución a su dilema creativo. Incluso hoy día, habla del minimalismo como «lo único realmente interesante, importante desarrollo estilístico, de los últimos treinta años» («the only really interesting, important stylistic development in the past 30 years»).

Adams tomaría el minimalismo en una dirección muy diferente de la de Steve Reich o de Philip Glass. Menos interesado que ellos en la música no-occidental, Adams transforma las técnicas minimalistas poniéndolas al servicio de un lenguaje musical mucho más emocional. Rechaza el impersonalismo mecánico del primer minimalismo, exigiendo un grado de cambios más rápido, mostrando una gama «impura» de posibilidades estilísticas. En 1985 dijo: «Estoy intentando incorporar los aspectos trágicos de la vida en mi trabajo, que es algo que el minimalismo realmente no ha podido hacer todavía».

Todos estos elementos son evidentes en dos piezas de Adams, sendos ensayos minimalistas: la pieza para piano Phrygian Gates (‘las puertas de Frigia’, entre 1977 y 1978) y en el septeto de cuerdas, Shaker Loops (‘coctelera de vueltas’, de 1978). Adams considera que tanto Phrygian Gates como China Gates constituyen su verdadero opus 1, ya que las piezas anteriores —varias piezas de piano de los años setenta, American Standard, Grounding y algunas composiciones de cinta— eran imaginativas, pero estaban lejos de encontrar un lenguaje propio. Phrygian Gates muestra una fuerte influencia de las técnicas minimalistas, basada en la idea de la repetición de células estructurales. Adams confiesa que no solo tenía en mente a los minimalistas estadounidenses, sino a los menos conocidos pioneros ingleses como Howard Skempton, John White y Gavin Bryars («Not only the American Minimalists, but the lesser known English practioners like Howard Skempton, John White and Gavin Bryars, were on my mind during the composing of this piece»).

Las obras mostraban unas modulaciones eruptivas que interrumpían el estado suspendido típico del minimalismo, introduciendo un lirismo casi líquido. Estaba ya claro que el «post-minimalismo» de Adams había conseguido incorporar una completa gama expresiva, recursos necesarios para un compositor de finales del siglo XX. Phrygian Gates, China Gates y Shaker Loops fueron estrenadas en 1978 y fueron las primeras piezas grabadas del compositor, en 1979, en el sello 1750 Arch Records.

Sus innovadores conciertos atrajeron la atención de Edo de Waart, que había llegado en 1977 a la Orquesta Sinfónica de San Francisco. Le nombra, en 1978, consejero de música contemporánea de la orquesta y, más tarde, compositor residente de la misma (1982-1985). Con Waart, crea la serie para la orquesta New and Unusual Music, muy acertada y polémica y establece una relación que será muy fructífera durante largos años (fruto de ella serán los encargos de muchas de sus obras para orquesta: Harmonium (1981), Harmonielehre (1985), El Dorado (1991), El Niño (2001, por coencargo), My Father Knew Charles Ives (2003) y A Flowering Tree (2006, por co-encargo).

Harmonium, una composición para para gran orquesta y coro sobre poemas de Emily Dickinson y John Donne, fue un éxito inmediato, uno de los primeros trabajos que anunciaba un nuevo período de vuelta a la tonalidad musical. Su éxito ayudo a iniciar una revolución en la música sinfónica que continuó en la década siguiente. Adams gozaba de cierta fama en el área de las nuevas músicas de San Francisco, pero tras el estreno de Harmonium, es largamente aclamado por la crítica y su vida no volvió a ser igual, y en un plazo de diez años, llegara a ser el compositor estadounidense vivo más interpretado en las salas de concierto. La siguiente obra fue Grand Pianola Music (1982), una parodia de partitura, escrita como una travesura de una manera que nunca antes había usado. Con ella, por vez primera, una de sus obras es interpretada por alguna de las mejores orquestas del mundo: New York Philarmonic y Royal Concertgebouw de Ámsterdam.

Compuso Light Over Water (‘luz sobre el agua’, de 1983), una sinfonía para metales y sintetizadores y en 1985, cierra un ciclo muy importante de su vida con la obra Harmonielehre, con un título homónimo a la obra de Schoenberg que Adams describió como una suerte de Talmud de la teoría musical occidental. El éxito de esta obra fue enorme y fue programada inmediatamente por orquestas de todo el mundo, en EE.UU., Europa, Japón y Australia. La sección central de Harmonielehre (“El Anfortas herido”) incluye un nuevo, y sinuoso cromatismo que tendría grandes consecuencias en las composiciones futuras de Adams. Con Harmonium y Harmonielehre comienza a reconocerse su voz como compositor adquiriendo una gran reputación en el mundo musical estadounidense.

Sus primeras óperas[editar]

Encuentro entre Nixon y Mao Zedong, en 1972.

En 1983, Adams conoció al director escénico Peter Sellars, que le sugirió crear una ópera basada en la reunión histórica de 1972 entre Richard Nixon y Mao Tse-Tung. Adams reaccionó al principio con escepticismo, pero luego comprendió que la ópera, que se había ocupado siempre de mitos y de arquetipos, podía encontrar en Nixon y Mao los personajes propios de nuestro propio tiempo, a pesar de que todos los personajes de la ópera aún vivieran. La mayoría de la gente asumió que ese Nixon in China era una sátira, pero sus autores —Adams, Sellars y la libretista Alice Goodman— explicaron que no debía entenderse como una crítica política y, en su lugar, hicieron una ópera comprensiva, casi heroica, enmarcada por unas elegantes rimas pareadas. Comenzó la obra en 1985, y dos años más tarde, en el momento del estreno de la obra, octubre de 1987, el crítico Michael Steinberg podía decir, sin exageración: «Ninguna ópera estadounidense ha sido esperada con tal entusiasmo».

Los primeros dos actos de Nixon in China se llenan con acontecimientos que parecen saltar directamente de los titulares al escenario: el aterrizaje en Pekín, el aria sobre el poder de la televisión, la reunión con Mao en el gabinete presidencial, el elaborado banquete formal. Sin embargo, en el último acto, el humor se vuelve melancólico e introspectivo y los personajes principales yacen en una cama estrecha y meditan sobre sus fallos y aciertos; para ellos, Adams escribió algunos pasajes de la música más conmovedora que nunca ha compuesto.

De todas las composiciones de Adams quizás la más conocida sea esta ópera, estrenada en octubre de 1987 en la «Houston Grand Opera» y que obtuvo dos años más tarde, el Premio Grammy a la «Mejor composición contemporánea» (Best Contemporary Composition). Con Nixon in China el compositor —junto con el director Peter Sellars, la libretista Alice Goodman y el coreógrafo Mark Morris— hizo historia en el mundo de la ópera al iniciar un nuevo tipo de teatro musical, considerado como post-moderno, en el que se mezclan ópera, danza, video y proyecciones. El montaje original de Sellars se ha visto en Nueva York, Washington, Ámsterdam, Edimburgo, Los Ángeles, París, Adelaida y Fráncfort y se han hecho nuevas producciones que se han presentado en Chicago, Helsinki (en finlandés) y Bielefeld (en alemán). La versión de concierto se interpretado recientemente en Londres y Tallinn (Estonia).

El poeta Walt Whitman en 1887.

Mientras trabajaba en la ópera, Adams también compuso dos breves fanfarrias orquestales, muy interpretadas: Tromba Lontana (1985) y Short Ride in a Fast Machine (‘corta cabalgada en una máquina rápida’ de 1986).

En 1988 fue nombrado asesor creativo de la Saint Paul Chamber Orchestra (Saint Paul, Minnesota, entre 1988 y 1990), formando con Christopher Hogwood, director musical y Hugh Wolff, director principal, una comisión artística tripartita.

Después del estreno de Nixon in China, Adams quería mantener el espíritu del último acto de la ópera. Sin embargo, como el mismo Adams escribió una vez, «con cada pieza oscura, introspectiva, seria, debe venir el trickster: la carta salvaje, chillona, irónica». El resultado fue la nueva obra orquestal, Fearful Symmetries (‘Simetrías temibles’, de 1988), una pieza locamente acelerada y llena de ritmos de la cultura pop estadounidense, que fue escrita en la primavera de 1988 en una corta estancia en la Academia Estadounidense de Roma (el título Fearful Symmetry es una cita del poema de William Blake, The Tyger, que ha sido muy usada, como en alguna obra del matemático Ian Stewart, de Northrop Frye, algún episodio de Star-Trek o en cómics de ciencia ficción). La energía de Fearful Symmetries ha hecho que sea la obra más coreografiada del compositor, con ocho adaptaciones por compañías de danza a ambos lados del Atlántico.

Como es lógico en Adams, a la extravertida composición Fearful Symmetries le siguió la introvertida The Wound-Dresser (‘el aparador herido’, de 1989), una obra que es una adaptación, para barítono y orquesta de cámara, de los recuerdos del Walt Whitman enfermero atendiendo a los soldados heridos en la guerra civil, el texto de 1885 Drum Taps (‘golpes de tambor’). El tema de la pieza requiere un clima intimista, un ánimo de reservada aceptación que debe ser tan “dulce y triste” como el propio texto de Whitman.

El transatlántico Acchille Lauro.

En 1990, Adams comenzó a trabajar en su segunda ópera, The Death of Klinghoffer (La muerte de Klinghoffer, de 1991), una obra inspirada en el secuestro por terroristas palestinos, en 1985, del trasatlántico Achille Lauro en una travesía por el Mediterráneo, y el posterior asesinato del pasajero judeo-estadounidense, Leon Klinghoffer, impedido y en un sillón de ruedas. La obra va más allá de este incidente examinando el choque trágico, intemporal de los dos pueblos: el árabe y el judío. Esta vez el equipo —de nuevo una colaboración con Sellars, Goodman, y Morris— evitó sabiamente el realismo de Nixon in China. La narrativa exuberante de Nixon, en Klinghoffer es sustituida por una sobriedad casi ritual, llena de reflexión más que de acción. Adams admitió que se inspiró en las pasiones de J. S. Bach, y, de hecho, la base emocional de la ópera es el coro, dispuesto al margen de la acción narrativa, cuyas intervenciones son meditaciones sobre el significado de la acción. Permanentemente oscuro y disonante, asombrosamente contrapuntistico y capaz de romper el impacto emocional, el cromatismo de Klinghoffer queda lejos de la balbuceante repetición post-minimalista de Nixon in China.

Esta segunda ópera se estrenó en la Ópera de Bruselas en 1991. Descrita por la crítica Katrine Ames de Newsweek como un «trabajo que enciende el corazón» la obra también se ha visto en Lyon, Viena, Nueva York y San Francisco. El estreno en Inglaterra tuvo lugar en el marco del «2002 January Composer Weekend» (‘fin de semana del compositor de enero de 2002’) que le dedicó la BBC, y fue interpretada por BBC SO). En el año 2003 una versión fílmica de la ópera, dirigida por Penny Woolcock para «Channel Four», fue estrenada en cines, televisión y DVD. La película, para la que el compositor dirigió London Symphony Orchestra, hizo su debut en el festival estadounidense de cine independiente «Sundance Film Festival» y ganó varios premios internacionales, incluyendo el Prix Italia y el Vienna TV Award de 2004).

El estreno de la obra coincidió con la Guerra del Golfo de 1991, lo que causó un gran desgaste personal en Adams, y le alejo durante años del mundo de la ópera. La ópera ha sido criticada como injusta tanto por grupos judíos y musulmanes. John Adams ha dicho que mucha de la controversia puede provenir del hecho de que en la ópera no se retrata a los terroristas como los típicos malvados («poster board villains»).

El producción en el Metropolitan Opera (MET) de La muerte de Klinghoffer, en octubre del 2014, causó una considerable polémica[3] , que llevó a la organización de protestas en las calles de Nueva York —frente al Lincoln Center—, incluyendo entre los detractores de la ópera a figuras políticas como el ex alcalde Rudolph Giuliani y el ex gobernador del Estado, David Paterson. Ante la controversia, el MET accedió a incluir en el programa un texto escrito por las hijas de Leon Klinghoffer, en el que se acusa a la obra de “racionalizar, romantizar y justificar el asesinato terrorista de nuestro padre”[4] . Finalmente, el MET decidió cancelar la transmisión internacional en vivo de La muerte de Klinghoffer, aunque Peter Gelb, director general de la institución, defendió que se llevara acabo la producción, diciendo que “aunque trate de un acto de terrorismo, la ópera no es ni antisemita ni una glorificación del terrorismo, que es lo que los organizadores de la campaña para suprimirla quisieran que la gente crea”[5] .


Los años noventa[editar]

Su siguiente trabajo fue orquestal, El Dorado (1991), un encargo de la San Francisco Symphony, que trata de los efectos de la avaricia en nuestro ambiente y sociedad y se centra en otra de las claves contemporáneas, el deterioro ambiental. El Dorado alude tanto al paraíso que buscaban los conquistadores españoles, edén de naturales abundancias, como a nuestro irónicamente dorado de corrupción y abusos. La pieza se organiza en consecuencia en dos partes llamativamente contrapuestas: la primera «A Dream of Gold» (‘un sueño de oro’) dibuja un paisaje atormentado por el abuso del hombre (Adams explicando la pieza sugiere una fotografía de los mineros brasileños de Sebastião Salgado), con un crescendo orquestal hacia un caos apenas controlado, que refleja la energía de las máquinas automáticas cortacésped, sin cerebro, siempre consumiendo y la potencia de los bulldozers. La segunda parte, «Soledades», muestra un paisaje virgen, enteramente sin la huella humana, una visión arcádica expresada en escalas y armonías modales puras. El ambiente de la pieza es el de los grandes escritores de la naturaleza, como Barry López o Edward Abbey. Como dice Adams:

Hay poca duda en mi mente de que El Dorado era el resultado de mirar el avance lento pero irreversible del desarrollo humano y de la explotación del medio natural, como atestiguo particularmente en la California rural. El efecto de la especie humana en el planeta es un enigma. Somos parte de la ecología natural. No somos ajenos a ella, tenemos la responsabilidad de nuestra energía única.

John Adams.[6]

La Chamber Symphony (‘sinfonía de cámara’, de 1992), escrita —como la partitura homónima de Schoenberg de 1906— para 15 instrumentos, combina el lenguaje contrapuntístico y cromático de Klinghoffer con la energía hiperactiva de la música de dibujos animados. Asustantemente virtuosista, sus texturas lineales y la pulsación insistente recuerdan de vez en cuando a Stravinski. Estrenada en enero de 1993, la obra ha tenido un éxito extraordinario: más de 40 conjuntos ya la han interpretado. Además, con esta obra John Adams obtuvo en 1994 el premio a la Mejor Composición de cámara de la «Royal Philharmonic Society Music».

En su siguiente obra, Violin Concerto (1993) —un encargo conjunto de la Minnesota Orchestra, de la London Symphony y del New York City Ballet— vuelve el Adams turbulento, agridulce y amargo y también contrapuntistico. Su primer movimiento sitúa la parte solista flotando libremente sobre un acompañamiento de orquesta, permanentemente cromático; su segundo movimiento, más claramente tonal, es una chacona construida sobre un bajo profundo; y el torbellino finale, es una toccata de movimiento profundo. En el año 1995, Adams obtuvo el Premio Grawemeyer de Composición por esta obra.

Después de esta serie de obras orquestales, Adams vuelve a la escala íntima con John’s Book of Alleged Dances (‘el libro de Juan de las danzas inventadas’, de 1994). A pesar del título ingenioso y de la descripción chistosa que hace Adams como un conjunto de danzas «para las que los pasos tienen que ser inventados todavía», la música no es un conjunto de piezas ocasionales. Escrita para un cuarteto de cuerdas y un sampler controlado con el pie, las diez danzas inventadas siguen con la tendencia cromática y el virtuosismo contrapuntístico.

El terremoto de Northridge de 1994.

En 1994, Adams estaba listo para volver al teatro musical, aunque no al mundo de la ópera. Buscando una alternativa a la complejidad y al costo de la producción de una ópera, compuso I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky (1995) (‘estaba mirando al techo y entonces vi el cielo’), de nuevo una colaboración con Peter Sellars y con la poetisa June Jordan. El título hace referencia a una cita de un superviviente del terremoto de Northridge de 1994, una catástrofe que devastó una gran parte del área norte de Los Ángeles, que había escuchado Jordan. Adams sentía que la única forma de hacer una ópera verdaderamente estadounidense era volver la mirada hacia el musical. Volviendo a las voces no operísticas, situando una banda sobre el escenario de tan solo ocho instrumentistas y haciendo un montaje valiente del interior de una ciudad, Adams esperaba alcanzar una audiencia mayor y más diversa. Hizo una obra portátil, una song play (‘obra de canciones’), al estilo de la Ópera de tres peniques de Brecht y Weill, de West Side Story de Bernstein o de Porgy and Bess, de George Gershwin. La trama sigue la vida de unos personajes jóvenes de la ciudad, que viven los conflictos raciales, su relación con la policía, la persecución de los inmigrantes, la identidad sexual, pero todo se transforma en el segundo Acto cuando ocurre el terremoto. El lenguaje musical, rico en alusiones al estilo popular estadounidense, es tan simple como bueno: 20 canciones de estilo pop, pero con el particular rítmo y giros armónicos de Adams. «Un sentido de la pulsación minimalista y de la repetición está en toda mi música, pero no hay nada de la complejidad, de la densidad contrapuntística y de la deriva hacia la atonalidad que puedes encontrar en el Cuarteto de cuerdas y en el Concierto de violín», admite. Ceiling/Sky (‘el techo/el cielo’), como es conocida, se estrenó en Berkeley en mayo de 1995, y más de 50 nuevas producciones han sido vista en Montreal, Nueva York, Edimburgo, Helsinki, París y Hamburgo.

En la primavera de 1998 comienza a trabajar en Naïve and Sentimental Music, un ensayo de orquesta de más de 50 minutos, que ha sido ampliamente reconocido como uno de los aciertos de Adams en el medio orquestal y que el mismo cita como su pieza más ambiciosa junto con sus óperas. En la explicación de la obra Adams hace una profunda reflexión sobre su trabajo como compositor. El título de la obra alusión al ensayo de Schiller de 1795, hoy olvidado, Über Naive und Sentimentalische Dichtung (‘sobre la poesía ingenua y sentimental’), una obra en la que Schiller habla de la existencia de dos personalidades creativas: «Los que no son conscientes de ninguna grieta entre ellos y su entorno, o dentro de ello; y aquellos que sí son conscientes» (cita de Isaiah Berlin, que resume el punto de vista de Schiller). Los inconscientes serían los ingenuos. Para ellos el arte es una forma natural de expresión, incomprensible por autoanálisis y despreocupados sobre su lugar en la serie histórica. «Ven lo que ven directamente, e intentan articularlo para su bien, no para cualquier propósito posterior, sin embargo sublime». Schiller cita a Homero, a Shakespeare, a Cervantes y a Goethe, como ingenuos. A estos oponen el poeta sentimental para quien el arte «llega cuando el hombre entra en la etapa cultural, cuando la unidad primordial se ha roto… la armonía entre sentimiento y pensamiento, que en el ingenuo era verdadera, ahora existe solamente como ideal. No está en el hombre, como un hecho vital, si no fuera de él, como un ideal para ser realizado». Para Schiller el poeta o es natural (y entonces es ingenuo), o bien busca la naturaleza (y entonces es sentimental). Es una forma provocadora de ver las distinciones habituales: clásico versus romántico, las nietzcheanas apolíneo versus dionisiaco, moderno versus posmoderno, y así sucesivamente. Adams sostiene que en esta pieza ha dejado correr libremente todo lo que de ingenuo tiene. En febrero de 1999 se estrenó en Los Ángeles la obra, que fue un encargo conjunto de Los Ángeles Philharmonic, Vancouver Symphony, Sydney Symphony y del Ensemble Modern Orchestra y que Adams dedicó a Esa-Pekka Salonen. La grabación de esta obra estuvo nominada a los Premios Grammy (Best Contemporary Composition).

Otras piezas orquestales escritas en los años noventa incluyen Slonimsky's Earbox (1996), encargo conjunto de la Hallé Orchestra y de la Oregon Symphony; Gnarly Buttons (1996), un concierto de clarinete estrenado por el solista Michael Collins y la London Sinfonietta, bajo la batuta del propio compositor; y Century Rolls, un concierto de piano escrito para Emanuel Ax, y estrenado en 1997 por Ax con la Cleveland Orchestra dirigida por Christoph von Dohnányi. Concierto con los tres movimientos tradicionales de rigor en el que, como adelanta el título, Adams rinde un homenaje a la mejor literatura pianística del siglo XX: Gershwin, Fats Waller, Nancarrow, el piano mecánico y Stravinski. Lollapalooza (el título hace mención al Festival de música por homónimo), una pieza para piano de 1995 compuesta en homenaje a Simon Rattle como regalo en su cuadragésimo aniversario, muestra, en seis mintos, al Adams vibrante, divertido, trepidante.

En 1997, para festejar sus cincuenta años, se celebró un concierto en Ámsterdam con la Royal Concertgebouw dirigida por Adams en el que interpretaron sus propias obras y otras obras para banda de Gil Evans, Miles Davis y Duke Ellington. En 1999 hizo una gira por Europa con el Ensemble Modern, dirigiendo Naive and Sentimental Music y la Cuarta Sinfonía de Ives.

El nuevo milenio[editar]

El Niño, es un oratorio de navidad multilingüe —inglés, español y latín— que narra el nacimiento de Jesús, y que requiere un gran conjunto de voces (soprano, mezzo soprano, barítono bajo y tres contratenores, un coro SCTB y un coro de niños). La obra, de casi dos horas de duración, fue compuesta para la celebración del milenio y se concibió para ser presentada como obra escénica —con un montaje nuevamente de Sellars que incluye danza y video— o como un concierto-oratorio. La obra fue estrenada el 15 de diciembre de 2000 en el Théâtre du Chatelet, con la Deutsches Symphonie Orchester, London Voices, Theater of Voices y La Maitresse de Paris dirigidos por Kent Nagano. El Niño sigue la narrativa tradicional de la anunciación a Maria, de la visita a su prima Isabel, del nacimiento y adoración de Jesús, la masacre de los inocentes de Herodes y de la huida a Egipto. Pero, contrariamente al de El Messiah de Haendel, que por otro lado es el modelo obvio, el tratamiento de Adams se mueve libremente a lo largo de tiempo y de los lugares. Usa diferentes textos: el más antiguo, las profecías de Ageo y de Isaías, y los más recientes, cuatro poemas de la poeta y novelista mexicana Rosario Castellanos. Además, usa textos de Juana Inés de la Cruz, Gabriela Mistral, Rubén Darío, del sermón de Navidad de Martin Luther, pasajes del Evangelio de Lucas y varios evangelios apócrifos.

La obra On the Transmigration of Souls (‘Sobre la transmigración de las almas’) es un trabajo coral que conmemora el primer aniversario de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001 que ganó el Premio Pulitzer de música del año 2003. Sin embargo, tras ganar el premio, Adams declaro que le embargaba un sentimiento de «ambivalencia bordeando el desprecio» (ambivalence bordering on contempt), puesto que él sentía que el premio había perdido mucho del prestigio que todavía tenía en otros campos, porque «la mayoría de las mentes musicales más grandes del país» (most of the country's greatest musical minds) habían sido ignoradas en favor de la música académica. En 2005, la grabación del estreno de On the Transmigration of Souls («La transmigración de almas») (con Lorin Maazel dirigiendo la New York Philharmonic) obtuvo tres Premios Grammy, como «Mejor disco clásico», «Mejor interpretación orquestal» y «Mejor composición contemporánea clásica».

El Big Sur, en la costa californiana.
Walt Disney Concert Hall.

En 2003, Adams compuso The Dharma at Big Sur (‘el dharma en Big Sur’), para violín eléctrico y orquesta, una pieza inspirada en las impresiones literarias que la contemplación del maravilloso paisaje californiano produjo en escritores como Jack Kerouac, Gary Snyder y Henry Miller (El «Big Sur», es una zona de la costa central de California, de unos 150 km, entre Santa Cruz y Santa Barbara, donde el continente se desploma en grandes precipicios al mar). La obra tiene dos partes, cada una dedicada a un compositor de la costa oeste que habían sido amigo e inspiración de John Adams, Lou Harrison y Terry Riley. La primera parte, «A New Day» (‘un nuevo día’), es un largo ensueño rapsódico para violín solista, una «melodía sin fin» que se eleva sobre la calma de un zumbido de orquesta con pulsaciones y acordes de gongs y arpas y unos metales distantes.

La pieza fue compuesta para la inauguración el día 23 de octubre de 2003 del Walt Disney Concert Hall de Los Angeles, el nuevo edificio diseñado por el arquitecto Frank Gehry con quien Adams había colaborado veinte años atrás en una pieza llamada Available Light, para la coreógrafa Lucinda Childs.

En 2003 compone también My Father Knew Charles Ives (‘mi padre conoció a Charles Ives’), una autobiografía musical en la hace una evocación de su adolescencia en New Hampshire y que es también un homenaje a un compositor cuya influencia en Adams fue muy grande. En la explicación de la pieza Adams señala las coincidencias biográficas de ambos (de New Hampshire) y aunque su padre no conocía a Ives, bien podría haberlo conocido en cuyo caso Adams no duda de que se hubieran llevado bien. En la pieza de Adams hay más que los tres «lugares» (places) de Nueva Inglaterra, y además su “Concordia”, sin embargo, es el pequeño pueblo de Concord, de New Hampshire, situado ochenta millas al norte de la Concord de la épica sonata pianística de Ives.

La siguiente ópera de Adams fue Doctor Atomic (mayo de 2004) —también una colaboración con Sellars— que se estrenó el 1 de octubre de 2005. La acción se centra en la primera prueba de la bomba atómica, y el personaje principal es J. Robert Oppenheimer.

La última ópera de Adams A Flowering Tree (‘un árbol floreciente’) está inspirada en La flauta mágica de Mozart y se estrenó en noviembre de 2006 en Viena. Basado en un cuento popular de la India meridional, comparte temas similares con su modelo de Mozart: juventud, amor y la aparición de la conciencia moral. Kumudha, una muchacha joven pobre pero hermosa, descubre que tiene el poder mágico de volverse un árbol floreciente. Un príncipe oculto, espía a Kumudha durante una de sus transformaciones. Encantado y preocupado por su belleza y su magia, exige a su padre, el rey, que Kumudha sea traída a palacio para casarse con ella. Sigue el clima de cuento de hadas hasta el final. Para el estreno en Viena, Adams conducirá el Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, la orquesta joven de Venezuela.

Repercusión de su obra[editar]

Hoy ya está claro que el minimalismo es solamente un lado de la personalidad musical multifacética de Adams. Más que cualquier otro compositor de su generación, Adams ha alcanzado una síntesis accesible y genuinamente estadounidense entre la ambición seria clásica y el toque vernáculo. Esta clase de populismo apenas se había oído en Estados Unidos desde el apogeo de Copland en los años cuarenta y de Bernstein en los años cincuenta, y promete recuperar la audiencia para la música estadounidense de concierto.

Adams en sus obras de madurez ha enriquecido la energía rítmica del minimalismo con una paleta de colores armónica extraordinaria, con una fértil imaginación orquestal, y con una influencia evidente del romanticismo tardío. Además, ha usado referencias de muchos estilos del siglo XX —tanto pop como «serios»— en sus óperas, en la pieza de orquesta ingeniosamente ecléctica Fearful Symmetries —que toca a Stravinsky, Honegger y la música de las big-band de swing— y en el reciente My Father Knew Charles Ives (‘mi padre conoció a Charles Ives’), que saca hacia fuera el llamativo territorio original.

Los trabajos de Adams han sido programados por las orquestas más importantes de los Estados Unidos, así como por otras orquestas de Europa, Asia y Australia. Su música también ha sido coreografiada por muchas compañías de danza incluyendo la Dance Theater of Harlem (Garth Fagan) y el New York City Ballet (Peter Martins). Las óperas de Adams han estado entre los acontecimientos más polémicos y extensamente considerados de la escena en la historia reciente.

John Adams ha ido poco a poco siendo director de su propia música y de nueva música. De 1987 a 1990 Adams trabaja como asesor artístico de la St. Paul Chamber Orchestra, dirigiendo cuatro semanas de conciertos y supervisando sus actividades de música contemporánea. En 1993, fue nombrado director musical del «The Ojai Festival». Con el Ensemble Modern hizo una gira por Europa en 1993 y una gira estadounidense en 1996. Ha dirigido importantes orquestas, como la Cleveland Orchestra, San Francisco Symphony, Los Angeles Philharmonic, Orchestra of St. Luke's, Royal Concertgebouw y London Sinfonietta. En febrero de 1997 dirigió la obra Harmonium con la San Francisco Symphony (de la que se hizo una grabación). En la primavera de 1997, fue distinguido con la «New York Philharmonic's Composer Week» (Semana del compositor de la Orquesta Filarmónica de Nueva York). Adams ha desempeñado también el puesto de Director musical del «Cabrillo Festival of Contemporary Music», de Santa Cruz, California.

En abril y mayo de 2003, el Lincoln Center presentó John Adams: An American Master (‘John Adams: un maestro estadounidense’), el festival más grande que el Lincoln Center haya dedicado a un compositor vivo. Otros festivales con su música se han presentado recientemente en Londres, Rótterdam y Estocolmo.

John Adams fue artista asociado de la de BBC Symphony Orchestra en junio de 2003, un puesto que según sus propias palabras:

...el puesto es lo bastante desestructurado y flexible para permitir que cualquier salvajada suceda.

John Adams.[7]

Como artista asociado, dirige regularmente a esa orquesta en conciertos en el Barbican de Londres y en los conciertos anuales de los Proms en el Albert Hall y es director creativo de la Saint Paul Chamber Orchestra. El 23 de noviembre de 2004, la Academia Británica (British Academy) le homenajeo con una gala en el Barbican (Londres). El acto fue seguido de un concierto de la BBC Symphony Orchestra and Chorus que dirigió el compositor y que incluía su propio trabajo Harmonium.

En el año 2006, John Adams es compositor residente en Carnegie Hall, y sigue una vida activa como director, apareciendo con las orquestas más importantes del mundo y con programas que combinan sus propios trabajos con otros compositores que van de Debussy, Stravinsky, Bartok y Ravel, a Zappa, Ives, Reich, Glass y Ellington. La obra y vida de John Adams ha protagonizado tres documentales.

Otros honores incluyen su nombramiento en 1995 como Caballero de la Orden de las Artes y Letras (Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres), concedida por el Ministerio de Cultura francés; el premio en el año 2000 del gobernador de California «Lifetime Achievement in the Arts» (‘logro de una vida en las artes’); y el Premio Cyril Magnin «Outstanding Achievement in the Arts» (‘logro excepcional en las artes’).

Adams también es miembro desde 1997 de la «American Academy of Arts & Letters». En junio de 2004 le concedieron la «Centennial Medal of Harvard University’s Graduate School of Arts and Sciences» por sus contribuciones a la sociedad y ese mismo año fue el primer compositor distinguido con el Premio Nemmers de Composición Musical (Nemmers Prize in Music Composition) de la Northwestern University. Ha sido honrado con un doctorado honorífico por la Universidad de Cambridge, en Inglaterra, así como miembro honorífico de la «Phi Beta Kappa».

Las primeras grabaciones de obras de John Adams aparecieron en sellos como 1750 Arch Labels, New Albion y ECM y fueron seguidas en 1986 por un contrato en exclusiva con Nonesuch Records, una asociación que continúa hasta hoy. En 1999, Nonesuch lanzó The John Adams Earbox, un estuche de 10 cedes con la mayoría de las obras de Adams, que fue una retrospectiva muy alabada por la crítica. La música de John Adams ha sido grabada por otros sellos como EMI/Angel, Philips y Chandos. Entre las grabaciones más recientes están su Grand Pianola Music con el Netherlands Wind Ensemble dirigido por Stephen Mosko, una nueva grabación de Harmonielehre y de The Chairman Dances dirigidas por Simon Rattle, y Harmonium dirigida by Leonard Slatkin. En 1985, Harmonielehre fue distinguida como de «Best Classical Album» (‘mejor disco clásico’) por la revista Time como por el diario USA Today.

Sus obras son editadas por «Boosey & Hawkes Music Publishers, Inc.», por «G. Schimer» y por «Associated Music Publishers».

Notas y referencias[editar]

  1. «I had left the East Coast to see what life might be like in California. At the time Milton invited me to come for an interview I was working in a huge warehouse on the Oakland waterfront with the memorable name of “Regal Apparel”. I had started out as a “lumper”, that is, one of those poor guys who unload huge container trucks by hand and put them onto forklifts. Then it was discovered I could read, and I was given a less aerobically beneficial job of counting boxes, weighing them and addressing them to the various Sears and Roebucks around the country. I took the Conservatory interview not expecting to get the job, but Milton, always looking for a bargain, offered me a position that amounted to roughly $7000 a year for what was easily a sixty-hour week.» John Adams. Carta con ocasión de una celebración del San Francisco Conservatory of Music en honor de John Adams, 22 de abril de 2004.
  2. «I’m not entirely certain I was a very good teacher, but I do know that the ten years I spent at the Conservatory constituted the major part of my own education as a musician, and I know that I could not have become the composer that I am were it not for having been caught up in that crazy maelstrom of life at the school» (...) «And the students changed me irrevocably. I know it’s a cliché to say, “we learn from our students”. Of course we do. But I learned even more. I learned humility, came to understand that a gift for music, genuine talent is unfairly doled out by nature as it is in athletics.» op. cit. John Adams, 22 de abril de 2004.
  3. http://www.nytimes.com/2014/10/15/arts/music/mets-death-of-klinghoffer-remains-a-lightning-rod-.html?_r=0
  4. http://blogs.wsj.com/speakeasy/2014/10/28/on-the-death-of-klinghoffer-justice-ginsburg-finds-for-the-defense/
  5. http://www.nytimes.com/2014/10/15/arts/music/mets-death-of-klinghoffer-remains-a-lightning-rod-.html?_r=0
  6. «There is little doubt in my mind that El Dorado was the result of watching the slow but irreversible advance of human development and exploitation of the natural setting, particularly as I witness in rural California. The effect of the human species on the planet is a conundrum. We are part of the natural ecology. We don’t stand apart from it, yet we bear the responsibility for our unique powers». John Adams. Carpetilla del Cd de Nonesuch 79359.
  7. «...the position is sufficiently unstructured and flexible to allow any number of wild things to happen». John Adams.

Catálogo de obras[editar]

Catálogo de obras de John Coolidge Adams
Año Obra Tipo de obra Duración
1970 Piano Quintet. Música de cámara
1970-71 Heavy Metal, para cinta de dos canales. Música de cinta
1973 American Standard, para conjunto indeterminado. Música de cámara
1973 Christian Zeal and Activity, para conjunto indeterminado. Música de cámara 10:00
1973-74 Ktaadn, para coro mixto, osciladores y filtros. Música vocal
1975 Grounding, para seis voces, tres saxofones y electrónica en vivo. Música vocal
1976 Studebaker Love Music,para cinta de dos canales. Música de cinta
1976 Onyx, para cinta de dos canales. Música de cinta
1977 Gnarly Buttons, para clarinete y pequeña orquesta. Música de cámara 26:00
1977 Phrygian Gates, para piano. Música de piano 22:00
1977 China Gates, para piano Música de piano 05:00
1978 Shaker Loops (Versión para orquesta de cuerdas, 1983) Música de cámara 24:00
1979 Common Tones in Simple Time, para orquesta. Música orquestal
1980 Harmonium, para coro y gran orquesta. Música vocal 32:00
1982 Grand Pianola Music, para 2 pianos, 3 voces de hombre, vientos, metales y percusión. Música vocal 30:00
1982 Música para el documental Matter of Heart, sobre C.G. Jung. Música de película
1983 Light Over Water (Symphony for brass instruments and synthesizers). Música eletrócica 44:00
1983 Shaker Loops, versión para orquesta de cuerdas. Música orquestal 24:00
1984 Harmonielehre, para orquesta. Música orquestal 40:00
1985 The Chairman Dances, foxtrot para orquesta. Música orquestal 12:00
1985 Tromba Lontana. Fanfarria para orquesta. Música orquestal 04:00
1985-87 Nixon in China. Ópera en tres actos (Libreto de Alice Goodman). Ópera 180:00
1987 The Nixon Tapes. Three suites for voices and orchestra from Nixon in China [Las cintas Nixon. Tres Suites para voces y orquesta de «Nixon in China»]. Música vocal 56:00
1986 Short Ride in a Fast Machine. Fanfarria para orquesta (o ensemble de viento). Música orquestal 04:00
1988 Fearful Symmetries, para orquesta (u orquesta de cámara). Música orquestal 27:00
1988-89 The Wound-Dresser, para barítono y orquesta de cámara. Música vocal 19:00
1989 Eros Piano, para piano y orquesta. Música orquestal 15:00
1989-93 Six Songs by Charles Ives, para voz y orquesta de cámara (arreglo de canciones de Charles Ives). Arreglos y orquestaciones
1990 The Black Gondola, para orquesta o orquesta de cámara) (orquestación de la obra de Franz Liszt, «La Lugubre Gondola»). Arreglos y orquestaciones 09:00
1990-91 The Death of Klinghoffer. Ópera en dos actos (Libreto de Alice Goodman). Ópera 140:00
1991 Choruses from The Death of Klinghoffer. Música vocal
1991 El Dorado, para orquesta. Música orquestal 31:00
1991 Berceuse Élégiaque, para orquesta de cámara (arreglo de Ferruccio Busoni (No.7 de Elegies, 1907)). Arreglos y orquestaciones 09:00
1992 Hoodoo Zephyr. Obra para teclado midi para un CD de Nonesuch. Música eletrócica 50:00
1992 Chamber Symphony. Música de cámara 23:00
1993 Violin Concerto, para violín y orquesta (u orquesta de cámara). Música orquestal 33:00
1993 Le Livre de Baudelaire, para soprano y orquesta (orquestación de cuatro canciones de Cinq poèmes de Charles Baudelaire de Claude Debussy). Arreglos y orquestaciones 22:00
1994 John's Book of Alleged Dances, para cuarteto de cuerda y sampler o tape en diez movimientos. Música de cámara 35:00
1994-95 I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky, songplay en dos actos (Obra para teclado midi para un CD de Nonesuch). Ópera 110:00
1995 Lollapalooza, para orquesta. Música orquestal 06:00
1995 Road Movies, para violín y piano Música de cámara 16:00
1995 La Mufa (orquestación de un tango de Astor Piazzolla). Arreglos y orquestaciones 05:00
1996 Todo Buenos Aires (orquestación de un tango de Astor Piazzolla). Arreglos y orquestaciones 05:00
1996 Hallelujah Junction, para 2 pianos. Música de piano 17:00
1996 Scratchband, para conjunto amplificado, ensemble mixto (2 instrumentos o más). Música de cámara 12:00
1996-97 Slonimsky's Earbox, para orquesta. Música orquestal 14:00
1997 Century Rolls, para piano y orquesta. Música orquestal 31:00
1998 Naive and Sentimental Music, para orquesta. Música orquestal 48:00
1999 Música para la película An American Tapestry (Gregory Nava). Música de película
1999-2000 El Niño. A Nativity Oratorio, para soprano, mezzosoprano, barítono, tres contratenores, coro (opcional coro de niño y orquesta). Oratorio 105:00
2001 Guide to Strange Places, para orquesta. Música orquestal 27:00
2001 Nancy's Fancy, para ensemble. Música de cámara
2001 American Berzerk, para piano. Música de piano 06:00
2002 On the Transmigration of Souls. In memory of September 11, 2001, para orquesta, coro, coro de niños y banda sonora pregrabada. Música vocal 27:00
2003 My Father Knew Charles Ives, para orquesta. Música orquestal 25:00
2003 The Dharma at Big Sur, para violín amplificado y orquesta. Música orquestal 27:00
2004-05 Doctor Atomic. Ópera en dos actos (Libreto de Adams y Peter Sellars). Ópera 150:00
2005 Doctor Atomic Symphony. Música orquestal 30:00
2006 A Flowering Tree (Libreto de Adams y Peter Sellars). Ópera 90:00

Discografía[editar]

DISCOGRAFÍA (Actualizada, septiembre de 2006)
Obra Intérpretes Discografía
The John Adams Earbox. Collected recordings from the Nonesuch catalogue. A 10-CD box set Nonesuch 79453
John Adams: A Portrait and A Concert o American Music. A DVD documentary and concert recording with music by John Adams, Steve Reich, and Conlon Nancarrow Arthaus Musik 100322
American Standard New Music of Ensemble of the San Francisco Conservatory, John Adams, director (producido por Brian Eno) Obscure #2 (LP)
American Berserk Nicolas Hodges, piano Nonesuch 79699
The Black Gondola London Sinfonietta. John Adams, conductor Nonesuch 9359-2
The Black Gondola London Symphony Orchestra. Giséle Ben-Dor, conductor Júpiter Recordings J109
Century Rolls Emanuel Ax, piano. Cleveland Orchestra. Christoph von Dohnányi, conductor Nonesuch 79607-2
The Chairman Dances San Francisco Symphony. Edo de Waart, conductor Nonesuch 79144-2
The Chairman Dances Baltimore Symphony. David Zinman, conductor Argo 444 454-2
The Chairman Dances City of Birmingham Symphony Orchestra. Simon Rattle, conductor EMI 55051
Chamber Symphony London Sinfonietta. John Adams, conductor Nonesuch 79219-2
Chamber Symphony Ensemble Modern. Sian Edwards, conductor BMG/RCA 09026-68674-2
Chamber Symphony Absolute Ensemble. Kristjan Järvi, conductor CCn’C 00492
Chamber Symphony Orchestre Philharmonique de Montpellier. René Bosc, conductor Actes Sud OMA34102
China Gates Gloria Cheng-Cochran, piano Telarc 80513
China Gates Alan Feinberg, piano Argo 436 925
China Gates Christopher O'Riley, piano Albany, TROY 038-2
China Gates Nicolas Hodges, piano Nonesuch 79699
Christian Zeal & Activity San Francisco Symphony. Edo de Waart, conductor Nonesuch 79144-2
Christian Zeal & Activity Orchestre Philharmonique de Montpellier. René Bosc, conductor Actes Sud OMA34102
Common Tones in Simple Time San Francisco Symphony. Edo de Waart, conductor Nonesuch 79144-2
The Death of Klinghoffer Film directed by Penny Woolcock. London Symphony Orchestra. John Adams, conductor Decca 074 189-9 DH
The Death of Klinghoffer Original Cast, Lyon Opera Orchestra and English Opera Chorus. Kent Nagano, conductor Nonesuch 7928
El Dorado Hallé Orchestra. Kent Nagano, conductor Nonesuch 79359-2
Eros Piano Paul Crossley, piano. Orchestra of St. Lukes. John Adams, conductor Nonesuch 79249
Fearful Symmetries Sanford Sylvan, baritone. Orchestra of St. Luke's. John Adams, conductor Nonesuch 79218
Fearful Symmetries Orchestre Philharmonique de Montpellier. René Bosc, conductor Actes Sud OMA34102
Gnarly Buttons Michael Collins, clarinet. London Sinfonietta. John Adams, conductor Nonesuch 79465-2
Grand Pianola Music London Sinfonietta. John Adams, conductor Nonesuch 79219-2
Grand Pianola Music Netherlands Wind Ensemble. Stephen Mosko, conductor Chandos 9363
Grand Pianola Music Solisti New York. Ransom Wilson, conductor EMI CDC-7 47331 2
Hallelujah Junction Gerard Bouwhuis and Cees van Zeeland, piano dúo Turtle Records TRSA0021
Hallelujah Junction Nicolas Hodges and Rolf Hind, pianos Nonesuch 79699
Harmonielehre San Francisco Symphony. Edo de Waart, conductor Nonesuch 79115
Harmonielehre City of Birmingham Symphony Orchestra. Simon Rattle, conductor EMI 550151
Harmonium San Francisco Symphony & Chorus. Edo de Waart, conductor ECM New Series 1277
Harmonium San Francisco Symphony & Chorus. John Adams, conductor Nonesuch 79549
Hoodoo Zephyr John Adams, synthesizers & samplers Nonesuch 79311-2
I Was Looking at the Ceiling and then I Saw the Sky Original cast recording. John Adams, conductor Nonesuch 79473-2
I Was Looking at the Ceiling and then I Saw the Sky Orchestre Philharmonique de Montpellier. René Bosc, conductor Actes Sud OMA34102
John’s Book of Alleged Dances Kronos Quartet Nonesuch 79465-2
Lollapalooza New World Symphony. Michael Tilson Thomas, conductor BMG/RCA 68798
My Father Knew Charles Ives Bill Houghton, Tracy Silverman. BBC Symphony Orchestra, John Adams, conductor Nonesuch
My Father Knew Charles Ives Hallé Orchestra. Kent Nagano, conductor. see The John Adams Earbox --
Naive and Sentimental Music Los Angeles Philharmonic. Esa-Pekka Salonon, conductor Nonesuch 79636-2
El Niño Lorraine Hunt Lieberson, mezzo-soprano. Dawn Upshaw, soprano. Willard White, baritone. Theatre of Voices - Paul Hillier, artistic director. London Voices - Terry Edwards, choir director. Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. Kent Nagano, conductor Nonesuch 79634-2 (2CD)
Nixon in China Original Cast. Orchestra of St. Luke's. Edo de Waart, conductor Nonesuch 79177
On the Transmigration of Souls New York Philharmonic. Lorin Maazel, conductor Nonesuch 79816-2
Phrygian Gates Ursula Oppens, piano Music & Arts 604
Phrygian Gates Christopher O'Riley, piano Albany, TROY 038-2
Phrygian Gates Gloria Cheng-Cochran, piano Telarc 80513
Phrygian Gates Hermann Kretzschmar, piano BMG/RCA 09026-68674-2
Phrygian Gates Peter Waters, piano Tall Poppies, TP 108 (Australia)
Phrygian Gates Rolf Hind, piano Nonesuch 79699
Road Movies John Novacek, piano. Leila Josefowicz, violin Nonesuch 79699
Shaker Loops Orchestra of St. Luke's. John Adams, director Nonesuch 79360
Shaker Loops Ensemble Modern. Sian Edwards, director BMG/RCA 09026-68674-2
Shaker Loops London Chamber Orchestra. Chistopher Warren-Green, director Virgin 7 91168-2
Shaker Loops San Francisco Symphony. Edo de Waart, conductor Philips 412214 2.
Shaker Loops Ridge Quartet et al. John Adams, conductor (original septet version) New Albion NA 014
Short Ride in a Fast Machine San Francisco Symphony. Edo de Waart, director Nonesuch 79144-2
Short Ride in a Fast Machine City of Birmingham Symphony Orchestra. Simon Rattle, director EMI 55051
Short Ride in a Fast Machine Netherlands Wind Ensemble. Stephen Mosko, director (versión for band) Chandos 9363
Slonimsky’s Earbox Hallé Orchestra. Kent Nagano, director. see The John Adams Earbox --
The Dharma at Big Sur Bill Houghton, Tracy Silverman. BBC Symphony Orchestra, John Adams, director Nonesuch
Tromba lontana City of Birmingham Symphony Orchestra. Simon Rattle, director E MI 55051
Tromba lontana San Francisco Symphony. Edo de Waart, director Nonesuch 79144-2
Violin Concerto Leila Josefowicz, violin. BBC Symphony Orchestra. John Adams, director BBC Late Junction BBCLJ30012
Violin Concerto Robert McDuffie, violin. Houston Symphony. Christoph Eschenbach, director Telarc 80494
Violin Concerto Gidon Kremer, violin. London Symphony Orchestra. Kent Nagano, director Nonesuch 79360
The Wound Dresser Christopher Maltman, baritone. BBC Symphony Orchestra. John Adams, director BBC Late Junction BBCLJ30012
The Wound Dresser Sanford Sylvan, baritone. Orchestra of St. Luke's. John Adams, director Nonesuch 79218

Bibliografía[editar]

Libros (en inglés):

  • "The John Adams Reader: Essential Writings on an American Composer" editado por Thomas May. Amadeus Press, junio de 2006 (ISBN 978-1-57467-132-2, 455 pág.) Libro que incluye una colección de textos, ensayos y entrevistas acerca de John Adams y su música. Tiene ensayos de Alex Ross, Michael Steinberg, Mark Swed, Ingram Marshall, Sarah Cahill, Edward Rothstein y Richard Taruskin. También incluye entrevistas con el compositor y con alguno de sus colaboradores, como Peter Sellars, Emanuel Ax, Dawn Upshaw, Alice Goodman y Robert Spano.

Artículos (todos en inglés):

  • Light Over Water: The Genesis of a Music. Ingram Marshall, 1983.
  • I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky. Sarah Cahill, East Bay Express, May 19, 1995.
  • Especial para La Opinión. Damián Kessler, Especial para La Opinión, 2000.
  • A meeting en route to a rare masterpiece. David Patrick Stearns, Philadelphia Enquirer, February 13, 2001.
  • The Harmonist. Alex Ross, The New Yorker, January 8, 2001.
  • Unity from Diversity. Andrew Clements, BBC Music Magazine, January 2002.
  • Composer captures essence of today. Pierre Ruhe, Atlanta Journal Constitution, May 25, 2003.
  • Voice of America: Composer John Adams Speaks for the Nation. Joshua Kosman, San Francisco Chronicle, May 18, 2003.
  • Memory Spaces. David Schiff, The Atlantic Monthly, April 2003.
  • Weatherbird: The Academy's Pulitzer. Gary Giddins, The Village Voice, April 30 - May 6, 2003.

Revistas (en inglés):

  • El Niño': With Ears and Eyes in Fierce Competition, the Eyes Have It. Bernard Holland, New York Times, January 15, 2001.
  • Rebirth of a Savior in 'El Niño'. Mark Swed, Los Angeles Times, January 13, 2001.
  • A meeting en route to a rare masterpiece. David Patrick Stearns, Philadelphia Enquirer, February 13, 2001.
  • “Easter Eve” and “Dharma at Big Sur” premiere at Proms. Annette Morreau, The Independent, August 25, 2004.
  • John Adams at the BBC Proms, August 2004. David Murray, Financial Times, August 24, 2004.

Entrevistas (en inglés):

  • John Adams on his Violin Concerto, by Rebecca Jemian and Anne Marie de Zeeuw, Perspectives of New Music, October 24, 1995.
  • Klinghoffer and the Art of Composing, by David Beverly, October 25, 1995.
  • John Adams Interviewed by John Walters. John Walters, 1997.
  • NPR's "Fresh Air", by Terry Gross, November 16, 1999.
  • John Adams in conversatión with Frank J. Oteri, NewMusicBox, 2000.
  • El Niño. Interview with Christian Leblé.

Enlaces externos[editar]