Vasili Kandinski

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Vasili Kandinski
Vassily-Kandinsky.jpeg
Vasili Kandinski cerca de 1913
Nombre completo Vasili Vasílievich Kandinski
Nacimiento 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.
Bandera de Rusia Moscú - Imperio Ruso
Fallecimiento 13 de diciembre de 1944 (77 años)
Bandera de Francia Neuilly-sur-Seine - Francia
Nacionalidad ruso-francés
Área pintura, teoría
Movimientos Expresionismo, arte abstracto
Educación Academia de Bellas Artes de Múnich
Firma Kandinsky autograph.png
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Vasili Kandinski (en ruso: Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, tr.: Vasili Vasílievich Kandinski Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica.

Biografía[editar]

Vasili Vasílievich Kandinski nació en Moscú el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, en el seno de una familia de clase media alta. Su padre Vasili Silverstrovich era un comerciante procedente de Kyakhta, una población siberiana cercana a la frontera con China.[1] La abuela de Vasili era una aristócrata mongola. Lidia Ivanovna Tikheeva, la madre de Wassily, era de Moscú. [2] Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa, donde se trasladó la familia en 1871.[2] Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elisabeth Tikheeva también lo cuidó.[2] Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de cello.[2] En 1886 Kandinsky comenzó sus estudios de derecho y económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía.[2] En 1892 se casó con su prima Anna Chimyakina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895, el golpe emocional al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin de Richard Wagner en el teatro Bolshoi.[2]

Se trasladó a Munich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte de Múnich. Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta que en 1900 fue admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y como consideró que la paleta de Kandinsky era demasiado brillante le tuvo pintando en una gama de grises durante un año.[2]

En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expuso por primera vez con la Secession de Berlín y realizó sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París.

En 1903 se divorció de Anna Chimyakina y se casó con la joven artista Gabriela Munter. Durante 5 años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes.[2]

En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.

Arte abstracto[editar]

Moneda rusa de 100 rublos dedicada a Kandinsky. Pertenece a la serie histórica de monedas.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

En 1912 publicó De lo Espiritual en el Arte, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.[2]

En 1913 escribió sus memorias y una colección de poesías.[2] En 1913 una obra suya se presentó en el Armory Show de Nueva York.

Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa Gabriela se mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914 Gabriela volvió a Munich y Kandinsky volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció a Nina Andreevskaya, que era hija de un general ruso. Se casó con ella en febrero de 1917.[2]

A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinsky desarrolló un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo estaba la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinsky, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propició la salida de Kandinsky de Rusia.

En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte.

Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la Bauhaus que llevó a su cierre en 1932. Kandinsky y su esposa emigraron a Francia y fijaron su residencia en Neuilly-sur-Seine, suburbio de París. Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis declararon degeneradas sus pinturas.[2] En 1939 se nacionalizó francés.[3]

Juventud y la inspiración (1866-1896)[editar]

Kandinsky nació en Moscú, hijo de Lidia Ticheeva y Wassily Kandinsky Silvestrovich, un comerciante de té. Kandinsky aprendió de una variedad de fuentes. Más tarde en la vida, recuerda la fascinación y estimulado por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano".

En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera docente ley y la economía para inscribirse en la escuela de arte de Múnich. No se le concedió inmediatamente la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet. Se lo llevaron todo con el estilo impresionista de Haystacks, lo que, para él, tenía un fuerte sentido de color casi independiente de los objetos mismos.

Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Richard Wagner que, según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar.[2] Fue también espiritualmente influenciados por Helena Blavatsky (1831-1891), la mejor exponente conocida de la teosofía. La Teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. Los libros de Kandinsky De lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hicieron eco de esta doctrina teosófica.

Metamorfosis[editar]

La escuela de arte, por lo general se considera difícil, pero era fácil para Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte, y como un pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo xx, queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de formas de color y reconocible. En su mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinsky no cuentan con ninguna figura humana, una excepción es el domingo, Domingo. (Rusia antigua) (1904), en la que Kandinsky recrea un muy colorido (y de fantasía) vista de los campesinos y los nobles frente a los muros de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con la ternura y el cuidado que cabalgan junto a un pueblo ruso con paredes luminosas a través de un río. El caballo está en silencio mientras las hojas de los árboles, la ciudad, y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que se derrumbó la profundidad de campo en una superficie plana y luminiscente. El fauvismo es también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky de la materia, no para describir la naturaleza objetiva.

Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El Jinete Azul (1903), la cual muestra una pequeña figura envuelta en un caballo veloz corriendo por un prado rocoso. El piloto manto es azul medio, lo que arroja una sombra más oscura de color azul. En el primer plano son sombras azules más amorfos, las contrapartidas de los árboles de la caída en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (aunque no claramente definida), y el caballo tiene un andar anormal (que Kandinsky debía saber). Algunos historiadores del arte creen que una segunda figura (tal vez un niño) se lleva a cabo por el piloto, aunque esto puede ser una sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, lo que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes, y culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El Jinete Azul, Kandinsky muestra el jinete más como una serie de colores que en los detalles específicos. Esta pintura no es una excepción en este sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección Kandinsky tomaría sólo unos pocos años después.

Entre 1906 y 1908 Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (él era un asociado de la Blue Rose grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara de Murnau.[4] El cuadro llamado La Montaña Azul (1908-1909) fue pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de azul está flanqueada por dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión, con tres pilotos y varios otros, se cruza en la parte inferior. Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada uno un solo color, y ni ellos ni las figuras caminando muestran cualquier detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en el Blue Mountain ilustra inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma, y que cada color se le da la misma atención. La composición es más plano, el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el amarillo y el árbol de la montaña azul con los tres pilotos.

Periodo El Jinete Azul (1911–1914)[editar]

En 1911, Vasili Kandinski y Franz Marc y otros artistas, fundaron en Múnich un movimiento expresionistas Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) el cual transformó el expresionismo alemán.[5] [6]

Regreso a Rusia (1914-1921)[editar]

Fuga, óleo sobre tela, 1914.

De 1918 a 1921, Kandinsky trata la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma del museo. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y del color, también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina Andreievskaya,[7] con quien se casó al año siguiente.[3] Su punto de vista espiritual, expresionista del arte fue finalmente rechazado por los miembros radicales del Instituto como demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius.

La Bauhaus (1922–1933)[editar]

Kandinsky no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926. Elementos geométricos adquiere una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y la pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de los aviones rico en colores y matices -como en el amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distancia desde el constructivismo y el suprematismo, movimientos influyentes de la época.

Los dos metros de ancho amarillo - rojo - azul (1925) se componen de varias formas: un rectángulo vertical amarilla, una cruz inclinada rojo y un gran círculo azul oscuro, una multitud de líneas negras rectas (o sinuosa), arcos circulares, círculos monocromáticas y dameros de colores dispersos, contribuyendo a su complejidad delicado. Esta simple identificación visual de las formas y de las masas principales colores presentes en el lienzo es sólo una primera aproximación a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la observación más profunda, no sólo de formas y colores que intervienen en la obra, sino su relación, su absoluta y las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.

Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formada en 1923 con Paul Klee, Feininger y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibido en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, a la izquierda de la Bauhaus de Weimar y se establecieron en Dessau en 1925.[4] Después de una campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau izquierda en 1932 para Berlín, hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky luego abandonó Alemania y se estableció en París.

La gran síntesis (1934-1944)[editar]

El vivir en un pequeño apartamento en París Kandinsky creó su trabajo en un estudio de la sala. biomórficas formularios con flexibles, no geométricos contornos aparecen en sus pinturas formas que sugieren organismos microscópicos sino expresar la vida interior del artista. Kandinsky utiliza composiciones originales en color, que evoca el arte popular eslavo. También en ocasiones mezclada con arena de pintura para darle una textura granular, rústico a sus pinturas.

Este período corresponde a una síntesis de los trabajos previos de Kandinsky en el que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolas. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones principales, el tipo de telas elaboradas no se había producido durante muchos años. Composición IX tiene muy contrastado, diagonales poderosos cuya principal forma da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores se destacan sobre el fondo negro del Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubrir una gran masa marrón que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky, algunas características son evidentes, mientras que ciertos toques son más discreto y velado, sino que sólo se revelan progresivamente a los que profundizar en su relación con su trabajo. Tenía la intención de sus formas (que él sutilmente armonizados y colocado) para resonar con el alma del observador.

El museo Guggenheim de Nueva York posee muchos cuadros de Kandinsky.

En este período muchas de sus obras fueron adquiridas por Solomon Guggenheim, que fue uno de sus apoyos más entusiastas.[3]

La Concepción de Arte de Kandinsky[editar]

El artista como profeta[editar]

Escribir que "la música es el maestro por excelencia" Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez composiciones. Los tres primeros sobreviven sólo en negro y blanco fotografías tomadas por el artista compatriota y amigo Gabriele Münter. Si bien los estudios, bocetos y las improvisaciones existen (en particular de la Composición II), un ataque nazi a la Bauhaus en la década de 1930 dio lugar a la confiscación de los primeras tres composiciones de Kandinsky. Ellas fueron exhibidos en la exposición patrocinada por el Estado " Arte Degenerado ", y luego destruido (junto con obras de Paul Klee, Franz Marc y otros artistas modernos).

Influenciado por la teosofía y la percepción de una Nueva Era, un tema común entre los primeros siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Redacción del "artista como profeta" en su libro De lo espiritual en el arte, Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que muestra un cataclismo venidero que pudieran alterar la realidad individual y social. Criado un cristiano ortodoxo, Kandinsky se basó en las historias judías y cristianas de Arca de Noé, Jonás y la ballena, Cristo la resurrección, los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de Apocalipsis, cuentos populares rusos y las experiencias comunes mitológicos de la muerte y el renacimiento. Nunca intentar imaginar cualquiera de estas historias como una narrativa, utilizó sus imágenes con velo como símbolo de los arquetipos de la muerte-renacimiento y destrucción-creación que él sentía era inminente en el pre- Primera Guerra Mundial el mundo.

Como se indica en De lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky consideraba que un artista auténtico parte de la creación como "una necesidad interna" que habita en la punta de una pirámide de movimiento ascendente. Esta pirámide representa un progreso en el tiempo. Lo que ayer era raro o inconcebible es algo común hoy en día, lo que es de vanguardia hoy en día (y entendido sólo por unos pocos) será mañana conocimiento común. El artista moderno-profeta está solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad de mañana. Kandinsky estaba al tanto de los últimos desarrollos científicos y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a radicalmente nuevas formas de ver y experimentar el mundo.

Composición IV y pinturas posteriores tratan principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Al igual que en su pintura de la apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos, traduciéndolas a términos contemporáneos (con un sentido de desesperación, ráfaga, la urgencia y confusión). Esta comunión espiritual de Observador-pintor-artista/profeta se puede describir dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Teoría artística y espiritual[editar]

Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter Almanac y las indicaciones del compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro C en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano (ver más abajo).

Durante los estudios de Kandinsky hizo en preparación para Composición IV, se sintió agotado mientras trabajaba en una pintura y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera, Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio la lona de su lado. Al regresar y ver la tela (pero todavía no lo reconoce) Kandinsky cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vio Monet Haystacks, la experiencia que cambiaría su vida.

En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinsky estaba trabajando en su VI Composición. De casi seis meses de estudio y preparación, la obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre un panel de madera de tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzaba el verdadero sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a repetir la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días.

El análisis sobre las formas y los colores de Kandinsky resulta, no de simples y arbitrarias asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y colores sin descanso, observando sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos sobre su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la "absoluta vida fenomenológica ".

De lo espiritual en el arte[editar]

Publicado en 1911, el libro de Kandinsky compara el espiritual la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una pirámide espiritual, avanzando y ascendiendo lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos decadentes, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.

Los colores en la paleta del pintor evocar un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, de forma similar a la impresión alegre cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que causa una vibración del alma o una "resonancia interior", un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.

"Necesidad interior" es, para Kandinsky, el principio del arte y de la fundación de las formas y la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, mística a través del cual adquiere una vida autónoma, se convierte en un sujeto independiente, animada por un aliento espiritual.

Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un aislado de color y se deja actuar solo, por un lado es la calidez o frialdad del tono de color, y en el otro lado es la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de una tendencia hacia el azul, amarillo y azul, forma la primera gran contraste y dinámica. Amarillo tiene un movimiento excéntrico y azul un movimiento concéntrico, una superficie amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser doloroso y agresivo. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los rendimientos de azul y amarillo total de inmovilidad y la calma, que es verde.

La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático. El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro a gris, que no posee ninguna fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. Gray corresponde a la inmovilidad sin esperanza, sino que tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando poco de esperanza cuando se ilumina.

El rojo es un color cálido, alegre y agitada, es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Cuando se mezcla con rojo azul que se aleja de hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forma el gran contraste tercero, y naranja y púrpura del cuarto.

Punto y línea sobre el plano[editar]

En sus escritos Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico, o BP. Él no los analiza objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto sobre el observador interior.

Un punto es un poco pequeña, de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, aunque, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.

Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas lineales pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección; una línea angular, como resultado de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o en forma de onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor de la línea de uno de sus extremos).

El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino que posee una tonalidad luminosa cálida próximo al blanco y amarillo. Una diagonal posee una más o menos caliente o frío tonalidad, de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta se corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a azul por un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo por un ángulo recto (un cuadrado).

El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una tonalidad calma, frío al plano de base, mientras que las verticales impartir una tonalidad calma, cálido. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky considera el plano básico de un ser vivo, que el artista "fecunda" y se siente "respirar".

Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con soltura y ligereza que, mientras que la continuación evoca la condensación y la pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son sólo el resultado de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.

Referencias[editar]

  1. Books.google.ca (ed.): «Wassily Kandinsky 1866-1944: a Revolution in Painting». Consultado el 4 de junio de 2013.
  2. a b c d e f g h i j k l m wassilykandinsky.net (ed.): «The Biography» (en inglés). Consultado el 20 de septiembre de 2013.
  3. a b c Shelokhonov, Steve. IMDB (ed.): «Wassily Kandinsky» (en inglés). Consultado el 22 de septiembre de 2013.
  4. a b «Wassily Kandinsky, el tirabombas de la imagen y el color». Consultado el 16 de diciembre de 2014.
  5. «Reabre en Múnich, tras ser reformado por Foster, el museo con lo mejor de 'El jinete azul'» (en español). Consultado el 24 de mayo de 2013.
  6. «Un homenaje en la web a Wassily Kandinsky, en el 148 aniversario de su nacimiento». Consultado el 16 de diciembre de 2014.
  7. «Nina Kandinsky (Andreevskaya)» (en inglés).

Enlaces externos[editar]