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A first multimodal approach is taken by the COTIF/CIM. COTIF is the Convention concerning the International Carriage by Rail and CIM is appendix B to COTIF on Uniform Rules concerning the Contract for International Carriage of Freight by Rail. CIM applies to international multimodal transport carried out under a single contract as long as one leg is by rail. More precisely the CIM applies when international carriage by rail is supplemented by national carriage by road or inland waterway, all carriages carried out within a single contract. CIM also applies when rail is supplemented by inland waterway or maritime carriage, again for international transport and within a single contract. In particular, when goods are unloaded from the vehicles the CIM applies rather than the CMR. The same is true when road transport is only a supplement to international carriage by rail.

https://www.unece.org/fileadmin/DAM/trans/main/wp24/ECE_TRANS_262_E_Web_Optimized.pdf

https://eur-lex.europa.eu/legal-content/ES/TXT/?uri=LEGISSUM%3Atr0005

http://www.reingex.com/CIT.shtml


Camión[editar]

Necesita un profundo repaso.

Quinta rueda[editar]

Traducir del inglés y alemán, después de dar un repaso a «tractocamión».

El pájaro azul y, posiblemete, La gata blanca[editar]

Más cosas para mejorar el artículo:

  • [1] Traducciones y prólogos.
  • [2] Hadas modernas.

Traducción: ¿Mamá-puerca para Mie-Souillon? ¿o mejor Amiga-puerca?

Comentarios y crítica[editar]

Los animales son, personajes omnipresentes en sus cuentos: exóticos, domésticos, inusuales, revestidos de caracteres monstruosos o amables, crueles o sensibles, susceptibles de amar y ser amados, siempre sorprendentes. Juegan un papel relevante en la intriga y a menudo se desdeña su valor simbólico tradicional para explotar sus potencialidades expresivas y connotativas. La naturaleza híbrida de estos seres metamorfoseados, en los que coexisten con frescura humanidad y animalidad permite un tratamiento rico y matizado de esta dualidad que explota la autora con maestría. El personaje maravilloso por excelencia en Mme. d’Aulnoy es el hada, que adopta diferentes aspectos y comportamientos. Son buenas, malas, protectoras, vengativas, coléricas, generosas, pero siempre poderosas. Son las reinas de un mundo donde todo es posible.

Dos figuras fundamentales sobresalen: la reina y el hada. La reina es un personaje recurrente en sus cuentos, aunque no hay un ensalzamiento de su faceta maternal. Por encima de sus deberes como madres, las reinas anteponen su ambición de poder o sus intereses propios, lo cual repercute en la desgracia de los hijos. Las princesas, por su parte, más dóciles y sometidas a otras figuras femeninas, se muestran también capaces de enrolarse en el ejército, luchadoras hasta la muerte contra la imposición del amor, adoptando roles masculinos, al tiempo que despliegan su belleza y su instrucción: canto, baile, lecturas, conversación brillante... En los cuentos de Mme. d’Aulnoy la figura del hada retoma esta simbología como determinante del destino de los humanos, ostentadora del poder de la vida y la muerte, y se convierte en el emblema supremo del poder femenino. De los aspectos ligados tradicionalmente al hada, función erótica y función maternal, predomina el lado protector. En este sentido las hadas vienen a paliar en cierto modo la ausencia de verdaderas madres, garantizando la felicidad de sus protegidas, a quienes encaminan hacia la consecución del amor dentro del orden social establecido. En los cuentos de esta autora encontramos también hadas malvadas y vengativas,

En efecto, numerosos pasajes se detienen a relatar de forma recurrente la soberanía de las hadas: rigen el destino de los humanos, a quienes exigen regalos y ofrendas, imponen sumisión y veneración, otorgan bienes o desgracias, prueban sus virtudes para verificar el merecimiento de su protección, se hacen consultar sobre varios aspectos, despliegan su ira ante la transgresión de sus designios... En definitiva, se imponen sobre el mundo y las circunstancias de los humanos. Mme. d’Aulnoy establece un juego incesante entre la fascinación por el género y su guiño irónico hacia él

El gato con botas[editar]

He encontrado la referencia para Las noches agradables, noche undécima, cuento primero en [3] que se puede abreviar como Constatino Fortunato.

  • Para la valoración del cuento ver esto: [4]
  • Para hablar de la astucia y la picardía: [5]

Otros cuentos[editar]

El cuento "Las hadas" se tradujo al español en los años 50 como "Sapos y diamantes" (ver el libro de las hadas de Arthur Rakham)

Barba Azul[editar]

  • Ambigüedad del título en francés (y en español) La Barbe bleu para un personaje masculino. Ambigüedad en más cuentos de Perrault, Le Petit Chaperon rouge para una protagonista femenina Caperucita.

Por si añado un apartado «Después de Perrault», Barba Azul posterior a Perrrault?, A raíz del texto de Perrault? o algo así.

  • Nombre de la mujer de Barba Azul: Fátima (por las pantomimas) o Judith (en la ópera El castillo de Barba Azul, donde sólo hay tres mujeres asesinadas) o Boulotte (WP en francés, en la opereta de Offenbach, donde se dan los nombres de las cinco mujeres que la preceden).
  • Nombre de la hermana Ana/Anita en algunas traducciones al español: «Hermana Juana».
  • Número de la mujeres de Barba Azul y sus nombres, como en Las siete mujeres de Barba Azul de Anatole France donde da nombre y apellidos.
  • Ambientación exótica, tipo Mil y una noches, por las pantomimas. Turbantes, vestimentas y habitaciones árabes frente a la descripción de una casa de la alta burguesía de Perrault. Exotismo propio de final del XIX.

Caperucita Roja[editar]

  • Para «Antecedentes y versiones», ver WP en inglés, buscar referencias (pero organizar la información).
  • Está bien el artículo en alemán y en francés. Consultar los dos para la mejora.

Para Scarface[editar]

Preproducción[editar]

El magnate Howard Hughes, en ese momento productor cinematográfico, buscaba un éxito de taquilla después de Un gran reportaje (The Front Page, 1931) —también producida por Hughes—.[1]​[2]​ Como las películas de gánsteres estaban en pleno auge en la primera mitad de la década de 1930, durante la época de la Ley seca en los Estados Unidos, Hughes quería hacer una película basada en la vida del gánster Al Capone superior a cualquier otra del género que se hubiera filmado anteriormente.[3]​[2]​ Le aconsejaron en contra porque el género de los gánsteres parecía estar saturado: Hampa dorada / Pequeño César (Little Caesar, 1931) protagonizada por Edward G. Robinson y El enemigo público (The Public Enemy, 1931) protagonizada por James Cagney ya eran grandes éxitos y Warner Bros. argumentaba que no podía aportar nada nuevo al género de gánsteres.[4]​ Y lo que es más, la censura cinematográfica —básicamente, el código Hays— empezaba a preocuparse por el glamur que estaba adquiriendo el crimen en las pantallas.[3]​[5]​

Hughes compró los derechos de la novela Scarface escrita en 1929 —publicada en 1930— por Armitage Trail, que estaba inspirada en la vida de Al Capone.[6]​[7]​ Trail nunca vio la película terminada ya que falleció a los 28 años de un ataque al corazón en octubre de 1930.[8]​[a]​ Hughes contrató a Fred Pasley, un periodista de Nueva York y una autoridad sobre Al Capone, como escritor. También, pidió a Ben Hecht, ganador del Óscar (1929) al «mejor argumento»[b]​ por La ley del hampa (Underworld, 1927) —película de crímenes muda—, que fuera el escritor principal del guion.[9]​[10]​[11]​ desconfiando de Hughes como patrono, Hecht solicitó un salario diaria de 1 000 dólares, pagaderos todos los días a las seis en punto. Hecht argumentaba que perdería solamente un día de trabajo si Hughes resultaba un fraude.[12]​

Hughes quería que el consagrado director Howard Hawks fuera director y co-productor de la película.[13]​ Hawks estaba francamente sorprendido porque sus relaciones nunca habían sido cordiales; Hughes había demandado a Howard Hawks en julio de 1930, afirmando que El escuadrón de la muerte / La escuadrilla del amanecer (The Dawn Patrol, 1930), película dirigida por Hawks, era un plagio de su película Los ángeles del infierno (Hell's Angels, 1930).[2]​ Durante una partida de golf, Hughes prometió retirar la demanda (algo totalmente irrelevante ya que el juez la había desestimado) y cuando llegaron al hoyo 18, Hawks estaba interesado en dirigir la película. Quedó mucho más convencido cuando supo que Hecht era el escritor principal.[10]​ Hecht y Hawks trabajaron en total armonía con la intención de caracterizar a Capone como un Borgia, incluida la sugerencia de una relación incestuosa entre el personaje principal y su hermana, como aparece en la novela de Trail.[9]​

Guion[editar]

Hecht escribió el guion en once días en enero de 1931, haciendo una adaptación de la novela de Trail. Fred Pasley y W. R. Burnett[c]​ hicieron sus propias aportaciones. Las contribuciones de Pasley incluyen elementos del libro Al Capone: Biography of a Self-Made Man; el libro describe una escena en la barbería con Al Capone muy similar a la que introduce a Tony Camonte en la película. A Pasley no le acreditaron su trabajo en el guion.[10]​[9]​ John Lee Mahin y Seton I. Miller reescribieron el guion para darle continuidad y los diálogos.

Como eran cinco escritores distintos es prácticamente imposible distinguir las aportaciones de cada uno. Sin embargo, el final de Scarfce es muy parecido al final de la primera película de gánsteres de Hecht, La ley del hampa (Underworld, 1927) donde el gánster Bull Weed se atrinchera en su apartamento con su amante y dispara contra el despliegue policial del exterior; por eso, se supone que es una contribución de Hetch.[14]​

La película Scarface se parece poco a la novela.[15]​ Si bien la película incluye a los mismos personajes principales, la misma trama y los matices incestuosos, se hicieron cambios para reducir el número de personajes y su importancia, y para complacer a la censura vigente. Para que los gánsteres no parecieran personas admirables, el personaje de Tony es menos inteligente y más brutal que en la novela. La relación fraterna entre Tony y el oficial de policía se eliminó para no mostrar corrupción policial.[15]​

Vínculos con Al Capone[editar]

Tanto la película como la novela se inspiran libremente en la vida del gánster Al Capone, cuyo apodo era «Scarface» (traducido literalmente, «cara marcada por una cicatriz» o «cara-cicatriz»).[7]​ Los nombres de las personas y los lugares se cambiaron muy poco. Capone se convirtió en Camote, Torrio en Lovo, Moran en Doran. En algunos primeros guiones, Colosimo era Colisimo y O'Bannion era Bannon, pero terminaron en Costillo y O'Hara, respectivamente. Estos cambios y otras alteraciones en los personajes y nombres de ciudades para mantener el anonimato, se debían a la preocupación de Hawks por el abuso de detalles históricos.[7]​

Ben Hecht había conocido a Capone y «sabía un montón sobre Chicago», así que no realizó ninguna investigación antes de escribir el guion. [14]​ Según el propio Hecht, mientras escribía el guion, Capone envió dos hombres a verle en Hollywood para asegurarse de que no estaba basado en su vida.[12]​ Les contó que el personaje «Scarface» era una parodia de numerosas personas y que el título se había elegido por lo sugerente. Ambos dejaron a Hecht en paz.[12]​

Las referencias a Capone y a hechos reales de la guerra entre bandas de gánsteres eran obvias para el público de la época. El personaje de Muni tenía una cicatriz en la cara muy parecida a la de Capone, procedente de peleas similares.[16]​ La policía en la película menciona que Camonte es miembro de la banda «Five Points» de Brooklyn, a la que pertenecía Capone.[17]​[18]​ Tony mata a su jefe «Big Louis» Costillo en el vestíbulo de su club; Capone participó en la muerte de su primer jefe Big Jim Colosimo en 1920.[19]​[20]​ El jefe de la banda rival, O'Hara, es asesinado en su tienda de flores; los hombres de Capone asesinaron a Dean O'Banion en su tienda de flores en 1924.[21]​ El asesinato de siete hombres en un garaje, con dos tiradores disfrazados de policías, enfoca a la matanza de San Valentín en 1929. El jefe de esta banda rival escapó por poco del tiroteo; como el jefe de la banda Bugs Moran.[19]​[22]​[23]​ La película comienza en el cruce de la Calle 22 y la Avenida Wabash, en pleno Lado Sur, lugar de la mayoría de los crímenes.[7]​

Elenco[editar]

Paul Muni y Ann Dvorak en un fotograma de la película.

Hawks y Hughs tuvieron ciertas dificultades para seleccionar a los actores ya que la mayoría estaban contratados por los estudios cinematográficos,[d]​ que eran bastante reticentes a dejar que sus actores trabajaran para productores independientes.[24]​ El productor Irving Thalberg sugirió a Clark Gable, pero Hawks pensaba que Gable era una celebridad, no un actor.[25]​ Después de ver a Paul Muni en Broadway, el cazatalentos Al Rosen le propuso para el papel principal. Al principio, Muni rehusó, pensando que no tenía las características físicas para el papel; pero su mujer, Bella, después de leer el guion, le animó.[10]​ Hizo una prueba en Nueva York y Hughes, Hawks y Hecht aprobaron a Muni para el papel.[10]​

Se seleccionó a Boris Karloff para interpretar el papel del gánster irlandés Tom Gaffney; en el cartel de presentación de la película aparecía como «Boris 'Frankenstein' Karloff». [26]​ A Jack La Rue se le seleccionó para Guino Rinaldo,[e]​ el compañero de Tony Camonte; como era más alto que Muni, a Hawks le preocupaba que eclipsara la dura personalidad de Scarface, interpretada por Muni.[25]​ Así que lo sustituyeron por George Raft, un actor de lucha en ese momento, al que Hawks encontró en un combate de boxeo.[24]​[27]​ Raft había interpretado un papel casi idéntico el año anterior en Quick Millions (1931), su primera aparición en la pantalla grande —una película de gánsteres con Spencer Tracy—, pero fue el papel en Scarface que lo consagró como actor.[28]​

Aunque Karen Morley tenís un contrato con MGM, Hawks era buen amigo de Eddie Mannix —ejecutivo de los estudios MGM— que prestó a Morley para la película. Le dieron a elegir entre los papeles de Poppy (novia) o Cesca (hermana). El papel de Cesca era más importante pero eligió Poppy porque pensó que su amiga Ann Dvorak encajaría con Cesca. Opinaba que «probablemente era lo mejor que había hecho en su vida».[27]​ Morley invitó a Dvorak, de 20 años, a una fiesta en casa de Hawks, para que se conocieran. Según Hawks, Dvorak se centró en George Raft, que sería su interés amoroso en la película. Al principio, Raft declinó su invitación a bailar. Dvorak se puso a bailar delante de Raft para provocarlo; finalmente, cedió y el baile de la pareja detuvo la fiesta.[27]​ Al verlo, Hawks estaba interesado en seleccionar a Dvorak pero temía su falta de experiencia. Después de una prueba de pantalla, consiguió el papel y MGM estaba dispuesto a librarla de su contrato de corista.[27]​ Debido a su monoría de edad, Dvorak tuvo que obtener permiso tanto de su madre Anna Lehr como de la Corte Superior (Sperior court) para poder firmar un contrato con Howard Hawks.[27]​

Rodaje[editar]

El rodaje de la película duró seis meses, que era mucho tiempo para la época —primera mitad de la década de 1930—.[29]​[30]​ Howard Hughes se mantuvo alejado de los escenarios para no interferir. Hughes presionó a Hawks para la película resultara de lo más emocionante, incluyendo persecuciones en los automóviles, choques y disparos de ametralladoras.[10]​ Hawks filmó en tres localizaciones diferentes: The Lot («La parcela»),[f]​ los Estudios Harold Lloyds y el Teatro Mayan en Los Ángeles. Para la escena más violenta, en el restaurante, Hawks despejó el espacio para evitar incidentes con los extras y acribilló el set con las ametralladoras. Los actores hicieron su interpretación delante de una pantalla donde se proyectaba todo el tiroteo; así, mientras se refugiaban debajo de las mesas del restaurante, el espacio parecía que estaba ardiendo.[9]​

Duranteel rodaje, Hawks y Hughes se reunieron con la oficina Hays para discutir las revisiones. A pesar de todo, Scarface se filmó y editó rápidamente. En septiembre de 1931, Comisión del Crimen de California y oficiales de la policía asistieron a la proyección de una copia preliminar de la película, ninguno de los presentes pensó que la película tuviera una influencia peligrosa sobre la audiencia o provocara una respuesta criminal. Irving Thalberg asistió a una proyección anticipada y quedó impresionado con la película. A pesar de los comentarios positivos, la oficina Hays insistió en que se realizaran algunos cambios antes de aprobar su proyección.[27]​

Censura y final alternativo[editar]

Scarface es una película de la época pre-code (1930—1934), cuando la censura dependía de la Oficina Hays, en cierto modo informal pues no tenía autoridad para eliminar escenas o diálogos; en 1934, la MPPDA (Motion Pictures Producers and Distributors of America) se comprometió oficialmente a respetar el Código de Producción, creado por la PCA (Production Code Administration) cuyas observaciones eran obligatorias.[31]​ Con respecto a Scarface, la Oficina Hays quería evitar cualquier compasión o empatía de la audiencia con el mundo del crimen, y mostrar a los criminales reconociendo su error o recibiendo el castigo merecido.[32]​

La Oficina Hays solicitó repetidas veces que se re-escribiera el guion, pero Hughes ordenó a Hawks que filmara lo más realista y espeluznante que pudiera. Naturalmente cunado la Oficina Hays vio la película, se indignó, pidió que se eliminaran escenas, que se añadieran otras condenando el gansterismo y que se cambiara el final;[33]​ además de condenar la violencia consideraban totalmente inapropiada la relación atávica entre el personaje principal y su hermana, como la escena en que la abraza después de abofetearla y rasgarle el vestido. Hughes eliminó las escenas más violentas, añadió un prólogo condenando el gansterismo y escribió un nuevo final.[10]​[9]​ Hawks se negó a rodar nuevas escenas con el final alternativo; así las dirigió Richard Rossen, que aparece en los créditos como «co-director».[32]​

El guion termina con Tony dentro del edificio, huyendo de los gases lacrimógenos y de las balas disparadas por la policía. Cuando se incendia el edificio, Tony se ve obligado a abandonarlo bajo las ráfagas de disparos, sin alterarse. Al reconocer al oficial de policía que lo había estado arrestando durante la película, le dispara pero solamente se escucha un «clic» implicando que ya no tiene más balas. Lo matan de varios disparos y se siguen oyendo repetidos clics para mostrar que sigue disparando mientras muere.[33]​

Esta primera versión (versión A) se terminó de rodar el 8 de septiembre de 1931, pero la censura no quedó satisfecha y solicitó otro final. Paul Muni no podía rodar por su trabajo en Broadway; así se tuvo que rodar con un doble, jugando con las sombras y planos secuencia para enmascarar la ausencia de Muni.[10]​[7]​ El final alternativo (versión B) se diferencia en la captura de Tony y su muerte; Tony se entrega a regañadientes a la policía, sigue una escena con el juez dirigiéndose a Tony al dictar la sentencia. La última escena muestra a Tony (a vista de pájaro) camino de la horca para ser colgado.[34]​[32]​

Estreno[editar]

Después de batallar contra la censura, la película se estrenó en los EE. UU. el 9 de abril de 1932[35]​, un año después de El enemigo público (The Public Enemy) y Hampa dorada / Pequeño César (Little Caesar). Cada estado tenía una junta de censores diferente, lo que permitió a Hughes estrenar en zonas con censura menos estricta.[36]​

El coronel Jason Joy, perteneciente a la Oficina Hays de Los Ángeles, fue convenciendo a las juntas de censura más estrictas para que permitieran estrenar Scarface, ya que la propia oficina Hays reconocía positivamente los cambios realizados a la película. Joy se dedicó a visitar las juntas de censura una por una para aclarar que, mientras la Oficina Hays estaba en contra de una postura benevolente con el crimen organizado, el cine de gánsteres era realmente un documento contra los gánsteres. Joy tuvo bastante éxito y, finalmente, muchas de las juntas de censura estatales y municipales permitieron el estreno, aceptando el corte y la versión censurada de Scarface.[33]​

Proyección pública[editar]

En el momento del estreno, el público acogió favorablemente la película.[10]​ El semanario Variety se refirió a Scarface con las siguientes palabras: «El suspense poderoso y apasionante del cine de gánsteres en esta película aparece duplicado y le confiere total atractivo.»[37]​ El National Board of Review (NBR) calificó Scarface como una de las mejores películas de 1932.[38]​

Diversas ciudades en los Estados Unidos, incluyendo Chicago, y algunos estados se negaron a proyectar la película. La revista Movie Classics defendió la postura de exigir la proyección de la película en las salas a pesar de las prohibiciones de la censura, argumentando que todos los incidentes que muestra la película han aparecido como noticia en los periódicos.[39]​ Sin embargo, la película batió récords de recaudación en el Teatro Woods de Chicago cuando se estrenó, después de nueve años, el 20 de noviembre de 1941 (Día de Acción de Gracias).[40]​

A pesar de la buena acogida de la película por parte del público, las batallas con la censura y algunas críticas poco halagadoras de la prensa fueron la causa de los pobres resultados en taquilla. Disgustado por la baja rentabilidad de Scarface, Howard Hughes retiró la cinta de la circulación.[41]​. La película no estuvo disponible hasta 1979, después de la muerte de Hughes.


Crítica[editar]

Bibliografía[editar]

Referencia vacía (ayuda) 

Referencia vacía (ayuda) 

Server / McCarty / Yablonsky / Keating / Bookbinder / Smith / Yogerst / Springhall

  1. ↑ El estreno de la película Scarface tuvo lugar el 9 de abril de 1932, en los EE. UU.
  2. ↑ El premio Óscar al «mejor argumento» se otorgó entre 1929 y 1956; se considera predecesor del Premio al mejor guion original.
  3. ↑ W. R. Burnett es el autor de la novela Little Caesar, en la que se basa la película Hampa dorada / Pequeño César (Little Caesar, 1931).
  4. ↑ La industria cinematográfica, en ese momento, funcionaba con el sistema de estudios (Studio system) que primaba el negocio sobre la creación artística y buscaba la rentabilidad de la estrellas contratadas.
  5. ↑ El personaje de Guino Rinaldo se inspira en Frank Rio, el guardaespaldas de Al Capone.
  6. ↑ The Lot es el nombre que daba Samuel Goldwyn a la parcela situada en la esquina de Formosa Avenue con Santa Monica Boulevard en West Hollywood, California.
  1. ↑ Brown y Broeske, 1996, p. 73
  2. ↑ a b c Barlett y Steele, 1979, p. 73
  3. ↑ a b Springhall, 2004
  4. ↑ Pauly, 1974, p. 261.
  5. ↑ Dirks, Tom. «Scarface: The Shame of the Nation». Filmsite Movie Review (en inglés). American Movie Classics Company. Consultado el 15 de mayo de 2018. 
  6. ↑ Mate, McGilligan y White, 1983, p. 61
  7. ↑ a b c d e Smyth, 2006, p. 77
  8. ↑ Server, 2002, pp. 258–259.
  9. ↑ a b c d e Clarens, 1980, pp. 84-85
  10. ↑ a b c d e f g h i Thomas, 1985, pp. 70-76
  11. ↑ Kogan, Rick (25 de febrero de 2016). «Remembering Ben Hecht, the first Oscar winner for original screenplay». Chicago Tribune. Consultado el 30 de mayo de 2018. 
  12. ↑ a b c [1]​
  13. ↑ «Scareface (1932)». Turner Broadcasting System (Time Warner) (en inglés). Atlanta, Georgia (EE. UU.): Turner Classic Movies. Archivado desde el original el 18 de enero de 2017. Consultado el 11 de enero de 2017. 
  14. ↑ a b [2]​
  15. ↑ a b [3]​
  16. ↑ Bergreen, 1994, p. 49.
  17. ↑ Andrews, Evan. «7 Infamous Gangs of New York». History.com. A&E Television Networks. Consultado el 22 de agosto de 2018. 
  18. ↑ Doherty, 1999, p. 148
  19. ↑ a b Langman y Finn, 1995, pp. 227–228
  20. ↑ «How Did Big Jim Colosimo Get Killed?». National Crime Syndicate. Consultado el 24 de mayo de 2018. 
  21. ↑ Clarens, 1980, p. 86.
  22. ↑ O'Brien, John. «The St. Valentine's Day Massacre». Chicago Tribune. Consultado el 24 de mayo de 2018. 
  23. ↑ «St. Valentine's Day Massacre». History. A&E Television Networks. Consultado el 24 de mayo de 2018. 
  24. ↑ a b Yablonsky, 1974, p. 64
  25. ↑ a b Guerif, 1979, pp. 48–52.
  26. ↑ Bojarski y Beale, 1974, pp. 68-69.
  27. ↑ a b c d e f Rice, 2013, p. 52-55
  28. ↑ Vagg, Stephen (9 de febrero de 2020). «Why Stars Stop Being Stars: George Raft». Filmink (en inglés). 
  29. ↑ Keating, 2016, p. 107
  30. ↑ Bookbinder, 1985, pp. 21–24
  31. ↑ «Howard Hawks' Scarface and the Hollywood Production Code». Theater, Film, and Video (en inglés). PBS. Consultado el 1 de agosto de 2018. 
  32. ↑ a b c Smith, 2004, p. 42-48
  33. ↑ a b c [4]​
  34. ↑ «Scarface: The Shame of the Nation (1932)». www.filmsite.org (en inglés). Archivado desde el original el 31 de diciembre de 2017. Consultado el 22 de junio de 2018. 
  35. ↑ Yogerst, 2017, pp. 134–144
  36. ↑ Springhall, 2004, p. 139
  37. ↑ «Scarface». Variety (en inglés) (Nueva York (EE. UU.)) 106 (11): 80. 24 de mayo de 1932. Consultado el 29 de abril de 2024. «That powerful and gripping suspense which is in all gangster pictures is in this one in double doses and makes it compelling entertainment». 
  38. ↑ «The National Board of Review». The Hollywood Reporter (en inglés). 21 de enero de 1933. Consultado el 14 de junio de 2018. 
  39. ↑ Donaldson, Robert. «Shall the Movies Take Orders from the Underworld». Movie Classics (en inglésl). Mayo: 42-43, 65, 67. Consultado el 29 de abril de 2024. 
  40. ↑ Charles E. Lewis, ed. (29 de noviembre de 1941). «‘Scarface’ Breaks Record on ‘Premiere’». Showmen's Trade Review (en inglés) 35 (19): 4. Consultado el 29 de abril de 2024. «"Scarfare" (sic) broke a nineyear blackout from the screens of this city as well as a long-standing box office record for the Woods Theatre here when it had its premiere in the Windy City Thanksgiving Day, Nov. 20. The picture, released in 1932, had been barred from showing in Chicago by the town's local censors, until last week». 
  41. ↑ McCarty, 1993, p. 68
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