Arte conceptual

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No confundir con el término homónimo relacionado con el diseño gráfico

Bits & Pieces Put Together to Present a Semblance of a Whole, de Lawrence Weiner. Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.
Art & Language Index 01, 1972, Documenta 5, Kassel, Alemania.

El arte conceptual, o Conceptual Art,es un movimiento artístico en el que la conceptualización o la idea, es más importante que la obra de arte en tanto objeto físico o material[1]​. Las ideas prevalecen sobre sus aspectos formales o sensibles a modo de que lo artístico sería el concepto, favoreciendo la reducción a lo mental y prescindiendo de la realización material, indiferente a la técnica, el material o la forma que se utilice para representarlo. [2]

Varios autores hablan acerca del devenir del arte contemporáneo como un arte post-conceptual, sugiriendo el gran impacto que el arte conceptual en su origen ha tenido en la evolución general del arte en décadas posteriores.[3]

Historia[editar]

El Arte Conceptual de los sesenta fue una tendencia muy discutida. En parte por su interpretación como por su práctica y experimentación. [4][5]

El Arte Conceptual de los sesenta fue una tendencia controvertida. Algunas de las razones que fundamentan tal conclusión serían: la falta de acuerdo entre los críticos e historiadores actuales para situar las fuentes de su origen en los Estados Unidos, la dificultad para proponer una definición específica que pueda abarcar las variadas líneas de investigación empréndidas, e incluso, las divergencias de opinión para decidir quién es un artista conceptual, en el sentido completo del término, y quién lo es sólo parcialmente.
Lara-Barranco, Francisco

La práctica del arte conceptual surgió en los años sesenta y se hizo popular a través de un grupo de artistas estadounidenses e ingleses[6]​ entre los que se encontraban Art & Language, Carl Andre, Robert Barry, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner. A menudo suele explicarse el arte conceptual como una reacción al formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg.[7]​ Sin embargo, la variedad de artistas que suscribieron simultáneamente y en diferentes contextos los fundamentos y estilemas del arte conceptual, hace difícil atribuirlo a una sola causa. La oposición a la Guerra de Vietnam, el feminismo, la instauración de una nueva economía del conocimiento y la proliferación de las TIC,[8]​ han sido citados por varios autores como factores decisivos en el origen del arte conceptual.[9]​ También es común relacionarlo con los ready-mades que el artista francés Marcel Duchamp realizó en las décadas de 1910 y 1920, en los cuales la obra artística ya no es interpretada como un objeto de contemplación fabricado por la mano de su creador, sino como un objeto de pura especulación intelectual[10]​.

El contexto inmediato del arte conceptual proviene de los Estados Unidos y Europa tras la Segunda Guerra mundial, al que hay que añadir artistas de otros países en Asia y Sudamérica. Destacan el compositor estadounidense John Cage con sus obras experimentales, y Robert Rauschenberg y Jasper Johns, que transformaron la pintura incluyendo objetos cotidianos y eventos fortuitos. En Japón podemos mencionar las acciones artísticas del grupo Gutai. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas artísticas que contribuyeron a sentar las bases del arte conceptual.

Un obra conceptual se fundamenta en el texto -la escritura- por ser este el medio de transmisión de ideas. No obstante, con el tiempo, se ha complementado con otros recursos propios del campo visual tales como la fotografía, la performance y el vídeo, que constituyen otros medios expresivos desarrollados simultáneamente a partir de los años sesenta y que forman parte asimismo de los medios utilizados en el arte contemporáneo.

Ejemplos de arte conceptual[editar]

  • La Fuente obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. Fotografía de Alfred Stieglitz en el 291 después de la exposición de 1917 de la Sociedad de Artistas Independientes.
    1917: Marcel Duchamp exhibe su Fuente, un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas Independientes, como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte. Haciendo que lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa. Diferencia entre lo que representa y lo que está representado.
  • 1953: Armando Reverón en una entrevista con el periodista Oscar Yanes sujetó un trozo de madera quemada y comenzó a pintar sobre el paisaje, sin superficie. (Reverón es considerado el padre del performance, ya que desde los años 30 realizaba happenings muchos años antes del surgimiento del movimiento).
  • Joseph Kosuth, Art as Idea as Idea, 1966-68
    1953: Robert Rauschenberg exhibe Dibujo de De Kooning Borrado, un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró. Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte" porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.
  • 1956: Isidore Isou introduce el concepto de arte infinitesimal en Introduction à une esthétique imaginaire (Introducción a una estética imaginaria).
  • 1957: Yves Klein, Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta de 1,001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería Iris Clert para promover su Proposición Monocromo; Época Azul. Klein también exhibió Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en el cual 16 petardos fueron colocados. Para su importante exhibición El Vacío en 1958, Klein declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y para probarlo exhibió una sala vacía.
  • 1960: La acción de Yves Klein llamada Un Paso al Vacío en el que intenta volar dando un paso hacia afuera de una ventana. Klein dijo: "El artista debe de crear una única obra de arte, él mismo, constantemente."
  • Sol LeWitt, Murale 831, 1997 Courtesy Museo Guggenheim, Bilbao
    1960: El artista Stanley Brown declara que todas las tiendas de zapatos de Ámsterdam constituyen la exposición de sus obras. En Vancouve, Iain e Ingrid Baxter de la N.E. Thing Co. exhibieron los muebles de un departamento de cuatro cuartos envueltas en bolsas de plástico.
  • 1961 Wolf Vostell Cityrama, en Colonia era el primer Happening en Alemania.
  • 1961: Robert Rauschenberg envió un telegrama a la Galería Iris Clert que decía: 'Este es un autorretrato de Iris Clert si yo lo digo.' como su contribución a la exposición de retratos que se estaba convocando en la galería..
  • 1961: Piero Manzoni exhibe su Mierda de Artista, latas que supuestamente contienen sus heces fecales. Pone las latas en venta por su peso en oro. También vende su aliento (contenido en globos) como Cuerpos de Aire, y firma los cuerpos de la gente, declarándolos obras de arte vivientes por todo el tiempo o por periodos específicos. (Esto dependía de cuanto estaban preparados para pagar). Marcel Broodthaers y Primo Levi estaban entre las designadas 'obras de arte'.
  • 1962: Christo y Jeanne-Claude exhiben Cortina de Hierro. Esta consiste en una barricada de barriles de petróleo en una calle estrecha de París que causó mucho desorden de tráfico. El trabajo no era la barricada en sí sino el tráfico provocado.[12]
  • 1962: Yves Klein presenta la Zona de Sensibilidad Pictórica Inmaterial en varias ceremonias en los bancos del Río Sena. Ofrece vender su propia 'sensibilidad pictórica' (fuera esto lo que fuera, Klein no lo definió) a cambio de una hoja de oro. En estas ceremonias el comprador entregaba la hoja de oro a cambio de un certificado. Como la sensibilidad de Klein era inmaterial, se le pedía al comprador que quemara el certificado mientras que Klein arrojaba la mitad de la hoja de oro en el Sena. (Hubo siete compradores)
  • 1962: Piero Manzoni creó La Base del Mundo, exhibiendo, de esta manera, el planeta entero como una obra de arte.
  • 1963: Henry Flynt escribe el artículo "Arte Conceptual" que es publicado en una "Antología de Operaciones de Oportunidad"; una colección de obras de arte y conceptos de varios artistas y músicos que fue publicada por Jackson Mac Low y La Monte Young. Esta antología documentó el desarrollo de la visión de Dick Higgins sobre el arte intermedia en el contexto de las ideas de Johm Cage y se volvió una temprana obra maestra del Fluxus. El "Arte conceptual" del que hablaba Flynt se desenvolvió desde su idea de nihilismo cognoscitivo y de sus análisis acerca de las vulnerabilidades de la lógica y las matemáticas.
  • 1965: Una compleja pieza de arte conceptual por John Latham llamada "Still and Chew" invita a los estudiantes de artes para protestar contra los valores del libro Arte y Cultura de Clement Greenberg (un libro muy mencionado y leído en el Central Saint Martins College of Art and Design, donde Latham daba clases). Páginas del libro son masticadas por los estudiantes, disueltas en ácido y la solución resultante es regresada de la biblioteca embotellada y etiquetada. Latham fue despedido de la escuela.
  • 1965: Joseph Kosuth expone Una y Tres Sillas en el año de 1965. La presentación del trabajo consiste en una silla, su foto a tamaño real y una definición de la palabra "silla". Kosuth escogió la definición de un diccionario. Cuatro versiones de esta obra, con diferentes sillas y diferentes definiciones son las que se conocen.

Véase también[editar]

Referencias[editar]

  1. Urbina, Neida (2002). «El arte conceptual: punto culminante de la estetica procesual o el arte como proceso». Revista Estética (Universidad de Los Andes, Facultad de Humanidades y Educacion). Consultado el 27 de noviembre de 2019. 
  2. Hernández Sánchez, Domingo (2000). «Arte conceptual y mundo invertido». Taula: quaderns de pensament (33): 251-264. Consultado el 27 de noviembre de 2019. 
  3. Peter Osborne, Arte Conceptual, Phaidon Londres 2002.
  4. Buchloh, Benjamin; Krauss, Rosalind; Alberro, Alexander; de Duve, Thierry; Buskirk, Martha; Bois, Yve-Alain (1994). «Conceptual Art and the Reception of Duchamp». October 70: 126-146. doi:10.2307/779057. Consultado el 27 de noviembre de 2019. 
  5. Lara-Barranco, Francisco J. (2002). «Arte conceptual: renuncia estético-emocional hacia el objeto». Laboratorio de Arte: Revista del Departamento de Historia del Arte (15): 253-269. Consultado el 27 de noviembre de 2019. 
  6. Tate. «Conceptual Art in Britain 1964–1979 - Exhibition at Tate Britain | Tate». Tate (en inglés británico). Consultado el 31 de julio de 2017. 
  7. Cereceda, Miguel (2013). Problemas del arte contemporáne@: curso de filosofía del arte en 15 lecciones. Cendeac. p. 65. Consultado el 21 de octubre de 2018. 
  8. Edward A. Shanken es uno de los autores que más ha indagado en la relación entre arte conceptual y tecnología
  9. En Seis años. La desmaterialización del objeto artístico. De 1966 a 1972, Lucy R. Lippard despliega una generosa compilación de citas de muchos de los artistas que dieron lugar al arte conceptual, en donde se percibe la controversia sobre su definición y las motivaciones particulares de cada artista
  10. Vásquez Rocca, Adolfo (enero-junio, 2013). «Arte conceptual y posconceptual. La idea como arte: Duchamp, Beuys, Cage y Fluxus». Nómadas 37 (1). Consultado el 27 de noviembre de 2019. 
  11. Wolf Vostell, El teatro está en la calle, 1958 El primer happening en Europa.
  12. Petra Stegmann. The lunatics are on the loose… European Fluxus Festivals 1962-1977, Down with art! Potsdam, 2012, ISBN 978-3-9815579-0-9.
  13. «Art & Language Incompleto». www.pressreader.com. La Vanguardia. Consultado el 31 de julio de 2017. 

Enlaces externos[editar]