Madonna de la Victoria

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Madonna de la Victoria
Madone VictoireMantegna.jpg
Autor Andrea Mantegna, 1496
Estilo Renacimiento italiano
Tamaño 2,85 cm × 1,68 cm
Localización Museo del Louvre, París, Francia
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La Madonna de la Victoria es una obra de Andrea Mantegna, y se conserva actualmente en el Museo del Louvre, en París.

Contexto[editar]

Fue encargada como ex voto para celebrar la victoria de Francesco II de Gonzaga contra Carlos VIII de Francia en la Batalla de Fornovo en 1495. La capilla donde estaba la obra se construyó ex novo en 1496 en la casa de un judío que había sido castigado a pagar los trabajos por haber quitado de la fachada de su casa una imagen sagrada para poner un escudo de armas de la familia, lo que se consideraba sacrilegio. Andrea Mantegna realizó la pintura. Ya había trabajado previamente para Ludovico Gonzaga, por lo que se supone que fue la razón para concederle este encargo.

La Madonna de la Victoria se conserva actualmente en el Museo del Louvre, donde llegó en 1798 cuando fue incautada por las tropas de Napoleón, y nunca regresó a Italia.

Análisis de la obra[editar]

En la Madonna de la Victoria podemos ver diferentes personajes que nos ayudan a comprender el porqué de su realización. La primera es la Virgen María, a quién está dedicado el cuadro, y que es el tema perfecto para retratarse como donante para ella, mediadora con Jesús para garantizarnos un lugar en el cielo.[1]

En primer plano Francesco Gonzaga, vestido con armadura, está arrodillado como donante y, detrás de él, el arcángel Miguel y San Andrés, uno de los primeros discípulos de Jesús (y también protector de Mantua).[2]​ Miguel, alado, con armadura y espada, es el combatiente contra el mal que expulsó a Lucifer y sus ángeles del cielo.

Al otro lado de la Virgen, San Juan Bautista como un niño (precursor de Cristo) con la cruz y la inscripción Ecce Agnus Dei/Ecce q(ui) tollit p(eccata) mundi y Santa Isabel, protectora de Isabella d'Este, esposa de Francesco. Finalmente, están representados San Jorge (con sus colores, rojo y blanco), patrón de los Templarios, y Longinos. Éste es un personaje muy importante, porque fue el centurión que lanceó a Jesús, pero después admitió su fe al ver agua y no sangre en él.

El personaje más importante es la Virgen, que protege a Francesco con su manto. El respaldo de la silla es un sol, uno de sus símbolos, y bajo el asiento hay una representación de Adán y Eva. A veces la Virgen está pisando una serpiente para limpiar el pecado (ella sería la nueva Eva) pero aquí vemos la escena del Génesis en lugar de la serpiente. Su manto es azul, simbolizando la inocencia, un recurso ampliamente utilizado. Otros símbolos de la Virgen son la rosa y el jardín cerrado.(hortus conclusus).[3]

Significado del coral en la obra[editar]

Sin embargo, uno de los elemento más simbólicos de la escena es el coral. El coral era usado como amuleto en la Antigua Grecia y en Roma, y existen mitos sobre él (como el de Ovidio sobre Medusa), así que en la Edad Media se convirtió en un amuleto con el demonio. Eso explica porqué muchos rosarios están hechos de coral. En muchas obras, como la Madonna de Senigallia (1470-1485) y Sacra Conversazione (1472), ambas de Piero della Francesca, el niño Jesús lleva un colgante de coral. Además, el coral simboliza la sangre y la vida. Esta simbología, entre otras, fue explicada con detalle por Johann Schroder.[4]

Referencias[editar]

  1. Carmona Muela, 2003, p. 182.
  2. Carmona Muela, 1998, p. 63.
  3. Stanley Stewart (1966). The enclosed garden: the tradition and the image in seventeenth-century poetry. University of Wisconsin Press. 
  4. Johann Schroder (1698). La pharmacopee raisonnée de Schroder. pp. 297-. 

Bibliografía[editar]

  • Carmona Muela, J. Iconografía cristiana, Ediciones Istmo, Madrid, 1998.
  • Ídem, Iconografía de los santos, Ediciones Istmo, Madrid, 2003.
  • De Nicoló Salmazo, A. Mantegna, Electa, MIlán, 1997.
  • Zuffi, S. Andrea Mantegna, Arnoldo Mondadori Arte, Milán, 1991.

Enlaces externos[editar]