Contrapunto

El contrapunto se refiere a una parte de la teoría musical que estudia la técnica que se utiliza para componer música polifónica mediante el enlace de dos o más melodías (también voces o líneas) independientes que se escuchan simultáneamente. El término contrapunto deriva de "punctum contra punctum","nota contra nota" o "melodía contra melodía" y por sí mismo describe el pasaje musical consistente en dos ó más líneas melódicas que suenan simultáneamente. En el canto gregoriano de la Edad Media las notas se escribían como puntos o “puncta”.

Contrapunto y polifonía

Si bien ambos términos se confunden, son conceptos distintos: en pocas palabras puede concluirse que el contrapunto es la base técnica de la polifonía. La polifonía es la textura musical en la que suenan simultáneamente dos o más melodías (la polifonía es opuesta a la homofonía) y el vocablo contrapunto se refiere a las técnicas específicas de composición de música polifónica que se utilizan para asegurar la independencia melódica de las distintas líneas o voces melódicas, asegurando la consecución del efecto musical deseado por el compositor.

La técnica del contrapunto empezó a formularse durante el renacimiento, se desarrolló al máximo durante el barroco y se ha utilizado durante el clasicismo y el romanticismo y hasta nuestros días.

También suele usarse el término polifonía con preferencia para designar a la música polifónica más antigua y el término contrapunto para la música polifónica de los periodos posteriores, es decir del siglo XVI al siglo XVIII.

Contrapunto y armonía

La escritura musical contrapuntística y la escritura musical armónica tiene un énfasis distinto. La primera es esencialmente horizontal, mientras la segunda es primordialmente vertical. El contrapunto se diferencia de la armonía por su mayor énfasis en el desarrollo lineal u horizontal de la música que se desarrolla en las distintas melodías, mientras que la armonía se ocupa primordialmente de los intervalos, las relaciones verticales entre las notas musicales. Sin embargo, contrapunto y armonía son funcionalmente inseparables ya que ambos, como elementos de un mismo sistema musical, se complementan mutuamente. Las voces melódicas tienen dimensión horizontal, pero al sonar simultáneamente, tienen también dimensión armónica vertical: ambas dimensiones se organizan convenientemente según la consonancia. Los intervalos consonantes resultan agradables al oído: la consonancia perfecta la proporcionan los intervalos de más elevado grado de fusión, que son el unísono, la cuarta y (su inversión) la quinta y la octava, sin embargo, la cuarta se fue considerando consonancia perfecta conforme avanzó el tiempo. La consonancia imperfecta, que proporciona una agradable amplitud sonora, la proporcionan los intervalos de tercera y de sexta, tanto mayores como menores (y según contextos también los de cuarta justa). Las disonancias resultan tensionantes, inestables dado que generan fricción al oído por los armónicos del acorde que se construye. Dichos intervalos son la segunda y la séptima así como las variaciones armónicas de aumentación y dismución (ej: quinta disminuida o tritono).

Voces, acentos, movimientos y reglas de marcha

La más habitual en la historia de la música es la composición a cuatro voces: bajo, tenor, contralto y soprano; tanto para la composición coral como para la música de cámara, especialmente en cuarteto de cuerda, se utiliza el arte del contrapunto para la composición con distinto número de voces, siguiendo unas reglas que pretenden mantener la independencia de las voces al tiempo en que se consigue que la composición musical resulte armónica. La técnica básica del contrapunto fija reglas para la consonancia de los intervalos de los tiempos acentuados, dejando más libertad para la evolución de las líneas entre los acentos. También existen reglas para el tratamiento de las disonancias. Por ejemplo, con sólo dos voces, hay tres posibilidades para el movimiento de las voces: movimiento directo, en el que las voces suben y bajan juntas, lo que reduce la independencia de las voces; movimiento oblicuo, en el que una de las voces no se mueve mientras la otra sube y baja y el movimiento contrario, en el que una voz sube mientras la otra baja y es la que más aumenta la independencia de las líneas melódicas. El compositor debe cuidar que en los tiempos acentuados se consiga la deseable consonancia. Evidentemente, a medida que aumenta el número de voces, se incrementa la tipología de movimientos posible. Los métodos de contrapunto, normalmente empiezan por la composición a dos voces y terminan con composiciones más complejas, con mayor número de voces. Las reglas de marcha del contrapunto, pretenden proporcionar armonía a la composición polifónica resultante de los movimientos de las voces sin perder su independencia. Las reglas proporcionan marchas favorables y evitan las marchas desfavorables, que son considerados errores de composición. Ejemplos de marchas prohibidas -por malsonantes o porque reducen excesivamente la independencia de las voces desequilibrando la composición musical-, son: marchas paralelas abiertas de primeras, quintas u octavas o marchas ocultas, en las que se alternan consonancias imperfectas y perfectas.

Formas y estructuras

Entre las formas musicales desarrolladas aplicando la técnica del contrapunto, pueden destacarse:

• la imitación libre, en la que el motivo principal es desarrollado en una voz que es imitada por una o más voces,
• la técnica canónica, en el que una o más voces imitan de forma más estricta el motivo principal. Esta imitación estricta puede ser inversa, aumentada, retrógrada, etc. resultando en la composición de un canon,
• el contrapunto múltiple, que puede ser contrapunto doble, triple, cuádruple, etc. en el que voces y contravoces se relacionan entre sí, normalmente a partir de la primera aparición del motivo principal o tema, y la sucesiva aparición y desarrollo de nuevas voces, ya sean transportadas en intervalos, apareciendo en inversión, etc. dando lugar a composiciones de menor o mayor complejidad, como la fuga, cuyos ejemplos más sofisticados pueden considerarse la culminación de la técnica contrapuntística.

Desarrollo histórico

El contrapunto forma parte esencial de la música occidental desde la Edad Media. Se desarrolló fuertemente durante el renacimiento, dominando durante buena parte del periodo del barroco, clasicismo y romanticismo, si bien su importancia relativa es decreciente a lo largo de este periodo de práctica común, a medida que se desarrollaron nuevas técnicas de composición. Se considera que la técnica del contrapunto alcanza su cénit a finales del barroco y puede decirse que alcanza su esplendor en las composiciones de Bach.

Históricamente, pueden distinguirse tres cumbres relevantes en el arte de la polifonía y el contrapunto:

• La primera época puede definirse como la de la polifonía "absoluta" del período gótico y del elaborado y virtuoso contrapunto de las escuelas franco-flamencas renacentistas que se desarrollaron a continuación.
• La segunda época es la de la música de la segunda mitad de siglo dieciséis, entre la que destaca la obra de Palestrina y de Orlando di Lasso
• La tercera época es el barroco, del que el paradigma es el compositor alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750).

La primera época mantiene actualmente un interés casi exclusivamente musicológico. Sin embargo, Palestrina y sobre todo Bach, han mantenido pleno interés para músicos y audiencias, habiéndose convertido en referentes indiscutibles de la polifonía y del contrapunto.

Bach utilizó y desarrolló magistralmente las técnicas del contrapunto. Por ejemplo, en composiciones suyas para clave, como El arte de la fuga, El clave bien temperado y la Ofrenda musical. También en sus composiciones orquestales y corales, entre las que cabe destacar La pasión según San Mateo, el contrapunto es un recurso básico.

También, cuando se analiza la obra de Mozart (1756-1791) se percibe la época en la que descubre y estudia la obra de Bach por el modo en que empieza a utilizar recursos de contrapunto.

El adiestramiento en la técnica contrapuntística forma parte troncal de la formación de los músicos occidentales, siendo utilizada por la mayoría de los compositores, por sus variadas aplicaciones, entre las que están: incrementar el interés de las partes internas de la composición en general, hacer más vivas e interesantes las partes secundarias en orquestaciones y arreglos, mejorar decisivamente la calidad de la música coral y de cámara, sofisticando la distribución del interés de las partes entre los distintos ejecutantes y aumentando la fluidez y variedad en las transiciones. En este sentido, es evidente la utilización de los recursos del contrapunto por los más grandes compositores de la historia en casi toda su obra coral así como, en general, en la mayoría de sus cuartetos de cuerda y composiciones para otras formaciones camerísticas derivadas, entre los que cabe destacar, los cuartetos de cuerda de Haydn, Mozart, Beethoven, con ejemplos tan evolucionados como su célebre Gran Fuga op.133, para cuarteto de cuerda, etc. También se dice que cuando el compositor alemán Johannes Brahms se aburría, se ejercitaba en el contrapunto. Brahms utilizó mucho la fuga, como por ejemplo en su Deutsches Requiem. El uso del contrapunto llega hasta nuestros días, con especial énfasis en el jazz.

Bibliografía

• El contrapunto del siglo XX, guía para estudiantes, Humphrey Searle. Vergara. Barcelona, 1957.
• Counterpoint, Walter Piston. Victor Gollancz. Nueva York, 1979. ISBN 0-575-00169-0

Enlaces externos

• Curso de contrapunto riguroso, por Michel Baron

• Wikcionario tiene definiciones y otra información sobre contrapunto.