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Usuario:Prokovinski/Taller

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Escultura italiana[editar]

Il Nilo della Fontana dei Quattro Fiumi, de Bernini
Gian Lorenzo Bernini, La verdad revelada por el tiempo, escultura. Roma, Galleria Borghese. Foto de Paolo Monti.
Oratorio di Santa Cita, Giacomo Serpotta

En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia; las formas humanas, con movimientos dinámicos y dramáticos, giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío, o giraban en espiral hacia el espacio circundante. 

La escultura barroca añadió elementos extraescultóricos característicos, como luces ocultas o fuentes de agua, o efectos extravagantes, como cortinas arremolinadas o dorados brillantes [1] . 
La verdadera estética barroca ("barroco completo") fue adoptada en el sur de Europa, en el norte de Europa tuvo lugar una especie de compromiso barroco clásico ("barroco restringido").

La estética del Barroco pleno se desarrolló durante el período del Barroco temprano (ca. 1600-1625) y culminó durante el período tardío (ca. 1625-1675). En ambos períodos Italia jugó un papel preponderante. La estética barroca sobria alcanzó su apogeo durante el período del Barroco tardío (ca. 1675-1725). La época barroca terminó con el nacimiento, en Francia, del estilo rococó (ca. 1725-1800), llamado rocaille más allá de los Alpes, en el que la violencia y el drama del barroco se calmaron en un dinamismo dulce y lúdico. El Barroco tardío y el Rococó vieron a Francia como teatro principal [1] . A partir de 1750, surgió gradualmente en Francia un movimiento de regreso al clasicismo, conocido como neoclasicismo, como reacción contra los excesos de la rocaille. Sin embargo, la estética rococó se mantuvo hasta 1770.

Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652), de Gian Lorenzo Bernini (capilla Cornaro de la iglesia de Santa María de la Victoria, Roma)
Fontana de Trevi (1732-1751), de Nicola Salvi con la colaboración de Pietro Bracci, Filippo della Valle y Giovanni Pannini, una de las últimas obras barrocas

La escultura barroca italiana es la escultura que se realizó en la actual Italia asociada al estilo barroco, en el periodo comprendido entre principios del siglo siglo XVII y mediados del siglo XVIII. La escultura barroca siguió a la escultura renacentista y manierista y fue sucedida por la escultura rococó y la neoclásica. Roma, la sede papal, fue el primer centro donde se formó el estilo, que luego se difundió por las principales ciudades italianas y alcanzó después al resto de Europa.

La característica común de todo ese movimiento artístico es el lenguaje fuerte, visceral, en busca del efecto y la atención del público: una poética hecha para estremecer y convencer a fieles y súbditos: algo de la eternidad e inviolabilidad de la institución eclesiástica; los demás, del enorme poder alcanzado por los gobernantes. El lenguaje artístico que celebraba los dos poderes se expresaba en registros enfáticos y rimbombantes, tanto más gritados cuanto más demostraba la ciencia la infinita pequeñez del hombre ante la inmensidad del Universo.

En Italia destacó sobremanera Gian Lorenzo Bernini, que causó tal impacto que fue apodado el «segundo Miguel Ángel»,[1]​[Nota 1]​ escultor de formación aunque trabajase como arquitecto por encargo de varios papas. Influido por la escultura helenística —que en Roma podía estudiar a la perfección gracias a las colecciones arqueológicas papales—, logró una gran maestría en la expresión del movimiento, en la fijación de la acción parada en el tiempo. Fue autor de obras tan relevantes como Eneas, Anquises y Ascanio huyendo de Troya (1618-1619), El rapto de Proserpina (1621-1622), Apolo y Dafne (1622-1625), David lanzando su honda (1623-1624), el Sepulcro de Urbano VIII (1628-1647), Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652), la fuente de los Cuatro Ríos en la piazza Navona (1648-1651) y Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674).[2]​ En el taller de Bernini se formaron Antonio Raggi y Ercole Ferrata (La muerte en la hoguera de Santa Inés, 1660).

El gran rival de Bernini de las décadas centrales del siglo XVII fue Alessandro Algardi, formado en la escuela boloñesa, de corte clásico (Decapitación de San Pablo, 1641-1647; El papa San León deteniendo a Atila, 1646-1653). Otros escultores de la época fueron: Stefano Maderno, a caballo entre el manierismo y el barroco (Santa Cecilia, 1600); François Duquesnoy, flamenco de nacimiento, pero activo en Roma (San Andrés, 1629-1633).[3]​

En Génova destacó Filippo Parodi; en Nápoles, Giuseppe Sanmartino, Francesco Queirolo[4]​ y Antonio Corradini, autores de tres extraordinarias obras para la capilla Sansevero[5]​ donde demuestran un extraordinario virtuosismo en la representación de cuerpos velados o envueltos en una red: el Cristo velato,[6]​ el Disinganno[7]​ y la Pudicizia[8]​ (las tres datables entre 1752 y 1753); en Sicilia, Giacomo Serpotta (decoración al estuco de oratorios en Palermo).

La figura dominante de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del papa Urbano VIII, realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y figuras cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como bustos de excepcional realismo y obras altamente decorativas para el Vaticano, como la imponente Cátedra de San Pedro bajo la cúpula de la Basílica de San Pedro. Además, diseñó fuentes con grupos escultóricos monumentales para decorar las principales plazas de Roma.[11]​​

La escultura barroca se inspiró en las antiguas estatuas romanas, en particular en la famosa estatua de Laocoonte y sus hijos del siglo I d.C., que fue desenterrada en 1506 y expuesta en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la recién fundada Academia real de pintura y de escultura, aconsejándoles que trabajaran a partir de modelos clásicos, en lugar de hacerlo a partir de la naturaleza. Les dijo: «Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté a Antinous como a un oráculo».[12]​ Esa estatua de Antínoo se conoce hoy como el Hermes del Museo Pio-Clementino.

Características generales[editar]

Las características más destacables de la escultura barroca italiana, como la de toda la escultura barroca en general, son:

  • naturalismo, es decir, la representación de la naturaleza tal y como es, sin idealizarla.
  • integración en la arquitectura, que le permite obtener unos entornos de cierta intensidad teatral;
  • esquemas compositivos libres del geometrismo y de la proporción equilibrada propios de la escultura del Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el movimiento; se proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la helice o serpentinata, y el uso de multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y ampulosidad de los ropajes, en el contraste de texturas y superficies, llegando a veces a la realización con distintos materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.
  • representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido mediante una composición asimétrica, donde predominan las diagonales y serpentinatas, las poses sesgadas y oblicuas, el escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresividad.
  • gran pluralidad de temas (religiosos, funerarios, mitológicos, retratos, etc.) incluso en los países católicos, y aun considerando que la identificación del Barroco con un "arte de la Contrarreforma" fue adecuado al sentimiento de la devoción popular;
  • la manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la ornamentación de espacios interiores y exteriores de los edificios, así como de los espacios abiertos, tanto privados (jardines) como públicos (plazas). Las fuentes fueron un tipo escultórico que se acomodó muy bien con el estilo barroco.

Contexto histórico y social[editar]

Artículos principales: El dominio extranjero y la Unificación (s. XVI al XIX e Italia bajo dominio extranjero.

El contexto político en Italia durante los siglos XVI y XVII no corresponde al de una nación unificada, sino que estuvo caracterizado por la fragmentación territorial, la dominación extranjera (español, 1559-1714; Borbones y Habsburgos, 1712-1796) y los conflictos entre potencias europeas: la guerra de los Treinta Años (1618-1648) y las guerras franco-españolas, con solo algunas batallas en territorio italiano, afectaron indirectamente a los estados italianos a través de cambios en las dinámicas de poder local y en las alianzas y el equilibrio de poder en Europa. El mosaico de estados independientes, y territorios dominados por potencias extranjeras, era el siguiente:

  • en el norte, el Ducado de Milán, bajo dominio español de los Habsburgo, gobernaba una región, rica y estratégicamente importante, que desempeñaba un papel crucial en las políticas de dominación europea.
  • en el noreste, la república de Venecia, una poderosa ciudad-estado marítima que mantenía su independencia y prosperidad comercial, siendo también un centro cultural y artístico importante durante el Barroco.
  • en la Toscana, el Gran Ducado de Toscana, con Florencia como capital, estaba gobernada por la dinastía Medici, y continuaba siendo un centro de poder y cultura, aunque su influencia política estaba en declive comparado con los siglos anteriores. Los Medici, como mecenas del arte, continuaron apoyando la producción artística, aunque el foco cultural de Italia se desplazó hacia Roma y el sur.
  • en el centro, los Estados Pontificios gobernados por el papa, con Roma como sede y capital, fueron un poder político y religioso significativo que desempeñó un papel crucial en el fomento del arte barroco. Los papas de la Contrarreforma, como Sixto V y Urbano VIII, impulsaron grandes proyectos urbanos, arquitectónicos y artísticos en Roma para gloria de la Iglesia católica. Se edificaron iglesias, plazas y palacios grandiosos, con monumentos emblemáticos como la Basílica de San Pedro y la decoración del Vaticano, con artistas como Gian Lorenzo Berninii, Francesco Borromini y Caravaggio a la vanguardia que redefinieron la arquitectura, la escultura y la pintura.
  • en el sur, el Reino de Nápoles y el Reino de Sicilia, también estaban bajo el dominio español, lo que consolidaba la influencia española en gran parte de la península italiana. Los Habsburgo, a través del Imperio Español, ejercieron un considerable control sobre vastas áreas de la península, teníendo un impacto significativo en la política y la economía italianas.

Esta compleja situación política, a menudo conflictiva, fomentó un ambiente en el que los pequeños estados querían expresar su identidad y competían por la influencia y el prestigio a través del arte y la arquitectura, un periodo de esplendor y innovación en el que la cultura barroca pudio florecer de manera extraordinaria. También hubo un florecimiento del mecenazgo artístico. La nobleza y el clero financiaban proyectos artísticos para mostrar su poder y prestigio. En Roma, los papas fueron grandes mecenas del arte barroco, mientras que en otras regiones como Florencia y Venecia, las familias nobles y los gobernantes locales también patrocinaban a artistas, arquitectos y músicos.

El Barroco italiano emergió en el contexto de la Contrarreforma y no fue solo un fenómeno artístico, sino también social y político. El Concilio de Trento (1545-1563), en respuesta a la Reforma protestante, fijó unas directrices claras que debía seguir el arte religioso católico que tuvieron un impacto profundo y duradero en la historia del arte europeo. Con esa orientación artística se buscaba revitalizar a la Iglesia católica y reafirmar su autoridad, empleando el arte como vehículo esencial para recuperar a los fieles y comunicar la fe y los valores católicos, evocando emociones profundas e inmediatas. Las directrices y propósitos del arte religioso derivados del Concilio eran:

  • didáctico y devocional: el arte debía ser claro, comprensible y accesible para todos los fieles, sirviendo como herramienta educativa sobre la doctrina católica y promoviendo la piedad y devoción. Esto se reflejaba en imágenes directas y narrativas bíblicas que transmitían enseñanzas religiosas.
  • evocación emocional: las obras debían inspirar una respuesta emocional profunda para fomentar la devoción y la fe. Esto llevó al desarrollo de un estilo dramático y emotivo, característico del arte barroco.
  • claridad y decoro en las representaciones religiosas, evitando cualquier cosa que pudiera ser considerada profana o confusa. Las imágenes debían ser respetuosas y adecuadas para su propósito sagrado.

Esta orientación tuvo un efecto transformador en el arte, , con su capacidad de integrar lo emocional y lo sensorial, que condujo a un arte barroco caracterizado por:

  • realismo y naturalismo: para hacer las escenas religiosas más accesibles y emotivas, los artistas adoptaron un enfoque más realista y naturalista. Esto permitió que los fieles se identificaran más fácilmente con las figuras y eventos sagrados representados.
  • dramatismo y movimiento: Las composiciones dinámicas y el uso de la luz y la sombra (claroscuro) aumentaron el dramatismo de las escenas, como se ve en las obras de Caravaggio. Las posturas expresivas y el movimiento contribuyeron a la teatralidad y a la implicación emocional del espectador.
  • énfasis en lo sagrado: Los artistas prestaron especial atención a los detalles que subrayaban la santidad de las figuras religiosas, como halos luminosos, colores vibrantes y escenarios celestiales. Las representaciones de santos, mártires y eventos milagrosos estaban diseñadas para inspirar reverencia y admiración.
  • Obras monumentales y espacios decorativos: En arquitectura, la influencia del Concilio de Trento llevó a la creación de iglesias impresionantes y decoradas con abundancia. Los interiores de las iglesias estaban ricamente adornados con frescos, estatuas y altares que narraban historias sagradas y celebraban la gloria divina.

Ejemplos notables Gian Lorenzo Bernini: Sus esculturas como el "Éxtasis de Santa Teresa" combinan el realismo con una emotividad intensa, capturando momentos de fervor religioso y misticismo. Caravaggio: Su uso del claroscuro y su enfoque en el realismo crudo y emocional en pinturas como "La Crucifixión de San Pedro" y "La Conversión de San Pablo" ejemplifican las directrices del Concilio. Pietro da Cortona: Sus frescos en iglesias como Santa Maria in Vallicella en Roma muestran la exuberancia y la teatralidad del barroco, con narrativas bíblicas y santos presentados de manera dinámica y celestial.

Orígenes[editar]

Rapto de las sabinas de Giambologna (1581-1583), Piazza della Signoria, Florencia

El estilo barroco surgió de la escultura renacentista que, basándose en la escultura clásica griega y romana, había idealizado la forma humana. Esto fue modificado por el manierismo , cuando los artistas se esforzaron por darle a sus obras un estilo único y personal. El manierismo introdujo la idea de esculturas con fuertes contrastes; juventud y edad, belleza y fealdad, hombres y mujeres. El manierismo también introdujo la figura serpentina, que se convirtió en una característica importante de la escultura barroca. Se trataba de la disposición de figuras o grupos de figuras en una espiral ascendente, lo que daba ligereza y movimiento a la obra.[13]​

Miguel Ángel había introducido la figura serpentina en El Esclavo moribundo (1513-1516) y el Genio de la Victoria (1520-1525), pero esas obras debían verse desde un único punto de vista. Obra de finales del siglo XVI del escultor italiano Giambologna , El rapto de las sabinas (1581-1583). introdujo un nuevo elemento; esta obra estaba destinada a ser vista no desde uno, sino desde varios puntos de vista, y cambiaba según el punto de vista. Esto se convirtió en una característica muy común en la escultura barroca. La obra de Giambologna tuvo una fuerte influencia en los maestros de la época barroca, particularmente en Bernini.[13]​

Otra influencia importante que condujo al estilo barroco fue la Iglesia católica, que buscaba armas artísticas en la batalla contra el ascenso del protestantismo. El Concilio de Trento (1545-1563) otorgó al Papa mayores poderes para guiar la creación artística y expresó una fuerte desaprobación de las doctrinas del humanismo, que habían sido fundamentales para las artes durante el Renacimiento.[14]​ Durante el pontificado de Pablo V (p. 1605-1621), la iglesia comenzó a desarrollar doctrinas artísticas para contrarrestar la Reforma y encargó a nuevos artistas que las llevaran a cabo.

Bernini y la escultura barroca romana[editar]

Roma siguió siendo el centro de mayor atracción para cualquier artista en busca de fortuna durante todo el siglo XVII. Las amplias políticas clientelistas impulsadas por Urbano VIII , Inocencio A esto hay que añadir la inmensa riqueza de cardenales y altos prelados, que a menudo confiaban a los artistas el papel de promover su imagen ante los contemporáneos y la posteridad. Arquitectos, escultores y decoradores rehicieron las fachadas de edificios sagrados y civiles, modernizaron sus interiores y crearon plazas y fuentes monumentales. De todas las obras, el foco principal de toda esa época fue la nueva Basílica de San Pedro .

La figura dominante de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Era hijo de un escultor florentino, Pietro Bernini , que había sido llamado a Roma por el papa Pablo V. El joven Bernini hizo sus primeras obras en solitario a la edad de quince años. Entre 1618 y 1625 recibió un importante encargo de estatuas para decorar la villa del cardenal Scipione Borghese Colonna. Sus obras, muy dramáticas, diseñadas para ser vistas desde múltiples puntos de vista y haciendo uso de una composición en espiral ascendente, tuvieron un inmenso impacto en la escultura europea.

Entre 1618 y 1625, Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro grupos borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese: Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619), basado en la Eneida, que llamó la atención de los mecenas más poderosos de Roma, que se quedaron atónitos por el talento que tenía el joven; el Rapto de Proserpina (1621-1622), el David (1623-1624) y Apolo y Dafne (1622-1625). Son obras monumentales que marcarían una nueva dirección en la carrera de Bernini. Las cuatro permanecen actualmente en la Galería Borghese de Roma.

Continuó dominando la escultura italiana a través de sus obras en fuentes romanas, del importante encargo en 1623 del recien nombrado papa Urbano VIII (p. 1623-1644), del que llegará a ser su artista preferido Baldaquino de San Pedro (1623-1634), obra en bronce de una altura de 28,5 m, y la tumba del Papa Alejandro VII (1628) dentro de la Basílica de San Pedro, y su conjunto de altar para la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Recibió su último encargo de escultura para la Fuente del Elefante (1665-1667), seguido de una serie de ángeles para el puente Sant'Angelo en Roma (1667-1669).[15]​ Bernini murió en 1680, pero su estilo influyó en los escultores de toda Europa, particularmente en Francia, Baviera y Austria.

Maderno, Mochi y demás escultores barrocos romanos[editar]

Santa Cecilia (1599), de Stefano Maderno, basílica de Santa Cecilia en el Trastevere (Roma)

Los generosos encargos papales convirtieron a Roma en un imán para los escultores de Italia y de toda Europa. Decoraron iglesias, plazas y, una especialidad de Roma, las nuevas y populares fuentes creadas por los papas en la ciudad. Stefano Maderno (1576-1636), originario de Bissone en Lombardía, es considerado uno de los artistas que marcó el inicio de la transición entre el Alto renacimiento (Manierismo) y el Barroco.[16]​ Inició su carrera realizando copias en tamaño reducido de obras clásicas en bronce. Su principal obra a gran escala fue una estatua de Santa Cecilia (1600, para la basílica de Santa Cecilia en el Trastevere (Roma). Representa al cuerpo de la santa, recién descubierto, que yace estirado, como si estuviera en un sarcófago, mostrando naturalidad y ninguna postura teatral, evocando una sensación de patetismo.[15]​ Con esta escultura, que era una reconvención a las complicaciones manieristas, obtuvo inmediatamente popularidad y reconocimiento.

Monumento ecuestre de Alessandro Farnese (1612-1620) de Francesco Mochi (piazza Cavalli, Piacenza)

Otro escultor romano importante fue Francesco Mochi (1580-1654), nacido en Montevarchi, cerca de Florencia. Una de sus primeras obras, el gran mármol de La Anunciación (1603-1608) para la catedral de Orvieto (ahora en el Museo dell'Opera, Orvieto), es considerada una de primeras del barroco. Mochi combinó sabiamente el estilo toscano con el manierismo realista del norte de Italia. Las figuras emanan una gran energía y frescura, consiguiendo imprimir en toda la obra una nueva vitalidad que anunciaba nuevos tiempos. También hizo una célebre estatua ecuestre de bronce de Alejandro Farnesio para la plaza principal de Piacenza (1620-1625) y una vívida estatua de Santa Verónica para la basílica de San Pedro, tan lograda que parece estar a punto de saltar del nicho.[15]​

Tumba del papa León XI (1640-1644) en el Vaticano, de Alessandro Algardi

Destacó también el boloñés Alessandro Algardi (1598-1654), cuyo primer encargo importante fue la tumba del papa León XI (1640-1644) en el Vaticano. Se le consideraba un rival de Bernini, aunque su obra era similar en estilo. Sus otras obras importantes incluyeron un gran bajorrelieve esculpido del legendario Encuentro entre el papa León I y Atila el Huno (1646-1653), en el que el papa persuadió a Atila de no atacar Roma.[15]​ Algardi murió en Roma al año siguiente de haber completado este famoso relieve, que fue muy admirado por los contemporáneos. En sus últimos años Algardi controló un gran taller y amasó una gran fortuna. El estilo clasicista de Algardi fue seguido por sus discípulos (incluyendo a Ercole Ferrata y Domenico Guidi; Antonio Raggi inicialmente se formó con él). Discípulo de Ferrata fue Melchiorre Cafà (Éxtasis de Santa Catalina, Monte Magnanapoli).

El escultor flamenco François Duquesnoy (1597-1643) fue otra figura importante del barroco italiano. Fue amigo del pintor Poussin y fue especialmente conocido por su estatua de Santa Susana en Santa María de Loreto en Roma, y ​​su estatua de San Andrés (1629-1633) en el Vaticano. Fue nombrado escultor real de Luis XIII de Francia, pero murió en 1643 durante el viaje de Roma a París.[15]​

Los principales escultores del período tardío fueron Nicola Salvi (1697-1751), cuya obra más famosa fue el diseño de la Fontana de Trevi (1732-1751). La fuente también contenía obras alegóricas de otros destacados escultores barrocos italianos, entre ellos Filippo della Valle, Pietro Bracci y Giovanni Grossi. La fuente, en toda su grandeza y exuberancia, representó el acto final del estilo barroco italiano.[15]​


Otros escultores barrocos italianos[editar]

Florencia, al igual que Venecia, recibió en el siglo XVII la influencia de los artistas del siglo anterior. Emblemática en este sentido fue la escultura, con Giambologna y sus alumnos ( Pietro y Ferdinando Tacca , Clemente y Giovanni Francesco Susini ), que continuaron un gusto manierista mucho más allá de mediados de siglo, al menos hasta que Cosimo III envió a Giovan Battista Foggini a actualizarse. en Roma. No es casualidad que los escultores toscanos más originales de las primeras décadas del siglo, como Pietro Bernini o Francesco Mochi , encontraran encargos en otros lugares.

Durante el siglo XVII, Venecia sufrió una crisis debido al desplazamiento del centro de gravedad del tráfico mercantil, del Mediterráneo al océano Atlántico . El estancamiento se manifestó en una disponibilidad más limitada para los encargos artísticos, a excepción de algunas obras como la Basílica della Salute de Baldassare Longhena , un autor hasta entonces anclado en el ejemplo de los maestros del siglo anterior, como Jacopo Sansovino. , Palladio y Vincenzo Scamozzi (como en Fondamente Nove ). La sobrecargada decoración de la nueva fachada de San Moisè , de Alessandro Tremignon (1688), demuestra cómo el estilo barroco luchaba por encontrar su completa declinación en la Laguna.

Artículo principal: Barroco genovés

Génova también se vio afectada por la crisis ligada al comercio en el Mediterráneo, pero el siglo XVII se abrió con continuidad con la época dorada del siglo anterior. La apertura de via Balbi propició la construcción de edificios fabulosos, de mesurada sobriedad en el exterior y suntuosa exuberancia en el interior. En la escultura , Pierre Puget , Anton Maria Maragliano y Filippo Parodi supieron combinar monumentalidad y virtuosismo, con un modelado extremadamente suave y una acentuación del patismo.


Escultores[editar]

barroc milanés[editar]

Galleria degli arazzi con los frescos de Tiepolo del Palazzo Clerici: uno de los interiores más significativos del panorama barroco milanés.

Por barroco en Milán[17]​ se entiende el estilo artístico dominante entre el Seicento y la primera mitad del Settecento en la ciudad. De hecho, gracias a la obra de los cardenales Borromeo y a su importancia en los dominios italianos, primero españoles y luego austriacos, Milán vivió una animada temporada artística[18]​ en la que asumió el papel de motor del barroco lombardo.[19]​

Características generales[editar]

Via Durini en Milán: Palazzo Durini, Casa Toscanini y la iglesia de Santa Maria della Sanità

La experiencia del barroco milanés se puede dividir en tres partes: el primer Seicento, el segundo Seicento y el Settecento.

El primer Seicento comenzó con el nombramiento de Federico Borromeo como obispo de Milán en 1595[Co. 1]​ en continuidad con la obra de su primo Carlo: en esta primera fase los principales exponentes de la pintura milanesa fueron tres, Giovan Battista Crespi, conocido como il Cerano, Giulio Cesare Procaccini y Pier Francesco Mazzucchelli, conocido como il Morazzone. En esta primera fase, la evolución del nuevo estilo barroco sigue continuamente al arte manierista tardío difundido en Milán en la época de Carlo Borromeo; de hecho, la formación de los tres pintores se desarrolló sobre los modelos del tardomanierismo toscano y romano de il Cerano e il Morazzone, mientras que il Procaccini se formó sobre los modelos emilianos.[Co. 1]​ Desde el punto de vista arquitectónico, los encargos religiosos dominaban la escena, ya que la dominación española prestó más atención a las obras de utilidad militar que civil;[Te. 1]​ muchas iglesias preexistentes fueron completamente reconstruidas y decoradas en estilo barroco, y otras tantas fueron construidas a partir de nuevo:[20]​ si el estilo barroco fue introducido en Milán por Lorenzo Binago, hubo otros dos arquitectos principales que compartieron escena en la época, a saber, Fabio Mangone, con líneas más clásicas y por esta razón elegido a menudo para los encargos de Federico Borromeo,[Te. 2]​ y Francesco Maria Richini conocido simplemente como il Richini, con líneas más inspiradas en el primer barroco romano.[21]​ Una vez superado este dualismo, Richini representa sin duda el mayor arquitecto del Milán seicentesca,[Te. 3]​ y para encontrar una figura tan prestigiosa en la arquitectura milanesa habra que esperar hasta la llegada de Giuseppe Piermarini.

Giulio Cesare Procaccini - Retrato de Federico Borromeo (1610), Museo diocesano de Milán

La segunda fase del Barroco, que comenzó aproximadamente después de principios de la década de 1630, se inició después de un breve interludio lleno de acontecimientos significativos: en primer lugar, los principales intérpretes del movimiento desaparecieron entre 1625 ( Gulio Cesare Procaccini) y 1632 (Cerano), y a esto se suma la muerte del cardenal Federico Borromeo, una de las figuras más importantes del Seicento lombardo, y sobre todo la gran peste manzoniana de 1630, que redujo a la mitad la población de la ciudad, golpeando entre las miles de víctimas a la joven promesa de la pintura milanesa Daniele Crespi,[22]​ que provocará, entre otras cosas, el cierre de la Academia Ambrosiana, fundada en 1621 por Federico Borromeo para formar a jóvenes artistas para la escuela milanesa, en la que empleó a los principales intérpretes del primer barroco, sobre todo il Cerano y Fabio. Mangone, como enseñantes.[Co. 2]​

La pintura del segundo Seicento fue pues completamente renovada en sus intérpretes, viendo la obra de los hermanos Giuseppe e Carlo Francesco Nuvolone, Francesco Cairo, Giovan Battista Discepoli y otros; en este caso jugaron un papel fundamental tanto la ya cerrada Accademia Ambrosiana, que primero dio cierta continuidad al estilo y luego reabrió unos años,[Co. 3]​ como el trabajo de artistas del resto de Italia de la escuela emiliana en algunos obras de construcción, genovesas y venecianas [9]. La arquitectura, con el fallecimiento de Fabio Magone, ve la obra de Francesco Richini, que permaneció casi inigualable en su producción milanesa [11], flanqueado por intérpretes menores como Gerolamo Quadrio y Carlo Buzzi [7]. Gracias a este último hecho, las creaciones de este período rompieron por completo con las influencias manieristas, para acercarse a una experiencia marcadamente barroca, con influencias de las escuelas emiliana, genovesa y romana. El último cuarto de siglo vio la apertura de la segunda Academia Ambrosiana, reabierta en 1669 [12] bajo la dirección de Antonio Busca, alumno de Carlo Francesco Nuvolone, y Dionigi Bussola [13], quienes junto con la recién fundada Academia Milanesa de San Luca, ligada a la academia romana del mismo nombre, contribuyó al retorno de una corriente clasicista ligada a las escuelas boloñesa y romana [12]. La pittura nel secondo Seicento venne quindi completamente rinnovata nei suoi interpreti, vedendo l'operato dei fratelli Giuseppe e Carlo Francesco Nuvolone, Francesco Cairo, Giovan Battista Discepoli e altri; in questo caso giocarono un ruolo fondamentale sia l'ormai chiusa Accademia Ambrosiana, che diede prima una certa continuità nello stile per poi riaprire alcuni anni,[Co. 3]​ sia l'operato in alcuni cantieri di artisti provenienti dal resto d'Italia di scuola emiliana, genovese e veneta[22]​. L'architettura, con la scomparsa di Fabio Magone, vede l'operato di Francesco Richini, che restò quasi senza rivali nella sua produzione milanese[23]​, affiancato da interpreti minori come Gerolamo Quadrio e Carlo Buzzi.[Te. 2]​ Grazie a quest'ultimo fatto, le realizzazioni di questo periodo ruppero completamente con le influenze manieristiche, per avvicinarsi ad un'esperienza marcatamente barocca, con influenze dalla scuola emiliana, genovese e romana. L'ultimo quarto di secolo vide l'apertura della seconda Accademia Ambrosiana riaperta nel 1669[Te. 4]​ sotto la direzione di Antonio Busca, allievo di Carlo Francesco Nuvolone, e Dionigi Bussola,Error en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> e al ritorno dei grandi cantieri privati cittadini: la vivacità dei cantieri portò ad un maggior numero di interpreti di spessore, tra i quali Giovanni Battista Quadrio, Carlo Federico Pietrasanta, Bartolomeo Bolla, Carlo Giuseppe Merlo e Francesco Croce, a cui si aggiunse il romano Giovanni Ruggeri, molto attivo in tutta la Lombardia.[Te. 1]​ Nella pittura spiccano i lavori di Giambattista Tiepolo per la "pittura di storia" e di Alessandro Magnasco per la pittura di genere,[Co. 4]​ entrambi non lombardi: questa fase segnò un mutamento del gusto delle committenze, che preferirono artisti di scuola non lombarda, su tutte quella veneta, ritenuta all'epoca più prestigiosa. A Settecento inoltrato si assiste ad un periodo in cui le linee del barocco vengono mitigate dall'incombente neoclassicismo, fino chiudere la stagione barocca milanese con il pittore Francesco Londonio, alla cui morte nel 1783 la città di Milano era già nel pieno dell'età dei lumi, in piena stagione neoclassica..

Principios del Seicento[editar]

La primera parte del Seicento representa el período de transición entre el manierismo y las primeras fases del Barroco, aunque no faltan ejemplos ya maduros del lenguaje barroco de la época. Para el particular período, en el que el legado de Carlo Borromeo aún era fuerte y en el que los intereses del gobierno español se centraban en aspectos más militares y estratégicos, el arte y la arquitectura religiosos lideraron la transición hacia el nuevo gusto barroco.

La Ambrosiana[editar]

Artículos principales: Federico Borromeo, Pinacoteca Ambrosiana y Biblioteca Ambrosiana.
Vestíbulo de la Ambrosiana

Federico Borromeo fue uno de los principales impulsores de la cultura y el arte lombardos en los años de su cardenalato: en este sentido tuvo una gran influencia la educación romana del cardenal, durante la cual tuvo la oportunidad de entrar en contacto con los mejores artistas de la época, convirtiéndose en un gran entusiasta del arte y coleccionista.[24]​ De este interés suyo nació la idea de crear en la ciudad un centro cultural para la formación de artistas y escritores según los cánones de la contrarreforma,[25]​ para quienes se pondrían a disposición pinturas y textos, así como así como docentes, con el fin de promover el arte y la cultura dentro de la ciudad.[26]​

Las obras del complejo comenzaron en 1603: después de haber comprado y demolido un bloque de viviendas en la zona de la plaza San Sepolcro, los planos del palacio de la Ambrosiana fueron confiados al arquitecto Lelio Buzzi, quien inició las obras directamente el mismo año; las obras, que continuaron con diversas modificaciones hasta 1630, pasaron de manos de Alessandro Tesauro y finalmente a Fabio Mangone.[27]​[28]​ La fachada se completó en 1609: la entrada hacia el centro consta de un vestíbulo salpicado por tres tramos de pilares dóricos que rematan en el arquitrabe, en el que está grabada la inscripción BIBLIOTHECA AMBROGIANA; el escudo de Borromeo está tallado en un tímpano triangular que corona el vestíbulo [25]. Muchos contemporáneos de Borromeo comentaron positivamente la solución clásica de la estructura, que incluso fue definida como "una época de las musas" por el teólogo Luigi Rossi [26], elogiada por el "vestíbulo de estilo romano" y el "estilo antiguo". peristilo arquitravado" de Ambrogio Mazenta[29]​ o comparado con la arquitectura de la Roma imperial por su «solidez y majestuosidad» de Girolamo Borsieri.[30]​ 

 La facciata fu completata nel 1609: l'ingresso verso il centro è costituito da un vestibolo scandito da tre campate di pilastri dorici che terminano sull'architrave, in cui è incisa la scritta BIBLIOTHECA AMBROGIANA; lo stemma dei Borromeo è scolpito su un timpano triangolare che corona il vestibolo[31]​. In molti contemporanei del Borromeo commentarono positivamente la soluzione classicheggiante della struttura, che venne addirittura definita "un tempo delle muse" dal teologo Luigi Rossi[32]​, elogiata per il "vestibolo alla romana" e il "peristilio architravato all'antica" da Ambrogio Mazenta[33]​ o ancora paragonata alle architetture di Roma imperiale per "solidità e maestosità" da Girolamo Borsieri[34]​.
Jan Brueghel - Florero con joyas, monedas y conchas (1606), Pinacoteca Ambrosiana

La primera estructura fue la biblioteca en 1609;[26]​ en el momento de su inauguración contaba con quince mil manuscritos y treinta mil obras impresas,[35]​[36]​ muchas de las cuales habían pertenecido anteriormente a la vasta colección privada del cardenal Borromeo, que incluía piezas de Europa y Asia: fue una de las primeras bibliotecas públicas de Europa, y la actividad bibliotecaria estuvo acompañada de una imprenta y una escuela para el estudio de lenguas clásicas y de lenguas orientales;[37]​ este fue el primer paso en la creación del vasto centro cultural y museístico de la Ambrosiana.[24]​ 

Tale fatto non deve stupire in quanto in accordo con la dottrina Tridentina del Borromeo, che attribuiva all'arte un ruolo fondamentale nella diffusione della religione cattolica: più curiosa invece era la passione del cardinale per i dipinti a carattere naturale come nature morte e paesaggi, per gran parte di artisti stranieri[38]​, nella cui categoria si possono includere poco meno del 30% delle opere[39]​. Attualmente di proprietà della pinacoteca, dell'epoca trattata si può citare la vasta collezione di pittura seicentesca lombarda, che comprende tele di Giulio Cesare Procaccini, Giuseppe Vermiglio, il Morazzone e Carlo Francesco Nuvolone,[Co. 5]​ e la sezione di pittura fiamminga con opere di Paul Brill e Jan Brueghel il Vecchio.

La segunda estructura en hacer su aparición fue el Museo Ambrosiano, precursor de la actual Pinacoteca Ambrosiana, en 1618, creado a partir de la colección privada de pinturas, grabados, esculturas y dibujos de diversos tipos del cardenal Borromeo:[40]​ la colección inicial incluía 172 obras, de las cuales casi la mitad tenían como tema historias de la tradición cristiana o temas devocionales.[39]​ Este hecho no debería sorprender, ya que está de acuerdo con la doctrina tridentina de Borromeo, que atribuía al arte un papel fundamental en la difusión de la religión católica:[41]​ más curiosa era sin embargo la pasión del cardenal por las pinturas naturales, como las naturalezas muertas y los paisajes., en su mayoría de artistas extranjeros [35], en cuya categoría podemos incluir algo menos del 30% de las obras [33]. Actualmente propiedad de la pinacoteca, de la época abarcada podemos mencionar la vasta colección de pintura lombarda del siglo XVII, que incluye lienzos de Giulio Cesare Procaccini, Giuseppe Vermiglio, il Morazzone e Carlo Francesco Nuvolone,[Co. 5]​ y la sección de pintura flamenca. con obras de Paul Brill y Jan Brueghel el Viejo.[21]​[42]​

Il ruolo dell'accademia fu subito chiaro; così infatti scrisse Federico Borromeo nel suo statuto:«Per nessun altro motivo fu fondata la presente Accademia di Pittura, Scultura e Architettura se non per aiutare gli artisti a realizzare opere per il culto divino, migliori di quelle che si fanno attualmente»: il suo obiettivo era la creazione di una scuola di arte sacra, specialmente la pittura, che avrebbe istruito i fedeli e promosso le dottrine della chiesa cattolica riformata[41]​, in particolar modo descritte nel De pictura sacra dello stesso Borromeo.

La tercera y última institución en hacer su aparición fue la Accademia Ambrosiana en 1620,[43]​ una escuela de Bellas Artes para la formación de jóvenes artistas: aunque la última, fue la más importante de las tres, de hecho la biblioteca y la pinacoteca habían sido creadas para ser particularmente accesibles a sus alumnos. El papel de la academia quedó inmediatamente claro; de hecho, Federico Borromeo escribió en su estatuto: «Por ninguna otra razón se fundó la actual Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura sino para ayudar a los artistas a crear obras para el culto divino, mejores que las que se hacen actualmente»: su objetivo era creación de una escuela de arte sacro, especialmente de pintura, que educaría a los fieles y promovería las doctrinas de la iglesia católica reformada [34], particularmente descrita en De pictura sacra de Borromeo.

Daniele Crespi - Ultima Cena (1625), Pinacoteca di Brera

La fundación tardía de la academia se debe a que en los primeros años del Seicento ya estaba activa en Milán la Accademia dell'Aurora del pintor Giovanni Battista Galliani, que sin embargo cerró en 1611 debido a un escándalo al que estuvo vinculado el pintor; Entonces el cardenal Borromeo, después de haber comprado el espacio necesario para ampliar el palacio Ambrosiana, comenzó a dedicarse a la creación de la nueva academia, estudiando los reglamentos y programas de las mejores escuelas de bellas artes de la época, incluida la Academia dei Carracci de Bolonia., la Accademia del Disegno de Florencia y la Accademia romana de San Luca [39]. Una vez realizada la fundación, el programa habitual de los estudiantes era reproducir, supervisados ​​por los maestros, partes de obras de diversas temáticas a partir de pinturas, dibujos y esculturas originales con diferentes tipos de técnicas y materiales: luego se discutirían las obras terminadas. colectivamente, y los mejores premiados [40]. Si bien este método estaba muy extendido en la mayoría de las academias, la importancia concedida al estudio de las obras originales de la galería de la academia puestas a disposición de los estudiantes en un número mucho mayor y a menudo de mejor calidad, fue en cambio innovadora en comparación con las escuelas contemporáneas, donde era habitual de utilizar copias, grabados u obras creadas por los propios estudiantes.[44]​ Entre los maestros de las tres disciplinas destacan il Cerano en pintura, Gian Andrea Biffi en escultura y Fabio Mangone en arquitectura,[45]​ mientras que hubo colaboraciones con Camillo Procaccini y il Morazzone;[46]​ en cambio entre los estudiantes recordamos a Melchiorre Gherardini, Francesco Morone, Ercole Procaccini il Giovane y Daniele Crespi,[45]​ probablemente el más talentoso entre los estudiantes de la academia.

La vida de la academia fue corta, y a principios de la década de 1630 se podía decir que la experiencia había terminado, debido a la peste, que provocó la desaparición de muchos alumnos y maestros, y sobre todo por la muerte del cardenal Borromeo, a pesar de que la academia no cerró oficialmente. Los resultados de la academia son controvertidos: si no hay duda de que contribuyó a la formación de muchos artistas jóvenes, algunos de gran importancia como Crespi, y sobre todo a la difusión de los cánones del arte contrarreformado; muchos creen que la orientación abiertamente religiosa de la academia representó su principal limitación.[47]​ La actividad de la academia tuvo una breve fase en la segunda mitad del Seicento, luego decayó nuevamente y finalmente cerró sus puertas sólo en 1776.[46]​ 

al che il cardinale Borromeo, dopo aver acquistato lo spazio necessario per ampliare il palazzo dell'Ambrosiana, iniziò ad applicarsi per la creazione della nuova accademia, studiando i regolamenti e i programmi delle migliori scuole di belle arti dell'epoca, tra cui l'Accademia dei Carracci a Bologna, l'Accademia del Disegno di Firenze e la romana Accademia di San Luca[48]​. A fondazione avvenuta, programma abituale degli studenti era riprodurre, supervisionati dai maestri, parti di opere di vario tema a partire da dipinti, disegni e sculture originali con diversi tipi di tecniche e materiali: le opere finite sarebbero poi state discusse collettivamente, e le migliori premiate[49]​. Se questo metodo era diffuso in gran parte delle accademie, fu invece innovativa l'importanza data allo studio delle opere originali della galleria dell'accademia rese disponibili agli studenti in numero nettamente maggiore, e spesso di migliore qualità, rispetto alle scuole contemporanee, dove era abitudine usare copie, stampe o lavori realizzati dagli studenti stessi.

Iglesia de San Giuseppe[editar]

Iglesia de San Giuseppe

La chiesa di San Giuseppe è considerato come uno degli edifici più rappresentativi del primo barocco lombardo, nonché uno dei capolavori del Richini[50]​: la chiesa rappresenta il punto di stacco con l'architettura manierista, e servì peraltro da prototipo per le chiese barocche nell'uso della pianta longitudinale, specialmente nel nord Italia e talvolta in Europa centrale[51]​. Il progetto fu affidato dopo vari passaggi al Richini nel 1607[52]​, che per la prima volta si presentava come unico progettista di un edificio importante: il motivo di innovazione del progetto è l'utilizzo degli spazi, ovvero un'evoluzione della soluzione usata nella chiesa di Sant'Alessandro in Zebedia[51]​ da Lorenzo Binago, suo maestro. La pianta, longitudinale, è formata dalla fusione di due spazi a pianta centrale: il primo di forma ottagonale, ottenuta come un quadrato a cui sono smussati gli angoli,[Co. 6]​ su tali angoli sono presenti due colonne di ordine gigante che sostengono dei balconcini; il secondo spazio, che ospita il presbiterio, è leggermente più piccolo ed è di forma quadrata, a cui si affiancano due cappelle laterali; i due spazi sono uniti da un arco che spazialmente appartiene ad entrambi gli ambienti, creando una sorta di unione tra i due[51]​. Per la soluzione della colonne giganti sugli angoli, il Richini si ispirò alla chiesa di San Fedele di Pellegrino Tibaldi: l'evoluzione consiste nell'utilizzo della copertura a cupola anziché a vela con cui si allinea alle nuove tendenze del barocco romano, pur muovendosi in continuità con la tradizione lombarda, per cui l'architetto scelse un tiburio ottagonale.[Co. 7]​ La iglesia de San Giuseppe es considerada uno de los edificios más representativos del primer barroco lombardo, así como una de las obras maestras de Richini:[50]​ la iglesia representa el punto de partida de la arquitectura manierista y sirvió también como prototipo para iglesias barrocas en el uso de la planta longitudinal, especialmente en el norte de Italia y, a veces, en Europa central [46]. El proyecto fue confiado después de varias gestiones a Richini en 1607 [47], quien por primera vez se presentó como el único diseñador de un edificio importante: el motivo de la innovación del proyecto es el uso de los espacios, o una evolución de la solución utilizada en la iglesia de Sant'Alessandro en Zebedia [46] por Lorenzo Binago, su maestro. La planta longitudinal está formada por la fusión de dos espacios con planta central: el primero tiene forma octogonal, obtenida como un cuadrado con las esquinas redondeadas [48], sobre estas esquinas hay dos columnas gigantes que sostienen pequeños balcones; el segundo espacio, que alberga el presbiterio, es algo más pequeño y tiene forma cuadrada, flanqueado por dos capillas laterales; los dos espacios están unidos por un arco que espacialmente pertenece a ambos ambientes, creando una especie de unión entre ambos [46]. Para la solución de las columnas gigantes de las esquinas, Richini se inspiró en la iglesia de San Fedele de Pellegrino Tibaldi: la evolución consiste en el uso de un techo abovedado en lugar de en forma de vela, que se alinea con las nuevas tendencias del barroco romano, mientras que siguiendo la tradición lombarda, para la que el arquitecto eligió una linterna octogonal [49].

Interior de la iglesia de San Giuseppe

La fachada se divide en dos órdenes ambos marcados por pilastras y columnas, el inferior se centra en el portal único de la iglesia, mientras que a los lados hay dos nichos que albergan estatuas; el orden superior está conectado a la base mediante dos volutas, y remata en la parte superior con un frontón obtenido superponiendo una solución triangular y una curva, mientras que en el orden superior hay un gran ventanal con elaboradas decoraciones centradas [45]. También en este caso la fachada, claramente inspirada en la iglesia de Santa Susanna alle Terme di Diocleziano de Carlo Maderno, se alinea con los gustos emergentes del barroco romano [49]. Aunque la fachada en aquella época representó sólo un preludio del edificio y por tanto no fue objeto de los mismos estudios que los interiores, constituyó uno de los modelos más utilizados para las fachadas de las iglesias barrocas en los años siguientes [46]. En el interior, los 2 espacios principales no adquieren proporciones y formas preponderantes entre sí, esto se debe a que Richini, además de diseñarlos de tamaño similar, se preocupó por brindar igual iluminación; y también supo anticipar el dinamismo del arte barroco, siempre con cuidadosos estudios de la luz y con el pavimento del espacio octogonal con losas de mármol blanco y negro dispuestas concéntricamente [49]. Los cuatro altares de la iglesia datan de después de la inauguración del edificio en 1616 el, mientras queGiulio Cesare Procaccini(1625) y presenta un retablo del episodio pintado porMuerte de San Joséel primero en orden cronológico está dedicado a la, Bodas de la Virgen de Cerano [50] [51], mientras que se han perdido los frescos de San Giuseppe de Giuseppe Vermiglio, frecuentemente mencionados en las guías del siglo XVIII [52].

Los otros dos altares, junto al presbiterio, datan del segundo siglo XVII en Milán, y presentan el retablo del Sermón del Bautista, atribuido por la mayoría de los críticos a Giovanni Stefano Danedi, conocido como Montalto, mientras que el último retablo de Andrea Lanzani data de 1675 y representa el Misterio de la Huida a Egipto; en estos dos retablos, respecto al resto de la iglesia, podemos observar un estilo ya marcadamente barroco, si no anterior al siglo XVIII [53]. También a finales del siglo XVII se registraron los trabajos de ebanistería de Giuseppe Garavaglia, hijo del más famoso Carlo, pero se perdieron en gran medida con el paso de los años, de los cuales sólo quedan el coro y la fachada del órgano [54]. La facciata è divisa su due ordini entrambi scanditi da lesene e colonne, quello inferiore è centrato sull'unico portale della chiesa, mentre ai lati vi sono due nicchie ospitanti delle statue; l'ordine superiore, è raccordato con la base da due volute, e si conclude in alto con un frontone ottenuto dalla sovrapposizione di una soluzione triangolare e una curva, mentre sull'ordine superiore vi è centrato un finestrone dalle decorazioni elaborate[50]​. Anche in questo caso la facciata, di chiara ispirazione alla chiesa di Santa Susanna alle Terme di Diocleziano di Carlo Maderno, si allinea con gli emergenti gusti barocchi romani.[Co. 7]​ Benché la facciata in quel periodo rappresentasse solo un preludio dell'edificio e quindi non fosse soggetta aglio stessi studi concessi agli interni, essa costituì uno dei modelli più utilizzati per le facciate di chiese barocche negli anni a seguire[51]​. All'interno i 2 spazi principali non assumono proporzioni e forme preponderanti l'uno rispetto all'altro, questo perché il Richini oltre a progettarli di simile grandezza, si preoccupò di fornire uguale illuminazione; e seppe inoltre anticipare il dinamismo dell'arte barocca, sempre con accurati studi sulla luce e con la pavimentazione nello spazio ottagonale con lastre di marmo bianche e nere disposte in maniera concentrica.[Co. 7]​ I quattro altari della chiesa risalgono a dopo l'inaugurazione dell'edificio nel 1616, il primo in ordine cronologico è dedicato alla Morte di san Giuseppe (1625) e presenta una pala dell'episodio dipinto da Giulio Cesare Procaccini, mentre al 1630 risale la pala del Matrimonio della Vergine del Cerano,[Co. 8]​[53]​, perduti sono invece gli affreschi di San Giuseppe di Giuseppe Vermiglio, frequentemente menzionati nelle guide settecentesche.[Co. 9]​

Gli altri due altari, a fianco del presbiterio, risalgono al secondo Seicento milanese, e presentano la pala d'altare della Predica del Battista, attribuita dalla maggioranza dei critici a Giovanni Stefano Danedi, detto il Montalto, mentre l'ultima pala di Andrea Lanzani risale al 1675 raffigurante il Mistero della fuga in Egitto; in queste due pale, rispetto al resto della chiesa si nota uno stile già marcatamente barocco, se non presettecentesco.[Co. 10]​ Sempre nel tardo Seicento vennero registrate le opere di ebanisteria di Giuseppe Garavaglia, figlio del più celebre Carlo, che però furono in gran parte perdute negli anni, di cui rimane solo la cantoria e la facciata dell'organo[54]​.

Otra arquitectura religiosa[editar]

Iglesia de San Alejandro

Una delle prime chiese milanesi in stile barocco fu la chiesa di Sant'Alessandro in Zebedia, i cui progetti di Lorenzo Binago furono approvati nel 1601: i cantieri si conclusero definitivamente nel 1710 con la costruzione del campanile sinistro. Nonostante il lungo protrarsi dei lavori, si pensa che nel 1611 i lavori dovessero essere in uno stadio già avanzato, infatti in quell'anno si celebrò la festa di san Carlo nell'edificio: uno dei motivi dei ritardi nella costruzione furono i segni di cedimento della cupola a lavori ultimati nel 1627, che venne quindi demolita e ricostruita. La chiesa si presenta a pianta combinata centrale e longitudinale, ovvero il corpo principale assume una forma rettangolare, mentre l'interno ha una struttura a croce greca, con i restanti spazi organizzati in quattro cappelle sormontate da altrettanti cupolotti e la cupola maggiore posta sopra il centro della pianta a croce greca[52]​; la regolarità della pianta rettangolare è rotta dall'abside posto sul fondo della chiesa[55]​.
La facciata fu realizzata in due diversi periodi: l'ordine inferiore concluso nel 1623 organizzato in tre portali intervallati da paraste, di cui il maggiore al centro, introdotto da due colonne corinzie che reggono un finto arco, in cui è presente il rilievo di Sant'Alessandro che indica il disegna della chiesa di Stefano Sampietri; sempre sull'ordine inferiore si segnalano le nicchie contenenti le statue di San Pietro e San Paolo sempre del Sampietri. L'ordine superiore venne concluso nel Settecento su progetto di Marcello Zucca, ed è composto da un frontone mistilineo, su cui sono disposte statue di putti[55]​.

Una de las primeras iglesias milanesas de estilo barroco fue la Iglesia de San Alejandro en Zebedia, cuyos diseños de Lorenzo Binago fueron aprobados en 1601:[56]​ las obras de construcción concluyeron finalmente en 1710 con la construcción del campanario izquierdo.[55]​

A pesar de la larga continuación de las obras, se piensa que en 1611 las obras ya debían estar en un estado avanzado, de hecho en ese año se celebraba en el edificio la fiesta de San Carlo: uno de los motivos de los retrasos en la construcción fueron los signos de hundimiento de la cúpula cuando finalizaron las obras en 1627, que luego fue demolida y reconstruida.[56]​

La iglesia tiene una planta combinada central y longitudinal, es decir, el cuerpo principal adopta forma rectangular, mientras que el interior tiene planta de cruz griega, organizándose los espacios restantes en cuatro capillas rematadas por otras tantas cúpulas y la cúpula principal situada encima del centro. de planta de cruz griega;[52]​ la regularidad de la planta rectangular se rompe con el ábside situado en el fondo de la iglesia.[55]​ 

La fachada se construyó en dos épocas diferenciadas: la inferior concluida en 1623 organizada en tres portadas intercaladas con pilastras, de las cuales la mayor está en el centro, introducida por dos columnas corintias que sostienen un falso arco, en el que se encuentra el relieve de Sant 'Alessandro indicando el diseño de la iglesia de Stefano Sampietri; siempre en el orden inferior están los nichos que contienen las estatuas de San Pedro y San Pablo, también de Sampietri. El orden superior fue terminado en el siglo XVIII según un diseño de Marcello Zucca, y está compuesto por un frontón mixtilínea, sobre el que se disponen estatuas de querubines [56].
Frescos de los Carlone en Sant'Antonio Abate

L'interno della chiesa, definito come un "museo delle arti figurative del Seicento lombardo", presenta una navata completamente affrescata ad opera di diversi artisti secondo il tema di alcuni episodi biblici; l'affresco della cupola rappresenta la Gloria di tutti i santi (1696) e fu realizzato da Filippo Abbiati e Federico Bianchi, così come l'abside e il presbiterio, affrescati a tema di Episodi della vita di sant'Alessandro[55]​. Tutte e quattro le cappelle sono fittamente affrescate e decorate, tra cui si segnalano la tele dell'Assunzione di Maria e la pala Navità di Camillo Procaccini, e gli affreschi degli Angeli dei Fiammenghini, l'Adorazione dei magi del Moncalvo[57]​ e infine la Decollazione del Battista su tela di Daniele Crespi[58]​. Da notare, in tema di arti applicate, i confessionali e il pulpito in legno o marmo intarsiato[55]​.

El interior de la iglesia, definida como "museo de artes figurativas lombardas del siglo XVII ", tiene una nave completamente pintada al fresco por varios artistas según la temática de algunos episodios bíblicos; el fresco de la cúpula representa la Gloria de todos los santos (1696) y fue realizado por Filippo Abbiati y Federico Bianchi, así como el ábside y el presbiterio, pintados al fresco con el tema de Episodios de la vida de San Alejandro [56]. Las cuatro capillas están decoradas con abundantes frescos, incluidas las pinturas de la Asunción de María y el retablo de Navità de Camillo Procaccini, y los frescos de los Ángeles de Fiammenghini, la Adoración de los Magos de Moncalvo [57] y finalmente la Decapitación del Bautista sobre lienzo de Daniele Crespi [58]. Destacan, en cuanto a artes aplicadas, los confesionarios y el púlpito en madera con incrustaciones o mármol [56].

Nave de la Certosa di Garegnano, con frescos de Crespi

Sempre nel centro storico, sebbene la chiesa di Sant'Antonio Abate abbia subito il completo rifacimento della facciata in epoca neoclassica, gli interni sono comunque tra i migliori esempi decorativi del barocco lombardo[59]​. La costruzione della chiesa fu decisa nel 1582 e affidata a Dionigi Campazzo, la pianta è a croce latina, la navata e la controfacciata sono affrescati con il ciclo di Storie della Vera Croce di Giovanni Carlone, poi concluso dal fratello Giovanni Battista alla morte per peste di Giovanni.[Co. 11]​ Ai lati della navata sono presenti le cappelle: la cappella di S. Andrea Avellino ospita la pala d'altare dello Svenimento del Beato Andrea Avellino di Francesco Cairo ed è affrescata da Ercole Procaccini il Giovane e Filippo Abbiati;[Bi. 1]​ sempre a destra, la cappella della Vergine del Suffragio realizzata da Carlo Buzzi ospita il gruppo scultoreo del Cristo Morto di Giuseppe Rusnati[60]​. Sul lato sinistro, la terza cappella è ornata da tre tele di Giulio Cesare Procaccini, mentre la seconda, su progetto di Gerolamo Quadrio, contiene un altro ciclo scultoreo del Rusnati, e l'Estasi di san Gaetano su tela del Cerano[60]​.

Todavía en el centro histórico, aunque la iglesia de Sant'Antonio Abate sufrió una renovación completa de la fachada en la época neoclásica, los interiores siguen estando entre los mejores ejemplos decorativos del barroco lombardo [59]. La construcción de la iglesia fue decidida en 1582 y confiada a Dionigi Campazzo, la planta es de cruz latina, la nave y la contrafachada están decoradas con frescos del ciclo de Historias de la Vera Cruz de Giovanni Carlone, luego completadas por su hermano Giovanni. Battista a su muerte por la plaga de Juan [60]. A los lados de la nave hay capillas: la capilla de S. Andrea Avellino alberga el retablo del Desmayo del Beato Andrea Avellino de Francesco Cairo y tiene frescos de Ercole Procaccini el Joven y Filippo Abbiati [61]; todavía a la derecha, la capilla de la Virgen del Sufragio realizada por Carlo Buzzi alberga el grupo escultórico del Cristo Muerto de Giuseppe Rusnati [62]. En el crucero se pueden observar las pinturas de Morazzone, Annibale y Ludovico Carracci, mientras que la bóveda parece haber sido pintada al fresco por Tanzio da Varallo [63]. En el lado izquierdo, la tercera capilla está decorada con tres lienzos de Giulio Cesare Procaccini, mientras que la segunda, diseñada por Gerolamo Quadrio, contiene otro ciclo escultórico de Rusnati y el Éxtasis de San Cayetano sobre un lienzo de Cerano [62].

Marc'Antonio Dal Re - Vistas de Milán, Sant'Angelo dei Padri Zoccolanti (1697-1766)

In via della Moscova, si trova la chiesa di Sant'Angelo, edificata in periodo tardomanierista, ma conclusa nel 1630. La facciata è divisa in due ordini, quello inferiore scandito da quattro colonne coronate da altrettante statue, e quello superiore decorato da tre finestroni e coronato da un timpano; gli interventi barocchi più significativi si possono tuttavia vedere all'interno. Nelle cappelle laterali si segnalano le tele dell'Estasi di san Carlo Borromeo del Morazzone, lo Sposalizio della Vergine di Camillo Procaccini, e gli affreschi raffiguranti Storie di Sansone nella prima cappella sinistra completamente decorata da Panfilo Nuvolone, padre di Carlo Francesco. Sulle pareti del presbiterio e del coro sono dipinte le quattro Storie della Vergine di Simone Barabino e dall'Assunta di Camillo Procaccini; di notevole interesse è infine la sacrestia che contiene la lunetta di Giulio Cesare Procaccini del Cristo morto pianto dagli angeli, considerato uno dei suoi migliori lavori.[Bi. 2]​

En via della Moscova se encuentra la iglesia de Sant'Angelo, construida en el período manierista tardío, pero terminada en 1630. La fachada se divide en dos órdenes, el inferior marcado por cuatro columnas coronadas por otras tantas estatuas, y el superior decorado con tres grandes ventanales y coronado por un tímpano; Sin embargo, las intervenciones barrocas más significativas se pueden ver en el interior. En las capillas laterales destacan las pinturas del Éxtasis de San Carlos Borromeo de Morazzone, las Bodas de la Virgen de Camillo Procaccini y los frescos que representan Historias de Sansón en la primera capilla de la izquierda, completamente decorada por Panfilo Nuvolone, padre de Carlo Francesco. En las paredes del presbiterio y del coro están pintadas las cuatro Historias de la Virgen de Simone Barabino y de la Asunción de Camillo Procaccini; finalmente, de notable interés es la sacristía que contiene la luneta del Cristo muerto llorado por ángeles de Giulio Cesare Procaccini, considerada una de sus mejores obras [64].

También de principios del siglo XVII se pueden mencionar la iglesia de Santa María Podone diseñada por Fabio Mangone y la iglesia de San Sisto. En aquella época fuera de las murallas de la ciudad, hoy en las afueras, se encuentra la Certosa di Garegnano [65]: aunque parte de la iglesia fue construida en la época manierista, gran parte del interior, construido a principios del siglo XVII, representa uno de los ejemplos más exitosos del barroco milanés [66]. La fachada se completó en 1608; el interior de la bóveda de la nave fue pintado al fresco por Daniele Crespi con el Sacrificio de Abraham, la Magdalena en éxtasis, inspirado en los frescos del Camerino degli Eremiti en el Palacio Farnese de Giovanni Lanfranco, San Juan Bautista, más acorde con los modelos clasicistas emilianos, y el Cristo en gloria, representado según los cánones de la Contrarreforma [67], a los que se añaden diversas figuras de monjes cartujos; la contrafachada está pintada con las Historias de San Bruno [66] [68] también de Crespi: estas creaciones están consideradas entre las mejores obras del artista [69]. También están presentes en la iglesia los retablos de la Aparición de Cristo a Santa Catalina de Siena de Camillo Procaccini, y San Bruno entre San Hugo de Grenoble y San Carlos Borromeo de Genovesino [70]. Sempre al primo Seicento si possono menzionare la chiesa di Santa Maria Podone su disegno di Fabio Mangone e la chiesa di San Sisto. All'epoca fuori dalle mura della città, oggi in periferia, si trova la Certosa di Garegnano[61]​: benché parte della chiesa sia stata edificata in epoca manierista, gran parte degli interni, realizzati nel primo Seicento, rappresentano uno degli esempi più riusciti del barocco milanese[62]​. La facciata venne conclusa nel 1608; all'interno la volta della navata fu affrescata da Daniele Crespi con il Sacrificio di Abramo, la Maddalena in estasi, ispirato dagli affreschi del Camerino degli Eremiti a Palazzo Farnese di Giovanni Lanfranco, San Giovanni Battista, più aderente ai modelli classicisti emiliani, e il Cristo in gloria, rappresentato secondo i canoni della Controriforma,[Co. 12]​ a cui si aggiungono varie figure di monaci certosini; la controfacciata è dipinta con le Storie di san Bruno[62]​[63]​ sempre del Crespi: tali realizzazioni sono considerate tra le migliori prove dell'artista[64]​. Sono inoltre presenti nella chiesa le pale d'altare dell'Apparizione di Cristo a santa Caterina da Siena di Camillo Procaccini, e San Bruno tra sant'Ugo di Grenoble e san Carlo Borromeo del Genovesino.[Co. 13]​

Pintura[editar]

Artículo principal: Quadroni di San Carlo
Giulio Cesare Procaccini - Milagro del niño Giovanni Tirone (1610), Duomo di Milano

Los protagonistas de la primera pintura barroca milanesa son, como ya se ha especificado, il Cerano, Giulio Cesare Procaccini y il Morazzone.[Co. 1]​ Estas tres figuras fueron los principales autores de los ciclos de los Quadroni di San Carlo, contados entre los principales ciclos pictóricos del primer barroco milanés.

Los Quadroni di San Carlo constan de dos ciclos pictóricos que cuentan episodios de la vida de san Carlo Borromeo, uno de los principales personajes del Concilio de Trento y de la Contrarreforma: estos ciclos fueron encargados en estrecha relación con la propuesta para la canonización del cardenal Borromeo:[Co. 14]​ debían mostrar la ejemplaridad de la vida de Carlo Borromeo a través de un recorrido iconográfico. El primer ciclo, creado entre 1602 y 1604, incluía veinte lienzos, a los que se añadieron algunos posteriormente, que van desde la descripción de la actividad pública del cardenal, como la difusión de las doctrinas de la contrarreforma y las visitas a los apestados, hasta a la vida privada, como episodios de caridad y penitencia; las pinturas incluyen obra de los ya mencionados Cerano y Morazzone, a los que se suman Paolo Camillo Landriani, conocido como el Duchino, Giovanni Battista della Rovere, conocido como el Fiammenghino, y otros menores como Carlo Antonio Procaccini, primo del más famoso Giulio Cesare, y Domenico Pellegrini.[Co. 15]​ El segundo ciclo de pinturas data de 1610, tras la canonización, y tiene como temática los milagros del santo: está compuesto por veinticuatro pinturas al temple; Cerano, Giulio Cesare Procaccini y el Duchino crearon seis cada uno, mientras que los demás fueron creados por maestros menores, como Giorgio Noyes e Carlo Buzzi:[Co. 2]​ algunos lienzos adicionales fueron encargados a finales del Seicento.

Il Cerano, Giulio Cesare Procaccini, Il Morazzone - Quadro delle tre mani (1625), Pinacoteca di Brera

Si los Quadroni de San Carlo en su conjunto son uno de los ciclos pictóricos más representativos del primer arte barroco milanés, los críticos a menudo están divididos sobre la uniformidad de la calidad de las creaciones: si las obras de Cerano son elogiadas por los críticos por el excelente resultado,[Co. 14]​ el Duchino y el Fiammenghino no logran obtener el mismo consenso, y luego pasan a la obra de Carlo Antonio Procaccini y Domenico Pellegrini, cuyas obras rara vez se consideran de la misma calidad que las de los artistas anteriores.[Co. 15]​ 

se le opere del Cerano sono lodate dalla critica per l'eccellente risultato, il Duchino e il Fiammenghino non riescono ad ottenere il medesimo consenso, per poi passare all'operato di Carlo Antonio Procaccini e di Domenico Pellegrini, le cui prove sono raramente ritenute della stessa qualità dei precedenti artisti.

 al centro è opera del Morazzone il carnefice con in mano uno spadone, i suoi assistenti e l'angioletto con la palma del martirio, il Procaccini si occupò sulla destra di santa Rufina e dell'angelo che porta lei conforto, al Cerano si deve la parte sinistra con il cavaliere, la santa Seconda già decapita e l'angelo che trattiene un cane, intento a lanciarsi sulla testa della santa[65]​. Analizzando la carriere e lo stile dei singoli artisti, si può affermare come il committente, Scipione Toso, affidò ciascuna delle parti del quadro a seconda dei temi e degli stili più congeniali ai pittori: se il Cerano fu particolarmente abile nell'imprimere un tono drammatico all'opera, il Procaccini fu capace di rappresentare adeguatamente la speranza cristiana, mentre il Morazzone si distinse per un carattere più energico e dinamico della sua rappresentazione.

Una obra maestra de la pintura lombarda del siglo XVII es el cuadro Martirio de las santas Rufina y Segunda, más conocido como el Quadro delle tre mani, ya que fue creado en colaboración entre el Cerano, Giulio Cesare Procaccini y el Morazzone,[Co. 1]​ los más grandes pintores del tiempo. El cuadro representa el martirio de dos jóvenes hermanas en la época de la Roma imperial y se puede dividir idealmente en las tres partes en las que trabajaron los pintores: en el centro está la obra de Morazzone, el verdugo empuñando una espada, sus ayudantes y el pequeño ángel con la palma del martirio, Procaccini se ocupó a la derecha con Santa Rufina y el ángel que la consuela, Cerano se encargó de la parte izquierda con el caballero, la Santa Segunda ya decapitada y el ángel que sostiene un perro, intentando arrojarse sobre la cabeza del santo [74]. Analizando las carreras y el estilo de cada uno de los artistas, se puede afirmar que el cliente, Scipione Toso, confió cada una de las partes del cuadro según los temas y estilos que más congeniaban con los pintores: si Cerano era especialmente hábil para impartir un efecto dramático En el tono de la obra, Procaccini supo representar adecuadamente la esperanza cristiana, mientras que Morazzone destacó por un carácter más enérgico y dinámico de su representación.[66]​

Finalmente, los artistas antes mencionados participaron en la estrecha corriente del retrato: la colección más famosa de la época es la de los benefactores del hospital mayor, en la que destacan Daniele Crespi y Tanzio da Varallo con los retratos de los Pozzobonelli y de Francesco Pagano.[Co. 16]​

Arquitectura civil[editar]

Detalle del palacio del Capitán de Justicia

A principios del Seicento, los encargos religiosos superaban con creces a los civiles: en un número decididamente menor de edificios religiosos y de arte sacro, también se construyeron edificios civiles, a menudo vinculados a encargos religiosos.

El mayor ejemplo de arquitectura civil de la época fue el Palacio del Senado, encargado en 1608 por Federico Borromeo para albergar el Colegio Elvético [77]: el proyecto fue confiado inicialmente a Fabio Mangone, retomado veinte años más tarde por Richini [78]. Una peculiaridad del palacio es la parte central de la fachada cóncava, diseñada por Richini, que rompe con el estilo milanés más sobrio, acercándose a un barroco romano más decorado [79], en su interior se encuentran dos patios con las formas más clasicistas del Mangone, definido por un doble orden de logias arquitrabadas [78] [80].

Iniciada por orden de Francesco Sforza, la obra del Hospital Mayor de Filarete, que había estado paralizada durante muchos años, se reabrió en 1624 gracias a un importante legado de un particular: los proyectos de renovación fueron nuevamente confiados a Richini y Fabio Mangone, al que se encargó de la parte central de la fachada y del gran portal barroco [81] con tímpano, flanqueado por hornacinas con estatuas, y de la remodelación del patio principal con un doble orden de logias arqueadas con decoraciones de mármol y terracota. [82]; En las obras y dibujos de las obras también participaron artistas como Camillo Procaccini y del Cerano [76].

Por último, mencionamos el palacio del Capitán de Justicia, iniciado en el siglo XVI, que sufrió numerosas reformas y ampliaciones a lo largo de los años: de las intervenciones del siglo XVII quedan la fachada, con la rica portada, y el patio interior con galería de sillería. 83].

L'esempio maggiore di architettura civile dell'epoca è il Palazzo del Senato, commissionato nel 1608 da Federico Borromeo per ospitare il Collegio Elvetico[67]​: il progetto fu assegnato in origine a Fabio Mangone, ripresa vent'anni dopo dal Richini[68]​. Particolarità del palazzo è la parte centrale della facciata concava, ideata dal Richini, che si stacca dal più sobrio stile milanese, avvicinandosi ad un più decorato barocco romano,[La. 1]​ all'interno si trovano due cortili dalle forme più classicistiche del Mangone, definiti da un doppio ordine di logge architravate[68]​[69]​.

Cominciato su ordine di Francesco Sforza, il cantiere per l'Ospedale maggiore del Filarete, da molti anni fermo, riaprì nel 1624 grazie ad un grande lascito di un privato: i progetti di rinnovo furono ancora una volta affidati al Richini e a Fabio Mangone, ai quali si deve la parte centrale della facciata e il grande portale barocco[La. 2]​ con timpano, fiancheggiato da nicchie con statue, e la rielaborazione del cortile principale con un doppio ordine di logge ad arco con decorazioni in marmo e cotto;[La. 3]​ ai lavori e ai disegni per i lavori presero parte anche artisti come Camillo Procaccini e del Cerano.[Co. 16]​

Si cita infine il palazzo del Capitano di Giustizia, iniziato nel XVI secolo, subì moltissimi rimaneggiamenti e ampliamenti nel corso degli anni: degli interventi seicenteschi rimangono la facciata, con il ricco portale, e il cortile interno a loggia in bugnato[70]​.

El segundo Seicento[editar]

Arquitectura religiosa[editar]

En comparación con los principios del Seicento, las obras religiosas ya no tenían la misma vivacidad que en la época de Federico Borromeo, aunque todavía representaban los mayores encargos de la época; sin embargo, se dio más prioridad a la decoración interior de las iglesias ya existentes que a la construcción de nuevos edificios.

Fachada de la iglesia de Santa Maria della Passione

Il cantiere della chiesa di Santa Maria della Passione, la chiesa risulta quindi un misto tra arte barocca e rinascimentale lombarda. La facciata della chiesa, che risale al 1692 su progetto di Giuseppe Rusnati[71]​, è scandita da quattro paraste[72]​: ai lati estremi sono presenti due nicchie tipicamente barocche, mentre gli altri tre spazi scanditi dalle paraste son decorati con altorilievi raffiguranti la Flagellazione, la Coronazione di spine e la Deposizione[71]​; da notare la similitudine con la chiesa di Sant'Alessandro in Zebedia nei putti posti ai lati della facciata[73]​. La construcción de la iglesia de Santa Maria della Passione[74]​ fu iniziato nel XVI secolo diminuendo negli anni d'intensità, per riprendere vivacità nel Seicento[75]​ se inició en el siglo XVI, disminuyendo en intensidad con el paso de los años, para recuperar vivacidad en el siglo XVII [85], por lo que la iglesia es una mezcla de barroco y renacimiento lombardo. arte. La fachada de la iglesia, que data de 1692 y fue diseñada por Giuseppe Rusnati [86], está marcada por cuatro pilastras [87]: en los lados extremos hay dos hornacinas típicamente barrocas, mientras que los otros tres espacios marcados por las pilastras están decorado con altos relieves que representan la Flagelación, la Coronación de Espinas y la Deposición [86]; Nótese la similitud con la iglesia de Sant'Alessandro en Zebedia en los amorcillos colocados a los lados de la fachada [88]. La decoración interior se remonta en gran medida a principios del siglo XVII. En la nave central, al pie de la cúpula, el ciclo de Historias de la Pasión de Daniele Crespi; en la nave derecha, la tercera capilla alberga el lienzo de Giulio Cesare Procaccini que representa a Cristo en la columna, mientras que la quinta capilla presenta los lienzos de Ester y Asuero y la Virgen del Rosario entre Santo Domingo y Santa Catalina de Siena de Giuseppe Nuvolone [86]. En la nave izquierda alberga los lienzos de Camillo Procaccini, fechados en 1610, con San Francisco recibiendo los estigmas y Cristo en el jardín de los olivos, así como la obra sobre lienzo de Giuseppe Vermiglio Funeral de Thomas Beckett (1625); en la cuarta capilla se encuentran la Virgen y los santos de Duchino, y la Flagelación y el Cristo del olivar esta vez de Enea Salmeggia conocida como Talpino [89]; finalmente en la primera capilla se encuentra el famoso cuadro del Ayuno de San Carlos de Daniele Crespi que, respetando cuidadosamente los dictados artísticos indicados por el propio Carlo Borromeo, quiere representar en su esencialidad la alteza moral y religiosa del santo [90].

Fachada de la iglesia de Santa María alla Porta

La otra construcción importante de la época fue la iglesia de Santa María alla Porta, completamente reconstruida sobre la antigua iglesia del siglo XII: el proyecto fue elaborado inicialmente por Francesco Maria Richini a partir de 1652, y luego pasó a manos del arquitecto. muerte en 1658 de Francesco Borromini, quien finalizó el proyecto, responsable en particular del portal principal [91]. La fachada, más bien esbelta, se divide en dos órdenes, jónico y corintio respectivamente, unidos por volutas y que rematan en un tímpano sobre el que se colocan las estatuas de la Virgen y dos Ángeles; en la fachada hay nichos a los lados, mientras que la parte central está más decorada, con el portal principal arquitrabado [92] rematado por un relieve de Carlo Simonetta de la Coronación de la Virgen de 1670; por tanto, el orden superior está decorado con una ventana del barroco tardío [93]. El interior consta de una sola nave con capillas laterales introducidas por serliane, que termina con el presbiterio que sostiene una cúpula con linterna [92] atribuida a Gerolamo Quadrio; sobre el tambor hay nichos con esculturas de ángeles de Giuseppe Vismara y Carlo Simonetta que datan de 1662. Entre las cuatro capillas destaca la primera del lado derecho, diseñada por Giuseppe Quadrio, con las obras Gloria y Ángeles también de Simonetta: constituye uno de los mejores ejemplos de escultura del segundo siglo XVII en Lombardía [93].

De esa época también es la iglesia de San Nicolao, reconstruida a partir de 1660 tras la demolición de una iglesia preexistente por parte de Gerolamo Quadrio y Giovan Battista Paggi. La iglesia parece bastante sobria tanto por dentro como por fuera, sin embargo contiene uno de los pocos ejemplos de pintura napolitana en la ciudad, a saber, un lienzo de San Nicola de Massimo Stanzione, donado en el momento de la consagración de la iglesia por el concejal de la Rey de España Mateo Rosales [93]. Los exteriores de la iglesia de Santa Maria della Vittoria han sido completamente remodelados, en particular la fachada del siglo XX; en cambio, los interiores son dignos de mención por el lienzo de San Pedro liberado de prisión de Giovanni Ghisolfi y los Ángeles de mármol de Antonio Raggi [94], ambos ubicados cerca del altar derecho, mientras que en el altar izquierdo está el lienzo de San Carlo que se comunica con los apestados de Giacinto Brandi y otros dos ángeles de mármol de Dionigi Bussola [95].


Le decorazioni all'interno risalgono in gran parte al primo Seicento. Nella navata centrale alla base della cupola il ciclo delle Storie della Passione di Daniele Crespi; nella navata destra la terza cappella ospita la tela di Giulio Cesare Procaccini raffigurante Cristo alla colonna, mentre la quinta cappella presenta le tele di Ester e Assuero e Madonna del Rosario tra san Domenico e santa Caterina da Siena di Giuseppe Nuvolone[71]​. Nella navata sinistra ospita le tele di Camillo Procaccini, datate 1610, con San Francesco riceve le stimmate e Cristo nell'orto degli ulivi, oltre che l'opera sempre su tela di Giuseppe Vermiglio Funerale di Thomas Beckett (1625); nella quarta cappella sono presenti la Madonna e i santi del Duchino, e la Flagellazione e Cristo dell'orto degli ulivi questa volta di Enea Salmeggia detto il Talpino[76]​; infine nella prima cappella è il celebre dipinto del Digiuno di san Carlo di Daniele Crespi che, rispettando accuratamente i dettami artistici indicati da Carlo Borromeo stesso, vuole rappresentare nella sua essenzialità l'elevatezza morale e religiosa del santo[77]​.

Facciata della chiesa di Santa Maria alla Porta

L'altra realizzazione maggiore dell'epoca fu la chiesa di Santa Maria alla Porta, completamente ricostruita sulla vecchia chiesa risalente al XII secolo: il progetto fu inizialmente redatto da Francesco Maria Richini a partire dal 1652, per poi passare alla morte dell'architetto nel 1658 a Francesco Borromini che terminò il progetto, a cui si deve in particolare il portale maggiore.[Bi. 3]​ La facciata, piuttosto slanciata, si presenta divisa in due ordini, rispettivamente ionico e corinzio, uniti da volute e che si concludono con un timpano sul quale sono collocate le statue della Vergine e di due Angeli; sulla facciata ai lati sono presenti delle nicchie, mentre più decorata è la parte centrale, con il portale maggiore architravato[78]​ sormontato da un rilievo di Carlo Simonetta dell'Incoronazione della Vergine del 1670; l'ordine superiore è quindi decorato da un finestrone tardo barocco[79]​. L'interno è costituito da una sola navata con cappelle laterali introdotte da serliane, che termina con il presbiterio che regge una cupola con lanterna[78]​ attribuita a Gerolamo Quadrio; sul tamburo sono presenti nicchie con sculture di Angeli di Giuseppe Vismara e Carlo Simonetta risalenti al 1662. Tra le quattro cappelle si segnala la prima sul lato destro, progettata da Giuseppe Quadrio, con le opere Gloria e Angeli sempre del Simonetta: essa costituisce una delle migliori testimonianze di scultura del secondo Seicento lombardo[79]​.

Dell'epoca è anche la chiesa di San Nicolao, ricostruita a partire dal 1660 successivamente alla demolizione di una chiesa preesistente da Gerolamo Quadrio e Giovan Battista Paggi. La chiesa si presenta piuttosto sobria sia all'interno che all'esterno, tuttavia contiene una delle poche testimonianze di pittura napoletana della città, ovvero una tela di San Nicola di Massimo Stanzione, donata all'epoca della consacrazione della chiesa da parte del consigliere del Re di Spagna Matteo Rosales[79]​. Della chiesa di Santa Maria della Vittoria, son stati completamente rimaneggiati gli esterni, in particolare la facciata novecentesca; si segnalano invece gli interni per la tela di San Pietro liberato dal carcere di Giovanni Ghisolfi e gli Angeli in marmo di Antonio Raggi[80]​ entrambi collocati in prossimità dell'altere destro, mentre sull'altare sinistro vi sono la tela di San Carlo che comunica con gli appestati di Giacinto Brandi e altri due Angeli in marmo di Dionigi Bussola[81]​.

Capilla de la Piedad de la Iglesia de San Marcos

Meritano un discorso a sé il pesante rifacimento degli interni chiesa di San Marco, modificati a partire dal 1690, in cui vennero costruiti gli attuali pilastri, la precedente volta a botte della navata centrale fu sostituita da una copertura a capriate e fu edificata la cupola[82]​: la pianta si presenta a croce latina ed è divisa in tre navate, ai fianchi delle quali si trovano le numerose cappelle risalenti a varie epoche. Nel transetto destro si trova l'affresco Alessandro V istituisce l'ordine degli Agostiniani dei Fiammenghini[83]​, mentre nella cappella di Sant'Agostino si trovano delle tele di Federico Bianchi e Paolo Pagani; nelle pareti laterali del presbiterio si trovano tele di storie di Sant'Agostino del Cerano e di Camillo Procaccini, oltre agli affreschi del Genovesino e la pala d'altare di Sant'Agostino di Ercole Procaccini il Vecchio. Nel transetto sinistro si trovano autori successivi: nella Cappella della Pietà, ai cui lati si trovano le tele di Antonio Busca ed Ercole Procaccini il Giovane, a cui si devono anche gli affreschi di Storia della Passione sull'arco di ingresso; all'interno sono presenti stucchi e affreschi del Montalto, mentre nella parete di fronte alla cappella sono presenti gli affreschi dell'Adorazione della sacra fascia e Sant'Agostino lava i piedi al Cristo in veste da pellegrino del Legnanino. Nella navata sinistra è un Cristo appare a San Gerolamo che traduce le Sacre Scritture del Legnanino, Madonna e i Santi Pietro e Antonio di Camillo Procaccini e una Trasfigurazione di Giulio Cesare Procaccini[84]​.

Mención aparte merece la profunda renovación del interior de la iglesia de San Marcos, modificada a partir de 1690, en la que se construyeron los pilares actuales, se sustituyó la anterior bóveda de cañón de la nave central por una cubierta de armaduras y se construyó la cúpula. 96]: la planta es de cruz latina y se divide en tres naves, a cuyos lados se encuentran numerosas capillas de diversas épocas. En el crucero derecho está el fresco de Alejandro V estableciendo la orden de los Agustinos de Fiammenghini [97], mientras que en la capilla de Sant'Agostino hay pinturas de Federico Bianchi y Paolo Pagani; en las paredes laterales del presbiterio se encuentran lienzos de historias de Sant'Agostino de Cerano y Camillo Procaccini, así como frescos de Genovesino y el retablo de Sant'Agostino de Ercole Procaccini el Viejo. Autores posteriores se encuentran en el crucero izquierdo: en la Capilla de la Piedad, a cuyos lados se encuentran las pinturas de Antonio Busca y Ercole Procaccini el Joven, quienes también fueron responsables de los frescos de la Historia de la Pasión en el arco de entrada; en el interior hay estucos y frescos de Montalto, mientras que en la pared frente a la capilla hay frescos de la Adoración de la banda sagrada y de San Agustín lavando los pies de Cristo con ropas de peregrino de Legnanino. En la nave izquierda hay un Cristo que se aparece a San Gerolamo que traduce las Sagradas Escrituras de Legnanino, la Virgen y los Santos Pedro y Antonio de Camillo Procaccini y una Transfiguración de Giulio Cesare Procaccini [98].

Por último, destacan algunas modificaciones realizadas por Gerolamo Quadrio en la iglesia de Santa María del Carmine entre 1673 y 1676[Bi. 4]​ y el coro de nogal de Carlo Garavaglia de 1645 en el que se representan Episodios de la vida de San Bernardo en la abadía de Chiaravalle.[64]​ Si segnalano infine alcuni rimaneggiamenti di Gerolamo Quadrio nella chiesa di Santa Maria del Carmine tra il 1673 e il 1676 e il coro in noce di Carlo Garavaglia del 1645 in cui sono raffigurati Episodi della vita di san Bernardo all'abbazia di Chiaravalle.

Arquitectura civil[editar]

Portal del Seminario Arzobispal

Aunque la segunda mitad del Seicento milanés vio un creciente interés por la arquitectura civil en comparación con la primera mitad del siglo, el predominio del arte religioso no desapareció, sobre todo considerando que muchos palacios todavía tenían encargantes religiosos.

De encargo religioso se puede encontrar el Seminario Arzobispal, en particular la entrada, perfecto ejemplo de portal baroco[La. 4]​ diseñada por Richini en 1652 [86]: formada por un sillar liso y coronada por un arquitrabe trapezoidal, en el Los lados presentan dos cariátides que representan la Esperanza y la Caridad [101]. El Colegio de Sant'Alessandro fue construido para uso de las escuelas barnabitas, diseñado por Lorenzo Binago [102] y construido entre 1663 y 1684 [103]; la fachada del barroco tardío, a veces atribuida a Borromini, se divide en dos órdenes: en la planta baja llama inmediatamente la atención el portal con un arquitrabe curvo decorado a los lados con dos cartelas rizadas [58], mientras que en la planta superior las ventanas son mixtilíneas. medallones de frontones que representan alegorías vinculadas a la cultura [103]. Andrea Biffi llevó a cabo modificaciones menores en el [Palazzo Arcivescovile (Milán)|palacio arzobispal]], quien terminó sus modificaciones en el patio interior en 1680.[70]​

A pocos minutos a pie del Palacio Arzobispal se encuentra el Palacio Durini: encargado en 1645 por el comerciante-banquero Giovan Battista Durini, el proyecto fue confiado a Richini [104]; el palacio es uno de los mayores ejemplos de edificios del siglo XVII en la ciudad [85]. La fachada, como era tradición establecida en la ciudad, es bastante sobria y lineal en comparación con los estilos barrocos de otras ciudades italianas [ 105] [106] y se centra en un monumental portal de entrada de sillería que sostiene un igualmente monumental balcón de la planta principal, donde los ventanales decorados con tímpanos triangulares y curvos alternados están decorados con soportes en la base en forma de mascarón, esta decoración se repite en el marco [85]. Los interiores son sin duda dignos de mención: subiendo desde la gran escalera decorada en mármol rojo hasta el piso principal, se accede a la antesala decorada con trompe-l'oeil, pasando por una serie de salas de paso decoradas con medallones pintados se llega al salón de honor pintado al fresco por el Triunfo de Eros de la escuela lombarda; También en la planta principal se pueden admirar los techos de madera tallada procedentes del demolido Palazzo Arnaboldi [107]. Di commissione religiosa si può trovare il Seminario Arcivescovile, in particolare il l'ingresso, perfetto esempio di portale barocco,[La. 4]​ fu disegnato dal Richini nel 1652[71]​: costituito da un bugnato liscio e coronato da un architrave trapezoidale, ai lati presenta due cariatidi rappresentanti la Speranza e la Carità.[Bi. 5]​ Ad uso delle scuole dei Barnabiti fu invece costruito il Collegio di Sant'Alessandro, costruito su disegno di Lorenzo Binago[85]​ fu realizzato tra il 1663 e il 1684[86]​; la facciata di impostazione tardo barocca, talvolta attribuita al Borromini, è divisa in due ordini: al piano terra è di immediato impatto il portale con architrave curvilineo decorato ai lati due cartigli arricciati[58]​, mentre al piano superiore le finestre presentano nei frontoni mistilinei dei medaglioni raffiguranti allegorie legate alla cultura[86]​. Modifiche minori furono compiute nel palazzo Arcivescovile ad opera di Andrea Biffi, che terminò le sue modifiche nel cortile interno nel 1680.

A pochi minuti di cammino dal palazzo Arcivescovile sorge palazzo Durini: commissionato nel 1645 dal mercante-banchiere Giovan Battista Durini, il progetto fu assegnato al Richini[87]​; il palazzo è uno dei maggiori esempi di edilizia seicentesca della città[75]​. La facciata, com'era tradizione assodata in città, è piuttosto sobria e lineare se comparata agli stili barocchi delle altre città d'Italia[88]​[89]​ è centrata su un portale d'ingresso monumentale in bugnato che sorregge un altrettanto monumentale balconata del piano nobile, dove i finestroni decorati con timpani triangolari e curvilinei alternati sono decorati con dei sostegni alla base a forma di mascherone, tale decorazione viene ripresa nella cornice[75]​. Decisamente degni di nota sono gli interni: salendo dallo scalone d'onore decorato in marmo rosso al piano nobile, si entra nell'antisala decorata a trompe-l'œil, mentre superando una serie di stanze di passaggio decorati con medaglioni dipinti si arriva al salone d'onore affrescato dal Trionfo di Eros di scuola lombarda; sempre al piano nobile si possono ammirare i soffitti lignei intagliati provenienti dal demolito palazzo Arnaboldi.[La. 5]​

Marc'Antonio Dal Re - Vistas de Milán, palazzo Durini (1745)

Terminado en la cuarta década del Seicento, el Palazzo Annoni[90]​ fue construido una vez más según un diseño de Filippo Maria Richini; la fachada, decorada en la planta baja con un zócalo de sillería, se centra en la puerta de entrada insertada entre dos columnas salientes de orden jónico que sostienen el balcón de la planta principal, en la planta superior los grandes ventanales con frontones alternativamente triangulares o curvos. tienen balaustradas,[91]​ la fachada queda finalmente delimitada por pilastras de sillería [62]. Al patio interior, construido repitiendo la decoración exterior, se accede atravesando la verja de hierro forjado original de la época [109]. En el siglo XVIII, el palacio albergaba una rica biblioteca y la galería de arte privada de la familia Annoni, que incluía, entre otras cosas, pinturas de Rubens, Gaudenzio Ferrari y Antoon van Dyck, confiscadas por los austriacos en 1848 [110]..

Frente al Palacio Annoni se encuentra el Palacio Acerbi, que data de principios del Seicento, pero que fue profundamente renovado durante los años de la gran peste: la fachada, bastante escasa en comparación con la de enfrente, se enriqueció en el siglo XVIII con pequeños balcones curvilíneos y mascarones ornamentales. con figuras de un león cerca del portal de entrada, mientras que en el interior, más allá del primer patio sobrio con arquitrabes, podemos mencionar el segundo patio de estilo rococó [111]. Curiosamente, gracias a la posición opuesta de los dos edificios, hacia la segunda mitad del siglo XVII se produjo una batalla de "lujuria" entre las familias Annoni y Acerbi: la primera, impresionada por la riqueza de las renovaciones de los Acerbi, no quiero ser superado; Se inició así un largo duelo de renovaciones y obras en los edificios destinado a definir cuál de las dos familias era más rica y poderosa.[92]​[93]​

Estaba destinado al uso público el palacio de las Escuelas Palatinas, que se construyó sobre el terreno de un palacio incendiado [114]: las obras comenzaron en 1644 según un proyecto de Carlo Buzzi, que retomó la estructura de el palacio de los Giureconsulti para la fachada [115 ]. Del edificio original sólo queda la fachada, distribuida en varios órdenes: en la planta baja hay una galería salpicada de columnas pareadas, mientras que en la planta superior hay ventanas decoradas con un nicho en el centro que contiene la estatua de San Agustín de Giovan Pietro Lasagna, mientras que más a la derecha, en el frontón que conduce a un pasaje cubierto, se encuentra la estatua de Ausonio del mismo autor [95]. Ultimato nel quarto decennio del Seicento, palazzo Annoni[94]​ fu costruito ancora una volta su progetto di Filippo Maria Richini; la facciata, ornata al piano terra con uno zoccolo di bugnato, è centrata sul portone di ingresso inserito tra due colonne aggettanti di ordine ionico che sorreggono il balcone del piano nobile, al piano superiore i finestroni con frontoni alternativamente triangolari o curvilinei presentano delle balaustre,[La. 6]​ la facciata è infine delimitata da lesene in bugnato[60]​. Alla corte interna, costruita ripetendo la decorazione esterna, si giunge passando per il cancello in ferro battuto originale dell'epoca.[La. 6]​ Il palazzo nel XVIII secolo era sede di una ricca biblioteca e della galleria d'arte privata degli Annoni, che comprendeva tra l'altro quadri di Rubens, Gaudenzio Ferrari e Antoon van Dyck, confiscati dagli austriaci nel 1848[95]​.

Di fronte a palazzo Annoni è palazzo Acerbi, risalente ai primi anni del Seicento, ma pesantemente ristrutturato durante gli anni della grande peste: la facciata, piuttosto scarna se comparata a quella di fronte, fu arricchita nel Settecento da balconcini curvilinei e maschere ornamentali con figure di leone in prossimità del portale d'ingresso, mentre all'interno, superato il primo sobrio cortile architravato, si può citare il secondo cortile in stile rococò.[La. 7]​ Curiosamente proprio grazie alla posizione dirimpetto dei due palazzi, verso la seconda metà del Seicento ci fu una battaglia a colpi di "sfarzosità" tra la famiglia Annoni e Acerbi: la prima colpita dalla ricchezza delle ristrutturazioni degli Acerbi, non volle essere da meno; fu così che iniziò un lungo duello di ristrutturazioni e lavori dei palazzi volto a definire chi delle due famiglie fosse più ricca e potente.

Di pubblica utilità fu destinato il palazzo delle Scuole Palatine, che fu edificato sull'area di un palazzo andato in fiamme:[La. 8]​ i lavori partirono 1644 su progetto di Carlo Buzzi, che per la facciata riprese la struttura del palazzo dei Giureconsulti.[La. 9]​ Della costruzione originaria rimane solo la facciata, impostata su più ordini: al piano terra è presente una loggia scandita da colonne binate, mentre al piano superiore sono presenti finestre decorate con al centro una nicchia contenente la statua di Sant'Agostino di Giovan Pietro Lasagna, mentre più a destra, sul frontone che porta ad un passaggio coperto, è presente la statua di Ausonio sempre dello stesso autore[81]​.

Pintura[editar]

Francesco Cairo - Santa Cristina (1683) - Pinacoteca del Castello Sforzesco

Il secondo Seicento, spariti i principali interpreti dei pittori "pestanti" del primo Seicento lombardo[96]​, raccoglie l'eredità di questi ultimi, superando definitivamente i legami con il manierismo che potevano essere trovati in alcune delle opere degli artisti federiciani: gran parte degli artisti di questo periodo furono infatti allievi all'Accademia Ambrosiana o si formarono presso le botteghe dei maestri del primo Seicento lombardo.

A segnare il punto di rottura è Carlo Francesco Nuvolone, maggiore dei due fratelli e allievo del Cerano, che mostra nel suo stile il dinamismo tipico dell'arte barocca,[Te. 5]​ di cui si ricordano gli affreschi nella chiesa di Sant'Angelo di Milano; mentre Francesco Cairo mostra una costante evoluzione dello stile,[Te. 6]​ che risente dei suoi numerosi viaggi tra Torino e Roma dove ha l'opportunità di confrontarsi anche con esponenti di scuola emiliana e genovese. Questi due pittori, assieme a Giuseppe Nuvolone furono in un costante confronto, scaturito da numerose collaborazioni in vari cantieri, su tutte quelle dei Sacri Monti lombardiError en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref> retomó el legado de estos últimos, superando definitivamente los vínculos con el manierismo que podían encontrarse en algunos de los obras de los artistas de Federico: la mayoría de los artistas de este período fueron en realidad estudiantes de la Academia Ambrosiana o formados en los talleres de los maestros del primer Seicento lombardo.

El punto de ruptura lo marcó Carlo Francesco Nuvolone, el mayor de los dos hermanos y alumno de Cerano, que mostró en su estilo el dinamismo típico del arte barroco [117], del que destacan los frescos de la iglesia de Sant'Angelo en Milán. son recordados; mientras que Francesco Cairo muestra una constante evolución de estilo [118], que está influenciado por sus numerosos viajes entre Turín y Roma donde también tiene la oportunidad de interactuar con exponentes de las escuelas emiliana y genovesa. Estos dos pintores, junto con Giuseppe Nuvolone, estuvieron en constante enfrentamiento, fruto de numerosas colaboraciones en diversas obras, especialmente en las de las Montañas Sagradas de Lombardía [119], que conducirán a una evolución de la pintura sacra de principios del siglo XVII., abandonando su carácter exclusivamente dramático en favor de una mayor variedad narrativa [120]. Completando la evolución de la pintura milanesa está Giovan Battista Discepoli, formado con Camillo Procaccini; su pintura está más influenciada por Morazzone: él también muestra una fuerte evolución de estilo; Sus obras incluyen los lienzos de la iglesia de San Vittore al Corpo y la Adoración de los Magos, una vez ubicada en la demolida iglesia de San Marcellino [118].

Giorgio Bonola - Milagro de Marco Spagnolo (1681) - Duomo di Milano
  mentre vengono nuovamente favoriti i viaggi di giovani artisti presso Roma, tra cui quelli di Giovanni Ghisolfi e Antonio Busca, da cui scaturisce un nuovo aggiornamento dell'ambiente artistico milanese; non a caso fu assegnata in seguito ad Antonio Busca la cattedra dell'Accademia Ambrosiana.[Te. 7]​ Con quest'ultimo si delineano due correnti destinate a sopravvivere anche nel Settecento, ovvero una corrente più classicista proprio del Busca, contrapposta ad uno stile più esuberante e fantasioso della maturazione di Giuseppe Nuvolone, trasportando nella città ambrosiana quella stessa controversia tra i due stili dell'ambiente romano.

Muerto Carlo Francesco Nuvolone o El Cairo, y gracias a la influencia del recién elegido papa Clemente IX y a sus relaciones con el arzobispo Alfonso Litta, el arte lombardo experimentó un acercamiento con el arte romano hacia un gusto más marcadamente barroco, lo que contribuyó a llevar a artistas romanos a Milán como Salvator Rosa y Pier Francesco Mola, mientras que se favorecen una vez más los viajes de jóvenes artistas a Roma, entre ellos los de Giovanni Ghisolfi e Antonio Busca, lo que resulta en una nueva actualización del ambiente artístico milanés; No es casualidad que la cátedra de la Accademia Ambrosiana fuera asignada posteriormente a Antonio Busca [121]. Con esto último surgen dos corrientes que estaban destinadas a sobrevivir incluso en el siglo XVIII, es decir, una corriente más clasicista de Busca, contrastada con un estilo más exuberante e imaginativo de maduración de Giuseppe Nuvolone, trayendo a la ciudad ambrosiana esa misma controversia entre los Dos estilos de 'entorno romano.[Te. 7]​

Muchos años después de los pittori pestanti hubo un pequeño resurgimiento de la tradición pictórica borromea; en particular, a la ya vasta obra de los Quadroni di San Carlo, a la que se suman las obras de Giacomo Parravicini se añadió más tarde: Abbiati y Lanzani continuaron esta dualidad entre clasicismo y barroco incluso a principios del siglo XVIII. Cabe señalar que muchos de los artistas recién mencionados ya estaban en contacto para el encargo del ciclo de la vida de San Rocco para la iglesia de San Rocco en Miasino, donde trabajaron Bonola, Abbiati, Lanzani y Giuseppe Nuvolone [122]. En los últimos años del siglo XVII observamos la primera obra de Stefano Legnani, conocido como Legnanino e Sebastiano Ricci:[Te. 8]​ su obra, sin embargo, se hace coincidir y ponerla en continuidad con el Settecento lombardo.

Como en la primera parte del siglo, la pinacoteca de los benefactores del hospital principal recoge los mejores ejemplos del retrato milanés de la segunda parte del siglo XVII; gracias a la galería de imágenes se puede observar la evolución hacia un estilo barroco más maduro: el mejor testimonio se atribuye a Giuseppe Nuvolone [76].

A molti anni dai pittori pestanti si ha una piccola ripresa della tradizione pittorica dei Borromeo; in particolare si aggiungono alla già vasta opera dei Quadroni di San Carlo i lavori di Giorgio Bonola e Andrea Lanzani, che prediligono un orientamento più classicista, e di Filippo Abbiati, dallo stile dichiaratamente barocco, a cui si aggiungono più tardi i lavori di Giacomo Parravicini: l'Abbiati e il Lanzani continueranno questa dualità tra classicismo e barocco anche nei primi anni del Settecento. È da notare come molti degli artisti appena citati furono già in contatto per la commissione del ciclo della vita di San Rocco per la chiesa di San Rocco a Miasino, dove lavorarono Bonola, Abbiati, Lanzani e Giuseppe Nuvolone.[Te. 9]​ Negli ultimissimi anni del Seicento si osserva il primo operato di Stefano Legnani, detto il Legnanino e Sebastiano Ricci:[Te. 8]​ l'operato di questi viene però fatto coincidere e messo in continuità con il Settecento lombardo.

Come nella prima parte del secolo, la quadreria dei benefattori dell'ospedale maggiore raccoglie le migliori testimonianze della ritrattistica milanese della seconda parte del Seicento; grazie alla quadreria si può osservare l'evoluzione verso uno stile barocco più maturo: le migliori prove sono attribuite a Giuseppe Nuvolone.[Co. 16]​

El Settecento[editar]

Il Settecento segna una svolta nell'arte e nell'architettura milanese: storicamente segna il passaggio del ducato sotto il dominio degli austriaci, sotto i quali le arti passarono dal servizio di committenze religiose al patriziato e successivamente allo Stato. Questo periodo, pur contenendo le forme più mature ed esuberanti del barocco milanese, rappresenta una sorta di prodromo della stagione neoclassica milanese, in cui l'arte e l'architettura passarono definitivamente ai servizi della cosa pubblica e dello Stato. El Settecento marca un punto de inflexión en el arte y la arquitectura milaneses: históricamente marca el paso del ducado bajo el dominio de los austriacos, bajo los cuales las artes pasaron del servicio de las comisiones religiosas al patriciado y posteriormente al Estado. Se asiste, por tanto, a una disminución de la producción artística religiosa en beneficio de la producción civil. Este período, aunque produjo las formas más maduras y exuberantes del barroco milanés, representa una especie de precursor de la temporada neoclásica milanesa, en la que el arte y la arquitectura pasaron definitivamente al servicio de los asuntos públicos y del Estado.

Palacio Litta[editar]

Foto histórica de la fachada del Palacio Litta

Palazzo Litta rappresenta, assieme al Palazzo Clerici, il miglior esempio di architettura barocca settecentesca della città. Edificato nel Seicento, assegnato ancora una volta il progetto al Richini, fu completato solo nel 1752 a cui si deve l'imponente facciata su progetto di Bartolomeo Bolli[97]​. Il palazzo è composto da tre corpi: il corpo principale al centro è impostato su tre piani, scanditi da sei paraste di ordine corinzio, è più decorato e leggermente aggettante rispetto agli altri due corpi laterali simmetrici, alti solo due piani. Al piano terreno, il portale centrale assume forme monumentali, delimitato da due cariatidi giganti: tale forma è ripresa per i balconcini laterali del primo piano. Ogni piano presenta finestre molto decorate da timpani curvilinei, ogni piano ha decorazioni diverse: al piano nobile si possono osservare cornici decorate con doppie volute contenenti teste di leone; all'ultimo piano le finestre dell'ultimo piano presentano parapetti in ferro battuto. Il corpo centrale è coronato da un grande fastigio mistilineo, con scolpito all'interno lo stemma della famiglia Litta sorretto da due mori[98]​: la realizzazione di tale fastigio è talvolta attribuita alle maestranze della Fabbrica del Duomo, all'epoca disoccupati, di Elia Vincenzo Buzzi, Carlo Domenico Pozzo e Giuseppe Perego. El Palazzo Litta representa, junto con el palazzo Clerici, el mejor ejemplo de arquitectura barroca del siglo XVIII en la ciudad. Construido en el Seicento, el proyecto fue nuevamente confiado a Richini, y no fue terminado hasta 1752, a quien se debe la imponente fachada diseñada por Bartolomeo Bolli.[97]​ El palacio se compone de tres cuerpos: el cuerpo principal en el centro se distribuye en tres plantas, puntuado por seis pilastras de orden corintio, está más decorado y ligeramente saliente respecto a los otros dos cuerpos laterales simétricos, de sólo dos plantas de altura.[98]​

En la planta baja, el portal central adquiere formas monumentales, delimitado por dos cariátides gigantes[99]​ che sorreggono una balconata convessa[100]​ que sostienen un balcón convexo [127]: esta forma se retoma en los pequeños balconcillos laterales del primer piso.[97]​ Cada piso tiene ventanas muy decoradas con tímpanos curvilineos, cada piso tiene decoraciones diferentes: en el piso principal se pueden ver marcos decorados con volutas dobles que contienen cabezas de león; en la planta superior las ventanas del último piso tienen antepechos de hierro forjado. El cuerpo central está coronado por un gran frontón mixtilíneo, con el escudo de la familia Litta tallado en su interior sostenido por dos moros [125]: la creación de este frontón se atribuye en ocasiones a los trabajadores de la Fabbrica del Duomo, desempleados en el tiempo, de Elia Vincenzo Buzzi, Carlo Domenico Pozzo y Giuseppe Perego.

Sala degli Specchi, Palazzo Litta

Pasando la entrada se encuentra el patio principal de gusto seicentesco, atribuido a Richini, de planta cuadrada cerrado por los cuatro lados por pórticos con bóvedas de cañón, sostenidos por columnas arquitrabadas de granito decoradas con capiteles con festones;[101]​ Continuando hacia la izquierda se accede a la monumental escalera de pinza, construida por Carlo Giuseppe Merlo en 1750 en granito rosa de Baveno con pretil de mármol rojo de Arzo y mármol negro de Varenna [125]. Los interiores se encuentran entre los más lujosos del panorama milanés, con suelos con incrustaciones, decoraciones de estuco y mármol y frescos [124]. Entre las habitaciones más bellas podemos mencionar la sala central, o Sala de los Espejos, adornada con espejos dorados de estilo rococó y con frescos de la Apoteosis de una Litta de Giovanni Antonio Cucchi, el Salón Rojo, amueblado con damasco rojo púrpura, con frescos en trompe l'oeil y con suelos de mosaico, el Salón Amarillo que aún toma su nombre de los colores de las telas con las que está decorado el salón y el Salón Duquesa todavía amueblado con muebles barrocos originales; finalmente, están las Bodas de Plutón y Proserpina creadas por Martin Knoller en una sala más pequeña [129].

Por último, destacan el patio del reloj, que toma su nombre del característico reloj presente, y la antigua capilla privada de las Littas en la planta baja del palacio, posteriormente transformada en el teatro todavía en uso.

Passando l'ingresso ci si trova nel cortile principale di gusto seicentesco, attribuito al Richini, si presenta a pianta quadrata racchiuso su tutti i quattro i lati da portici a volta a botte, sorretti da colonne architravate in granito decorate da capitelli con festoni[102]​; proseguendo a sinistra si accede allo scalone monumentale "a tenaglia", realizzato da Carlo Giuseppe Merlo nel 1750 in granito rosa di Baveno con parapetto in marmo rosso di Arzo e marmo nero di Varenna[98]​. Gli interni sono tra i più lussuosi del panorama milanese, con pavimenti intarsiati, decorazioni in stucco e marmo e affreschi[97]​. Tra gli ambienti più belli si possono citare il salone centrale, o Sala degli specchi, adornato da specchiere dorate in stile rococò e affrescate con l'Apoteosi di un Litta di Giovanni Antonio Cucchi, il Salotto rosso, arredato con damaschi rosso porpora, affrescata a trompe l'oeil e con pavimenti a mosaico, il Salotto giallo che prende ancora il nome dal colori dei tessuti con cui è arredato l'ambiente e la Sala della duchessa ancora arredato dagli originali mobili di epoca barocca; sono presenti infine le Nozze di Plutone e Proserpina realizzato da Martin Knoller in un salone minore.[La. 10]​

Si segnalano infine il cortile dell'orologio, che prende nome dal caratteristico orologio presente, e la vecchia cappella privata dei Litta al pian terreno del palazzo, trasformata poi nel teatro tuttora in uso.

Palacio de los Clérigos[editar]

Sala da ballo del Palacio Clerici

El palazzo Clerici fue una de las residencias más prestigiosas y suntuosas del Milán del siglo XVIII, hasta el punto de que en 1772 se convirtió en la residencia temporal oficial del archiduque Ferdinando, hijo de María Teresa de Austria.[Bi. 6]​ Proyectada por un arquitecto desconocido,[103]​ la fachada se organiza en tres plantas, con la parte central rehundida respecto al resto del cuerpo;[104]​ el portal central es bastante sobrio y está decorado, además del arco, por un mascarón con volutas; las ventanas están decoradas con frontones curvos; tras atravesar una cancela de hierro forjado se accede al patio con pórticos de columnas jónicas pareadas de granito rosa.[105]​

Los críticos, sin embargo, a menudo subrayan la discrepancia de la apariencia exterior anónima, que no revela nada de los lujosos interiores.[103]​ A la derecha del patio se llega a la gran escalera de tres tramos, en cuya balaustrada se encuentran un desfile de estatuas colocadas en las conexiones de las rampas, mientras que la bóveda está decorada con un fresco de Mattia Bortoloni [134]. El interior alcanza su punto culminante en la Galería de los Tapices, cuya bóveda está pintada al fresco por Giambattista Tiepolo [133] con el ciclo de frescos de la Carrera del Carro del Sol, las Alegorías de los Cuatro Continentes y las Alegorías de las Artes, consideradas entre las mayores pruebas del pintor veneciano; las paredes están decoradas con tapices flamencos que datan del siglo XVII que representan Historias de Moisés[106]​[Co. 17]​ y con espejos tallados en madera por Giuseppe Cavanna, que representan escenas de la Jerusalén liberada. La critica tuttavia, sottolinea spesso la discrepanza dell'anonimo aspetto esterno, che non lascia trasparire nulla dei lussuosi interni. Sulla destra del cortile si arriva allo scalone d'onore a tre rampe, sulla cui balaustra si sussegue una parata di statue poste sui raccordi delle rampe, mentre la volta è decorata da un affresco di Mattia Bortoloni[106]​. L'interno raggiunge il suo apice nella Galleria degli Arazzi, la cui volta è affrescata da Giambattista Tiepolo[105]​ con il ciclo di affreschi della Corsa del carro del Sole, le Allegorie dei quattro continenti e le Allegorie delle Arti, ritenute tra le maggiori prove del pittore veneto; le pareti sono decorate da arazzi fiamminghi risalenti al Seicento raffiguranti Storie di Mosè[106]​[Co. 17]​ e da specchiere intagliate nel legno da Giuseppe Cavanna, raffiguranti scene della Gerusalemme liberata.


La galleria, di dimensioni poco agevoli per il pittore, era stata probabilmente ricavata da una preesistente struttura: tale commissione serviva con tutta probabilità a completare l'ascesa sociale che dal Seicento la famiglia aveva compiuto: nella Corsa del carro del Sole, secondo lo storico dell'arte Michael Levey, si celebra "il sole dell'Austria che si solleva ad illuminare il mondo" o il mecenatismo della famiglia, dato il ruolo di Apollo e Mercurio protettori delle scienze[107]​. Nella Stanza del Maresciallo si trovano le decorazioni a stucco di Giuseppe Cavanna con le Fatiche di Ercole e Storie mitologiche; sempre nell'ambiente del cosiddetto Boudoir di Maria Teresa si trovano decorazioni sempre dell'intagliatore.

Detalle de los frescos de la Galleria degli arazzi del Palazzo Clerici

La galería, de dimensiones difíciles para el pintor, probablemente había sido creada a partir de una estructura preexistente: este encargo sirvió muy probablemente para completar el ascenso social que la familia había alcanzado desde el siglo XVII: en la Carrera del Carro de el Sol, según el historiador del arte Michael Levey, se celebra "el sol de Austria saliendo para iluminar el mundo" o el mecenazgo de la familia, dado el papel de Apolo y Mercurio como protectores de las ciencias [136]. En la Sala del Mariscal hay decoraciones de estuco de Giuseppe Cavanna con los Trabajos de Hércules y las Historias Mitológicas; Siempre en el entorno del llamado Boudoir de María Teresa hay decoraciones también del tallador.

Los frescos de otras salas del palacio realizados por Giovanni Angelo Borroni se remontan a un período comprendido entre los años treinta y cuarenta del siglo XVIII, con una escena olímpica con el rapto de Ganímedes y la Apoteosis de Hércules [135], y Mattia Bortoloni, que atribuidos al medallón de la bóveda de la gran escalera, a los frescos de la Alegoría de los vientos y a otra escena de Apoteosis en los apartamentos privados del cliente, en la que se vislumbra un Júpiter con los rasgos de Antonio Giorgio Clerici en un desfile de olímpicos. divinidades; También de Bortoloni es el fresco de la Galería de Pinturas, que todavía quisiera celebrar el buen gobierno austriaco y María Teresa de Austria [137].

Risalgono ad un periodo tra gli anni trenta e quaranta del Settecento gli affreschi in altri ambienti del palazzo ad opera di Giovanni Angelo Borroni, con una Scena olimpica col ratto di Ganimede e l'Apoteosi di Ercole,[Co. 17]​ e Mattia Bortoloni, a cui vengono attribuiti il medaglione sulla volta dello scalone d'onore, gli affreschi dell'Allegoria dei venti e un'altra scena di Apoteosi negli appartamenti privati del committente, in cui in una sfilata di divinità olimpiche si intravede un Giove con le fattezze di Antonio Giorgio Clerici; sempre del Bortoloni è l'affresco della Galleria dei quadri, che vorrebbe ancora celebrare il buon governo austriaco e di Maria Teresa d'Austria.[Co. 18]​

Otra arquitectura civil[editar]

Detalle de la fachada del Palazzo Cusani

Oltre a palazzo Clerici, il Tiepolo operò in molti altri cantieri milanesi dell'epoca. Un altro lavoro significativo dell'artista fu quello a Palazzo Dugnani; il palazzo presenta due facciate: quella esterna si presenta come più semplice e poco decorata, al contrario la facciata interna, che dà sui giardini di porta Venezia è decisamente più varia e articolata. Il palazzo, diviso in tre parti, presenta il corpo centrale arretrato rispetto alle due parti laterali, al cui pian terreno è presente un porticato e il piano superiore è composto da una loggia, coronata da una cimasa in pietra; tale struttura è poi ripetuta nei due corpi laterali.[La. 11]​ Nel salone d'onore si possono osservare sulle pareti i cicli di affreschi della Vita di Scipione, mentre sulla volta sono rappresentati l'Apoteosi di Scipione, in cui si può vedere l'intento autocelebrativo di Giuseppe Casati, allora proprietario del palazzo e committente[108]​. Además del palacio Clerici, Tiepolo trabajó en muchas otras obras milanesas de la época. Otra obra significativa del artista fue la del palazzo Dugnani; el palacio tiene dos fachadas: la exterior es más sencilla y menos decorada, por el contrario, la fachada interior, que da a los jardines de Porta Venezia, es decididamente más variada y articulada.[109]​ El palacio, dividido en tres cuerpos, tiene el cuerpo central retranqueado de los dos laterales, en cuya planta baja hay un pórtico y el piso superior se compone de una logia, coronada por un cimacio de piedra; esta estructura luego se repite en los dos cuerpos laterales [139]. En el salón de honor se pueden observar los ciclos de frescos de la Vida de Escipión en las paredes, mientras que en la bóveda está representada la Apoteosis de Escipión, en la que se puede ver el intento de autocelebración de Giuseppe Casati, entonces propietario del palacio y comitente.[108]​

Se diferencia del estilo de las casas típicas milanesas del Palazzo Cusani: la razón se puede identificar en el proyecto de Giovanni Ruggeri, un arquitecto romano que importó a su obra el más vivo barroco romano, ya reconocible en el zócalo de imitación de roca rugosa en el suelo. piso [141]. El palacio se distribuye en tres plantas, salpicadas de pilastras corintias, y presenta curiosamente dos portales de entrada idénticos; las ventanas de la planta baja y de la planta principal están ricamente decoradas con frontones y tímpanos curvos, triangulares y mixtos, y a menudo además están decoradas con conchas y elementos vegetales; las ventanas francesas llevan el escudo de armas de la familia Cusani [142]. En el piso superior las ventanas son redimensionadas y tienen frontones mixtilíneos; todo remata sobre una rica balaustrada.

Differisce dallo stile delle tipiche dimore milanesi Palazzo Cusani: il motivo è individuabile nel progetto di Giovanni Ruggeri, architetto di Roma che importò il più vivace barocco romano nella sua opera, già riconoscibile nello zoccolo in finta roccia grezza al pian terreno.[La. 12]​ Il palazzo è impostato su tre piani, scandito da lesene corinzie, e presenta curiosamente due portali d'ingresso identici; le finestre al pian terreno e al piano nobile sono riccamente decorate da fastigi e timpani curvilinei, triangolari e misti, e spesso sono ulteriormente decorati da conchiglie ed elementi vegetali, le porte finestre recano lo stemma della famiglia Cusani[110]​. All'ultimo piano le finestre sono ridimensionate e presentano fastigi mistilinei; il tutto si conclude su una ricca balaustra.

Fachada del Palazzo Sormani

Risalente al Seicento ma pesantemente rimaneggiato nella prima metà del Settecento è Palazzo Sormani, sede della biblioteca comunale centrale di Milano[111]​. Il palazzo ha due diverse facciate decorate; il fronte verso corso di Porta Vittoria si deve a Francesco Croce: la facciata presenta al centro un portale ad arco sormontato da una balconata mistilenea, le finestre al pian terreno sono coronate da finestre a cornice ovale e al piano nobile da fastigi a motivo alternativamente triangola e curvilineo.[La. 13]​ Il piano nobile ospita anche due terrazze laterali, ed è sormontato da un timpano curvilineo; la facciata verso il giardino è posteriore e ha un aspetto più sobrio, precursore del neoclassicismo[111]​. L'interno contiene ancora lo scalone monumentale in pietra e ospita la serie di dipinti rappresentanti Orfeo che incanta gli animali provenienti dalla collezione della famiglia Verri, tradizionalmente attribuiti a Giovanni Benedetto Castiglione,[Bi. 7]​ detto il Grechetto.

El Palazzo Sormani, que data del siglo XVII pero fue profundamente remodelado en la primera mitad del siglo XVIII, alberga la biblioteca municipal central de Milán [143]. El palacio tiene dos fachadas decoradas de forma diferente; el frente que da a Corso di Porta Vittoria se debe a Francesco Croce: la fachada tiene un portal arqueado en el centro coronado por un balcón de estilo mixto, las ventanas de la planta baja están coronadas por ventanas de marco ovalado y en la planta principal por frontones con un motivo alternativamente triangular y curvilíneo [144]. La planta principal alberga también dos terrazas laterales, y está rematada por un tímpano curvilíneo; la fachada que da al jardín es posterior y de aspecto más sobrio, precursora del neoclasicismo [143]. El interior aún conserva la monumental escalera de piedra y alberga la serie de pinturas que representan a Orfeo encantando a los animales de la colección de la familia Verri, atribuidas tradicionalmente a Giovanni Benedetto Castiglione [145], conocido como Grechetto.

El Palazzo Visconti di Modrone fue encargado en 1715 por el conde español Giuseppe Bolagnos, la fachada tiene tres pisos y está marcada verticalmente por cuatro pilastras, se centra en el portal rectangular limitado por dos columnas de granito que sostienen un balcón de piedra [146]. Como es habitual en otras arquitecturas de la época, los distintos pisos tienen decoraciones de ventanas diferentes para cada piso, particularmente las del piso principal coronadas con dobles volutas [147], mientras que en el piso superior algunas ventanas tienen pequeños balcones. El patio interior, además de la clásica solución de patio rectangular con pórticos de columnas pareadas, tiene un balcón que recorre todo el primer piso: una solución extremadamente rara en los edificios lombardos de la época [146]. Aún hoy se conserva el salón de baile con frescos en trampantojo que representan escenas mitológicas de Nicola Bertuzzi [104].

Otros palacios barrocos de la época, aunque menos llamativos desde el exterior que los anteriormente mencionados, son el Palazzo Trivulzio, que destaca por la zona cercana al portal de entrada en contraste con la sobriedad del resto del palacio[112]​ y el Palazzo Olivazzi, cuyo portal de entrada consta de una especie de hornacina gigante, construida para facilitar la entrada de carruajes, y para el trompe l'oeil del patio.[La. 14]​

Palazzo Visconti di Modrone fu commissionato nel 1715 dal conte spagnolo Giuseppe Bolagnos, la facciata presenta tre piani ed è scandita verticalmente da quattro lesene, è centrata sul portale rettangolare limitato da due colonne in granito che sorreggono una balconata in pietra[113]​. Come tipico nelle altre architetture dell'epoca, i vari piani presentano decorazioni per le finestre diverse per ogni piano, si segnalano in particolare quelle del piano nobile coronate da doppie volute,[La. 15]​ mentre all'ultimo piano alcune finestre presentano dei balconcini. Il cortile interno, oltre alla classica soluzione a corte rettangolare con portici a colonne binate presenta una balconata che corre lungo tutto il primo piano: soluzione estremamente rara nell'edilizia lombarda dell'epoca[113]​. È tutt'oggi conservato il salone da ballo con gli affreschi a trompe l'eoil raffiguranti scene mitologiche di Nicola Bertuzzi.[La. 16]​


Arquitectura religiosa[editar]

Iglesia de San Francisco de Paola

A pesar de la recuperación y predominio de las residencias urbanas privadas, no debe pasarse por alto el arte sacro de principios del siglo XVIII.

La chiesa di San Francesco di Paola risale al 1728, e benché la facciata sia stata conclusa solo un secolo più tardi, essa fu costruita rispettando lo stile barocchetto originario. La facciata si presenta ricurva, ed è suddivisa in due ordini divisi da un cornicione piuttosto aggettante; il primo piano presenta tre portali sormontati da fastigi o finestre ellittiche, ed è scandito da otto lesene corinzie. L'ordine superiore presenta ai lati due terrazzi con balustre che sorreggono due statue della Fede e della Speranza; al centro è presente un finestrone fastosamente decorato, sormontato da uno stemma recante il motto "CHARITAS" del santo titolare della chiesa[110]​.

L'interno presenta un'unica navata: di particolare interesse sono l'organo d'epoca barocca sulla controfacciata, gli affreschi sulla volta di Carlo Maria Giudici raffiguranti la Gloria di san Francesco di Paola e gli ovali in marmo di Giuseppe Perego. Risale al 1753 l'altare maggiore dalle forme monumentali dell'architetto Giuseppe Buzzi di Viggiù, fatto di marmi policromi.[Bi. 8]​

La iglesia de San Francisco de Paola data del año 1728, y aunque la fachada se completó sólo un siglo después, fue construida respetando el estilo barroco original. La fachada es curva, y se divide en dos órdenes divididos por una cornisa bastante saliente; el primer piso tiene tres portales coronados por frontones o ventanas elípticas y está salpicado por ocho pilastras corintias. El orden superior tiene dos terrazas a los lados con balaustradas que sostienen dos estatuas de Fe y Esperanza; en el centro hay un gran ventanal suntuosamente decorado, rematado por un escudo que lleva el lema "CHARITAS" del santo titular de la iglesia [142].

El interior es de una sola nave: de particular interés son el órgano barroco de la contrafachada, los frescos de la bóveda de Carlo Maria Giudici que representan la Gloria de San Francisco de Paola y los óvalos de mármol de Giuseppe Perego. El altar mayor de formas monumentales obra del arquitecto Giuseppe Buzzi di Viggiù, realizado en mármol policromado, data de 1753 [150].

Osario de San Bernardino hasta los huesos

Famosa más por su particularidad que por su valor artístico, la iglesia de San Bernardino alle Ossa se completó en 1750 según un proyecto del arquitecto Carlo Giuseppe Merlo, que diseñó una estructura de planta central coronada por una cúpula octogonal [151]: la La iglesia tiene una sola nave y cuenta con dos capillas dedicadas a Santa María Magdalena y Santa Rosalía, ambas decoradas con altares de mármol. La fachada es lo que queda de la antigua iglesia destruida en un incendio, obra de Carlo Buzzi, y tiene más aspecto de palacio que de iglesia: dividida en tres órdenes, la primera en la planta baja tiene portales y ventanas adornadas con frontones de voluta, mientras que los órdenes superiores tienen frontones a dos aguas rotos [152].

En el interior de la iglesia, a la derecha, se encuentra la parte más peculiar del complejo, el osario: además del suntuoso altar de mármol de Gerolamo Cattaneo y los frescos de la bóveda de Sebastiano Ricci del Triunfo de las almas entre los ángeles (1695), se pueden observar las paredes casi completamente cubiertas de cráneos y huesos humanos, creando a veces motivos y decoraciones reales [151] [153].

La iglesia de Santa Maria della Sanità, que quedó inacabada, se comenzó a finales del siglo XVII, pero fue rediseñada y completada por Carlo Federico Pietrasanta a principios del siglo XVIII: lo incompleto es inmediatamente visible desde la fachada de ladrillo y sin decoraciones [154] Sin embargo, es fácilmente reconocible por la alternancia de concavidad y convexidad y por la forma particular llamada "violonchelo" y por el frontón de "faluca del mariscal". El interior es de una sola nave de forma elíptica, con cinco capillas [155], entre las que destaca la capilla dedicada a San Camilo de Lellis con el altar de mármol con inserciones de bronce y el lienzo de la Asunción en el coro y el fresco. Asunción de la Virgen (1717) sobre la bóveda de Pietro Maggi [146].

Marc'Antonio Dal Re - Vistas de Milán, Tumbas del Hospital Maggiore (Rotonda della Besana)

La iglesia de San Pietro Celestino fue construida sobre un antiguo monasterio del siglo XIV, diseñado por Mario Bianchi en 1735. La fachada es curva, con una planta muy similar a la de San Francesco di Paola; Construido en piedra arenisca, a principios del siglo XX fue necesaria una restauración que implicó la reconstrucción de la fachada en hormigón decorativo [156]. La fachada se diferencia de la iglesia de San Francesco di Paola por las columnas decoradas del portal, coronadas por una escultura del santo titular de la iglesia, y por el cimacio con volutas ricamente decorado. El interior se compone de una sola nave salpicada de pilastras, con cinco capillas laterales; sobre el altar mayor del siglo XVIII hay un complejo de esculturas de ángeles en mármol de Carrara [138] y un lienzo de finales del siglo XVI de Giovanni Battista Trotti que representa a Jesucristo y María Magdalena [156].

Para uso del hospital principal, se construyó la iglesia de San Michele ai Nuovi Sepolcri junto con el complejo Rotonda della Besana, que durante unos ochenta años sirvió como lugar de enterramiento del complejo hospitalario milanés [157] [158]. En el exterior, los muros de ladrillo visto siguen una curiosa forma cuadrilobulada [159], de ahí el nombre de rotonda, en cuyo centro se encuentra la iglesia cementerio de cruz griega, con una cúpula oculta por la cúpula octogonal, diseñada por Francesco Croce: La iglesia fue construida a partir de 1696, el perímetro a partir de 1713 [160].

Ossario di San Bernardino alle ossa

Celebre più per la sua particolarità che per il valore artistico, la chiesa di San Bernardino alle Ossa vide il suo completamento nel 1750 su progetto dell'architetto Carlo Giuseppe Merlo, che pensò una struttura a pianta centrale coronata da una cupola ottagonale[114]​: la chiesa è ad una sola navata e presenta due cappelle dedicate a santa Maria Maddalena e santa Rosalia, entrambe decorate con altari in marmo. La facciata è ciò che rimane della vecchia chiesa andata distrutta in un incendio, opera di Carlo Buzzi, e ha un aspetto più di un palazzo che non di una chiesa: divisa in tre ordini, il primo al piano terra presenta portali e finestre adornate con fastigi a voluta, mentre gli ordini superiori presentano fastigi a timpano spezzato.[Bi. 9]​

All'interno della chiesa, sulla destra, si trova la parte più peculiare del complesso, ovvero l'ossario: oltre al fastoso altare in marmo di Gerolamo Cattaneo e agli affreschi sulla volta di Sebastiano Ricci del Trionfo delle anime tra angeli (1695), si possono osservare le pareti quasi completamente coperte con teschi e ossa umane, talvolta a creare veri e propri motivi e decorazioni[114]​[115]​.

Rimasta incompiuta, la chiesa di Santa Maria della Sanità fu iniziata alla fine del Seicento, ma fu ridisegnata e completata da Carlo Federico Pietrasanta nei primi anni del Settecento: l'incompiutezza è immediatamente visibile dalla facciata in mattoni e senza decorazioni,[Bi. 10]​ è tuttavia ben riconoscibile per l'alternanza di concavità e convessità e per la particolare forma detta "a violoncello" e per il frontone a "feluca di maresciallo". L'interno è a una sola navata di forma ellittica, con cinque cappelle[116]​, tra cui si segnala la cappella dedicata a san Camillo de Lellis con l'altare in marmo con inserti in bronzo e la tela dell'Assunta del coro e l'affresco Assunzione della Vergine (1717) sulla volta di Pietro Maggi[113]​.

Marc'Antonio Dal Re - Vedute di Milano, Sepolcri del Ospital Maggiore (Rotonda della Besana)

Su un vecchio monastero del Trecento fu eretta la chiesa di San Pietro Celestino, su progetto di Mario Bianchi nel 1735. La facciata si presenta curva, con un impianto del tutto simile a quello di San Francesco di Paola; costruita in pietra arenaria, ad inizio Novecento fu necessario un restauro che comportò la ricostruzione della facciata in cemento decorativo[117]​. La facciata differisce dalla chiesa di san Francesco di Paola per le colonne decorate del portale, sovrastato da una scultura del santo titolare della chiesa, e dalla cimasa a volute riccamente decorata. L'interno è composto da un'unica navata scandita da lesene, con cinque cappelle laterali; sopra l'altare maggiore settecentesco è posto una complesso di sculture di Angeli in marmo di Carrara[109]​ e una tela di fine Cinquecento di Giovanni Battista Trotti raffiguranti Gesù Cristo e Maria Maddalena[117]​.

Ad uso dell'ospedale maggiore, fu invece eretta la chiesa di San Michele ai Nuovi Sepolcri assieme al complesso della Rotonda della Besana, che per circa ottant'anni servì da luogo di sepoltura del complesso ospedaliero milanese[118]​[119]​. All'esterno le mura con mattoni a vista seguono una curiosa forma quadrilobataError en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>. 

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Pintura[editar]

Giambattista Tiepolo - Tentación de San Antonio, Pinacoteca di Brera

La pittura settecentesca milanese di inizio secolo mostra forti segnali di continuità con l'esperienza artistica di fine Seicento, i protagonisti dei primi anni infatti fecero i primi passi alla fine del Seicento per concludere la loro attività il primo decennio del.

Tra i nomi più importanti a cavallo dei due secoli Andrea Lanzani, in realtà molto attivo in tutta la Lombardia occidentale e a Vienna, può essere citato come il più illustre protagonista della corrente classicista milanese e lombarda assieme al Legnanino che però verrà più influenzato dalla scuola barocca genovese, mentre ad essi si contrappongono con un'esperienza più marcatamente tardo barocca Filippo Abbiati e Paolo Pagani con una pittura influenzata da scuola veneta e lombarda.[Te. 10]​ Deve essere considerata a sé stante l'esperienza milanese di Sebastiano Ricci, dove poté incontrare e confrontarsi con Alessandro Magnasco: del Ricci si ricorda in particolare la Gloria delle anime purganti di San Bernardino alle Ossa in cui si osserva l'influenza del correggismo del Baciccio. Una summa dei maggiori interpreti dell'epoca appena citati poteva essere Palazzo Pagani, andato distrutto, in cui ai numerosi dipinti si aggiungevano gli affreschi del Legnanino nella Sala Grande.[Te. 11]​ Di influenze più marcatamente lombarde fu invece Carlo Donelli, detto il Vimercati, allievo di Ercole Procaccini il Giovane che risentì in particolare dello stile di Daniele Crespi e del Morazzone.[Te. 12]​

Più tardi, concluso il periodo a cavallo dei due secoli, si possono citare nella pittura mitologica e allegorica le figure di Giovan Battista Sassi, Pietro Antonio Magatti e Giovanni Angelo BorroniError en la cita: Error en la cita: existe un código de apertura <ref> sin su código de cierre </ref>, per concludere la sua esperienza milanese con il capolavoro di Palazzo Clerici dell'affresco della Corsa del Carro del Sole a tema mitologico, a cui poi si ispirerà per la committenza del salone imperiale nella Residenza di Würzburg, anch'esso annoverato tra i capolavori del rococò[108]​

A partir de la tercera década del Settecento se asiste a un cambio en el gusto de los clientes milaneses, que hasta entonces habían preferido a los artistas lombardos, en favor de la escuela veneciana, entre los que destacan Giambattista Pittoni y Tiepolo; del primero, que también estuvo muy activo fuera de la ciudad, se recuerda la obra de la Gloria de San Francisco de Sales en el monasterio, mientras que para Tiepolo las estancias eran múltiples[Te. 13]​ y prerrogativa de las residencias nobles de la ciudad. Su primer encargo milanés fue en el Palazzo Archinto, donde en cinco salas pintó un ciclo para celebrar la boda del cliente, representado explícitamente en el fresco del Triunfo de las Artes y las Ciencias, que fue destruido por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. El pintor fue llamado al Palacio Dugnani algunos años más tarde donde pintó al fresco los ciclos de las Historias de Escipión y la Apoteosis de Escipión, pasando también por un breve encargo religioso de la Gloria de San Bernardo en una capilla de la iglesia de Sant'Ambrogio,[120]​ para concluir su experiencia milanesa con la obra maestra del fresco del Palazzo Clerici de la Carrera del Carro del Sol con un tema mitológico, en el que más tarde se inspiró para el encargo de la sala imperial en la Residencia de Würzburg, también contada entre las obras maestras del rococó.[108]​ La presencia de Tiepolo fue tan significativa que definió una «corrente tiepolesca», cuyo máximo exponente fue Biagio Bellotti, con sus ciclos pictóricos en el Palacio Perego y Palacio Sormani.[Te. 14]​

Al igual que la pintura histórica, mitológica y alegórica, una corriente de pintura de género se establece tanto en Milán como en Lombardía [168]. Entre los principales exponentes encontramos a Alessandro Magnasco, nacido en Génova pero formado en Milán, se especializó en algunas figuras características, como lavanderas, frailes, mendigos y soldados, utilizando un estilo definido como "pintura de tacto": también fue acogido en el Academia Milanesa de San Luca [169]. Otro gran exponente de la corriente es Vittore Ghislandi, conocido como Fra Galgario, cuya formación se desarrolló entre el ambiente veneciano y milanés, gracias al cual llegó a una pintura más naturalista y alejada de la pintura celebratoria: sus estancias en Milán pueden citarse entre las mejores. Los resultados fueron el Retrato de un joven y un caballero con tricornio, este último considerado una obra maestra a pesar de haber sido pintado en una edad avanzada "[...] con la mano algo temblorosa", ambos conservados en Poldi Pezzoli [170]. Completa el panorama de la pintura de género Giacomo Ceruti, conocido como Pitocchetto, que se dedicó principalmente a escenas pobres, inspirándose en la pintura de la realidad francesa del siglo XVII típica, por ejemplo, de Georges de La Tour: Francesco aprenderá lecciones de Ceruti. experiencia Londonio [171], que puede definirse como el último pintor significativo de la experiencia del Barroco tardío milanés.

Por último, cabe recordar la tradición de la galleria dei benefattori del hospital mayor de Milán, que después de haber acompañado todo el nacimiento del barroco milanés, también acompañó su conclusión, alcanzando probablemente su auge en los primeros veinte años del Settecento con el de Filippo Abbiati y Andrea Porta.[Co. 16]​

Al pari della pittura di storia, mitologica e allegorica, si afferma così a Milano come in Lombardia una corrente di pittura di genere.[Te. 15]​ Tra gli esponenti maggiore troviamo Alessandro Magnasco, nato a Genova ma di formazione milanese, si specializzò in alcune figure caratteristiche, come lavandaie, frati, mendicanti e soldati, utilizzando uno stile definito come "pittura di tocco": fu peraltro accolto nell'Accademia milanese di San Luca.[Te. 16]​ Altro grande esponente della corrente è Vittore Ghislandi, conosciuto come Fra Galgario, la cui formazione avviene tra l'ambiente veneziano e milanese, grazie alla quale approda ad una pittura più naturalistica e distante dalla pittura celebrativa: dei suoi soggiorni milanesi si possono citare tra i migliori risultati il Ritratto di giovinetto e Gentiluomo col tricorno, quest'ultimo considerato un capolavoro nonostante dipinto in tarda età "[...] avendo la mano alquanto tremante", entrambi conservati al Poldi Pezzoli.[Te. 17]​ A completare il panorama della pittura di genere è Giacomo Ceruti, detto il Pitocchetto, che si dedicò prevalentemente a scene povere, ispirandosi alla pittura della realtà del Seicento francese tipica ad esempio di Georges de La Tour: dall'esperienza del Ceruti, trarrà insegnamento Francesco Londonio,[Te. 18]​ che può essere definito l'ultimo pittore di rilievo dell'esperienza tardobarocca milanese.

In ultimo è da ricordare la tradizione della galleria dei benefattori dell'ospedale maggiore di Milano, che dopo aver accompagnato tutta la nascita del barocco milanese, accompagnò anche la sua conclusione, raggiungendo probabilmente il suo apice nei primi vent'anni del Settecento con le prove di Filippo Abbiati e Andrea Porta.[Co. 16]​

Notas[editar]

  • Valerio Terraroli (2004). Lombardia barocca e tardobarocca. Milano: Skira editore.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  1. ↑ a b Terraroli, 2004, p. 142.
  2. ↑ a b Terraroli, 2004, p. 137.
  3. ↑ Terraroli, 2004, p. 127.
  4. ↑ Terraroli, 2004, p. 277.
  5. ↑ Terraroli, 2004, p. 94.
  6. ↑ Terraroli, 2004, p. 99.
  7. ↑ a b Terraroli, 2004, p. 110.
  8. ↑ a b Terraroli, 2004, pp. 120-121.
  9. ↑ Terraroli, 2004, pp. 117-120.
  10. ↑ Terraroli, 2004, p. 278.
  11. ↑ Terraroli, 2004, p. 279.
  12. ↑ Terraroli, 2004, p. 282.
  13. ↑ Terraroli, 2004, p. 290.
  14. ↑ Terraroli, 2004, p. 294.
  15. ↑ Terraroli, 2004, p. 299.
  16. ↑ Terraroli, 2004, p. 300.
  17. ↑ Terraroli, 2004, p. 303.
  18. ↑ Terraroli, 2004, p. 306.
  • Eugenia Bianchi; Stefania Buganza (1999). Il Seicento e il Settecento - Itinerari di Milano e provincia. Milano: NodoLibri.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  1. ↑ Bianchi, 1999, p. 23.
  2. ↑ Bianchi, 1999, p. 34.
  3. ↑ Bianchi, 1999, p. 17.
  4. ↑ Bianchi, 1999, p. 33.
  5. ↑ Bianchi, 1999, p. 31.
  6. ↑ Bianchi, 1999, p. 37.
  7. ↑ Bianchi, 1999, p. 50.
  8. ↑ Bianchi, 1999, p. 41.
  9. ↑ Bianchi, 1999, p. 47.
  10. ↑ Bianchi, 1999, p. 42.
  • Simonetta Coppa; Federica Bianchi (2009). Lombardia barocca. Milano: Jaca Book.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  1. ↑ a b c d Coppa, 2009, p. 13.
  2. ↑ a b Coppa, 2009, p. 34.
  3. ↑ a b Coppa, 2009, p. 15.
  4. ↑ Coppa, 2009, p. 24.
  5. ↑ a b Coppa, 2009, p. 17.
  6. ↑ Coppa, 2009, p. 41.
  7. ↑ a b c Coppa, 2009, p. 42.
  8. ↑ Coppa, 2009, p. 43.
  9. ↑ Coppa, 2009, p. 44.
  10. ↑ Coppa, 2009, p. 46.
  11. ↑ Coppa, 2009, p. 67.
  12. ↑ Coppa, 2009, p. 56.
  13. ↑ Coppa, 2009, p. 52.
  14. ↑ a b Coppa, 2009, p. 31.
  15. ↑ a b Coppa, 2009, p. 32.
  16. ↑ a b c d e Coppa, 2009, p. 194.
  17. ↑ a b c Coppa, 2009, p. 178.
  18. ↑ Coppa, 2009, p. 179.
  • Attilia Lanza; Marilea Somarè (1992). Milano e i suoi palazzi - Porta Orientale, Romana e Ticinese. Milano: Libreria Meravigli editrice.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  • Marilea Somarè (1993). Milano e i suoi palazzi - Porta Vercellina, Comasina e Nuova. Milano: Libreria Meravigli editrice.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda); |autor1= y |autor= redundantes (ayuda)
  1. ↑ Lanza, 1993, p. 176.
  2. ↑ Lanza, 1992, p. 95.
  3. ↑ Lanza, 1992, p. 96.
  4. ↑ a b Lanza, 1992, p. 28.
  5. ↑ Lanza, 1992, p. 63.
  6. ↑ a b Lanza, 1992, p. 104.
  7. ↑ Lanza, 1992, p. 106.
  8. ↑ Lanza, 1993, p. 91.
  9. ↑ Lanza, 1993, p. 92.
  10. ↑ Lanza, 1993, p. 41.
  11. ↑ Lanza, 1993, p. 181.
  12. ↑ Lanza, 1993, p. 124.
  13. ↑ Lanza, 1992, p. 86.
  14. ↑ Lanza, 1993, p. 162.
  15. ↑ Lanza, 1992, p. 59.
  16. ↑ Lanza, 1992, p. 61.

[La. 1]​

  1. ↑ «Bernini». art-baroque.net. Consultado el 16 de diciembre de 2013. .
  2. ↑ Martínez Ripoll, 1989, pp. 70-80.
  3. ↑ Toman, 2007, pp. 292-297.
  4. ↑ Jane Turner, fuente citada en Francesco Queirolo
  5. ↑ Web oficial, fuente citada en Cappella Sansevero
  6. ↑ "Cristo velado" -envuelto en el sudario- Ficha en Museo Sansevero Archivado el 6 de febrero de 2015 en Wayback Machine.
  7. ↑ "Desengaño" -el hombre liberándose del pecado- Ficha en Museo Sansevero Archivado el 25 de noviembre de 2020 en Wayback Machine.
  8. ↑ La virtud del pudor. Ficha en Museo Sansevero Archivado el 1 de noviembre de 2020 en Wayback Machine.
  9. ↑ Armellini, fuente citada en Chiesa di Santa Caterina a Magnanapoli
  10. ↑ Serpotta.it, fuente citada en Oratorio del Rosario di San Domenico
  11. ↑ Boucher, 1998, p. 146.
  12. ↑ Boucher, 1998, p. 16. "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."
  13. ↑ a b Geese, 2015, p. 274.
  14. ↑ Geese, 2015, p. 276.
  15. ↑ a b c d e f Geese, 2015.
  16. ↑ Ostrow, Steven (2008). «Maderno, Stefano». Grove Art Online (en inglés). Oxford University Press. Consultado el 9 de mayo de 2008. 
  17. ↑ A seconda dei testi consultati si trova questa definizione, così come la dicitura "barocco milanese". Il termine usato non deve tuttavia indurre a considerare la stagione artistica come minore o all'assenza di una scuola artistica nella città. Da Milano infatti partì lo stile che poi si diffuse omogeneamente in tutta la Lombardia: per questo motivi si ritiene più corretta la dicitura "barocco lombardo" per caratterizzare la scuola artistica locale, parlando quindi di "barocco a Milano"
  18. ↑ Storia dell'arte italiana. Milano: Mondadori Electa. 1991. p. 338.  Parámetro desconocido |autore2= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |autore1= ignorado (ayuda)
  19. ↑ Marco Rossi (2005). Disegno storico dell'arte lombarda. Milano: Vita e pensiero. p. 103. 
  20. ↑
    Denti
    pg. 109
    .
  21. ↑ a b
    Coppa
    pg. 16
    .
  22. ↑ a b
    Coppa
    pg. 21
    .
  23. ↑
    Denti
    pg. 110
    .
  24. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 13
    .
  25. ↑
    Jones
    pg. 40
    .
  26. ↑ a b «La grande biblioteca ambrosiana». Consultado el 10 maggio 2012.  Parámetro desconocido |urlarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |dataarchivio= ignorado (ayuda)
  27. ↑ Che verrà poi assunto come insegnante dell'accademia ambrosiana
  28. ↑
    Jones
    pg. 36
    .
  29. ↑ Tali giudizi furono espressi in una corrispondenza con Cassiano del Pozzo datata 10 dicembre 1631, v.Lettere di diversi letterati al Cassiano del Pozzo. vol. IV. Roma: Archivio Corsiniano. 
  30. ↑ Girolamo Borsieri (1619). Supplemento alla Nobiltà di Milano. Milano. p. 62. 
  31. ↑
    Jones
    pg. 37
    .
  32. ↑ Giulio Melzi d'Eril (1972). Federico Borromeo e Cesare Monti collezionisti milanesi. p. 299. 
  33. ↑ Tali giudizi furono espressi in una corrispondenza con Cassiano del Pozzo datata 10 dicembre 1631, v.Lettere di diversi letterati al Cassiano del Pozzo. vol. IV. Roma: Archivio Corsiniano. 
  34. ↑ Girolamo Borsieri (1619). Supplemento alla Nobiltà di Milano. Milano. p. 62. 
  35. ↑
    Jones
    pg. 39
    .
  36. ↑ A testimoniare la grandezza della biblioteca è il fatto che, benché la collezione fosse molto più recente, essa aveva ad esempio un numero sette volte superiore di opere a stampa rispetto alla Biblioteca apostolica vaticana, v. Enzo Bottasso (1984). Storia della biblioteca in Italia. Milano: Editrice Bibliografica. p. 42-67. 
  37. ↑ Tra le lingue orientali si potevano approfondire l'ebraico, il siriaco, arabo, caldaico, persiano e abissino, a cui seguivano studi delle rispettive letterature, v.
    Jones
    pg. 41
  38. ↑ Cui fa eccezione la celeberrima Canestra di frutta del Caravaggio
  39. ↑ a b
    Jones
    pg. 48
    .
  40. ↑
    Jones
    pg. 47
    .
  41. ↑ a b
    Jones
    pg. 77
    .
  42. ↑ Di Bruegel si ricordano tra gli altri il ciclo de I quattro elementi, trafugati da Napoleone nella campagna d'Italia, due dei quali mai restituiti, v. Chiara Gatti. «Brueghel: Milano ritrova i quadri rubati da Napoleone». La Repubblica. Consultado el 6 settembre 2012. 
  43. ↑
    Jones
    pg. 41
    .
  44. ↑
    Jones
    pg. 125
    .
  45. ↑ a b
    Jones
    pg. 44
    .
  46. ↑ a b «Storia della Pinacoteca». Consultado el 10 maggio 2012.  Parámetro desconocido |urlarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |dataarchivio= ignorado (ayuda)
  47. ↑
    Jones
    pg. 46
    .
  48. ↑
    Jones
    pg. 42
    .
  49. ↑
    Jones
    pg. 43
    .
  50. ↑ a b c
    E. Bianchi
    pg. 32
    .
  51. ↑ a b c d
    Denti
    pg. 128
    .
  52. ↑ a b c
    Denti
    pg. 124
    .
  53. ↑ La pala è ritenuta da alcuni studiosi opera di Melchiorre Gherardini, collaboratore del Cerano
  54. ↑ Queste sono ad ora le uniche opere conosciute rimaste dell'ebanista
  55. ↑ a b c d e f
    E. Bianchi
    pg. 25
    .
  56. ↑ a b
    Denti
    pg. 121
    .
  57. ↑ Anche conosciuto come il "Raffaello del Monferrato"
  58. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 26
    .
  59. ↑
    E. Bianchi
    pg. 22
    .
  60. ↑ a b c
    E. Bianchi
    pg. 24
    Sul transetto si possono osservate le tele del Morazzone, di Annibale e Ludovico Carracci, mentre la volta appare affrescata da Tanzio da Varallo..
  61. ↑ La certosa, all'epoca dei grand tour, era luogo di visita obbligato nella tappa milanese; in varie epoche vide le visite tra gli altri di Petrarca, Filippo IV di Spagna, Stendhal e Lord Byron
  62. ↑ a b
    Coppa
    pg. 60
    .
  63. ↑ Un aneddoto vuole che Lord Byron, in visita alla certosa in compagnia di Stendhal, estasiato dagli affreschi del Crespi, rimase per 35 giorni, diverse ore al giorno, a contemplare l'opera dell'artista v. Roberta Cordani (2001). Milano. Meraviglie miracoli misteri. Milano: Edizioni Celip. p. 115. 
  64. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 35
    .
  65. ↑ Goffredo Silvestri. «Il devoto Cerano». Repubblica. Consultado el 7 de marzo de 2012. 
  66. ↑ Alessandro Morandotti. «Dipingere a tre mani: Cerano, Morazzone, Giulio Cesare Procaccini e la scuola lombarda». FAI. Consultado el 7 de marzo de 2012.  Parámetro desconocido |urlarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |dataarchivio= ignorado (ayuda)
  67. ↑ Fondato da san Carlo Borromeo
  68. ↑ a b
    Lanza-Vercellina
    pg. 178
    .
  69. ↑ La soluzione dei cortili interni venne molto apprezzata, ad esempio Carlo Bianconi descrive il palazzo del senato come:"una delle più belle, e corrette Fabbriche, rispetto all'interno, che vanti l'Italia" v. Carlo Bianconi (1787). Nuova guida di Milano. Milano. p. 75. 
  70. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 21
    .
  71. ↑ a b c d
    E. Bianchi
    pg. 30
    .
  72. ↑ Su cui un tempo sorgevano altrettante statue
  73. ↑ Entrambi gli architetti appartenevano all'ordine dei Barnabiti
  74. ↑ Peraltro la seconda chiesa di Milano per grandezza, dopo il Duomo, v.
    TCI
    pg. 333
  75. ↑ a b c
    E. Bianchi
    pg. 28
    .
  76. ↑
    TCI
    pg. 336
    .
  77. ↑ Giulio Bora. «CRESPI, Daniele». Consultado el 19 giugno 2012.  Parámetro desconocido |sito= ignorado (ayuda)
  78. ↑ a b Robert Ribaudo. «Chiesa di Santa Maria alla porta». Consultado el 14 luglio 2012. 
  79. ↑ a b c
    E. Bianchi
    pg. 18
    .
  80. ↑ Probabilmente il più celebre tra gli allievi del Bernini
  81. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 27
    .
  82. ↑
    TCI
    pg. 261
    .
  83. ↑
    TCI
    pg. 262
    .
  84. ↑
    TCI
    pg. 263
    .
  85. ↑ Che costruì anche la chiesa a fianco, v. chiesa di Sant'Alessandro in Zebedia
  86. ↑ a b
    Lanza-Orientale
    pg. 161
    .
  87. ↑
    Lanza-Orientale
    pg. 61
    .
  88. ↑ Nella storia dell'architettura milanese fino al neoclassicismo, è possibile notare come i vari stili, almeno nell'aspetto esteriore, siano più austeri e sobri rispetto ai corrispettivi stili nel resto d'Italia: ciò invece non vale per gli interni, v.
    Lanza-Vercellina
    pg. 124
  89. ↑ In questo senso l'ambasciatore veneziano in visita a Milano scriveva "Le facciate di queste [case] [sono] per il fuori in maggior parte ignobili e con ingressi angusti, ma per il dentro magnifiche, ripiene di comodità con giardini, cortili et horti [...]", v. Galeazzo Gualdo Priorato (1666). Relatione della città e stato di Milano sotto il governo dell'Ecc.mo signor don Luigi De Guzman De Leon. Milano.  Texto «pg. 10» ignorado (ayuda)
  90. ↑ Fu uno dei pochissimi cantieri durante la grande peste del 1630
  91. ↑
    Lanza-Orientale
    pg. 104
    .
  92. ↑ «Il diavolo che abitava in Porta Romana». Corriere della Sera. Consultado el 15 giugno 2012.  Parámetro desconocido |autore2= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |urlarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |dataarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |autore1= ignorado (ayuda)
  93. ↑ Il comportamento della famiglia Acerbi, come girare in una sfarzosa carrozza trainato da 6 cavalli neri e 16 servitori in livrea verde, contribuì poi a far nascere la leggenda per cui nel quartiere di Porta Romana abitasse il Diavolo: nonostante le feste che si tennero quotidianamente nel palazzo durante la grande peste, nessuno della famiglia né degli invitati si ammalò di peste, v. «Il diavolo di Porta Romana». Comune di Milano. Consultado el 15 maggio 2012.  Parámetro desconocido |urlarchivio= ignorado (ayuda); Parámetro desconocido |dataarchivio= ignorado (ayuda)
  94. ↑ Fu uno dei pochissimi cantieri durante la grande peste del 1630
  95. ↑ «Porta Romana». Comune di Milano. p. 2. Consultado el 15 maggio 2012. 
  96. ↑ Così furono definiti dallo storico dell'arte Giovanni Testori, cfr. Giovanni Testori (1967). Manieristi piemontesi e lombardi del '600. Milano. 
  97. ↑ a b c d
    E. Bianchi
    pg. 36
    .
  98. ↑ a b c
    Lanza-Vercellina
    pg. 40
    .
  99. ↑ Di chiara ispirazione alla milanese Casa degli Omenoni
  100. ↑ In epoche successive il portale non mancò di attirare critiche prima della rivalutazione dell'arte barocca: Carlo Romussi nella sua guida Milano attraverso i suoi monumenti (1872) giudica la soluzione troppo "frivola" come "nei peggiori tempi del barocco"
  101. ↑ La stessa soluzione era stata scelta dal Richini per il Palazzo del Senato
  102. ↑ La stessa soluzione era stata scelta dal Richini per il Palazzo del Senato
  103. ↑ a b
    Lanza-Vercellina
    pg. 99
    .
  104. ↑ Per consentire un accesso più agevole alle carrozze
  105. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 38
    .
  106. ↑ a b c
    Lanza-Vercellina
    pg. 100
    .
  107. ↑
    Coppa
    pg. 176
    .
  108. ↑ a b c d
    Terraroli
    pg. 291
    .
  109. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 45
    .
  110. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 40
    .
  111. ↑ a b
    E. Bianchi
    pg. 49
    .
  112. ↑ Celeberrime invece, come da tradizione seicentesca milanese, erano i ricchi interni; in particolare le collezioni d'arte e la biblioteca del conte Trivulzio, in parte oggi conservati al Castello Sforzesco, v.
    Lanza-Orientale
    pg. 165
  113. ↑ a b c
    E. Bianchi
    pg. 44
    .
  114. ↑ a b «Chiesa di san Bernardino alle Ossa». turismo.milano.it. Consultado el 22 luglio 2012. 
  115. ↑ La chiesa nel 1738 fu visitata da Giovanni V, re del Portogallo. Egli ne rimase così colpito che ordinò la costruzione di una cappella simile nella città di Évora, oggi conosciuta come Capela dos Ossos, v. «Santuario di san Bernardino alle Ossa». Comune di Milano. Consultado el 22 luglio 2012. 
  116. ↑ Robert Ribaudo. «Chiesa di S. Maria della Sanità». LombardiaBeniCulturali. Consultado el 27 luglio 2012. 
  117. ↑ a b
    TCI
    pg. 325
    .
  118. ↑ ovvero da Foppone dell'ospedale, com'era conosciuto un tempo
  119. ↑ Mario Colombo. «I cimiteri milanesi». Storia di Milano.it. Consultado el 22 de agosto de 2012. 
  120. ↑ Anch'esso perduto a causa dei bombardamenti alleati
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Bibliografia[editar]

  • Giovanni Denti (1988). Architettura a Milano tra controriforma e barocco. Firenze: Alinea Editrice.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  • Pamela M. Jones (1997). Federico Borromeo e l'Ambrosiana: Arte e Riforma cattolica nel XVII secolo a Milano. Milano: Vita e Pensiero.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)
  • AA.VV. (1998). Touring Club Italiano: Guida d'Italia - Milano (Guide rosse d'Italia edición). Milano: Touring Club Editore.  Parámetro desconocido |cid= ignorado (ayuda)


Voci correlate[editar]

Arte a Milano[editar]

Altri progetti[editar]

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queja[editar]

Hola. Lamento mucho que hayas deshecho todo mi trabajo de ayer con la simple explicación: «no se puede hacer una entradilla como si fuese un artículo, con galerías y todo; un sitio para cada cosa y cada cosa en su sitio». Vayamos por partes. Has hecho dos ediciones (15:18, reversion en «Barroco» sin explicitar ningún motivo, y 15:24, reversión en «Escultura barroca» con la ya mencionada explicación: apenas te ha llevado seis minutos). Sé que eres el redactor principal de «Barroco» y que a la comunidad le mereció la consideración de AD, y por ello tienes mi agradecimiento y consideración. Como eres veterano, sabes de sobra que eso no te da ningún derecho sobre el artículo y por supuesto ningún derecho a borrar y despreciar el trabajo ajeno sin más explicaciones. Fíjate que todo lo que se ha retirado del artículo «Barroco» ha sido recuperado con el uso de «Extracto», sin que nada se haya perdido. Y ahora vayamos al otro, «Escultura barroca», en la que tu proceder ya es más preocupante. Apenas aduces que es muy larga la entradilla, aunque deberias comprender que un artículo tan amplio como la escultura barroca no puede tener una entrada sencilla. He leido con atención la convención «Wikipedia:Estructura de un artículo» y la propuesta de política de «Wikipedia:Sección introductoria», y como es lógico la principal recomendación es que La introducción debería servir como resumen del resto del artículo. Se recoge «La sección introductoria generalmente no debe tener más de cinco párrafos de largo», generalmente no debe tener, que en ningún caso es no debe tener. Esto es importante, ya que debe entenderse que la referencia que se hace al resumen del artículo, debe entenderse al resumen del tema, y que el hecho de que no tengamos un buen artículo no impide que la entrada sea lo más completa posible. Es el artículo lo que hay que mejorar y nunca la entrada lo que hay que borrar. Y el problema no solo es que lo que deshaces, sino lo que mantienes y de lo que en cierto modo te responsabilizas: una entrada que no merece la pena analizar: «Escultura barroca es la denominación historiográfica de las producciones escultóricas de la época barroca (de comienzos del siglo XVII a mediados del siglo XVIII)».

Además, con tu reversión has quitado otras aportaciones, la sección completa «Orígenes» y has recuperado la parte retirada en la sección «Características» que aparecía bajo «Otras características. Características comunes de la arquitectura barroca:» que nada tienen que ver con la escultura y son un corta y pega de manual.


Antes de revertir tu reversión en la «Escultura barroca» (lo del Barroco, por cortesía, lo dejare), me gustaría saber tu parecer. Un saludo.

Orquestas[editar]

año Nombre Nombre original Ciudad País Notas
1448 Orquesta de la Ópera de Copenhague Copenhague DinamarcaBandera de Dinamarca Dinamarca Aunque la compañía de ópera se fundó más tarde, la orquesta tiene raíces en la capilla real de música.
1523 Orquesta de la Ópera Estatal de Baviera Bayerisches Staatsorchester Alemania Alemania Aunque la orquesta tiene sus raíces en la capilla de la corte de los duques de Baviera, se consolidó durante el siglo XVII y ha estado asociada con el Teatro Nacional de Múnich.
1523 Orquesta de la Capilla Estatal de Baviera Alemania Alemania Fundada como la orquesta de la corte ducal, ha sido una institución central en la vida musical de Baviera.
1548 Orquesta de la Corte de Dresde Staatskapelle Dresden Dresde Alemania Alemania Fundada por el Príncipe Elector Moritz de Sajonia, omo la Orquesta de la Corte de Dresde es una de las orquestas más antiguas del mundo. Ha sido dirigida por compositores como Heinrich Schütz, Carl Maria von Weber y Richard Wagner.
1570 Orquesta de la Ópera de Berlín Berliner Staatskapelle Berlín Alemania Alemania Aunque la orquesta tiene raíces en la capilla de la corte de Brandeburgo, se consolidó como una orquesta moderna en el siglo XIX.
1587 Orquesta de la Ópera de Brunswick Staatsorchester Braunschweig Brunswick Alemania Alemania Fundada como la orquesta de la corte de Brunswick, ha jugado un papel importante en la vida musical de la región.
1594 Orquesta de la Ópera de Florencia Florencia Italia Italia Fundada para interpretar la música de la nueva forma de teatro musical que se estaba desarrollando en Florencia, precursora de la ópera.
1636 Orquesta de la Ópera de Hannover Niedersächsisches Staatsorchester Hannover Hannover Alemania Alemania Fundada como la orquesta de la corte de Hannover, ha sido una parte importante de la vida musical de la región.
1653 Orquesta de la Ópera de Munich Munich Alemania Alemania Fundada para la corte de Baviera, es una de las orquestas más antiguas de Alemania.
1662 Orquesta del Teatro de Karlsruhe (ahora Orquesta Estatal de Baden) Hofkapelle der Markgrafen von Baden-Durlach (Orquesta de la corte del Margrave de Baden-Durlach) Staatskapelle en Karlsruhe Alemania Alemania Fundada para servir a la corte de Baden, es una de las orquestas más antiguas de Alemania. .
1666 Academia Filarmónica de Bolonia[1]​ Bolonia Italia Italia Fundada para promover la música instrumental y vocal por Vincenzo Maria Carrati, utilizando como sede el palacio de la familia Palazzo Carrati, con el lema: «acciò havere filo et unione da non disunirsi e rendere buon suono».
1669 Orquesta de la Ópera de París París Bandera de Francia Francia Fundada como parte de la Real Academia de Música por Louis XIV, ha sido una de las principales instituciones operísticas del mundo.
1672 Orquesta del Palacio de Versalles Versalles Bandera de Francia Francia Establecida por Jean-Baptiste Lully bajo el patrocinio de Louis XIV para proporcionar música para la corte.
1693 Orquesta de la Ópera de Leipzig Leipziger Opernhausorchester Leipzig Alemania Alemania Fundada para servir a la Ópera de Leipzig,.
1708 Orquesta del Teatro Real de Madrid Madrid EspañaBandera de España España Fundada para la interpretación de música en el Teatro Real, es una de las orquestas más antiguas de España.
1709 Orquesta de la Ópera de Viena Viena Austria Austria Fundada para acompañar la música en la corte imperial y luego en la Ópera de Viena.
1719 Academia de Música de Londres Londres InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Establecida como una sociedad para la promoción de conciertos públicos.
1730 Orquesta de la Ópera de Londres Londres InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Fundada para acompañar las producciones operísticas en Londres.
1743 Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig Leipzig Alemania Alemania Fundada por un grupo de músicos y empresarios locales, se ha convertido en una de las orquestas más importantes de Alemania.
1773 Orquesta de la Ópera de Estocolmo Estocolmo Suecia Suecia Establecida por el rey Gustavo III para el nuevo Teatro de Ópera Real.
1778 Orquesta del Teatro Nacional de Mannheim Nationaltheater-Orchester Mannheim Mannheim Alemania Alemania Fundada para el Teatro Nacional de Mannheim, es conocida por su asociación con el compositor Carl Maria von Weber y el movimiento Sturm und Drang.
1793 Orquesta del Teatro de San Carlos Lisboa Bandera de Portugal Portugal Establecida para servir al Teatro de San Carlos en Lisboa, es una de las orquestas más antiguas de Portugal.
1803 Minneapolis Symphony Orchestra (ahora Minnesota Orchestra) Minneapolis, Minnesota Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundación: 1903 (un poco después de 1900, pero con raíces y organizaciones precursoras anteriores). Ha sido una institución clave en el desarrollo de la música clásica en el Medio Oeste.
1806 Orquesta de la Ópera de Stuttgart Staatsorchester Stuttgart Stuttgart Alemania Alemania Establecida para servir a la corte de Wurtemberg, ha sido una parte central de la vida musical de Stuttgart.
1807 Orquesta Sinfónica de Bamberg Bamberger Symphoniker Bamberg Alemania Alemania Aunque se consolidó más tarde, tiene sus raíces en la orquesta de la corte de Bamberg.


1808 Orquesta de la Ópera de Frankfurt Frankfurter Opern- und Museumsorchester Alemania Alemania Fundada para servir a la Ópera de Frankfurt, ha tenido una historia rica y ha sido dirigida por numerosos directores notables.
1812 Sociedad de Conciertos de Viena Viena Austria Austria Una de las primeras sociedades de conciertos públicos en Viena, antecedente de muchas orquestas modernas.
1823 Orquesta de la Ópera de Magdeburgo Magdeburgische Philharmonie Magdeburgo Alemania Alemania Fundada para servir al teatro de Magdeburgo, ha sido una parte integral de la vida musical de la ciudad.
1828 Orquesta de la Ópera de Hamburgo Philharmonisches Staatsorchester Hamburg Hamburgo Alemania Alemania Fundada como la Philharmonische Gesellschaft, ha sido una parte integral de la vida musical de Hamburgo. Johannes Brahms y Gustav Mahler son algunas de las figuras destacadas asociadas con la orquesta.
1842 Orquesta Filarmónica de Viena Viena Austria Austria Fundada por Otto Nicolai, como "Academia Filarmónica", era la primera orquesta profesional de Viena, independiente de las orquestas estables de los teatros.
1842 Orquesta del Festival de Salzburgo Salzburgo Austria Austria Fundada para celebrar la música de Mozart, ha sido una pieza clave en el Festival de Salzburgo.
1850 Orquesta Filarmónica de Nueva York New York Philharmonic Nueva York Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Aunque oficialmente fundada en 1842, la Filarmónica de Nueva York continuó creciendo en importancia durante la década de 1850. Es la orquesta sinfónica más antigua de los Estados Unidos y ha tenido un impacto significativo en la escena musical de la ciudad de Nueva York y del país. Fundada por el director Ureli Corelli Hill, es una de las orquestas más antiguas y prestigiosas de los Estados Unidos. Ha desempeñado un papel crucial en la historia de la música clásica en América del Norte.
1852 Orquesta Sinfónica de St. Louis St. Louis Symphony Orchestra St. Louis Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada originalmente como la Sociedad Coral de San Luis, Fundada oficialmente en 1880, es una de las orquestas más antiguas de Estados Unidos. Su predecesora, la Sociedad Musical de St. Louis, se remonta a 1852, marcando el inicio del movimiento sinfónico en la ciudad. Es la segunda orquesta sinfónica más antigua de los Estados Unidos.
1857 Brooklyn Philharmonic Brooklyn, Nueva York Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Originalmente conocida como la Sociedad Filarmónica de Brooklyn, ha tenido una influencia significativa en la vida musical de Brooklyn y Nueva York.
1857 Orquesta de la Ópera de Colonia Gürzenich-Orchester Köln Colonia Alemania Alemania Fundada como una orquesta de conciertos y teatro, ha jugado un papel crucial en la vida musical de Colonia.
1860 Orquesta Filarmónica de Hamburgo Hamburgo Alemania Alemania Fundada en 1828, pero notablemente reorganizada y reconocida a partir de 1860, esta orquesta ha sido una parte integral de la vida cultural de Hamburgo y ha colaborado con numerosos compositores famosos.
1862 Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París París Bandera de Francia Francia Esta orquesta fue fundada en 1828 como la orquesta de la Société des Concerts du Conservatoire. En 1862, se reestructuró y aumentó su prestigio, convirtiéndose en una de las principales orquestas de Francia.
1864 Orquesta de la Ópera de Düsseldorf Düsseldorfer Symphoniker Düsseldorf Alemania Alemania Establecida para servir a la Ópera de Düsseldorf, ha sido una parte importante de la vida musical de la ciudad.
1865 Orquesta Filarmónica de Viena Viena Austria Austria Aunque su fundación data de 1842, la Filarmónica de Viena consolidó su reputación internacional en la década de 1860, destacándose por su interpretación del repertorio clásico y romántico bajo la dirección de renombrados directores.
1873 Orquesta de la Ópera de Wiesbaden Hessisches Staatsorchester Wiesbaden Wiesbaden Alemania Alemania Fundada para servir al Teatro de la Ópera de Wiesbaden, ha sido una parte importante de la vida cultural de Hesse.
1873 Orquesta Sinfónica de Cincinnati Cincinnati Symphony Orchestra Cincinnati Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Oficialmente fundada en 1895, pero su predecesora, la Cincinnati Orchestral Society, data de 1873. Esta orquesta ha sido crucial para el desarrollo musical en la región de Ohio. Cincinnati, Ohio Descripción: Establecida por Helen Herron Taft, esposa del futuro presidente William Howard Taft, es la quinta orquesta sinfónica más antigua de los Estados Unidos.
1879 Orquesta Sinfónica de Boston Boston Symphony Orchestra Boston Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año por el filántropo Henry Lee Higginson, se convirtió rápidamente en una de las principales orquestas de Estados Unidos, conocida por sus interpretaciones precisas y su vasta gama de repertorio. Ha sido dirigida por muchos directores famosos, incluyendo a Serge Koussevitzky y Seiji Ozawa.
1881 Orquesta Sinfónica de Berlín Berlín Alemania Alemania Fundada en este año como la Bilsesche Kapelle por Benjamin Bilse, esta orquesta se reorganizó más tarde para convertirse en la Filarmónica de Berlín, una de las orquestas más prestigiosas del mundo.
1881 Cleveland Philharmonic Orchestra Cleveland, Ohio Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Aunque tuvo varios nombres y reestructuraciones, sus raíces se remontan a fines del siglo XIX como una parte vital de la vida musical de Cleveland.
1882 Orquesta Filarmónica de Berlín Berliner Philharmoniker Berlín Alemania Alemania Fundada por 54 músicos insatisfechos de la Bilsesche Kapelle, rápidamente se convirtió en una de las orquestas más importantes del mundo.
1887 Orquesta de la Ópera de Friburgo Philharmonisches Orchester Freiburg Friburgo Alemania Alemania Fundada para servir a la ópera y conciertos en Friburgo, es una de las orquestas destacadas en el sur de Alemania.
1888 Orquesta de la Gewandhaus Leipzig Alemania Alemania Aunque su fundación original fue en 1743, la orquesta ganó mayor prominencia y reconocimiento internacional durante la década de 1880, especialmente bajo la dirección de Arthur Nikisch.
1889 Orquesta de la Ópera de Heidelberg Philharmonisches Orchester Heidelberg Heidelberg Alemania Alemania Establecida para servir a la ópera y conciertos en Heidelberg, ha sido una parte importante de la vida cultural de la región.
1891 Orquesta Sinfónica de Chicago Chicago Symphony Orchestra Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año por Theodore Thomas, es una de las orquestas más antiguas y prestigiosas de Estados Unidos. Ha tenido un impacto significativo en la cultura musical de Chicago y más allá. ha contado con directores musicales destacados como Fritz Reiner, Georg Solti y Riccardo Muti.
1893 Orquesta Sinfónica de Minnesota Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año como la Minneapolis Symphony Orchestra, ha sido una de las principales orquestas del medio oeste de Estados Unidos, conocida por su innovación y calidad interpretativa.
1894 Orquesta Filarmónica de Montecarlo (Mónaco) Fundada en este año, se convirtió en una de las principales orquestas de la región, conocida por su asociación con el Casino de Montecarlo y su enfoque en el repertorio operístico y sinfónico.
1896 Orquesta Sinfónica de Baltimore Baltimore Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año, ha sido una de las principales orquestas de la costa este de Estados Unidos, conocida por su versatilidad y calidad interpretativa.
1898 Orquesta Sinfónica de Seattle Seattle Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Aunque oficialmente fundada en 1903, la orquesta tiene raíces que se remontan a finales del siglo XIX. Ha jugado un papel crucial en el desarrollo de la escena musical del noroeste del Pacífico.
1899 Orquesta Filarmónica de Oslo Oslo Noruega Noruega Establecida en este año, es una de las principales orquestas de Noruega, conocida por su promoción de la música noruega y su repertorio internacional.
1900 Orquesta de Filadelfia Philadelphia Orchestra Filadelfia, Pensilvania Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundación: 1900 (aunque se menciona justo antes del cambio de siglo, su establecimiento formal se completó en 1900.) Fundada por Fritz Scheel, la orquesta se ha convertido en una de las "Big Five" orquestas de Estados Unidos, conocida por su sonido distintivo y sus grabaciones históricas.
1900 Orquesta Sinfónica de Sídney Sídney Bandera de Australia Australia Aunque sus orígenes se remontan a varias décadas antes, la primera encarnación de lo que se convertiría en la Orquesta Sinfónica de Sídney se formó en este año.
1901 Orquesta Filarmónica de Varsovia Varsovia Polonia Polonia Fundada en 1901, esta orquesta se convirtió en una de las más importantes de Europa del Este.
1904 Orquesta Sinfónica de Londres Londres InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Fundada en 1904, rápidamente se convirtió en una de las orquestas más importantes del Reino Unido y del mundo.
1904 Orquesta Sinfónica de Kansas City Kansas City Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Aunque tuvo varios nombres y reorganizaciones, sus raíces se establecen en este año.
1905 Orquesta Filarmónica de Los Ángeles Los Ángeles Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Esta orquesta ha jugado un papel fundamental en el desarrollo de la música clásica en la Costa Oeste de Estados Unidos.
1907 Orquesta Sinfónica de Oporto Oporto Bandera de Portugal Portugal Conocida también como la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, fue fundada en este año.
1908 Orquesta Filarmónica de Tampere Tampere Finlandia Finlandia Establecida en este año, es una de las orquestas más antiguas de Finlandia.
1909 Orquesta de París París Bandera de Francia Francia Aunque tuvo varias reencarnaciones y cambios de nombre, la versión moderna de esta orquesta comenzó a tomar forma en 1909.
1909 Orquesta Sinfónica de Calgary Calgary CanadáBandera de Canadá Canadá Sus raíces se remontan a este año, aunque se formalizó más tarde.
1911 Orquesta Filarmónica de Buenos Aires Buenos Aires Bandera de Argentina Argentina Fundada en este año, es una de las principales orquestas de América Latina.
1909 Orquesta Sinfónica de Bilbao Bilbao EspañaBandera de España España Establecida en 1911, ha sido una de las principales orquestas en el País Vasco.
1912 Orquesta Sinfónica de Hawai Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Conocida como la Orquesta Sinfónica de Honolulu en sus inicios, fue fundada en este año.
1916 Orquesta Sinfónica de Toronto Toronto CanadáBandera de Canadá Canadá Fundada en 1916, se ha convertido en una de las orquestas más importantes de Canadá.
1918 Orquesta Sinfónica de la BBC InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra La British Broadcasting Company estableció esta orquesta para proporcionar música para sus transmisiones.
1919 Orquesta Sinfónica de Oregón Portland Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Originalmente llamada la Sociedad Sinfónica de Portland, fue fundada en este año.
1919 Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham Birmingham InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Fundada en este año, ha sido una de las orquestas principales de Inglaterra.
1920 Orquesta Sinfónica de Detroit Detroit Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Aunque se fundó en 1914, se reorganizó y ganó reconocimiento internacional en 1920. Es una de las orquestas más importantes de Estados Unidos.
1920 Orquesta Sinfónica de Bournemouth Bournemouth InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Establecida en 1920, es una de las orquestas principales del sur de Inglaterra.
1920 Orquesta Sinfónica de Praga Praga Bandera de Checoslovaquia Checoslovaquia (Checoslovaquia, hoy República Checa): Aunque sus orígenes se remontan a la Orquesta Filarmónica Checa, se reorganizó en 1920.

1920s

1923 Orquesta Sinfónica de Bournemouth Bournemouth InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Establecida en 1920, es una de las principales orquestas del sur de Inglaterra.
1920 Orquesta Sinfónica de Oporto Oporto Bandera de Portugal Portugal Aunque sus raíces se remontan a principios del siglo XX, se consolidó como una entidad profesional en 1920.
1923 Orquesta de la Radio de Berlín Berlín Alemania Alemania Fundada para proporcionar música para la radio alemana, ha sido una parte integral de la vida musical de Berlín.
1920 Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham Birmingham InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Fundada en este año, ha sido una de las principales orquestas de Inglaterra.
1921 Orquesta Filarmónica de Varsovia Varsovia Polonia Polonia Reestablecida después de la Primera Guerra Mundial, es una de las principales orquestas de Europa del Este.
1930 Orquesta Sinfónica de la BBC InglaterraBandera de Inglaterra Inglaterra Establecida para proporcionar música para las transmisiones de la BBC, ha sido una parte crucial de la vida musical británica.
1932 Orquesta Filarmónica de Helsinki Helsinki Finlandia Finlandia Fundada en este año, es una de las principales orquestas de Finlandia.
1933 Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart Stuttgart Alemania Alemania Establecida para proporcionar música para la radio, ha sido una parte importante de la vida musical de Stuttgart.
1933 Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena Viena Austria Austria Fundada para proporcionar música para la radio austriaca, es una de las principales orquestas de Viena.
1935 Orquesta Sinfónica de Toronto Toronto CanadáBandera de Canadá Canadá Aunque se estableció inicialmente en 1923, se reorganizó y ganó prominencia en 1935.
1938 Orquesta Filarmónica de Bergen Bergen Noruega Noruega Fundada en este año, es una de las principales orquestas de Noruega.
1946 Orquesta Sinfónica de Bamberg Bamberger Symphoniker – Bayerische Staatsphilharmonie Bamberg Alemania Alemania Joseph Keilberth (1949-1968) Con raíces que se remontan a la orquesta de la corte de Bamberg, es una de las orquestas más antiguas de Alemania.
1949 [[Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera Alemania Alemania Fundada para proporcionar música para la radio bávara, ha sido una parte integral de la vida musical de Baviera.
1945 Orquesta Sinfónica de Dallas Dallas Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Reorganizada y establecida como una entidad profesional en este año, ha sido una parte importante de la vida musical de Texas.
1947 Orquesta Sinfónica de Houston Houston Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año, ha sido una de las principales orquestas del sur de Estados Unidos.
1936 Orquesta Filarmónica de Israel IsraelBandera de Israel Israel Originalmente fundada como la Orquesta Filarmónica de Palestina, se convirtió en una entidad crucial en la vida musical de Israel después de su independencia.
1946 Orquesta Filarmónica de Oslo Oslo Noruega Noruega Reorganizada después de la Segunda Guerra Mundial, es una de las principales orquestas de Noruega.


1918 Orquesta de la Suisse Romande Suiza Suiza Aunque fundada poco antes de 1920, tuvo un crecimiento significativo durante las décadas siguientes.
1946 Orquesta Filarmónica de Nueva Zelanda Nueva ZelandaBandera de Nueva Zelanda Nueva Zelanda Fundada en este año, ha sido una de las principales orquestas del país.
1905 Orquesta Sinfónica de Gotemburgo Gotemburgo Suecia Suecia Aunque fundada antes de 1920, ganó prominencia internacional durante este período.
1922 Orquesta Filarmónica de Rochester Rochester Bandera de Estados Unidos Estados Unidos Fundada en este año, es una de las principales orquestas del estado de Nueva York.
1921 Orquesta Filarmónica de Leningrado Leningrado Rusia Rusia Con raíces en la Orquesta del Teatro Mariinsky, se reorganizó y ganó prominencia como la Orquesta Filarmónica de Leningrado.
1947 Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia Alemania Alemania Establecida para proporcionar música para la radio alemana, es una de las principales orquestas de Alemania.
1929 Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt Frankfurt Alemania Alemania Fundada para la radio, ha sido una parte importante de la vida musical de Frankfurt.
1935 Orquesta Sinfónica de Toronto Toronto CanadáBandera de Canadá Canadá Fundada en este año, ha sido una de las principales orquestas de Canadá.
1923 Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín Berlín Alemania Alemania Establecida para proporcionar música para la radio alemana, ha sido una parte integral de la vida musical de Berlín.

Barroco[editar]

Palacio Real de Madrid (1738-1764), trazas de Filippo Juvara, adaptadas por Juan Bautista Sachetti y concluido por​ Francesco Sabatini
La plaza Mayor de Madrid fue un proyecto de Juan de Herrera: el primer edificio, la Casa de la Panadería, fue comenzado en 1590 por Diego Sillero y Juan Gómez de Mora concluyó la plaza en 1619. Destaca su uniformidad, característica de las plazas barrocas y que ejerció gran influencia en otras plazas españolas, como la plaza Mayor de Salamanca (1729-1788)
Catedral de Santiago de Compostela

En términos generales, se pueden referir cuatro etapas en la arquitectura barroca española:

  • Protobarroco, barroco temprano o primer barroco: abarca desde finales del siglo XVI hasta buena parte del XVII. Se inspiraba en el estilo herreriano —por Juan de Herrera (1530-1597)— y se caracterizó por su austeridad, a veces casi una imagen sombría, muy alejada del vivaz barroco italiano. El representante más destacado fue Juan Gómez de Mora (1586-1648), cuyas obras reputadas son la Plaza Mayor y el Ayuntamiento de Madrid y el Colegio de los Jesuitas en Salamanca.
  • Barroco pleno o segundo barroco, caracterizado por incorporar paulatinamente una mayor ornamentación. Son arquitectos principales Alonso Cano Almansa (1601-1667), conocido por la fachada de la catedral de Granada, y .Felipe Sánchez (?-1712), autor del proyecto de la basílica del Pilar de Zaragoza.
  • Estilo churrigueresco: plenamente vigente en el siglo XVIII, se caracterizó por la exuberancia decorativa impulsada por el estilo de los hermanos Churriguera: José Benito (1665-1725), conocido por la iglesia de San Cayetano en Madrid y el palacio de Goyeneche, completado por su hermano Alberto; Joaquín (1674-1724), destacó por el Colegio de Calatrava de Salamanca, y Alberto (1676-1750): autor de plaza Mayor de Salamanca.
  • Estilo bornónico, el adoptado por la dinastía de los Borbones, estilo afrancesado, de rasgos académicos y clasicistas opuestos al churrigueresco, caracterizado por los amplios espacios y el ritmo sereno y ordenado. Destacó Teodoro Ardemáns (1661-1726), autor de la Real Colegiata de la Granja de San Ildefonso y Santiago Bonavía (1695-1759), conocido por el palacio de Aranjuez y la basílica de San Miguel.

Ventura Rodríguez (1717- 1785): conocido por la cúpula de la capilla del Palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte), y el monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos).


Son pocas las catedrales construidas íntegramente en este periodo, la catedral vieja de Cádiz, Lérida y Cádiz, y Guadix (que pese a haberse comenzado en el segundo cuarto del siglo XVI, fue construida casi toda ella en el siglo XVIII)[2]​ Aunque son más las que realizaron importantes fachadas barrocas en templos anteriores: bien porque quedaron a falta de ese elemento (catedrales de la Andalucía oriental, y también Calahorra y Astorga), bien por suprimir o revestir la primera —por considerarla poco representativa o poco monumental, o detectar en ella un pretendido estado de ruina— así como las añadidas al agrandar el templo (Valencia, Murcia, Santiago de Compostela, Gerona, Tortosa (proyecto no llevado a cabo en su totalidad) y concatedral de Logroño); o bien un último grupo compuesto por las que se modificaron con añadidos de mayor o menor envergadura en fachadas anteriores, medievales, románicas o góticas, con afán de aportarles mayor monumentalidad, diseño moderno o una dotación iconográfica que antes no tuviera (Segovia y Tortosa).[3]​ 

Destacan las fachadas de Granada, Jaen, Calahorra, Astorga, Murcia y Valencia.
  • La fachada de la catedral de Jaen (1667-1688), diseñada por Eufrasio López de Rojas y finalizada por su discípulo Blas Antonio Delgado, tiene 32 m de altura por 33 m de anchura, sin incluir las torres, que enmarcan la composición en forma de retablo. Destaca especialmente la puesta en escena de un gran muestrario iconográfico, casi todo él magníficamente esculpido por Pedro Roldán, en el que se encuentran desde significados universales hasta particulares devociones locales, sobre todo, el Santo Rostro. La parte inferior está marcada por las grandes columnas, emparejadas las del centro y aisladas las exteriores, que configuran las calles en las que se ubican esculturas exentas, san Pedro y san Pablo, y relieves, la Asunción de la Virgen, santa Catalina de Alejandría y san Miguel; así como un alineamiento de los balcones, a modo de ventanales con arco de medio punto, desde los que se exponía el Santo Rostro para bendecir tierras y gentes. Sobre el arco del balcón central se presenta el relieve de la Santa Faz, sobre el balcón interior izquierdo el escudo de la catedral y sobre el interior derecho el escudo del obispo Fernando Andrade Castro; los dos balcones exteriores presentan molduras.
  • La fachada de la catedral de Calahorra (1680-1704), también conocida como "Puerta del Moral",[4]​ fue construida por los hermanos Raón, Juan y Santiago[5]​ en sustitución de la anterior de estilo gótico y construida a finales del siglo XV o principios del siglo XVI.[4]​ Tiene forma de retablo barroco con tres cuerpos y remate en frontón triangular e introdujó un gran número de novedades, que si bien era características del Barroco, no se habían visto antes en La Rioja, como: columnas exentas, capiteles tanto corintios como de estilo serliano y una gran abundancia de motivos vegetales tales como guirnaldas, frutas y flores.[4]​ El último cuerpo y el frontón en estilo neoclásico fue añadido por Antonio de Beriñaga en el 1772.
  • La fachada de la catedral de Astorga, triunfo del barroco leonés, se muestra como un gran retablo de piedra cuya ejecución se debe a la dirección de los arquitectos Francisco y Manuel de la Lastra Alvear (padre e hijo) que trabajaron en esta obra desde finales del siglo XVII hasta principios del XVIII. Intervino también en los últimos años (1708-1710) el maestro Pablo Antonio Ruiz.[6]​ Se articula a imitación de la fachada gótica de la catedral de León con tres portadas abocinadas ricamente labradas, limitadas en sus flancos por dos torres, que se unen al cuerpo central por medio de elegantes arbotantes y balconcillos labrados con esmero. Se remata con torrecillas y pináculos, como en la de León, pero adaptados al estilo barroco.[7]​


Arquitectura barroca en España, arquitectura barroca española o arquitectura del Barroco español son denominaciones historiográficas habitualmente utilizadas[8]​ para la arquitectura del Barroco que se produjo en el territorio actual de España durante el siglo XVII y los dos primeros tercios del siglo XVIII, periodo histórico correspondiente a distintas conformaciones territoriales de la Monarquía Hispánica de los últimos Austrias y los primeros Borbones. Para la arquitectura española en la América española de la época se suele utilizar el término Barroco colonial (véase arte colonial hispanoamericano).

La arquitectura del siglo XVII[editar]

En la Corte, durante el siglo XVII, se cultivó un barroco autóctono con raíces herrerianas, basado en la construcción tradicional con ladrillo y granito, y en el uso de empinados chapiteles y cubiertas de pizarra, que se rastrea en el llamado Madrid de los Austrias. El principal representante de esta línea fue Juan Gómez de Mora (1586-1648). También destacaron los religiosos fray Alberto de la Madre de Dios (1575-1635), autor del real monasterio de la Encarnación de Madrid y de los templos de Lerma, Pedro Sánchez (1569-1633), autor de la iglesia de San Antonio de los Alemanes, el hermano Francisco Bautista, inventor de un quinto orden arquitectónico, compuesto de dórico y corintio e introductor de las cúpulas encamonadas teorizadas por fray Lorenzo de San Nicolás (1593-1679), a quien se debe, entre otras, la madrileña iglesia de las Calatravas (1670-1678), caracterizada por la simplicidad volumétrica y decorativa. Buenos ejemplos del momento son la Plaza Mayor y el Palacio del Buen Retiro. Este último, obra de Alonso Carbonel, fue casi totalmente destruido durante la Guerra de la Independencia, aunque sus jardines aún se conservan parcialmente en el Parque del Buen Retiro y algunas de las partes supervivientes se convirtieron en el Casón del Buen Retiro y el Salón de Reinos.

Otras muestras madrileñas de este sobrio estilo barroco del siglo XVII son:

  • el palacio de Santa Cruz (1629-1636) destinado a albergar las dependencias de la Sala de Alcaldes de Casa y Corte y de la Cárcel de Corte, ahora sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, cuyas trazas parece que fueron obra de Juan Gómez de Mora, siendo aparejador Alonso Carbonel entre 1629 y 1636, junto con otros arquitectos que concluyeron las obras, como José de Villarreal, Bartolomé Hurtado García y José del Olmo.[9]​
  • la Casa de la Villa (1644-1693), la sede del Concejo y luego del Ayuntamiento de Madrid desde el siglo XVII hasta el año 2007, en que se trasladó al Palacio de Cibeles. Sigue el proyecto de Gómez de Mora (1644): edificación sobria, con gran zócalo de granito y muros de ladrillo, rematada por torres en las esquinas con chapiteles apizarrados y sin apenas decoración en su origen, salvo la ornamentación con frontones triangulares de piedra en los balcones del piso principal. Tras su muerte en 1648, fue sucedido por José de Villarreal, quien realizó en 1653 las trazas definitivas, siendo el patio interior el protagonista. Las intervenciones del ala izquierda fueron responsabilidad del arquitecto Bartolomé Hurtado. Sufrió una reforma que lideró el arquitecto municipal Juan de Villanueva en 1789 añadiendo la galería de columnas que da a la calle Mayor, que permitiría a los reyes ver la procesión de Corpus Christi.
  • Iglesia de Nuestra Señora de Montserrat (1668-1740), de Sebastián Herrera. La fachada está inspirada en la de la iglesia del Gesù de Vignola y es considerada como la más compleja y elaborada del Barroco madrileño.[10]​ Para salvar el desnivel de la calle, Herrera colocó sobre un alto basamento tres cuerpos estrechos con cuerpos mayores y menores presionados entre sí. Las pilastras son de estilo dórico, desdoblándose con frecuencia. Tras el fallecimiento de Herrera en 1671, Gaspar de la Peña seguiría con las obras sin llegar a terminar el presbiterio ni la fachada principal. Las obras serían abandonadas hasta 1716 que las retomó Pedro de Ribera al inicio de su carrera, respetando la fachada inicial aunque redecoró la puerta y los ventanales.


de San Ildefonso de Toledo,



En Castilla y la Corte sobresalió una familia especializada en el diseño de retablos, los Churriguera, de la que José Benito (1665-1725) es su más destacado exponente. Entre 1680 y 1720, los Churriguera popularizaron la combinación de Guarini conocida como "orden supremo", que aunaba columnas salomónicas y orden compuesto. Una obra emblemática es el monumental retablo mayor del convento de San Esteban de Salamanca. En Salamanca, Alberto Churriguera (1676-1750) proyectó la Plaza Mayor, que fue acabada por Andrés García de Quiñones. Los Churriguera, con su estilo abigarrado y monumental, suponen un contrapunto a la sobriedad del clasicismo herreriano y abrieron definitivamente las puertas al barroco decorativo, hasta el punto de que genéricamente pasaron a designar una fase del estilo, el churrigueresco, término acuñado por los académicos en el siglo XVIII con claras connotaciones peyorativas.

En la arquitectura andaluza del siglo XVII destacan las fachadas de la catedral de Jaén, obra de Eufrasio López de Rojas (1628-1684) que se inspira en la fachada de Carlo Maderno para San Pedro del Vaticano, y de la catedral de Granada, diseñada en sus últimos días por Alonso Cano (1601-1667). Su modernidad, basada en su personal uso de las placas y elementos de claro acento geometrizante, así como el empleo de un orden abstracto, la sitúan a la vanguardia del barroco español.

Arquitectura barroca en Andalucía[editar]

Fachada de la catedral de Granada, último tercio siglo XVII. Alonso Cano (traza).

La Arquitectura del Barroco Andaluz es producto de una sociedad en crisis al servicio del poder de la corona y la Iglesia luchando contra los paradigmas de la reforma protestante. En Andalucía estuvo vigente durante dos siglos, es decir, desde comienzos del s. XVII hasta finales del s. XVIII y, a pesar de que existen multitud de manifestaciones locales a partir del estilo barroco, tanto en esta región como en el panorama nacional, observamos una serie de características esenciales. En primer lugar, el sentido escenográfico de la arquitectura, tal y como se observa en La iglesia de San Justo y Pastor en Granada o en las torres dispuestas por todas las provincias. Prueba de ello son las modificaciones efectuadas sobre La Giralda en Sevilla, o las torres de Écija y Antequera que, de diversa morfología y elementos decorativos, reivindican su presencia en la ciudad. En segundo lugar, el fuerte sentido del movimiento repleto de energía y tensión, tanto en planta como en alzado, interior y exteriormente, y que se presenta claramente en obras de carácter religioso como La Cartuja de Granada o La iglesia de San Luis de Los Franceses (1699-1730) en Sevilla, arquitectura en las que también podemos destacar la seducción por la profusión decorativa en ella. La cuarta característica esencial a tener en cuenta, y relacionada con la anterior, es el hecho de que las artes plásticas conforman un todo con la arquitectura siendo ejemplo de ello espacios como el interior de La iglesia de Santa María la Blanca en Sevilla.

El Barroco permea en la sociedad andaluza debido a que se implementa en sociedades jerarquizadas y se plantea como un arte cercano y comprensible por la sociedad frente al gusto del Renacimiento. Generalmente en lo arquitectónico este estilo se divide en tres etapas: El Protobarroco; el Barroco pleno; y el Barroco tardío. El Protobarroco se enmarca en la primera mitad del s. XVII. Se muestra en las portadas de las iglesias por las innovaciones ornamentales y alteraciones, en las incipientes proyecciones conventuales y en el planteamiento de los primeros camarines (una capilla pequeña, situada detrás de un altar, en la que se venera alguna imagen). El Barroco Pleno se desarrolla en la segunda mitad del s. XVII y primera mitad del s. XVIII. Es el momento de mayor auge del estilo dando lugar a la intervención en las catedrales de Granada o Jaén, en múltiples iglesias y su entrada en la arquitectura civil. El Barroco tardío convive con la entrada del Neoclasicismo en la segunda mitad del siglo XVIII y se diluye por la primacía del segundo y la fuerza de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Muestra una profusión ornamental en relación con el desarrollo del Rococó y el gusto borbónico, siendo ejemplo de ello la fachada del Castillo-Cuartel de Bibataubín en Granada o el Palacio de Nájera (1700-1732) en Antequera (ahora sede actual del Museo de la Ciudad de Antequera (MVCA)., con la característica torre-mirador obra del alarife Nicolás Mejías.

En este período destacan las producciones de carácter religioso. Se trabaja en las iglesias, con su decoración en el interior y los proyectos en sus fachadas, pues muchas de ellas habían sido construidas con anterioridad, pero también con la construcción ex novo de templos de planta de salón como se observa mayormente en Sevilla, planta basilical de tres naves, de cruz latina o de planta centrada, esta última elegida por la Compañía de Jesús para sus construcciones,

También, y como señala Antonio Bonet Correa, debemos referir las transformaciones de los sagrarios y en las capillas de enterramiento como la cripta del Santuario de la Victoria (1693-1700) de Málaga en Málaga —lo más destacado del conjunto es la torre camarín, uno de los primeros en construirse en España a semejanza del de Guadalupe o el de la Basílica de la Virgen de los Desamparados en Valencia—, así como la multiplicación de los espacios conventuales siendo ejemplo de ello ciudades como Antequera.

Camarin de la Virgen de los Desamparados en Valencia

Y, de igual modo, la arquitectura efímera que modificaba con una estética barroca las ciudades en diversos momentos del año, sirviendo de muestra las alteraciones de la plaza Bib-Rambla de Granada durante la celebración del Corpus Christi. En lo que respecta a la arquitectura civil cabe precisar que el número de obras es inferior a la religiosa, pero encontramos ejemplos en todas las provincias destinadas a demostrar poder y prestigio a partir del gusto de la época como el , el Palacio de San Telmo en Sevilla. De igual modo la arquitectura utiliza, de un lado, la piedra como material principal, fundamentalmente en Córdoba gracias a la extracción de las canteras de la sierra de Cabra como ha estudiado Yolanda Olmedo, y de otro, el ladrillo en Sevilla o Málaga, pero del mismo modo se dan técnicas tradicionales como un aparejo sencillo revestido en yeso y carpintería de lo blanco.

Otro punto reseñable es la presencia de la arquitectura industrial y la arquitectura militar. En ambos casos destaca la figura de Ignacio Sala quien, durante el siglo XVIII proyectó las Puertas de Mar de Cádiz y realizó los primeros planos de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla (1728-1770), la primera fábrica de tabacos de Europa, finalizada por el ingeniero militar Sebastián Van der Borcht, nacido en Bruselas alrededor de 1725..Con una planta rectangular de 185x147 metros, solo el monasterio de El Escorial (207x162 m), lo supera en tamaño en el país[11]​ y es uno de los edificios industriales más grandes de Europa: Richard Ford lo definió como el «Escorial tabaquero» en 1845.[12]​ y Antonio Bonet Correa como «palacio de la Industria».[13]​ Sus fachadas, realizadas en cantería, se modulan con pilastras que se elevan sobre un pedestal que recorre el inmueble; tiene dos plantas y entresuelos en las áreas residenciales El recinto se encuentra rodeado en tres de sus lados por un foso que lo aísla del exterior. ,

En lo que respecta a los arquitectos no podemos pasar por alto los trabajos realizados por Alonso Cano con la proyección de la fachada de la catedral de Granada, Francisco Hurtado Izquierdo, maestro mayor de la Mezquita-catedral de Córdoba y de la Catedral de Granada que trabaja tanto en esta ciudad como en la provincia de Córdoba o Leonardo de Figueroa quien desarrolla su producción fundamentalmente en Sevilla con obras como La San Luis de los Franceses o el Palacio de San Telmo.

En el palacio Episcopal de Málaga (1762-1780), obra de Antonio Ramos (1703-1782) acabado por José Martín de Aldehuela, sobresale su fachada barroco clasicista donde destacan los frontones rectos y curvos de los huecos superiores y la magnífica portada-retablo, de tres cuerpos de altura, combinando mármoles en colores gris para el fondo y rosa en las columnas, cuyo número decrece progresivamente en cada planta superior. En la portada del palacio arzobispal de Sevilla (1703-1705), obra de Lorenzo Fernández de Iglesias y Diego Antonio Díaz, considerada una de las mejores del barroco sevillano, cabe destacar los colores albero y sangre de toro con que está decorada, colores que acompañan a otros edificios emblemáticos de la ciudad.[14]​


Iglesias sevillanas:

  • Iglesia del Salvador (1679-1712),[15]​​​ la mayor iglesia de la ciudad después de la Catedral. Esteban García y Pedro Romero iniciarían los primeros proyectos de reconstrucción del templo (1671-1679), que se desplomó, hoy se sabe que por retirar anticipadamente cimbras y encofrado. Se decidió reconstruirlo: el diseño de las fachadas fue realizado en 1682 por el arquitecto de la catedral granadina, José Granados de la Barrera.[15]​​ La ejecución fue encomendada a Francisco Gómez Septién, que falleció antes de acabar, siendo sucedido en 1696 por Leonardo de Figueroa, que cerró las bóvedas, erigió la cúpula y realizó la decoración arquitectónica del interior. Estas tareas se finalizaron en 1712.[15]​
  • San Luis de los Franceses,
  • Iglesia de la Magdalena (1694-1709), obra de Leonardo de Figueroa que destaca por su alta nave de 18 metros de altura. Era la antigua iglesia del convento de San Pablo el Real —el mayor convento dominico de Andalucía.[16]​ A principios del siglo XVII contaba con 200 frailes.[17]​— El retablo mayor (1709-1724), atribuido a Leonardo de Figueroa[18]​​ y a Pedro Duque Cornejo[19]​​, es, con 160 m² y 18 m de altura,[20]​[21]​ el segundo mayor de la ciudad, después del de la catedral. Consta de banco y dos cuerpos y se distribuye en tres calles separadas por columnas salomónicas.
  • Iglesia de Santa María la Blanca (1650-1665), conocida como el «templo de las 3 religiones» ya que fue mezquita (siglo X), sinagoga (siglo XII) y templo cristiano (desde finales del siglo XV, tras la expulsión de los judíos). Las bóvedas fueron realizadas por Juan González y las yeserias de la bóveda central y de la cúpula fueron realizadas por Borja y y Pedro Roldán.[22]​

Granada: En Granada, Alonso Cano incitó una verdadera revolución en la arquitectura española de la segunda mitad del XVII. La obra arquitectónica más importante que abordó fue la catedral de Granada. Realizó la tarea de cerrar el espacio gótico-renacentista que Diego de Siloé había creado. Quiso resaltar el contraste entre exterior e interior, oponiendo una gran fachada retablo al hermetismo que el edificio albergaba en su interior. Estructuró la fachada de la catedral desde las premisas de tensión de volumen y libertad decorativa. Dispuesta a modo de un arco triunfal con tres calles divididas en tres cuerpos por una cornisa horizontal y cubiertas por arcos de medio punto, cuyas pilastras tienen medallones en lugar de capiteles.[23]​ La magnificencia del proyecto hubiese sido aún mayor si se hubieran erigido las dos grandes torres de ochenta y un metros de altura previstas en los planos, de las que solo se hizo una (de 57 m)..

  • Iglesia del Sagrario. En 1705, el arzobispo Martín de Azcalgorta encargó a Francisco Hurtado Izquierdo las obras, aunque por falta de recursos se pararon; en 1717 inició la dirección de las obras José de Bada y Navaja; en 1745 se terminaron las bóvedas y el crucero y en 1759 se abrió el templo al culto.[25]​ Es una iglesia de planta de cruz griega adosada a la catedral que destaca por su amplia concepción espacial, sorprendiendo la secuencia de sucesivas bóvedas y cúpulas esféricas, profusamente decoradas con relieves. Todas estas bóvedas y cúpulas se apoyan sobre gruesos pilares, unos exentos y otros adosados en los muros del perímetro, que aparecen revestidos por grandes semicolumnas de estilo corintio y fuste acanalado que se adosan a ellos.

Iglesia de los Redentoristas, el Santuario del Perpetuo Socorro o la Iglesia de San Felipe Neri.

Palacio de Bibataubín

Barroco en Galicia[editar]

El contexto económico de los siglos XVII y XVIII convirtió este momento en uno de los momentos cumbres de la historia del arte gallego, ya fuese al amparo del sector eclesiástico, ya en forma de palacios rurales para la baja nobleza. El centro de creación artística en ese momento será Santiago de Compostela, una ciudad que fue barroquizada en gran parte hasta alcanzar parte del aspecto que hoy conserva su centro histórico. Los sucesivos arzobispos y cabidos impulsarán una ampliación artística de la catedral para devolver al culto jacobeo el lugar que había ido perdiendo a lo largo de los siglos. Destaca sobre todo la figura de Antonio de Monroy, que gobernó la diócesis entre 1686 y 1715. Los monasterios de la ciudad, como el de San Martín Pinario, San Paio de Antealtares, Santa Clara o Belvís, también impulsan una renovación de sus fábricas.

Durante el siglo XVIII se desarrolla el «barroco compostelano» que se caracteriza, entre otras cosas, por la búsqueda de la inestabilidad en las superficies, la sensación de profundidad, la importancia de la masa de losas de granito o la creación de fachadas-telón. Una de las personas clave para entender este desarrollo del arte barroco en la ciudad de Compostela fue José Vega y Verdugo, quien en 1658 redactó el informe sobre las reformas que necesitaba la Catedral. Las reformas de la basílica fueron llevadas a cabo por varios arquitectos como José de la Peña de Toro, Domingo de Andrade (el más importante de los arquitectos de la época), Fernando de Casas Novoa, Simón Rodríguez, Lucas Ferro Caaveiro o Clemente Fernández Sarela. Además, estos arquitectos fueron quienes llevaron a cabo las construcciones más importantes del barroco gallego, como el Claustro de la Catedral de Lugo, la Casa do Cabido o la fachada del Convento de Santa Clara.

En Galicia, el patrocinio e influencia de José de Vega y Verdugo, canónigo de la catedral compostelana, impulsó la introducción de los formas del barroco pleno en las obras catedralicias[26]​ lo que propició que el nuevo estilo se extendiera por toda la región. Supuso el tránsito del clasicismo de arquitectos como Melchor de Velasco Agüero (?-1669)) a un barroco caracterizado por una gran riqueza ornamental cuyos primeros y destacados representantes fueron José de la Peña de Toro y Domingo de Andrade (1639-1712),[27]​ recordado por la torre del Reloj. de la catedral de Santiago. Sobre la base de la torre medieval preexistente - la Berenguela -, levantó los tres últimos cuerpos, sacando partido del tipo de torre de cuerpos prismáticos superpuestos de origen italiano, al que añadió elementos tradicionales decorativos más otros propios. La transición entre la base de la torre y el primer cuerpo añadido se hace mediante templetes angulares; la gradación es todavía más sutil en el segundo cuerpo ya octogonal y flanqueado también por templetes de estructura más aérea que los inferiores; finalmente, la disminución decreciente se completa en el remate, consistente en una cúpula ligeramente acebollada coronada por una ligera linterna circular.


Palacio de Gelmírez Monasterio de San Pedro (Tenorio) Monasterio de Santa Catalina (Montefaro)

Son principalmente los monasterios benedictinos y cistercienses, fundados en los siglos XII y XIII y renovados con grandiosa fastuosidad en el XVIII. Son Celanova (Orense), con su bellísimo claustro; Lorenzana (Lugo), Monfero (La Coruña), aún bastante académico, con un orden gigante en la fachada; Sobrado (La Coruña), ruina imponente; San Juan de Poyo· (Pontevedra), Ribas de Sil (Orense), Osera (Orense), llamado el Escorial de Galicia, con una fachada de sillares almohadillados en toda su altura; Samos (iglesia 1734-1748) (Lugo).Para terminar citemos, entre innumerables obras barrocas, la fachada de la catedral de Mondoñedo (Lugo); el claustro de la de Lugo, que parece terminado en 1714; el Santuario de Nuestra Señora de la Esclavitud, de Padrón (La Coruña) (La Coruña); la iglesia de San Bartolomé el Nuevo, de Pontevedra (1695-1714 ), de los jesuítas, obra de un Isidro Pérez, y que es uno de los pocos ejemplos existentes de la arquitectura barroca italiana; la iglesia de Santa Maria la Real, de Entrimo (Orense), de principios del siglo XVIII; el Ayuntamiento de Lugo, y la Peregrina, de Pontevedra (1778-1782), obra de Antonio de Souto.

  • La iglesia del Lorenzana (Lugo) se inició en 1735 siguiendo las trazas del monje Juan Vázquez de Samos, que después alteró Fernando de Casas y Novoa, diseñando además la fachada y dirigiendo las obras de las naves hasta el crucero.[a]​ Es de piedra de granito procedente de Burela.[28]​ El edificio tiene planta de cruz latina, tres naves y cúpula sobre el crucero. La nave central es ancha y luminosa y en sus laterales se abren pequeñas capillas para el culto. Se considera la fachada como un precedente de la fachada de la catedral de Santiago de Compostela.
Fachada de la iglesia.

Características del barroco gallego son las elevadas torres de iglesias y monasterios, con un cuerpo inferior muy alto y poco decorado, sobre el que se levantan otros dos ó tres chatos, decrecientes, con magníficas balaustradas de piedra sobre cornisas muy voladas. Es curioso notar como estas torres se parecen á otras contemporáneas de la Bretaña francesa, construidas igualmente en granito. Sobre el crucero es corriente también la linterna octogonal y en las fachadas raras veces faltan los órdenes clásicos, que vienen a ser el centro de la composición. En cambio, de los claustros están desterradas las columnas, los contrafuertes muy salientes acusan los tramos y la decoración de los arcos sobre pilastras contrasta muy felizmente con la sombra del fondo de las arcadas. Abundan los pináculos y las balaustradas. En general, es un arte de perfiles muy acentuados, de formas excesivamente acusadas y, por tanto, de grandes contrastes de luz y sombra. En algunas obras —tal las fachadas de ·Osera y Sobrado—, todos los sillares están resaltados y tienen a modo de un casetón excavado que produce un efecto bizarro y feo. Tan sólo la pasión del cantero gallego por su oficio, llevándole a no dejar piedra sin labrar, es capaz de concebir semejantes obras. Pero en oposición a ellas hay que presentar la monumentalidad de un Domingo de Andrade, la imaginación de Casas y Novoa y el genio original de Clemente Fernández Sarela. Que Galicia, tierra de grandes canteros, lo ha sido también de buenos arquitectos, gentes demasiado espontáneas, que han necesitado una fuerte disciplina para legrarse.

LEOPOLDO TORRES BALBÁS,

La arquitectura del siglo XVIII[editar]

Cúpula de la capilla del Palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte), de Ventura Rodríguez, 1765.
Portada del Real Hospicio de San Fernando (1721-1726) en Madrid, de Pedro de Ribera

En el siglo XVIII se dio una dualidad de estilos, aunque las cesuras no siempre están claras. Por un lado estuvo la línea del barroco tradicional, castizo o mudéjar (según el autor) cultivada por los arquitectos autóctonos y, por otro, un barroco mucho más europeo, traído por arquitectos foráneos a iniciativa de la monarquía, que implanta un gusto francés e italiano en la Corte. A la primera tendencia pertenecen arquitectos y retablistas tan destacados como Pedro de Ribera (1681-1742), Narciso Tomé (1690-1742), Fernando de Casas Novoa (¿1670?-1749), Francisco Hurtado Izquierdo (1669-1725), Jerónimo de Balbás (1673-1748), Leonardo de Figueroa (1654-1730) y el alemán Konrad Rudolf (?-Viena, 1732).

Buen exponente de la pervivencia del barroco tradicional en la Corte durante el siglo XVIII fue el madrileño Pedro de Ribera, cuya obra más destacada fue el Real Hospicio de San Fernando (1721-1726) en Madrid (ahora Museo de Historia de Madrid.). Suyo también es el puente de Toledo (1718-1732) sobre el río Manzanares, con una parte central formada por nueve arcos de medio punto con sólidos contrafuertes y tambores que se rematan en balconcillos. En la zona central se encuentran dos hornacinas o templetes adornados con elementos churriguerescos y que contienen las estatuas en piedra caliza de los patrones de Madrid.

De los Tomé (Narciso y Diego) destaca el famoso Transparente de la catedral de Toledo (1721-1732) y, como obra estrictamente arquitectónica, la Universidad de Valladolid. El foco gallego estuvo magistralmente representado por Fernando de Casas y Novoa, cuya obra cumbre es la fachada del Obradoiro de la catedral compostelana. En Andalucía destacaron dos focos: Granada y Sevilla. En el primero sobresalió el arquitecto lucentino Francisco Hurtado Izquierdo, autor de los sagrarios de las cartujas de Granada y de El Paular (Rascafría), y asimismo relacionado con una de las obras más deslumbrantes del barroco español, la sacristía de la cartuja granadina. En Sevilla destacaron el zamorano Jerónimo Balbás, que propagó el uso del estípite en Andalucía y la Nueva España, y Leonardo de Figueroa, autor de la remodelación del Colegio de San Telmo y de un conjunto tan sobresaliente como el noviciado de San Luis de los Franceses (1699-1730), obra construida para la Compañía de Jesús. Otro de los focos que gozó de gran vitalidad durante el barroco fue el valenciano. Un destacado arquitecto fue Konrad Rudolf y una fachada paradigmática es la del Palacio del Marqués de Dos Aguas (1740-1744), diseñada por el pintor Hipólito Rovira. En Murcia, el gran renovador de la arquitectura fue Jaime Bort con el potente imafronte o fachada de la catedral (1737-1754).

Fachada de la Universidad de Valladolid, 1716-1718.

A partir de 1730, el impacto del rococó francés se percibe en el barroco español. Retablistas y arquitectos incorporan la rocalla como motivo decorativo, aunque la emplean en estructuras de marcado carácter barroco. Por eso, salvo en contados ejemplos, resulta arriesgado hablar de la existencia de un auténtico rococó en España, pese a que a menudo se han asociado los derroches decorativos dieciochescos a dicho estilo.

A la segunda línea, la del barroco más europeizante fomentada por los Borbones, pertenece el Palacio Real de Madrid, construido durante el reinado de Felipe V. Este palacio, que se construyó en la línea de los grandes palacios clasicistas como Versalles, vino a sustituir al Alcázar, destruido en el incendio de 1734. Su construcción fue confiado a arquitectos italianos: Filippo Juvara, Juan Bautista Sachetti y Francesco Sabatini. Otros ejemplos palatinos son los palacios reales de La Granja de San Ildefonso (en la ladera segoviana de la Sierra de Guadarrama), y el de Aranjuez (en la ribera del Tajo más accesible desde Madrid, existente desde el siglo XVI, pero reformado sustancialmente a mediados del XVIII bajo Fernando VI y Carlos III). Ambos son buenas representaciones de la integración de arquitectura y jardines barrocos en entornos alejados de la ciudad, que manifiestan una notable influencia francesa (se conoce a La Granja como el Versalles español). En el siglo XVIII, algunas iglesias levantadas en la Corte por arquitectos italianos, como Santiago Bonavía, que trazó la iglesia de San Antonio en Aranjuez o la iglesia de San Miguel en Madrid, trasladan a España propuestas del barroco italiano en sus complicadas plantas alabeadas. También destaca el convento de las Salesas Reales, fundado en 1748 por Bárbara de Braganza, y algunas obras de Ventura Rodríguez, fiel seguidor del barroco romano en iglesias como la de San Marcos, en la que funde las aportaciones de Bernini (San Andrés del Quirinal) y Borromini (San Carlo alle Quattro Fontane).

Catedral de Murcia, Jaime Bort 1737-1754.

El ascenso al trono de Carlos III en 1759 traería consigo la liquidación del barroco. En la Corte, el rey llevó a cabo una serie de reformas urbanísticas destinadas a higienizar y ennoblecer el insalubre Madrid de los Austrias. Muchas de estas obras fueron acometidas por su arquitecto predilecto, el italiano Francesco Sabatini, en un lenguaje clasicista bastante depurado y sobrio. Este clasicismo académico, cultivado por él y otros arquitectos académicos, está preparando las bases del incipiente neoclasicismo español. Los ilustrados abominaron de las formas barrocas precedentes, por apelar a los sentidos y ser afectas al pueblo; en su lugar, propugnaban la recuperación del clasicismo, por identificarlo con el estilo de la razón. Las presiones que, desde la Real Academia de San Fernando, su secretario, Antonio Ponz, trasladó al rey, desembocaron en una serie de Reales Decretos a partir de 1777, que prohibieron la realización de retablos en madera y supeditaron todos los diseños arquitectónicos de iglesias y retablos al dictamen de la Academia. En la práctica, estas medidas suponían el acta de defunción del barroco y la liquidación de sus variantes regionales, para imponer un clasicismo académico desde la capital del reino.

Véase también[editar]

Referencias[editar]

  1. ↑ Sitio oficial de la Academia.accademiafilarmonica.it https://accademiafilarmonica.it/laccademia/la-storia |url= sin título (ayuda).  Parámetro desconocido |consultado= ignorado (se sugiere |fechaacceso=) (ayuda)
  2. ↑ Germán Ramallo Asensio (2010). «Lo explícito y lo implícito de los programas iconográficos en las fachadas de las catedrales españolas en el pleno barroco». En Institución «Fernando el Católico» (C.S.I.C.), Excma. Diputación de Zaragoza, ed. El barroco en las catedrales españolas (Zaragoza): 181 (de 318).  Parámetro desconocido |coordinador= ignorado (ayuda)
  3. ↑ Ramallo, op. cit. 182 y ss.
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  5. ↑ «La Rioja turismo - Catedral de Calahorra». 
  6. ↑ Velado Graña. , Encrucijadas. Catálogo de las Edades del Hombre. Astorga: Fundación "Las Edades del Hombre" Capítulo:Tiempos de crisis, ficha 2, Vide nota 21 p. 88. p. 406. ISBN 84-88265-75-1. 
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  8. ↑ [1] [2][3] [4]
  9. ↑ Guerra de la Vega, Ramón (1984). Prop. Autor, ed. Madrid de los Austrias - Guía de Arquitectura (Primera edición). Madrid. pp. 90-92. 
  10. ↑ HIDALGO MONTAGUDO, Ramón (1993). Iglesias antiguas madrileñas. pág. 96, Ediciones La Librería. ISBN 84-87290-52-3. 
  11. ↑ Alfonso Pozo Ruiz, La Real Fábrica de Tabacos de Sevilla: visión histórica general. Fecha de acceso 2010-02-13.
  12. ↑ Bonet Correa, 1986, pág. 177.
  13. ↑ Sobrino Simal, 1998, pág. 30.
  14. ↑ Francisco Javier Herrera García (1988): Lorenzo Fernández de Iglesias, un cantero montañés en Andalucía occidental Archivado el 16 de marzo de 2016 en Wayback Machine., en Atrio, vol. 0, núm. 0, pp. 1-28.
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  16. ↑ Matilde Fernández Rojas (2008). Patrimonio artístico de los conventos masculinos desamortizados en Sevilla durante el siglo XIX. Benedictinos, dominicos, agustinos, carmelitas y basilios. Secretariado de Publicaciones de la Diputación de Sevilla. p. 78. ISBN 978-84-7798 259-3. 
  17. ↑ Op. cit., Fernández Rojas, pag.83.
  18. ↑ Fernández Rojas, 2008, p. 106.
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  20. ↑ «Retablos». rpmagdalena.org. Consultado el 7 de enero de 2018. 
  21. ↑ Error en la cita: Etiqueta <ref> no válida; no se ha definido el contenido de las referencias llamadas correo
  22. ↑ «Última fase de la restauración de Sta. María la Blanca». Archidiócesis de Sevilla. Consultado el 16 de noviembre de 2018. 
  23. ↑ «Arquitectura Barroca en España». 
  24. ↑ «Basílica de la Virgen de las Angustias | Turismo de Granada». www.granadatur.com. Consultado el 21 de agosto de 2021. 
  25. ↑ «La Iglesia del Sagrario». La Catedral de Granada. Consultado el 7 de abril de 2023. 
  26. ↑ Vila, María Dolores. «Vega y Verdugo y la introducción del Barroco en Galicia». Archivado desde el original el 3 de diciembre de 2013. Consultado el 18 de enero de 2013. 
  27. ↑ De Antonio Saez, Trinidad (1999). «Arquitectura». El siglo XVII español. Historia 16. p. 44. ISBN 978-84-7679-420-3. 
  28. ↑ González Montañés 1999: pp. 81/82
  29. ↑ La opinión más extendida es que se construyó sobre planos de Hurtado Izquierdo, pero que dirigió las obras José de Bada y Navajas.

Bibliografía[editar]

  • BUSTAMANTE GARCÍA, Agustín. El siglo XVII. Clasicismo y barroco [col. Introducción al arte español, vol. VI]. Madrid: Sílex, 1993.
  • CAMÓN AZNAR, José y MORALES Y MARÍN, José Luis y VALDIVIESO GONZÁLEZ, Enrique. Arte español del siglo XVIII [col. Summa Artis, t. XXVII]. Madrid: Espasa-Calpe, 2003.
  • HERNÁNDEZ DÍAZ, José y MARTÍN GONZÁLEZ, Juan José y PITA ANDRADE, José Manuel. Escultura y arquitectura españolas del siglo XVII [col. Summa Artis, t. 26]. Madrid: Espasa-Calpe, 1999.
  • MARTÍN GONZÁLEZ, Juan José. «Problemática del retablo bajo Carlos III». Fragmentos: Revista de Arte, 12-13-14 (1988).
  • MARTÍN GONZÁLEZ, Juan José. El retablo barroco en España. Madrid: Alpuerto, 1993.
  • KUBLER, George. Arquitectura de los siglos XVII y XVIII [col. Ars Hispaniae, t. XVI]. Madrid: Plus ultra, 1957.
  • RODRÍGUEZ G. DE CEBALLOS, Alfonso. El siglo XVIII. Entre tradición y academia [col. Introducción al arte español, vol. VII]. Madrid: Sílex, 1992.
  • RODRÍGUEZ G. DE CEBALLOS, Alfonso. «La reforma de la arquitectura religiosa en el reinado de Carlos III. El neoclasicismo español y las ideas jansenistas». Fragmentos: Revista de Arte, 12-13-14 (1988), pp. 115-127.
  • SANCHO CORBACHO, Antonio. Arquitectura Barroca Sevillana del siglo XVIII. Madrid, CSIC, 1984 (2ª Ed.)

Enlaces externos[editar]


Detalles[editar]

De los 14 ochomiles de la Tierra, todos ellos en Asia, todos son picos ultraprominentes salvo el Lhotse (el 4.º del mundo), que solo tiene 610 m de prominencia. En este artículo se considera Asia tal y como se define en el artículo, tomándose como países europeos, aunque se intercalan en el orden que les correspondería sin numerar. Hay 75 ultras de más de sietemil metros de altitud, y hay 39 ultras con una prominencia de al menos 3000 m, pero solo 9 tienen más de 4000 m de prominencia.

En veinte países asiáticos coinciden en una misma cumbre el pico más elevado y el más prominente. Solamente países asiáticos no tienen ningún pico ultraprominente. Los puntos culminantes de algunos países no son picos ultraprominentes: Birmania, con el Hkakabo Razi de 5881 m y una prominencia de 904 m; Georgia Shjara 5193 m y una prominencia de 1357 m; Uzbekistán, Khazret Sultan, de 4643 m y una prominencia de 564 m.

De los 49 países asiáticos, 41 tienen altitudes que superan los 1500 m (ver: Anexo:Países por punto más alto), pero solamente 39 tienen picos ultraprominentes: China (186), Indonesia (76), Rusia (58), Irán (55), India (47), Pakistán (45), Filipinas (29), Nepal (24), Turquía (23), Japón (21), Mongolia (19), Birmania (16), Afganistán (15), Kirguistán (11), Malasia (10), Vietnam (9), Kazajistán (6), Bután y Laos (5), , Tailandia (4), Georgia y Omán (3), Corea del Norte, Corea del Sur, Iraq, Laos, Líbano y Turkmenistán (2) y Chipre, Egipto y Uzbekistán (1). (Recuérdese que la suma de los picos no da el total porque muchos picos son compartidos).

Aviacion[editar]

This is a timeline of transportation technology and technological developments in the culture of transportation. En este Anexo se recogen acontecimientos que se desarrollaran de forma más detallada en sus propios artículos, como el desarrollo del Ferrocarril, del automovil, la aviación, la astronáutica:

Véanse también: History of self-driving cars y Timeline of railway history.

Aclaraciones sobre el Anexo[editar]

Descubrimientos
Av
(aviación) >		 Aer
(Aeronáutica)		 Mar
(transporte marítimo- fluvial)</small
Tec
(mejoras técnicas en motores, baterías...)		 Ins
(Avances instrumentales)
T_As
(astronómicos o astrofísicos)		 T_G
(generales)
Tra
(transporte terrestre, autobuses, tranvias...)		 Exploración
Fer
(ferrocarril, )		 Aut
(automóvil)		 Bic
(Bicicletas, motos, patines, etc)

Edad Antigua[editar]

  • 3500 a. C. - Carros de ruedas.
  • 3500 a. C. - Barcas fluviales.
  • 2000 a. C. - Caballo
  • Siglo XIX
    Siglo XIX
  • A traditional Polynesian catamaran
    A traditional Polynesian catamaran
  • Dionysus riding on a small galley-like craft in a painting from the Dionysus cup by Exekias, from c. 530 BC[1]​
    Dionysus riding on a small galley-like craft in a painting from the Dionysus cup by Exekias, from c. 530 BC[1]​
  • Collares de caballo y carro entre 1350 y 1375
    Collares de caballo y carro entre 1350 y 1375
  • Reisszug, tal como apareció en 2011
    Reisszug, tal como apareció en 2011
  • Late 19th century modes of transport, Japan.
    Late 19th century modes of transport, Japan.
  • First Zeppelin ascent, 1900
    First Zeppelin ascent, 1900
  • The first internal combustion omnibus of 1895 (Siegen to Netphen)
    The first internal combustion omnibus of 1895 (Siegen to Netphen)
  • Early 20th Century modes of road transport in Dublin (1929
    Early 20th Century modes of road transport in Dublin (1929
  • A 0 series Shinkansen high-speed rail set in Tokyo (May 1967)
    A 0 series Shinkansen high-speed rail set in Tokyo (May 1967)
  • Concorde 001 first flight (1969)
    Concorde 001 first flight (1969)
  • Space shuttle launch
    Space shuttle launch
  • C5
    C5

Cronología de las tecnologías del transporte[editar]

Cronología de las tecnologías del transporte
_
Año Tipo País Autor Acontecimiento Época
XX milenio a. C. Mar Bandera de Palestina —— balsas utilizadas en los ríos. Antigüedad
VII milenio a. C. Ex-O — —— Primeros zapatos conocidos.
VI milenio a. C. Mar — —— Construcción de cayucos, canoas de fondo plano por vaciado de troncos de árbol.
IV milenio a. C. Ex-O Bandera de Palestina —— Los primeros vehículos pueden haber sido carros de bueyes.[2]​
3500 a. C. Ex-O Bandera de Palestina —— Domesticación del caballo e invención de la rueda en el Antiguo Cercano Oriente.
3010-1500 a. C. Ex-O Bandera de la India —— Juguetes excavados en la civilización del valle del Indo incluyen pequeños carros.
3000 a. C. Mar — —— Los austronesios construyen catamaranes y batangas (estabilizadores).
3000 a. C. Mar — —— Las galeras se desarrollaron hacia el año 3000 a. C. en el Mediterráneo.
II milenio a. C. Ex-O — —— Se menciona el carro en la literatura, se inventan el carro y la rueda de radiosCart mentioned in literature, chariot and spoked wheel invented.
800 a. C. Mar Bandera de la República Popular China —— Canal de navegación para el transporte construido en la Antigua China.
408 a. C. Ex-O Bandera de Grecia —— La carretilla es referenciada en la Antigua Grecia.
Siglo V Ins Bandera de la República Popular China —— Se inventa en China la collera —arnés utilizado para distribuir la carga en el cuello y hombros del caballo cuando arrastra un carro o arado. Edad Media
Siglo VI Ex-O Bandera de Bélgica —— Evidencia de una herradura en la tumba del rey franco Childerico I, Tournai.
Fin del siglo VII Ex-O — —— Puente Maya en Yaxchilán, primer puente colgante.
800 Ex-O Bandera de Irak —— Las calles de Bagdad son pavimentadas con brea.
Siglo IX Ex-O Bandera de Irak Al-Juarismi (780-850), matemático, astrónomo y geógrafo persa Inventa el cuadrante seno fue en la Casa de la Sabiduría en Bagdad.[3]​: 128   Los otros tipos fueron el cuadrante universal, el cuadrante horario y el cuadrante astrolabio.
Siglo X Mar Bandera de la República Popular China —— Juncos construidos en China.
Late 10th century Ins — —— Se inventa en el mundo árabe el kamal, instrumento de navegación según la estrella polar.
1044 Ins Bandera de la República Popular China —— Brújula inventada en China.
Siglo XIII (o antes) Ex-O Bandera de la República Popular China —— Misiles cohete utilizados en China. Los vehículos de pasajeros propulsados ​​por cohetes no aparecieron hasta 1939.
1350 Ins Bandera de Palestina Ibn al-Shatir (1304-1375), astrónomo Inventa la brújula de sol, un reloj de sol universal con una brújula magnética. Lo inventó con el propósito de encontrar los tiempos de las salat (oraciones). El Sandūq al‐Yawāqīt li maʿrifat al-Mawāqīt (joyero) tenía un agujero móvil que permitía al usuario encontrar el ángulo horario del sol y si ese ángulo coincidía con el horizonte, el usuario podía utilizarlo como reloj de sol polar.
1479-1519 Bic Bandera de Italia Da Vinci Dibuja un pedalo.
1495-1504 Ex-O Bandera de Palestina —— El teleférico más antiguo que existe es probablemente el Reisszug , una línea privada que proporciona acceso de mercancías a la fortaleza de Hohensalzburg en Salzburgo , Austria. Esta línea se describe generalmente como el funicular más antiguo .The oldest extant cable railway is probably the Reisszug, a private line providing goods access to Hohensalzburg Fortress at Salzburg in Austria. This line is generally described as the oldest funicular.[4]​[5]​
Siglo XV Aut Bandera de Palestina Jan Žižka (1360-1424), general checo Construye vagones blindados equipados con cañones, precursores del tanque motorizado. built the precursor to the motorised tank, armoured wagons equipped with cannons.
1569 Ex-O Bandera de Bélgica Gerardus Mercator (1512-1594), geógrafo, matemático y cartógrafo flamenco Inventa la proyección de Mercator y publica el mapa mundial de Mercator 1569.
Fin del siglo XVI Mar — —— Los veleros europeos se vuelven lo suficientemente avanzados como para cruzar océanos de manera confiable.
1604 Fer Bandera de Inglaterra Huntingdon Beaumont (c.1560-1624) empresario del carbón Construye en Nottingham, la Wollaton Wagonway, de 3,2 kilómetros (2 mi), la primera vía terrestre para vagones registrada en el mundo para el transporte de carbón.[6]​[7]​[8]​ Siglo XVII
1616 Ex-O Bandera de Croacia Fausto Verancio (ca. 1551-1617​), humanista, científico, lexicógrafo e historiador Diseño el primer teleférico mecánico del que se tiene registro, un teleférico bicable para pasajeros.
1620 Mar Bandera de los Países Bajos Cornelius Drebbel (1572-1633), ingeniero e inventor Construye el primer submarino conocido del mundo, que es propulsado por remos (aunque existen ideas y representaciones anteriores de submarinos).
1644 Ex-O Bandera de Polonia Adam Wybe Construye el primer teleférico operativo del mundo sobre múltiples soportes en Gdańsk, Polonia. Era movido por caballos y utilizado para mover tierra sobre el río para construir defensas.[9]​ Fue el más grande construido hasta finales del siglo XIX.[10]​
1655 Ex-O Bandera de Alemania Stephan Farffler, relojero Farffler, relojero de Nuremberg, cuya invención de un carro de transporte en 1655 se considera ampliamente que fue la primera silla de ruedas autopropulsada wheelchair.
1662 Tra Bandera de Francia Blaise Pascal (1623-1662), matemático, físico, filósofo y teólogo Inventa un transporte público, un coche de caballos que tiene una ruta, un horario y un sistema de tarifas regulares .
1672 Aut Bandera de Bélgica Ferdinand Verbiest (1623-1688), misionero jesuita flamenco Construye lo que pudo haber sido el primer modelo de automóvil a escala propulsado por vapor.[11]​[12]​
1716 Mar Bandera de Suecia Emanuel Swedenborg, científico sueco Crea el primer concepto de vehículo flotante.[13]​ Siglo XVIII
1720 Tec Bandera de Palestina Joseph Williamson Inventa el mecanismo diferencial.
1731 Ins Bandera de Palestina Sextante implementado por primera vez para determinar con precisión la latitud.
1733 Ex-O Bandera de Inglaterra William Kent (1685-1748), arquitecto, interiorista y paisajista Desarrolla un temprano cochecillo para bebes.[14]​
1740 Ex-O Bandera de Francia Jacques de Vaucanson (1709-1782), ingeniero e inventor Estrena su carruaje propulsado por un mecanismo de relojería.
1760s Ex-O Bandera de Palestina Se inventan los patines en línea.[15]​
1761 Ins Bandera de Palestina Se inventa el cronómetro marino como medio para determinar con precisión la longitud.
1769 Aut Bandera de Francia Nicolas-Joseph Cugnot (1725-1804), inventor Demuestra su fardier à vapeur, un tractor de artillería experimental impulsado por vapor, el primer automóvil a vapor.
1776 Mar Bandera de Estados Unidos David Bushnell (1742-1824), inventor Construye el primer submarino propulsado por hélice y el primer submarino militar que intenta atacar un barco, el Turtle. El ataque no logra hundir el HMS Eagle.
1779 Ex-O Bandera de Inglaterra Se construye The Iron Bridge en Shropshire.
1783 Ex-O Bandera de Palestina Primer paracaídas.
1783 Aer Bandera de Francia Joseph y Étienne Montgolfier Lanzan los primeros globos aerostáticos lo que desencadena la Balloonomania.
1783 Ex-O Bandera de Palestina Jacques Charles y los hermanos Robert (Anne-Jean Robert y Nicolas-Louis Robert) Lanzan el primer globo de hidrógeno. Hydrogen balloon.
1784 Fer Bandera de Escocia William Murdoch (1754-1839), ingeniero mecánico e inventor Construye un modelo funcional de un vagón de locomotora de vapor en steam locomotive carriage in Redruth, England.[16]​
1789 Bic Bandera de Francia Blanchard y Maguier Inventan el triciclo a pedales.
Años 1790 Ex-O Bandera del Reino Unido Canal Mania, un intenso período de construcción de canales en Inglaterra y Gales.
1801 Tra Bandera de Inglaterra Richard Trevithick (1771-1833), inventor e ingeniero Hace funcionar una 'locomotora de carretera' de vapor de tamaño completo en la carretera en Camborne, England.[16]​ Siglo XIX
(1.ª mitad)
1803 Tra Bandera de Inglaterra Trevithick Construye su London Steam Carriage de 10 plazas.[16]​
1803 Mar Bandera de Palestina William Symington El Charlotte Dundas, generalmente considerado el primer barco de vapor práctico del mundo, realiza su primer viaje.
1804 Fer Bandera de Inglaterra Trevithick Construye un prototipo de locomotora de ferrocarril a vapor y funcionó en la línea Pen-y-Darren cerca de Merthyr Tydfil Wales.
1804 Mar Bandera de Palestina Oliver Evans Oliver Evans (que afirma haberlo hecho) demostró un vehículo anfibio propulsado por vapor .
1807 Tec Bandera de Suiza Francois Isaac de Rivaz (1752-1828), inventor y politico de origen francés Motor De Rivaz, primer motor de combustión interna que utiliza hidrógeno como combustible
1807 Tra Bandera de Palestina Swansea and Mumbles Railway puso en funcionamiento el primer servicio de tranvía de pasajeros con vagones de caballos del mundo .
1807 Mar Bandera de Estados Unidos Robert Fulton (1765-1815), ingeniero, empresario e inventor El North River Steamboat realiza su viaje inaugural, primer barco de vapor comercialmente exitoso del mundo.
1807 Mar Bandera de Francia Nicéphore Niépce (1765-1833), físico, litógrafo e inventor Instala su motor de combustión interna Pyréolophore en un barco y recorre el río Saona en Francia.
1809 Tra Bandera de Inglaterra Se coloca la primera piedra del primer vagón de pasajeros de "autobús guiado" en Gloucester y Cheltenham Tramroad .
1812 Fer Bandera del Reino Unido Matthew Murray (av. 1820-desp.1836), oficial de la marina Salamanca en el Middleton Railway, primer motor autopropulsado comercialmente exitoso en tierra utilizando ruedas dentadas y rieles.
1812 Tec Bandera de Inglaterra William Chapman (1749-1832), Ingeniero civil Construye una locomotora con un bogie, que se arrastraba sola mediante cadenas y que no tuvo éxito. Chapman construyó una locomotora más exitosa con dos bogies impulsados por engranajes en 1814. El bogie se utilizó por primera vez en Estados Unidos para vagones del Quincy Granite Railroad en 1829. La primera locomotora exitosa con un bogie para guiar la locomotora en las curvas y al mismo tiempo soportar la caja de humo fue construida por John B. Jervis en 1831. El concepto tardó décadas antes de que fuera ampliamente aceptado, pero Finalmente se convirtió en un componente de la gran mayoría de los diseños de locomotoras principales.
1812 Fer Bandera del Reino Unido Timothy Hackworth La locomotora "Puffing Billy" corre sobre rieles de hierro fundido lisos en Wylam Colliery cerca de Newcastle.
1814 Fer Bandera de Palestina George Stephenson (1781-1848), ingeniero mecánico e ingeniero civil Construye la primera locomotora de vapor práctica, "Blutcher", en Killingworth Colliery.[17]​
1816 Bic Bandera de Alemania Karl Freiherr von Drais (1785-1851), inventor e investigador El creador más probable de la bicicleta, que montó su máquina de 1816 mientras cobraba impuestos a sus inquilinos.
1819 Mar Bandera de Estados Unidos SS Savannah, primer barco que cruzó el Atlántico parcialmente impulsado por vapor, llega a Liverpool procedente de Savannah (Georgia).
1819 Bic Bandera de Palestina Denis Johnson Inventa el patinete.
1822 Fer Bandera de Palestina Stephenson Construye una locomotora y diseña el ferrocarril para Hetton Colliery, que es el primer ferrocarril que no utiliza tracción por caballos, pero sí tenía varias secciones arrastradas por cuerdas.
1822 Fer Bandera de Palestina Primera reunión del Comité Permanente de la Compañía de Ferrocarriles de Liverpool y Manchester.[18]​
1825 Fer Bandera de Palestina Stephenson La Locomotion No. 1 circula en Stockton & Darlington Railway, que se abre como el primer ferrocarril público y utiliza caballos y máquinas de vapor autopropulsadas y máquinas estacionarias con cuerdas a lo largo de una única vía. Sin estaciones ni horarios ya que cualquiera podía alquilar la vía para utilizar su propio vehículo.[19]​
1825 Fer Bandera de Inglaterra Sir Goldsworthy Gurney Inventa una serie de vagones de pasajeros propulsados ​​por vapor y en 1829 completó el viaje de 120 millas desde Londres a Bath, Somerset y regreso.
1825 Fer Bandera de Inglaterra El 25 de junio se inauguró el primer ferrocarril colgante en Cheshunt, Inglaterra.
1826 Fer Bandera de Inglaterra Presupuesto aprobado por el «Liverpool and Manchester Railway» en el segundo intento y George Stephenson comienza a trabajar en una línea de doble vía de 35 millas que permitía viajes simultáneos en ambas direcciones entre las dos ciudades. Medios de tracción no especificados para reducir la oposición. Bill passed for Liverpool and Manchester Railway at second attempt and George Stephenson commences work on 35-mile twin track line permitting simultaneous travel in both directions between the 2 towns. [20]​
1828 Fer Bandera de Inglaterra Stephenson La Lancashire Witch circula por la línea ferroviaria de Bolton y Leigh, una línea de bienes públicos para conectar el canal de Leeds y Liverpool y el canal Manchester Bolton & Bury. El ferrocarril cuenta con máquinas de vapor autopropulsadas y arrastradas por cable y de vía única.[21]​
1829 Fer Bandera de Inglaterra Stephenson Las Rainhill Trials para encontrar el mejor motor autopropulsado para la línea Liverpool Manchester son ganadas por la Stephenson's Rocket, lo que demuestra que no hay necesidad de tracción de caballos ni motores estáticos en la línea principal.[22]​ Rocket se convierte en la fórmula básica para todas las futuras máquinas de vapor con tubos de caldera, tubo de explosión y el uso de carbón en lugar de coque.
1830 Fer Bandera de Inglaterra —— Se inaugura el ferrocarril de Liverpool y Manchester . Primer sistema de transporte público sin tracción animal, primera línea pública sin tramos arrastrados por cable en el trayecto principal, primera vía doble, primer ferrocarril entre dos grandes ciudades, primeros trenes con horarios, primeras estaciones de ferrocarril, primer tren más rápido que un vagón de correo, primeros túneles subterráneos bajo calles, el primer ferrocarril moderno propiamente dicho que sirvió de modelo para todos los ferrocarriles posteriores.[23]​
1837 Fer Bandera de Escocia Robert Davidson, químico Construye la primera locomotora eléctrica, una locomotora de batería que funcionaba con celdas galvánicas (baterías). Construyó, más tarde, una gran locomotora llamada Galvani , que fue presentada en la Exhibición de la Royal Scottish Society of Arts de 1841. Fue probada en el Edinburgh and Glasgow Railway en septiembre de 1842, pero la poca corriente eléctrica suministrada por las baterías impedieron mostrar su posible uso comercial.[24]​[25]​
1838 Mar Bandera de Inglaterra Isambard Kingdom Brunel (1806-1859), ingeniero británico y francés El SS Great Western, primer transatlántico a vapor, inaugura el primer servicio regular de barco de vapor transatlántico.
1839 Mar Bandera de Alemania Moritz von Jacobi (1801-1874), físico, ingeniero e inventor Desarrolla uno de los primeros barcos eléctricos en San Petersburgo, Rusia. Era un barco de 7,3 m que transportaba 14 pasajeros a 4,8 km/h. Se mostró con éxito al emperador Nicolás I de Rusia en el río Neva.
Años 1840 Fer Bandera del Reino Unido —— La Railway Mania arrasa el Reino Unido e Irlanda. Se construyeron 10 010 km de líneas ferroviarias.
1843 Fer Bandera de Irlanda Se abre el ferrocarril atmosférico Dalkey, primer ferrocarril comercial de este tipo en el mundo. Fue una extensión del Ferrocarril de Dublín y Kingstown (D&KR) hasta Atmospheric Road en Dalkey, condado de Dublín. Utilizó parte del tranvía industrial Dalkey Quarry, que se había utilizado para la construcción del puerto de Kingstown (Dún Laoghaire).
1847 Fer Bandera del Reino Unido James Samuel, ingeniero Samuel, ingeniero de locomotoras de la Eastern Counties Railway, diseña el primer vagón de vapor que construido por William Bridges Adams en 1847, y probado entre Shoreditch y Cambridge el 23 de octubre de 1847.
1849 Av Bandera de Inglaterra Sir George Cayley (1773-1857), ingeniero e inventor Sus planeadores con alas logran breves saltos.[26]​
1852 Ex-O Bandera de Estados Unidos Elisha Otis (1811-1861), inventor y fabricante de ascensores Inventa un dispositivo de seguridad para ascensores. Funda la empresa Otis Elevator Company Siglo XIX
(2.ª mitad)
1853 Av Bandera de Inglaterra Cayley Construye y demuestra la primera aeronave más pesada que el aire (un planeador).[27]​
1853 Bic Bandera de Estados Unidos Se inventa el cuadriciclo, mostrado por vez primera en la feria mundial celebrada en New York City «Exhibition of the Industry of All Nations».[28]​
1859 Fer Bandera de Francia Primer ferrocarril a escala para Napoléon, príncipe Imperial.|
1859 Tec Bandera de Francia Gaston Planté (1834-1889), científico Inventa la batería de plomo-ácido,la primera batería que podía recargarse pasando una corriente inversa a través de ella.
1860 Tra Bandera de Rusia Se inaugura en San Petersburgo la primera línea de transporte urbano de caballos (predecesora de los tranvías).[29]​
1862 Tec Bandera de Bélgica Étienne Lenoir (1822-1900), ingeniero Inventa el motor de gasolina para automóviles.
1863 Fer Bandera de Inglaterra Se abre al público el Metropolitan Railway de Londres, el primer ferrocarril subterráneo del mundo.
1863 Ex-O Bandera de Bélgica Lenoir Hipomóvil
1867 Bic Bandera de Palestina Se inventa la primera motocicleta moderna (ver: Historia de la motocicleta).
1868 Bic Bandera de Palestina Invención de la bicicleta de seguridad.
1868 Tec Bandera de Estados Unidos George Westinghouse (1846-1914), empresario, ingeniero e inventor Inventa el freno de aire comprimido para trenes.
1868 Bic Bandera de Francia Louis-Guillaume Perreaux (1816-1889), inventor e ingeniero Velocípedo de vapor, una máquina de vapor acoplada a un velocípedo de Michaux.[30]​
1869 Tec Bandera de Francia Jules Suriray, mecánico de bicicletas Diseña el primer rodamiento de bolas de estilo radial.[31]​
1870 Ex-O Bandera de Palestina Primer registro definitivo de un kicksled (trineo )
1874 Tec Bandera de Palestina Midland railway introduce los bogies en sus vagones, siendo el primer ferrocarril británico de ancho estándar que construyó vagones con bogies, en lugar de ejes montados rígidamente.[32]​ El primer uso de vagones de bogie en Gran Bretaña había sido en 1872, en el Ferrocarril Festiniog.
1875 Ex-O Bandera de Rusia Fiodor Pirotsky Inventa y prueba en Sestroretsk, cerca de San Petersburgo, la primera línea de tranvía eléctrico del mundo.[33]​[34]​
1880 Ex-O Bandera de Alemania Werner von Siemens (1816-1892), inventor Construye el primer ascensor eléctrico.
1881 Tra Bandera de Alemania Siemens Presenta la primera línea de tranvía eléctrico comercialmente exitosa en Lichterfelde, cerca de Berlín (Gross-Lichterfelde tramway). Inicialmente consumía corriente de los rieles y en 1883 se instaló un cable aéreo.
1882 Tra Bandera de Alemania Siemens El 29 de abril de 1882 inventa el trolebús, cuando hace una demostración de su "Elektromote" en un suburbio de Berlín, prueba que continuó hasta el 13 de junio.
1883 Tra Bandera de Austria Tranvía de Mödling y Hinterbrühl, Vipenna, Austria, primer tranvía eléctrico propulsado por catenaria.
1884 Aut Bandera de Palestina Thomas Parker Construye un práctico automóvil eléctrico de producción en Wolverhampton utilizando sus propias baterías recargables de alta capacidad especialmente diseñadas.
1885 Aut Bandera de Alemania Karl Benz Inventa el primer automóvil propulsado por un motor de combustión interna, lo llamó Benz Patent-Motorwagen.[35]​
1887 Ex-O Bandera de Alemania Se utiliza la primera unidad múltiple eléctrica de batería (vagón de batería) en los Ferrocarriles Reales del Estado de Baviera.[36]​
1888 Aut Bandera de Alemania Andreas Flocken, inventor Construye el primer coche verdaderamente eléctrico, Flocken Elektrowagen .
1889 Tra Bandera de Estados Unidos Inaugurado el Newark and Granville Street Railway en Ohio, primer tren-tranvía interurbano en los Estados Unidos.
1889 Ex-O Bandera del Reino Unido Introducidos por primera vez en 1889, los vehículos a batería con flotadores de leche ampliaron su uso en 1931 y en 1967 dieron a Gran Bretaña la flota de vehículos eléctricos más grande del mundo , battery vehicles milk floats expanded use in 1931 .
Años 1890 Bic — —— El Bike boom arrasa Europa y América con cientos de fabricantes de bicicletas en la mayor locura por las bicicletas hasta la fecha.
1890 Fer Bandera de Inglaterra El City and South London Railway (C&SLR) fue el primer "tubo" subterráneo de nivel profundo del mundo,[37]​[note 1]​ y el primer ferrocarril importante en utilizar tracción eléctrica.
1893 Bic Bandera de Francia Se inventan las bicicletas reclinadas: el modelo francés Fautenil (1893) y el suizo Challand (1895).
1893 Ex-O Bandera de Estados Unidos Se presenta el primer pasillo rodante en la Exposición Mundial Colombina.
1893 Fer Bandera de Inglaterra El Liverpool Overhead Railway se inauguró el 6 de marzo de 1893 con unidades múltiples eléctricas de dos vagones, el primero en operar en el mundo.
1893 Mar Bandera de Estados Unidos Frank W. Hawley Adapta un barco de vapor común y corriente a un trolleyboat (que lleva su nombre), que se probó en el canal Erie en Estados Unidos.[38]​
1893 Bic Bandera de Francia Jean Bertoux, oficial del ejército Primer sidecar, ideado por Bertoux para un concurso de un periódico francés en que fue premiado por el mejor método para transportar a un pasajero en bicicleta.[39]​
1894 Bic Bandera de Palestina Hildebrand & Wolfmüller Se convierte en la primera motocicleta disponible para la compra del público. first motorcycle
1895 Ex-O Bandera de Alemania Primer autobús. El primer ómnibus de combustión interna de 1895 (de Siegen a Netphen) En Siegerland , Alemania, dos líneas de autobuses de pasajeros funcionaron brevemente, pero sin rentabilidad, en 1895 utilizando un vagón motor para seis pasajeros desarrollado a partir del Benz Viktoria de 1893. In Siegerland, Germany, two passenger bus lines ran briefly, but unprofitably, in 1895 using a six-passenger motor carriage developed from the 1893 Benz Viktoria.[40]​
1896 Ex-O Bandera de Estados Unidos Jesse W. Reno Construye la primera escalera mecánica en Coney Island y luego la reinstala en el lado de Manhattan del Puente de Brooklyn.
1896 Fer Bandera de Canadá Primer monorraíl impulsado por baterías, Ontario Southern Railway (Ontario).
1897 Mar Bandera de Inglaterra Charles Algernon Parsons (1854-1931), ingeniero e inventor Hace su debut el Turbinia, primer barco propulsado por una turbina de vapor.
1897 Bic Bandera de Palestina Hosea W. Libbey Construye probablemente la primera bicicleta eléctrica.[41]​
1899 Ex-O Bandera de Palestina El Lohner-Porsche Mixte Hybrid fue el primer vehículo híbrido del mundo y el primer vehículo con tracción total sin motor de vapor.
1899 Av Bandera de Palestina Ferdinand von Zeppelin Construye el primer dirigible exitoso.[42]​
1900 Av Bandera de Palestina Zeppelin lanza con éxito el LZ 1, primer dirigible.[42]​
1903 Av Bandera de Palestina Orville Wright y Wilbur Wright Pilotan el primer aeroplano a motor. Siglo XX
(1.ª mitad)
1903 Ex-O Bandera de Palestina Rudolph Diesel, Adrian Bochet y Frederic Dyckhoff Motor Diesel – Testeado en una embarcación en un canal por Rudolph Diesel, Adrian Bochet y Frederic Dyckhoff.
1903 Mar Bandera de Rusia Botado el petrolero ruso Vandal de Branobel, primer barco con motor diésel y también el primer barco diésel-eléctrico.
1904 Tra Bandera de Palestina El primer sistema de trolebús no experimental fue una línea municipal estacional instalada cerca de Nantasket Beach en 1904; La primera línea comercial abierta durante todo el año se construyó para abrir una propiedad montañosa al desarrollo en las afueras de Los Ángeles en 1910.
1906 Av Bandera de Italia Enrico Forlanini (1848-1930), ingeniero, inventor y pionero de la aviación Usa la primera hidroala.
1907 Tra Bandera de Palestina El 15 de julio, la London Electrobus Company cominza a ofrecer un servicio de autobuses eléctricos de batería entre la estación Victoria de Londres y Liverpool Street. of battery-electric buses
1908 Ex-O Bandera de Palestina Se pone en servicio el funicular Kohlerer en Bolzano. Fue el primer teleférico moderno (cerrado) del mundo que transportaba pasajeros.

(enclosed) cable car in the world to carry passengers.

1908 Aut Bandera de Estados Unidos Henry Ford (1863-1947), empresario y emprendedor Produce el Ford Modelo T, primer automóvil fabricado en masa. Ford desarrolla el método de fabricación de automóviles en línea de montaje.
1910 Av Bandera de Francia Henri Fabre Primer vuelo del hidroavión Fabre, primer hidroavión. El 28 de marzo, cerca de Martigues (Bouches-du-Rhône), al borde del estanque de Berre, Fabre despegó su hidroavión apoyado sobre tres flotadores ante un numeroso público: recorrió 800 metros y aterrizó en el agua.
1911 Mar Bandera de Dinamarca Se bota el MS Selandia , primer barco transoceánico propulsado por motor diésel.
1912 Fer Bandera de Palestina En el verano de 1912 se puso en funcionamiento la primera locomotora diésel del mundo (una locomotora diésel-mecánica) en el ferrocarril Winterthur-Romanshorn, en Suiza.
1912 Fer Bandera de Palestina Tranvías Articulated, inventados y utilizados por primera vez por el Boston Elevated Railway.[43]​
1914 Fer Bandera de Palestina La primera aplicación de señales de semáforo eléctrico ferroviario en la Chicago, Milwaukee, St. Paul and Pacific Railroad en su línea a través del noroeste del Pacífico, mediante el uso de la señal luminosa de color US&S «Estilo L».
1915 Mar Bandera de Austria Dagobert Müller von Thomamühl (1880-1956), oficial naval e inventor Desarrolla el aerodeslizador (hovercraft) Versuchsgleitboot, primer vehículo flotante que sólo podía viajar sobre el agua y que era un torpedero rápido conuna velocidad máxima de más de 32 nudos.Nunca entró en comate y fue desmontado.[44]​
1915 Bic Bandera de Palestina Se inventa el scooter motorizado.
1915 Aut Bandera del Reino Unido Se encomienda a una comisión británica la tarea de crear un vehículo capaz de cruzar una trinchera de 4 pies de ancho: el tanque.[45]​
1916 Aut Bandera del Reino Unido Gran Bretaña crea el primer prototipo de tanque, apodado "mother", durante la Primera Guerra Mundia.[46]​
1919 Av Bandera de Escocia Alexander Graham Bell (1847-1922), científico e inventor, Lanza el HD-4 primer hidroavión.
1923 Av Bandera de Palestina Primer vuelo controlado en un autogiro en autogiro rotorcraft en Cierva C.4.
1924 Fer Bandera de Alemania Comienza a funcionar la primera locomotora diésel funcional (locomotora diésel-eléctrica) del mundo (Eel2 E el 2 número original Юэ 001/Yu-e 001), diseñada por un equipo dirigido por Yuri Lomonosov y construida entre 1923 y 1924 por Maschinenfabrik Esslingen en Alemania. (Eel2 original number Юэ 001/Yu-e 001) started operations, designed by a team led by
1926 Aer Bandera de Estados Unidos Robert H. Goddard (1882-1945), ingeniero, profesor, físico e inventor Lanza el primer cohete de combustible líquido.
1928 Mar Bandera de Australia —— Primer moth construido en Inverloch, una hidroala rápida y ligera capaz de elevar su casco un metro por encima del agua.
1932 Ex-O Bandera de Palestina El primer carrito de golf eléctrico se fabricó a medida en 1932, pero no obtuvo una aceptación generalizada.[47]​
1935 Av Bandera de Estados Unidos Primer vuelo del DC-3, uno de los aviones de transporte más importantes de la historia de la aviación.[48]​
1935 Tec Bandera de Alemania Hermann Kemper (1892-1977), ingeniero alemán, pionero en la levitación magnética Construye un motor de inducción lineal que funciona.[49]​
1939 Av Bandera de Alemania Heinkel Despega el el Heinkel He 176 (20 de junio), primer avión propulsado por cohete.
1939 Av Bandera de Alemania Heinkel Despega el Heinkel He 178 (27 de agosto), primer avión con motor a reacción.
1940 Tra Bandera de Italia Primer autobús totalmente articulado Isotta Fraschini TS40.
1942 Aer Bandera de Alemania El cohete V-2 una distancia de 200 km.
1943 Ex-O Bandera de Palestina Se inventa el cono de tráfico.
1947 Av Bandera de Estados Unidos Chuck Yeager (1923-2020), general de brigada Completa el primer vuelo tripulado supersónico en el Bell X1.
1950 Fer Bandera de Palestina Primer tren histórico, un tren turístico que opera con trenes históricos. Siglo XX
(2.ª mitad)
1952 Ex-O Bandera de Palestina Supramar lanza la primera nave de alta velocidad —número de Froude entre 0,5-0,6 o 29-45 nudos— comercial, una hidroala.
1952 Av Bandera del Reino Unido De Havilland Aircraft Company de Havilland Comet, primer avión de reacción comercial. El primer vuelo experimental fue el 27 de julio de 1949. El 9 de enero de 1951 se recibió el certificado de navegación en operaciones con pasaje, permitiendo así el inicio de los servicios regulartes el 9 de mayo de 1952. La primera ruta del Comet fue de Londres a Johannesburgo, vía Roma, Beirut, Jartúm, Entebe y LivingstoneDesam, trayecto en el que tardaba un total de 24 horas.
1955 Mar Bandera de Estados Unidos Se bota el USS Nautilus, primera nave de propulsión nuclear marina y primer submarino de la historia dotado de propulsión atómica.
1956 Mar Bandera de Palestina Christopher Cockerell Demostración del SR.N1, primer aerodeslizador moderno.
1957 Aer Bandera de la Unión Soviética Sputnik 1, primer satélite artificial puesto en órbita.
1957 Mar Bandera de Estados Unidos Malcolm McLean Entra en servicio el Gateway City, adapatado expresamente por la compañía naviera SeaLand Industries, reconocido como el primer buque portacontenedores del mundo, una forma de transportar mercancías que ha dado forma al mundo actual.
1957 Av Bandera de Estados Unidos Boeing Primer vuelo del Boeing 707, primer avión de pasajeros comercialmente exitoso.
1959 Aut Bandera de Estados Unidos Tractor agrícola Allis-Chalmers modificado, primer vehículo moderno equipado con una pila de combustible de unos 15 kilovatios.[50]​
1961 Aer Bandera de la Unión Soviética Yuri Gagarin Gagarin en la Vostok 1, diseñada por Sergey Korolyov, hace dos órbitas alrededor de la Tierra, la primera misión espacial tripulada.
1962 Ex-O Bandera de Palestina Pierre-Marcel Lemoigne Desarrolla el primer paracaídas de planeo ascendente.[51]​[52]​[53]​
1964 Fer Bandera de Japón Japan Railways El 1 de octubre de 1964 entra en funcionamiento la Tōkaidō Shinkansen, primera línea de alta velocidad que con 515.,4 km une Tokio y Osaka; velocidad máxima de 270 km/h.
1966 Av Bandera de la Unión Soviética Rostislav Alexeyev Se presenta el vehículo con efecto suelo Caspian Sea Monster.
1967 Fer Bandera de Inglaterra Se incorpora el Automatic train operation en el London Underground.
1968 Ex-O Bandera de Italia Aquilino Cosani of Ledragomma Se inventa la Space hopper (balón saltador), un juguete.
01970-01-22 22 de enero de 1970 Av Bandera de ? Boeing El Boeing 747 entró en servicio en una ruta de Pan Am desde Nueva York hasta Londres, siendo el primer avión comercial de fuselaje ancho. Había sido presentado a mediados de 1969 en París y obtenido la certificado de aeronavegabilidad de la FAA en diciembre de 1969.
1969 Aer Bandera de Estados Unidos NASA La tecnología de cohetes de la NASA, impulsada por la carrera espacial entre Estados Unidos y Rusia, hace realidad el primer aterrizaje tripulado en la Luna.
1969 Ex-O Bandera de Palestina Se inventa la Lolo ball.
1971 Aer Bandera de la Unión Soviética Se lanza la Salyut 1, primera estación espacial.
1971 Ex-O Bandera de Inglaterra Busway de Runcorn, primer sistema de autobuses de tránsito rápido del mundo.[54]​ Concebido por primera vez en 1966 en el Plan Maestro de Runcorn New Town, se abrió al servicio en octubre de 1971 y todos los 22 km estaban operativos en 1980.[54]​[55]​ La ciudad fue diseñada en torno al sistema de transporte, y la mayoría de los residentes no están a más de cinco minutos a pie, o 500 yardas, de la Busway.[56]​
1973 Tra Bandera de Palestina Se desarrolla el tren-tranvía híbrido Stadtbahnwagen B sobre vías de ferrocarril pesadas. Primer premetro moderno desde los interurbanos.
1975 Fer Bandera de Estados Unidos Alden staRRcar Se instala el Morgantown PRT, primer sistema de transporte rápido personal (Personal Rapit Transit, PRT) que conceta los tres campus de la West Virginia University (WVU) en Morgantown, West Virginia (longitud: 5,8 km).
1976 Av Bandera de Francia
Bandera del Reino Unido		 El Concorde realiza el primer vuelo supersónico comercial del mundo con pasajeros.
1977 Aut Bandera de Japón El primer automóvil semiautomático fue desarrollado en 1977 por el Laboratorio de Ingeniería Mecánica Tsukuba de Japón, lo que requería calles especialmente marcadasThe first semi-automated car was developed in 1977, by Japan's Tsukuba Mechanical Engineering Laboratory, which required specially marked streets.
1980 Ex-O Bandera de Alemania Se introduce en Essen un moderno servicio de autobuses guiados para pasajeros.[57]​
01981-04-12 12 de abril de 1981 Aer Bandera de Estados Unidos Vuelo inaugural del transbordador espacial Columbia.
1981 Fer Bandera de Japón Se introduce la primera tecnología de transporte de personas sin conductor con carril guía totalmente automatizado en la línea Port Island de Kobe, Japón.
1983 Tra Bandera de Francia El metro de Lille lanza el Véhicule Automatique Léger, primer metro sin conductor con carril guía automatizado Automated guideway transit driverless metro, y una de las primeras tecnologías de trenes totalmente sin conductor.
1984 Tra Bandera de Palestina Se inaugura en Birmingham el primer maglev comercial, aunque de baja velocidad.
1985 Ex-O Bandera de Palestina Se lanza el Sinclair C5, el primer velomóvil con batería eléctrica producido en serie.
1989 Ex-O Bandera de Sudáfrica James Fisher, Simon King y Oliver Macleod Smith.[58]​ Inventan el Snakeboard,[59]​ patín articulado de dos partes móviles; para desplazarse, hay que mover los pies hacia dentro y hacia fuera, y al mismo tiempo mover los hombros en el mismo sentido, manteniendo el tronco y la cintura recta.
1990 Ex-O Bandera de Palestina Se lanza Railroad Tycoon, primer juego de computadora de simulación de transporte.
1990 Ex-O Bandera de Palestina Se presenta el ADtranz low floor tram, primer tranvía de piso completamente bajo del mundo.
1994 Ex-O Bandera de Francia
Bandera del Reino Unido		 Se abre el Túnel del Canal de la Mancha.
1994 Bic Bandera de Finlandia Se inventa la moderna kickbike en Finlandia.
1997 Fer Bandera de Japón Se prueban los primeros prototipos de tren Maglev en Japón.
1997 Aut Bandera de Japón Toyota RAV4 EV, primer coche eléctrico con baterías de hidruro metálico de níquel (NiMH). El Toyota Prius, el primer vehículo totalmente híbrido producido en seriefirst nickel-metal hydride batteries (NiMH) electric car. Toyota Prius first mass-produced full hybrid car.
1997 Aut Bandera de Palestina Nissan R'nessa, primer coche eléctrico de producción de corta duración con batería de iones de litiofirst short-run production lithium-ion battery electric car.
01998-10-24 24 de octubre de 1998 Aer Bandera de Estados Unidos NASA Se lanza la Deep Space 1, primera nave espacial de propulsión iónica.
1998 Bic Bandera de Japón Se lanza en Japón la Honda Raccoon Compo, primera bicicleta eléctrica plegable.[60]​
1999 Bic Bandera de Palestina Se inventa el Trikke (scooter de movimiento).
2000 Bic Bandera de Japón La Honda Step Compo, primera bicicleta eléctrica plegable idisponible a nivel internacional.
2000 Ex-O Bandera de Colombia Se inaugura TransMilenio, primer autobús moderno de tránsito rápido, un sistema de transporte masivo de Bogotá y Soacha.
2001 Ex-O Bandera de Alemania Alemania prueba autobuses híbridos con vehículos capa en Nuremberg utilizando un ultracondensador para almacenar energía eléctrica.[61]​[62]​ Siglo XXI
(1.ª mitad)
2002 Ex-O Bandera de Estados Unidos Dean Kamen (n. 1951), empresario e inventor Lanza el Segway PT, transporte personal autoequilibrado.
02003-11-26 26 de noviembre de 2003 Av Bandera de Palestina El Concorde realiza el último vuelo de pasajeros.[63]​
2003 Tra Bandera de Francia En el tranvía de Burdeos se incorpora la primera tecnología moderna de suministro de energía eléctrica a nivel del suelo.
2003 Tra Bandera de Alemania Se lanzan en Mannheim, los tranvías para vehículos capa.[64]​[65]​
2003 Fer Bandera de Palestina NE Train prueba el primer tren híbrido que utiliza baterías de iones de litio.[66]​
2004 Fer Bandera de la República Popular China Comienza a operar el Shanghai Maglev Train primer tren comercial maglev de alta velocidad entre Shanghai y su aeropuerto.[67]​
2004 Tra Bandera de Colombia Metrocable (Medellín), primer teleférico aéreo de tránsito urbano moderno.[68]​[69]​
2008 Aut Bandera de Estados Unidos Tesla Roadster, primer coche eléctrico con batería de iones de litio de producción en masa.
2009 Aut Bandera de Palestina Se presenta el Škoda 15 T, primer tranvía con piso completamente bajo y bogies articulados del mundo.
Años 2010 Bic Bandera de Palestina Surgen y se vuelven populares aplicaciones móviles y plataformas en línea para encontrar, planificar, ofrecer y reservar transporte público asequible, como autobuses, así como vehículos compartidos, bicicletas compartidas y carpooling, junto con las redes de infraestructura de transporte asociadas (ejemplos: BlaBlaCar, Flixbus).[70]​[71]​
2010 Ex-O Bandera de Inglaterra ULTra (rapid transit), primer sistema comercial moderno de tránsito rápido personal que se instala. Inició operaciones en el aeropuerto de Heathrow.
2010 Aer Bandera de Palestina Lanzamiento de la nave espacial IKAROS con propulsión de vela solar.
2013 Bic Bandera de Palestina Se inventa el scooter autoequilibrado.
2015 Ex-O Bandera de la República Popular China En marzo, China South Rail Corporation (CSR) demostró el primer tranvía de vehículos con pila de combustible de hidrógeno del mundo en una instalación de ensamblaje en Qingdao.[72]​[73]​
2015 Ex-O Bandera de Israel Navya SAS lanza el primer autobús autónomo, Navya Autonom Shuttle en el Centro Médico Sheba, Israel.[74]​
2016 Av Bandera de Palestina DLR HY4, primer vuelo de un avión de pasajeros propulsado por pila de combustible de hidrógeno.
2017 Ex-O Bandera de la República Popular China Inauguración de TramWave en Zhuhai, primer tranvía 100% de piso bajo con tecnología de suministro de energía a nivel del suelo.[75]​
2018 Tra Bandera de Alemania Se prueban los primeros tranvías sin conductor en el tranvía de Potsdam.[76]​
2018 Aut Bandera de Japón Toyota Mirai, primer automóvil de pila de combustible de hidrógeno producido en masa
2018 Av Bandera de Estados Unidos Primer vuelo de prueba del MIT EAD Airframe Version 2, avión propulsado por iones con alas de empuje electroaerodinámico utilizando viento iónico.[77]​
2018 Fer Bandera de Palestina Se lanza el Alstom Coradia Lint en Baja Sajonia, primer tren de pasajeros comercial propulsado por hidrógeno.[78]​
2019 Fer Bandera de la República Popular China Se inaugura el sistema de tránsito rápido ferroviario autónomo en ChinaThe Autonomous Rail Rapid Transit opens in China.
~2016-2021 Ex-O Bandera de Palestina Varias primeras pruebas avanzadas de varios tipos de vehículos de reparto autónomos.[79]​[80]​[81]​[82]​[83]​[84]​[85]​


2020 Bic Bandera de Palestina Los confinamientos por la pandemia de COVID-19 reducen temporalmente de forma drástica el uso de tecnologías de transporte terrestre (incluido el público) y aéreo. El ciclismo es una excepción a esto y aumentó durante la pandemia, junto con la venta de bicicletas.[86]​[87]​
2022 Ex-O Bandera de Palestina A study for the first time attempts to assess and quantify complete societal costs of cars (i.e. car-use, etc.) by quantifying externalities.[88]​
2022 Ex-O Bandera de Palestina A study estimates the air pollution impacts on climate change and the ozone layer from rocket launches and re-entry of reusable components and debris in 2019 and from a theoretical future space industry extrapolated from the "billionaire space race". It concludes that substantial effects from routine space tourism should "motivate regulation".[89]​[90]​

2020 Las tecnologías del transporte en la sociedad.

2022: por primera vez, un estudio intenta evaluar y cuantificar los costos sociales completos de los automóviles (es decir, el uso del automóvil, etc.) mediante la cuantificación de las externalidades. [77] 2022 – Un estudio estima los impactos de la contaminación del aire en el cambio climático y la capa de ozono a partir de los lanzamientos de cohetes y el reingreso de componentes y desechos reutilizables en 2019 y de una futura industria espacial teórica extrapolada de la " carrera espacial multimillonaria ". Concluye que los efectos sustanciales del turismo espacial rutinario deberían "motivar la regulación ". [78] [79] 2023 – Un estudio describe los desafíos de la descarbonización de la aviación para 2050 cuyos factores identificados son principalmente la demanda futura , mejoras continuas de eficiencia , nuevos motores de corto recorrido, mayor producción de SAF (biocombustible) (incluidas medidas que afectan su competitividad y despliegue), eliminación de CO 2 para compensar el forzamiento no generado por el CO 2 y opciones políticas relacionadas. Con una demanda constante del transporte aéreo y una eficiencia de las aeronaves, descarbonizar la aviación requeriría casi cinco veces la producción mundial de biocombustibles de 2019, compitiendo con otros sectores y usos de la tierra (o seguridad alimentaria ) difíciles de descarbonizar. [80]

Transporte sostenible

Ver también: Transporte sostenible § Posibles medidas para el transporte urbano , Tren de alta velocidad , Movilidad como servicio , Conversión de vehículos eléctricos y Comercio de carbono personal


2020: Principios de la década de 2020: los investigadores investigan formas seguras de transporte público durante la pandemia de COVID-19. [83] [84] [85] 2022 – Se estrena en Alemania la primera línea ferroviaria íntegramente propulsada por trenes propulsados ​​por hidrógeno. [86] La empresa estatal propietaria del ferrocarril cambia posteriormente a modelos eléctricos porque son "más baratos de operar". [87] Se han informado otros dos trenes de hidrógeno a partir de 2023: Mireo Plus H de Siemens en Alemania (en desarrollo) y un tren urbano de Railway Rolling Stock Corporation en China. [88] 2023 – [89 ]

Vehículos autónomos

En este apartado también se recogen los hitos en vehículos autónomos sostenibles/de transporte público.

2020: CR400BF-C ' Fuxing Hao ', una variante de la serie CR400 Fuxing, que circula en el ferrocarril interurbano Beijing-Zhangjiakou es el primer servicio ferroviario de alta velocidad del mundo capaz de automatización sin conductor en operaciones comerciales. No se anunció el Grado de Automatización (GoA) específico. [94] [95] Principios de la década de 2020: se están lanzando en todo el mundo varios autobuses eléctricos y autónomos abiertos al transporte público, aunque con un asistente de conducción profesional local [96] [97] después de que el primer autobús de este tipo comenzara a funcionar para el público en general en una ciudad suiza de 2018. [98] [ contradictorio ] 2021 – Se lanza en la ciudad de Hamburgo , Alemania, el proyecto piloto del "primer tren automatizado y sin conductor del mundo". Según los informes, la tecnología convencional de trenes de vía estándar y no metropolitana podría implementarse teóricamente para el transporte ferroviario en todo el mundo y también sería sustancialmente más eficiente desde el punto de vista energético . [99] [100] [ contradictorio ] 2021 – Los primeros buques urbanos autónomos del mundo , Roboats , se despliegan en los canales de Ámsterdam , Países Bajos. Los barcos desarrollados por tres instituciones podrían transportar hasta cinco personas, recoger residuos , entregar mercancías y proporcionar "infraestructura bajo demanda". [101] [102] 2021 – [103]


2023 Ex-O Bandera de Palestina A study outlines challenges of aviation decarbonization by 2050 whose identified factors mainly are future demand, continuous efficiency improvements, new short-haul engines, higher SAF (biofuel) production (including measures that affect their competitiveness and deployment), CO2 removal to compensate for non-CO2 forcing, and related policy-options. With constant air transport demand and aircraft efficiency, decarbonizing aviation would require nearly five times the 2019 worldwide biofuel production, competing with other hard-to-decarbonize sectors and land-use (or food security).[91]​

Transporte sostenible[editar]

Véanse también: Sustainable transport#Possible measures for urban transport, High-speed rail, Mobility as a service, Electric vehicle conversion y Personal carbon trading.
2020 Ex-O Bandera de Palestina Primer vuelo comercial de un avión con pila de combustible de hidrógeno hydrogen fuel cell plane.[92]​
2020 Bic Bandera de Estados Unidos Google Maps comienza a incluir bicicletas compartidas en su función de planificación de rutas ampliamente utilizada bike shares in its widely used route planning functionality.[93]​
Early 2020s Ex-O Bandera de Palestina Researchers investigate safe ways of public transport during the COVID-19 pandemic.[94]​[95]​[96]​
hydrail 2022 Ex-O Bandera de Palestina The first rail line entirely run by hydrogen-powered trains debuts in Germany.[97]​ The state company owning the railway later switches to electric models since they are "cheaper to operate".[98]​ Two other hydrogen trains have been reported as of 2023: Mireo Plus H by Siemens in Germany (under development) and an urban train by the Railway Rolling Stock Corporation in China.[99]​
2023 Fer Bandera de la República Popular China Se llevan a cabo las primeras pruebas de una línea de prueba maglev superconductora, llamada hyperloop, en Datong , China (50 km/h de ~1000 km/h). Hyperloop One realizó la primera prueba del mundo transportando pasajeros en cápsulas, alcanzando una velocidad de 172 km/h en Los Ángeles en 2020, pero, según se informa, abandonó el objetivo de transportar humanos a partir de 2023.[100]​
2023 Ex-O Bandera de Palestina Se informa del regreso de los trenes cama en Europa a medida que aumenta la demanda de modos de viaje más cómodos que los autobuses nocturnos y el transporte sostenible. Se lanza una nueva generación de este tipo de trenes.A comeback of sleeping trains in Europe is reported as demand for more comfortable travel modes than overnight buses and sustainable transport rises. A new generation of such trains is released.[101]​[102]​[103]​[104]​

Vehículos autónomos[editar]

Milestones in autonomous sustainable / public transport vehicles are also listed in this section.

2020 Ex-O Bandera de Palestina CR400BF-C 'Fuxing Hao', a variant of CR400 Fuxing series, running on Beijing–Zhangjiakou intercity railway is the world first high-speed rail service capable of driverless automation in commercial operations. The specific Grade of Automation (GoA) was not announced.[105]​[106]​
Early 2020s Ex-O Bandera de Palestina Multiple electric, autonomous buses open for public transport – albeit with a local professional driving-assistant – are being launched around the world[107]​[108]​ after the first such bus started operating for the general public in a Swiss town in 2018.[109]​
2021 Ex-O Bandera de Palestina The pilot project of the "world's first automated, driverless train" is launched in the city of Hamburg, Germany. The conventional, standard-track, non-metro train technology could, according to reports, theoretically be implemented for rail transport worldwide and is reported to also be substantially more energy efficient.[110]​[111]​
2021 Ex-O Bandera de Palestina The world's first urban autonomous vessels, Roboats, are deployed in the canals of Amsterdam, Netherlands. The ships developed by three institutions could carry up to five people, collect waste, deliver goods, and provide "on-demand infrastructure".[112]​[113]​
2021 Ex-O Bandera de Palestina Se bota en Noruega el primer buque de carga autónomo, el MV Yara Birkeland. Se espera que el barco totalmente eléctrico reduzca sustancialmente la necesidad de viajes en camión.[114]​The first autonomous cargo ship, MV Yara Birkeland is launched in Norway. .


Edad Media[editar]

  • 770 - Espuelas para cabalgaduras.

Siglo XX[editar]


Siglo XXI[editar]


See also[editar]

Notas[editar]

  1. ↑ A "tube" railway is an underground railway constructed in a cylindrical tunnel by the use of a tunnelling shield, usually deep below ground level.

Referencias[editar]

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