The Man Who Wasn't There

De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda

The Man Who Wasn't There —titulada El hombre que nunca estuvo allí en España y El hombre que nunca estuvo en Hispanoamérica— es una película neo-noir de 2001 escrita, dirigida, producida y montada por los hermanos Coen. La película fue protagonizada por Billy Bob Thornton, acompañado por Frances McDormand, James Gandolfini, Michael Badalucco, Tony Shalhoub, Scarlett Johansson, Jon Polito y Richard Jenkins. Fue coproducida de forma independiente a través de productoras estadounidenses y británicas.[2] La trama está ambientada en 1949 y describe la historia de Ed Crane, un barbero retraído que lleva una vida común en las afueras de la ciudad junto a su esposa, de quien sospecha que está teniendo una aventura con su jefe. Las cosas empiezan a cambiar para Ed cuando un extraño llega a la barbería y le cuenta sobre un nuevo negocio prometedor. Éste le ofrece la oportunidad de unirse como socio a cambio de una inversión de diez mil dólares. Atraído por la idea, Ed planea chantajear al amante de su esposa para conseguir el dinero.

El rodaje se llevó a cabo en distintas locaciones de California y originalmente se filmó en color para luego ser pasada a blanco y negro. La cinta se estrenó y participó en la selección oficial del Festival de Cannes de 2001, donde Joel Coen se llevó el premio al mejor director. Tras su estreno en los cines, tuvo una repercusión tibia en la taquilla,[3] sin embargo fue bien recibida por parte de los críticos,[4] quienes elogiaron el trabajo de fotografía de Roger Deakins[5] [6] [7] [8] y las actuaciones, en especial el papel del lacónico protagonista interpretado por Thornton.[9] [8] [7] [10] El crítico Peter Travers de la Rolling Stone la nombró una de las mejores cintas del año,[11] mientras que Peter Bradshaw del periódico The Guardian afirmó que se trataba de la «mejor película estadounidense del año».[12] De la misma forma, el National Board of Review la incluyó dentro de sus mejores diez películas del año y le otorgó a Thornton el premio al mejor actor. Deakins recibió una nominación en los Premios Óscar a la mejor fotografía y la película logró múltiples candidaturas y premios por parte de otras organizaciones.[13]

The Man Who Wasn't There fue incluida dentro del género neo-noir, tomó elementos del cine negro clásico como el blanco y negro y la voz en off, al mismo tiempo, se diferenció de éste incluyendo música clásica, ambientando la trama en una pequeña ciudad y con un protagonista ajeno al mundo del hampa.[14] [15] La película fue influenciada por el trabajo del escritor James M. Cain y películas de la década de 1940 como La sombra de una duda.[16] [17]

Argumento[editar]

En el verano de 1949, en el pueblo Santa Rosa ubicado al norte de California, Ed Crane (Billy Bob Thornton) es un barbero de carácter melancólico y reservado, casado con Doris (Frances McDormand), una oficial contable con algunos problemas de alcoholismo. Ed es inexpresivo y retraído, y generalmente contesta con no más que un gesto debido a que todo lo que le sucede a su alrededor le resulta poco más que inerte. A tal punto que termina por sentirse hastiado de su vida, de aspecto rutinario y aburrido. Su compañero de trabajo, y también cuñado, Frank (Michael Badalucco), dueño de la barbería, es un personaje que, al contrario que Ed, habla constantemente y es definido en la película como un auténtico charlatán. En la barbería, Ed conoce a Creighton Tolliver (Jon Polito), un hombre de negocios que está buscando un inversor para desarrollar una nueva tecnología llamada limpieza en seco. Después de pensarlo, a Ed le resulta convincente la idea y decide invertir. De forma anónima y sutil, Ed chantajea al jefe de su esposa Doris, apodado «Big Dave» (James Gandolfini), aprovechando que tiene la completa certeza de que Dave mantiene una relación amorosa con ella. De esta forma, Ed pretende conseguir los 10.000 dólares que necesita para meterse como socio en el negocio.

Dave retira el dinero del gran almacén para pagar el chantaje. Sin embargo, se da cuenta del plan y golpea a Tolliver hasta que éste implica a Ed. Dave confronta a Ed en el almacén e intenta matarlo, pero Ed lo apuñala fatalmente con una navaja para cigarrillos. Después del funeral de Dave, la esposa de éste (Katherine Borowitz) se acerca a Ed y le confiesa que un día, ella y Dave vieron un ovni. Más tarde, se encuentran irregularidades en los archivos de contaduría del almacén. La policía arresta a Doris por desfalco y por la muerte de Dave. Ed contrata a Freddy Riedenschneider (Tony Shalhoub), un costoso abogado defensor de Sacramento, quien llega a la ciudad y se aloja en el mejor y mas caro hotel. Éste continua viviendo extravagantemente con el dinero de la defensa de Doris, el cual Frank obtuvo hipotecando la barbería. No obstante, Doris se cuelga en su celda durante la mañana antes del juicio. Luego se revela que estaba embarazada al momento de su suicidio, pero no había tenido relaciones con Ed por años. Riedenschneider abandona la ciudad indignado y Frank —ahora muy endeudado— empieza a beber mucho.

Ed visita regularmente a Rachel «Birdy» Abundas (Scarlett Johansson), la hija adolescente de un amigo, para escucharla tocar el piano. Atormentado por la soledad, se imagina ayudándola a empezar una carrera musical y transformándose en su representante. Su fantasía se termina cuando un profesor de música le dice que Birdy no tiene talento. Conduciendo de vuelta después de visitar al profesor, Birdy se le insinúa a Ed y trata de hacerle sexo oral, provocando que Ed pierda el control del vehículo y colisione.

Cuando Ed se despierta en el hospital, dos oficiales de policía le comunican que está bajo arresto por asesinato. El cuerpo de Tolliver ha sido encontrado en un lago, junto a el contrato de inversión de Ed. La policía cree que Ed obligó a Doris a tomar el dinero de la inversión y luego mató a Tolliver después de que éste se diese cuenta. Ed es enjuiciado por el asesinato e hipoteca su casa para volver a contratar a Riedenschneider. La declaración inicial de Riedenschneider al jurado es interrumpida cuando Frank ataca a Ed; el juicio es suspendido. Sin dinero y sin nada más para hipotecar, Ed se lanza a la corte a su suerte. La maniobra no funciona y el juez lo sentencia a la muerte.

Mientras espera en el corredor de la muerte, Ed escribe su historia para venderla a una revista pulp. Poco antes de morir, su celda se abre y camina al exterior de la cárcel, donde ve un ovni; sin embargo, permanece en prisión. Finalmente, una mañana es conducido a la silla eléctrica y sujetado a ella. Reflexiona sobre su destino, sin arrepentirse de sus decisiones y con la esperanza de ver a Doris en el más allá, ambos libres de las imperfecciones del mundo mortal.

Reparto[editar]

  • Billy Bob Thornton como Ed Crane, un barbero taciturno e inexpresivo que trabaja en la barbería de su cuñado.
  • Frances McDormand como Doris Crane, la esposa de Ed y contadora en el gran almacén Nirdlinger.
  • Michael Badalucco como Frank Raffo, cuñado de Ed, dueño y barbero principal de la barbería.
  • James Gandolfini como "Big Dave" Brewster, veterano de guerra y encargado del gran almacén donde trabaja Doris.
  • Katherine Borowitz como Ann Nirdlinger Brewster, esposa de Big Dave y propietaria del Nirdlinger.
  • Jon Polito como Creighton Tolliver, emprendedor viajero que convence a Ed de invertir en su negocio de limpieza en seco.
  • Scarlett Johansson como Rachel "Birdy" Abundas, una adolescente que logra el interés de Ed debido a sus habilidades como pianista.
  • Richard Jenkins como Walter Abundas, un abogado conocido de Ed y padre de Birdy.
  • Tony Shalhoub como Freddy Riedenschneider, un prestigioso y hábil abogado encargado defensor de los Crane.
Personajes menores

Producción[editar]

Antecedentes[editar]

Una vez escrito el guion, los Coen se lo enviaron a los productores Eric Fellner y Tim Bevan de la compañía Working Title Films.[18] Tan pronto finalizó la filmación y montaje de O Brother, Where Art Thou?, a mediados del año 2000 los directores continuaron con The Man Who Wasn't There —en ese entonces titulada provisoriamente The Barber Project—.[19] [n. 2] La productora USA Films se sumó al proyecto aportando financiación.[18] Los Coen escribieron el personaje de Doris —la esposa de Ed Crane— y Frank —el dueño de la barbería— para Frances McDormand y Michael Badalucco, respectivamente, sin tener claro quien iba a interpretar al protagonista.[21] [22] Para protagonizar la cinta, los directores le dieron la oportunidad a un actor con quien no habían trabajado antes, Billy Bob Thornton,[22] [21] quien aceptó la propuesta para encarnar al barbero antes de leer el guion: «Sabía que sería bueno. Hay ciertas personas con las que sabes que no puede salir mal», comentó el actor.[18] Mientras que para el rol del jefe y amante de Doris, los Coen convencieron a James Gandolfini, quien según ellos era «perfecto para el personaje».[18] Otros dos actores ya conocidos por los Coen, Jon Polito y Tony Shalhoub, también se sumaron al reparto, que fue completado por Adam Alexi-Malle, Katherine Borowitz, Richard Jenkins y la en ese entonces adolescente Scarlett Johansson.[18] Cuando Jenkins recibió la llamada para asistir a la audición para el papel, su respuesta fue negativa debido a que ya había asistido al casting de tres producciones anteriores de los Coen, sin éxito en ninguno de los casos. No obstante, los directores finalmente lo eligieron para el rol.[23] [24]

Filmación[editar]

La filmación comenzó el 26 de junio del año 2000 en California y finalizó el primero de septiembre, tras diez semanas de rodaje.[18] La producción fue financiada de forma independiente, por fuera de los grandes estudios, a través de Working Title Films, Gramercy Pictures y Good Machine —conocida luego como Focus Features—.[2] La cinematografía de Roger Deakins fue sencilla y tradicional. La mayoría de las tomas fueron hechas con la cámara a la altura de la vista, con lentes normales y una larga profundidad de campo.[25] En comparación con las viejas películas de cine negro estadounidense, Deakins usó una amplia gama de grises[26] e intentó crear poco contraste sin muchas sombras fuertes, utilizando menos cantidad de luces y de mayor tamaño.[18] A pesar de estar ambientada en el pasado, utilizó tecnologías contemporáneas y quería que en The Man Who Wasn't There quedara reflejada la era en que estaba siendo realizada: «no tratamos de hacer una película vieja», dijo Deakins.[18] Fue filmada en formato de 35 mm en color y pasada a blanco y negro durante la postproducción. Ese procedimiento se debió a razones técnicas puesto que en las últimas décadas la disponibilidad de rollos de película en blanco y negro era muy escasa.[27] Sin embargo, debido a exigencias contractuales y de marketing, fue estrenada en color en países como Japón.[28] [29] «La película no fue hecha para ser vista en color», afirmó Joel Coen, y mencionó que en color se vería «horriblemente fuera de lugar» debido a que la escala de grises neutralizó colores ajenos a la época de ambientación de la trama.[30]

Por un montón de razones intangibles que no son fáciles de explicar, el blanco y negro pareció ser apropiado para la trama. Es una película de un período histórico y el blanco y negro ayuda a la sensación de esa época. Es evocativo para una historia como ésta de maneras que la fotografía en color no lo es.[18]

Joel Coen

El diseño de escenarios y vestuario a cargo de Dennis Gassner y Mary Zophres, respectivamente, debió adaptarse a la ausencia de color, evitando altos contrastes de distrajeran la atención. El blanco y negro también tuvo un efecto en los actores, intensificando algunos elementos: «tan solo un close-up es muy llamativo por las sombras y la sensación de profundidad», dijo McDormand.[18] La vestimenta de Ed Crane consistió en sacos deportivos y camisas de gabardina y rayón típicas de esos años, sus medias no tenían elásticos en la parte superior y —al igual que los extras— usó ligas para sostenerlas. Entre las prendas femeninas se incluyeron medias con costura, fajas y sostenes puntiagudos.[15] [18] El traje cruzado con solapa en pico del abogado defensor Freddy Riedenschneider estuvo inspirado en Salvador Dalí, según la vestuarista Mary Zophres: «Es un poco inusual para la época y sugiere opulencia».[15]

Para componer la apariencia de su personaje, Thornton observó imágenes de figuras de aquella década y tomó prestado algunos elementos de Raymond Burr, Humphrey Bogart y Frank Sinatra. El actor comentó al respecto que «una vez que consigues la apariencia adecuada, todo en tu actitud cambia».[15] Cuando Ed aparece en pantalla, casi siempre se lo ve fumando un Chesterfield,[16] un detalle de la época. Además, Thornton y Badalucco fueron entrenados para cortar el pelo por barberos profesionales.[15]

Locaciones[editar]

Se comenzó a filmar en Los Ángeles, donde se utilizó la abandonada Lincoln Heights Jail para ambientar una celda de una cárcel de la ciudad de Santa Rosa. Luego, el equipo se trasladó al Este de Los Ángeles y más tarde al restaurante de Hollywood Boulevard Musso & Frank Grill, donde Ed Crane se reúne por primera vez con su abogado.[18] El rodaje continuó en Thousand Oaks durante dos días para realizar las escenas del campo; previo a sus escenas, Michael Badalucco tuvo que practicar con cerdos para la escena en donde se monta sobre uno. A continuación, la producción volvió a Los Ángeles para filmar en Wilshire Boulevard y el Centro de Los Ángeles. Un Bank of America abandonado ubicado en el centro fue utilizado para una de las escenas.[18] [31] El edificio de Nirdlingers, donde Doris trabaja como contadora, fue creado a partir de una tienda de muebles abandonada ubicada de Glendale, el diseñador de producción Dennis Gassner recordó:

Tuvimos que modernizarlo en cierta forma, manteniendo lo que ya estaba en la arquitectura y haciendo que funcione para el estilo moderno de 1949. Es espacio era como una cantera de donde podía extraer lo que necesitaba. De hecho, utilicé algunos diseños amurados art déco de cromo que habían sido mantenidos en las paredes y varias molduras de la pared.[18]

Las escenas exteriores de la casa de Ed Crane fueron filmadas en el barrio de Bungalow Heaven, en Pasadena, un sitio popular y económico a mediados del siglo xx.[18] Los Coen eligieron la casa con el techo más bajo para lograr la impresión de un espacio más reducido y así representar la situación económica del barbero.[32] Las escenas del salón del profesor de piano también fueron rodadas en Pasadena, exactamente en el complejo de edificios del Hotel Green. Parte importante de la filmación se llevó a cabo durante un día en la ciudad de Orange, que fue usada para representar al pueblo de Santa Rosa, donde está ambientada la película.[18] Las escenas de la barbería, las últimas antes del final de la filmación, fueron realizadas en los Paramount Studios.[15]

Música[editar]

La banda sonora de la película consiste en música clásica, principalmente sonatas para piano de Ludwig van Beethoven, intercalada con siete nuevas composiciones de Carter Burwell.[33] [34] Además de Beethoven, el soundtrack incluyó una composición de Mozart, Sull'aria... che soave zeffiretto. La inclusión de la música clásica es un recurso que distingue a la película de otras del género noir.[14] The Man Who Wasn't There fue la novena película en la que Burwell colaboró con los hermanos Coen.

El álbum de la banda sonora fue lanzado el 30 de octubre de 2001 a través del sello Decca Records. Está conformado por los 14 siguientes temas:

N.º Título Música Duración
1. «Birdy's 'Pathétique» (Sonata para piano n.º 8 (Beethoven)) Jonathan Feldman 1:17
2. «Che soave zeffiretto» (Wolfgang Amadeus Mozart) Edith Mathis y Gundula Janowitz con la Ópera Alemana de Berlín de Karl Böhm 3:33
3. «Bringing Doris Home» (Sonata para piano n.º 25 (Beethoven)) Jonathan Feldman 1:18
4. «I Met Doris Blind» Carter Burwell 1:15
5. «Ed Visits Dave» Carter Burwell 1:03
6. «Ed Returns Home» (Sonata para piano n.º 23 «Appassionata» (Beethoven)) Carter Burwell 1:57
7. «I Love You Birdy Abundas!» Carter Burwell 0:42
8. «Nirdlinger's Swing» Carter Burwell 5:12
9. «Moonlight Sonata» (Sonata para piano n.º 14 (Beethoven)) Jonathan Feldman 2:29
10. «The Fight» Carter Burwell 3:01
11. «The Bank» Carter Burwell 1:03
12. «Adagio Cantabile» (Sonata para piano n.º 8 (Beethoven)) Jonathan Feldman 5:33
13. «The Trial of Ed Crane» Carter Burwell 3:52
14. «Andante Cantabile» (Piano Trio, Op. 97 (Beethoven)) Beaux Arts Trio 13:28
45:43

Fuentes de inspiración[editar]

Yesterday, upon the stair,
I met a man who wasn't there.
He wasn't there again today,
I wish, I wish he'd go away

Primeras líneas del poema «Antigonish».

La película fue inspirada por un poster que los hermanos Coen vieron mientras filmaban The Hudsucker Proxy (1994).[16] «Filmamos una escena en una barbería donde había un afiche en la pared que mostraba diferentes cortes de pelo de los años 1940», recordó Joel Coen. «Empezamos a pensar acerca del tipo que había hecho esos cortes de pelo y la historia comenzó a tomar forma. En realidad evolucionó de ese afiche de cortes de pelo».[18] El título de la película fue tomado del poema de 1899 escrito por Hughes Mearns titulado «Antigonish»[35] y fue elegido en referencia al personaje del barbero, para reflejar su vacío emocional.[36] [19]

La trama está ambientada en 1949 y, Joel Coen afirma, «está muy influenciada» por el trabajo del escritor James M. Cain,[18] en particular por las novelas Double Indemnity, El cartero siempre llama dos veces y Mildred Pierce.[16] La historia también se asemeja a la novela El extranjero de Albert Camus, notándose la actitud poco expresiva que comparte el protagonista del filme —Ed Crane— con el de la novela.[37] La voz en off y el carácter reservado de Ed Crane fueron comparados con el personaje de Robert Mitchum en la cinta de Out of the Past (1947).[16] A pesar de tratarse de una historia neo-noir criminal, los Coen reemplazaron la ambientación de los bajos fondos donde a menudo se desarrollan dichas historias y situaron la trama en un pueblo típico estadounidense con gente ordinaria.[18] «Aquí el elemento criminal es de algún modo involuntario. El héroe se tropieza con él», explicó Ethan Coen.[18] Asimismo, los Coen tuvieron presente en cierta medida el género de ciencia ficción de los años 1950[17] e incluyeron de forma pasajera la aparición de ovnis. Por su parte, el director de fotografía Roger Deakins buscó inspiración para su trabajo en dos películas de la década de 1940, This Gun for Hire y The Blue Dahlia, ambas con Alan Ladd,[18] y los Coen hicieron referencia a La sombra de una duda.[17]

Temáticas[editar]

The Man Who Wasn't There retrata los primeros años de la posguerra en Estados Unidos. La película, catalogada como posmoderna, heredó elementos temáticos y narrativos del cine negro clásico y al mismo tiempo se alejó de él, explorando conceptos de la posguerra.[38] El argumento fue influenciado por convencionalismos popularizados por las novelas negras del escritor James M. Cain, como por ejemplo el plan para conseguir dinero rápidamente, desventuras sexuales y coincidencias del destino —recursos también presentes en The Man Who Wasn't There—.[38] Sin embargo, la historia fue contextualizada citando sucesos de la década de 1950 como el pico de popularidad de los ovnis también conocidos como «platillos voladores», las referencias a los bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki, las reflexiones de Werner Heisenberg sobre la humanidad y la idea de triunfar en una era de oportunidades.[38] La trama alude al principio de incertidumbre de Heisenberg mediante el personaje del abogado defensor Freddy Riedenschneider, quien hace referencia en más de una ocasión a dicho principio.[38] A través de su personaje principal, The Man Who Wasn't There explora la visión existencialista sobre la desesperación, una temática reminiscente del pensador Søren Kierkegaard.[39] El intento de Ed Crane de escapar de su rutinaria vida es comparado con la idea de Jean-Paul Sartre de «búsqueda de trascendencia», en el caso del filme representada por la relación del protagonista con el negocio de la limpieza en seco, Birdy y los ovnis.[40]

Estreno y recibimiento[editar]

Los hermanos Coen en el estreno de la película en Cannes.

Fue estrenada en el Festival de Cannes el 13 de mayo de 2001. Tras Cannes, la cinta llegó a otros festivales de cine europeos de ese año como Edimburgo, Flandes, Varsovia y Viena. La distribuidora USA Films se encargó de su estreno en Estados Unidos,[n. 3] aunque su proyección estuvo limitada a cines selectos.[41] El 31 de octubre de 2001 fue estrenada en Los Ángeles y el 16 de noviembre en el resto del país.[42] En Argentina fue distribuida por Buena Vista International el 14 de febrero de 2002 bajo el título El hombre que nunca estuvo.[43] [44] Más tarde, el 12 de abril, llegó a los cines españoles distribuida por Warner Bros Pictures España y titulada El hombre que nunca estuvo allí.[45]

Crítica[editar]

La película recibió una mayoría de críticas positivas, logrando un 81% en el sitio Rotten Tomatoes sobre 154 comentarios,[4] y un 73% de aprobación sobre 33 comentarios en Metacritic.[46] El filme fue bien recibido por el público y elogiado por su técnica y actuaciones. El crítico Richard Schickel de la revista Time escribió: «La capacidad de no mostrar emoción no es una cualidad muy apreciada en protagonistas de películas, pero Billy Bob Thornton, ese actor espléndido, lo hace de manera perfecta como Ed Crane, un taciturno barbero de pueblo, hacia 1949».[9] Otros críticos también elogiaron el rol protagónico de Thornton,[8] [7] [10] como por ejemplo Emanuel Levy, quien opinó que Thornton «se absuelve maravillosamente a sí mismo en un papel desafiante que exige más reacción que acción» y agregó: «parece un atormentado Montgomery Clift».[7] La revista Variety escribió que el protagonista de la película «establece nuevos estándares de opacidad y pasividad».[47]

Jonathan Rosenbaum del periódico Chicago Reader elogió que «Joel e Ethan Coen se mantengan fieles a su inclinación por héroes torpes y neo-noir, y a su firme convicción de que la vida normalmente se vuelve espléndidamente horrorosa».[5] Roger Ebert de Chicago Sun Times comentó: «la película es eficaz y segura en su estilo, tan amorosa y tan intensa que si usted la recibe con esa misma frecuencia, le será como una fiesta».[48] De la misma forma, Peter Travers de la revista Rolling Stone, la nombró una de las mejores cintas del año y expresó que es «diabólicamente divertida, fascinante y que su estilo se aprecia de una forma fuerte»,[11] asimismo, Marc Savlov de Austin Chronicle anunció que era «la película más bonita del año» y agregó que «la actuación de Billy Bob Thornton representa un diamante en bruto deslumbrante».[10] Peter Bradshaw de The Guardian escribió una reseña positiva y afirmó: «Es la mejor película estadounidense del año»[12] y Philip French, en otra reseña para The Guardian, también afirmó que se trataba de la mejor película del año hasta ese momento.[6]

La fotografía en blanco y negro de Roger Deakins fue distinguida por muchos críticos.[5] [6] [7] [8] El Chicago Reader comparó la fotografía con la de de Federico Fellini[5] y el crítico Matthew Turner de View London comentó que el blanco y negro «no se veía así de espléndido desde los años 1940».[8] A pesar de escribir una reseña poco entusiasta, Todd McCarthy de Variety elogió el trabajo de Deakins, los escenarios de Dennis Gassner y el vestuario de Mary Zophres para crear una «representación superior del periodo de posguerra en una pequeña ciudad».[47] Con respecto a la ambientación rural, el historiador José María Caparrós señaló: "Pocas veces el cine estadounidense se ha asomado de una forma tan sutil y contundente para ofrecer un testimonio del hondo vacío existencial y de la mediocridad de la América profunda".[49] La película no convenció a Michael Sragow de The Baltimore Sun, quien dijo: «The Man Who Wasn't There es una intelectualizada, estilizada y completamente vacía producción de época. Pese a su espléndido y claustrofóbicamente controlado aspecto en blanco y negro, tiene el mismo impacto que una pistola de juguete».[50]

Taquilla[editar]

The Man Who Wasn't There recaudó 7.504.257 de dólares en Estados Unidos durante 17 semanas en cartel y 11.412.366 dólares en el resto del mundo, consiguiendo un total de 18.916.623 de dólares.[3] [51] En su primer fin de semana de estreno en Estados Unidos, recaudó 664.404 dólares tras 39 proyecciones. En el Reino Unido recaudó 419.609 libras esterlinas en 140 proyecciones durante su primer fin de semana y alcanzó un total de 1.736.884 libras.[3] [52] La recaudación total no alcanzó para igualar los 20 millones de dólares que costó la realización de la película.[53]

Premios y nominaciones[editar]

Después de su estreno en el Festival de Cannes, Joel Coen se llevó el premio al mejor director[n. 4] y compartió el premio con David Lynch por Mulholland Drive. La película además estaba nominada a la Palme d'Or, el mayor reconocimiento del festival, pero La habitación del hijo de Nanni Moretti se llevó el premio.[54] Asimismo, la cinta fue incluida en la selección de las diez mejores del año del National Board of Review.[13]

El filme estuvo nominado a una estatuilla en la 74.ª entrega de los premios Óscar en las categoría de mejor fotografía (Roger Deakins), aunque finalmente el premio se lo llevó Andrew Lesnie por El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo. Asimismo, la película recibió tres nominaciones a los Premios Globo de Oro en las categorías de mejor película dramática, mejor guion y mejor actor dramático (Billy Bob Thornton), pero no consiguió llevarse ningunos de los premios.[13]

El director de fotografía Roger Deakins obtuvo el galardón en la categoría de mejor fotografía de los Premios BAFTA. Adicionalmente, Deakins recibió múltiples reconocimientos por parte de otras organizaciones, incluyendo la American Society of Cinematographers, la Boston Society of Film Critics, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, los Críticos de Cine de Nueva York en Línea, la Sociedad de Críticos de Cine en Línea y los Premios Satellite, entre otras.[13]

Referencias[editar]

Notas[editar]

  1. Roderick Jaynes es el seudónimo utilizado por los hermanos Coen para montar la película.
  2. Otros títulos alternativos fueron escritos en la introducción del guion: Pansies Don't Float; I, The Barber; The Nirdlinger Doings; Missing, Presumed Ed; I Love You, Birdy Abundas! (descartado por ser «muy años '60»); The Barber, Crane; The Other Side of Fate («El otro lado del destino», descartado debido a la «incertidumbre de no saber si el destino tiene más de un lado»); None Know My Name; I Will Cut Hair No More Forever; y Ed Crane, You So Crazy!.[20]
  3. El nombre de la distribuidora al momento del estreno de la película era USA Films, que luego se fusionó con Universal Focus y Good Machine para formar Focus Features en 2002.
  4. A pesar de codirigir la película, Ethan Coen no recibió el premio debido a que no apareció acreditado oficialmente en la dirección de la cinta. Los Coen empezaron a compartir los créditos como directores a partir del año 2004 con el filme The Ladykillers.

Citas[editar]

  1. «THE MAN WHO WASN’T THERE (2001)». One. Perfect. Shot. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  2. a b c Nathan, 17 de septiembre de 2012, p. 60
  3. a b c d The Man Who Wasn't There en Box Office Mojo (en inglés).
  4. a b «Ficha en Rotten Tomatoes». Rotten Tomatoes. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  5. a b c d Rosenbaum, Jonathan. «The Man Who Wasn't There». Chicago Reader. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  6. a b c French, Philip (28 de octubre de 2001). «The Coens raise Cain». The Guardian. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  7. a b c d e Levy, Emanuel (1 de agosto de 2006). «Man Who Wasn't There, The (2001)». EmanuelLevy.com. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  8. a b c d e Turner, Matthew (25 de octubre de 2001). «The Man Who Wasn't There Film Review». ViewLondon. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  9. a b Schickel, Richard (29 de octubre de 2001). «Cinema: The Man Who Wasn't There». Time. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  10. a b c Savlov, Marc (2 de noviembre de 2001). «The Man Who Wasn't There». Austin Chronicle. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  11. a b Travers, Peter (2 de noviembre de 2001). «The Man Who Wasn't There». Rolling Stone. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  12. a b Bradshaw, Peter (26 de octubre de 2001). «The Man Who Wasn't There». The Guardian. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  13. a b c d «Awards». IMDb. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  14. a b Hibberd, 2013, p. 215
  15. a b c d e f «The Man Who Wasn't There». Hollywood Jesus. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  16. a b c d e Orr, Christopher (18 de septiembre de 2014). «30 Years of Coens: The Man Who Wasn't There». The Atlantic. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  17. a b c Tapley, Kristopher (19 de diciembre de 2014). «Roger Deakins recalls 'The Man Who Wasn't There' and film noir favorites». Hitfix. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  18. a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r s t «About the production». Directors.0catch.com. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  19. a b Allen, 2006, p. 152
  20. Robson, 31 de julio de 2011, p. 253-254
  21. a b Robson, 31 de julio de 2011, p. 254
  22. a b Pulver, Andrew (13 de octubre de 2001). «Pictures that do the talking». The Guardian. Consultado el 19 de mayo de 2016. 
  23. Bergan, 5 de enero de 2016, p. Dumb and Dumber
  24. Seifert, Andy (10 de agosto de 2010). «Random roles: Richard Jenkins». The A.V. Club. Consultado el 19 de mayo de 2016. 
  25. «‘THE MAN WHO WASN’T THERE’: A LOVELY, ARTISTIC EXHIBITION OF THE COENS’ FILMMAKING PROWESS». Cinephilia & Beyond. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  26. Mottesheard, Ryan (30 de octubre de 2001). «INTERVIEW: Shooting Coens; D.P. Roger Deakins and "The Man Who Wasn't There"». Indiewire. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  27. Allen, 2006, p. 157
  28. «Alternative versions». IMDb. Consultado el 18 de mayo de 2016. 
  29. «See Some of the Coen Brothers’ ‘The Man Who Wasn’t There’ in Color [Video]». /Film. 4 de diciembre de 2013. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  30. «The Coen Brothers interview about The Man Who Wasn't There». Film4. 2001. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  31. «THE MAN WHO WASN'T THERE». Film in America. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  32. Bergan, 2016, p. Small Town, Hollywood
  33. «The Man Who Wasn't There - Soundtrack». Soundtrack.net. Consultado el 11 de mayo de 2016. 
  34. «The Man Who Wasn't There (Sountrack from the Motion Picture)». itunes.apple.com. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  35. «Trivia». IMDb. Consultado el 18 de mayo de 2016. 
  36. «The Man Press Conference». www.festival-cannes.fr. 2001. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  37. «The Man Who Wasn’t There». Metaphilm. 2 de junio de 2003. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  38. a b c d Conard, 2007, p. Cain's Influence
  39. Conard, 2009, p. 244
  40. Boulé y McCaffrey, 30 de octubre de 2011, p. 75-76
  41. «The Man Who Wasn't There». Box Office Prophets. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  42. «Release Info». IMDb. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  43. Batelle, Diego (14 de febrero de 2002). «Acertada combinación de policial negro con comedia del absurdo». La Nación (Argentina). Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  44. «El Hombre que nunca estuvo». Cines Argentinos. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  45. «EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ». Sensacine. Consultado el 10 de mayo de 2016. 
  46. «Ficha en Metacritic». Metacritic. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  47. a b McCarty, Todd (13 de mayo de 2001). «Review: ‘The Man Who Wasn’t There’». Variety. Consultado el 16 de mayo de 2016. 
  48. Ebert, Roger (2 de noviembre de 2001). «The Man Who Wasn't There». Chicago Sun Times. Consultado el 9 de mayo de 2016. 
  49. Caparrós, José María (2004). El cine del nuevo siglo. Ediciones Rialp. p. 166. ISBN 9788432134968. 
  50. Sragow, Michael (9 de noviembre de 2001). «Too many flaws kill off the excitement». The Baltimore Sun. Consultado el 25 de mayo de 2016. 
  51. Robson, 31 de julio de 2011, p. 265
  52. «Box office / Business». IMDb. Consultado el 24 de mayo de 2016. 
  53. Nathan, 17 de septiembre de 2012, p. 61
  54. «54ème Festival International du Film - Cannes». www.cinema-francais.fr. Consultado el 16 de mayo de 2016. 

Bibliografía[editar]

Enlaces externos[editar]