Pixar

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Pixar Animation Studios
Pixar logo.svg
Logotipo de Pixar
Pixaranimationstudios.jpg
Tipo Filial de The Walt Disney Company
Industria Animación por ordenador
Películas
Fundación 3 de febrero de 1986
Fundador(es) Edwin Catmull[1]
Alvy Ray Smith[1]
Nombres anteriores The New York Institute of Technology Computer Graphics Lab (1975–1979)
The Graphics Group of Lucasfilm Computer Division (1979–1986)
Sede central Emeryville, Estados Unidos
Personas clave Edwin Catmull (presidente)[2]
John Lasseter (director creativo)
Jim Morris (presidente)[2]
Productos Pixar Image Computer
RenderMan
Marionette
Propietario Lucasfilm (1979–1986)
Independiente (1986–2006)
The Walt Disney Company (2006–presente)
Filiales Pixar Canada (cerrada)
Sitio web http://www.pixar.com
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Pixar Animation Studios, conocido simplemente como Pixar (pronunciado: /ˈpɪksɑr/), es un estudio cinematográfico de animación por computadora con sede en Emeryville, Estados Unidos. El estudio es mejor conocido por sus películas de animación creadas con el PhotoRealistic RenderMan, un interfaz de programación de aplicaciones de renderización de imagen utilizado para generar imágenes de alta calidad. Pixar fue fundado en 1979 como Graphics Group, parte de la división computacional de Lucasfilm, para posteriormente derivarse como una compañía en 1986 con financiamiento de Steve Jobs, cofundador de Apple. Por lo anterior, Jobs se convirtió en su mayor accionista.[3] En 2006, la empresa fue adquirida por The Walt Disney Company por un valor de 7400 millones de dólares. La mascota del estudio es Luxo Jr., un personaje del corto animado del mismo nombre.

La compañía ha producido 17 películas, Toy Story (1995) fue la primera y la más reciente Finding Dory (2016). La mayoría de sus filmes han recibido buenas críticas y han sido éxitos comerciales, con excepción de Cars 2 (2011), que, a pesar de su éxito comercial, recibió críticas substancialmente menos favorecedoras.[4] En sus debuts, las 17 películas han sido calificadas por CinemaScore con al menos una «A-», que indica una recepción positiva de la crítica y la audiencia.[5] Asimismo, el estudio ha producido numerosos cortometrajes. Para octubre de 2015, sus películas habían reunido más de 9300 millones de dólares a nivel mundial, con una recaudación promedio de 623 millones por película.[6] Finding Nemo (2003), Toy Story 3 (2010) e Inside Out (2015) son tres de las 50 películas con mayores recaudaciones de todos los tiempos y se encuentran, junto a 10 filmes más del estudio, entre las 50 películas animadas con mayores recaudaciones. Toy Story 3 es la tercera película animada con mayor recaudación en la historia, precedida por Frozen de Walt Disney Animation Studios, que logró recaudar 1279 millones de dólares, y Minions de Illumination Entertainment, que ha acumulado 1153 millones, en comparación con los 1063 de Toy Story 3.

Pixar ha ganado 16 premios Óscar, ocho Globos de Oro y 11 premios Grammy, además de muchos otros premios y reconocimientos. Desde su primera nominación en 2001, casi todas las películas del estudio han sido nominadas al Óscar a la mejor película de animación. Ocho de ellas han ganado: Finding Nemo, The Incredibles (2004), Ratatouille (2007), WALL-E (2008), Up (2009), Toy Story 3, Brave (2012) e Inside Out (2015). Monsters, Inc. (2001) y Cars (2006) son las únicas películas nominadas que no recibieron el premio. Up y Toy Story 3 fueron la segunda y tercera películas animadas nominadas al Óscar a la mejor película (la primera fue Beauty and the Beast de Walt Disney Animation Studios). El 6 de septiembre de 2009, John Lasseter, Brad Bird, Pete Docter, Andrew Stanton y Lee Unkrich recibieron el León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia. El premio fue presentado por el fundador de Lucasfilm, George Lucas.

Historia[editar]

1976-1989: Antecedentes y primeras animaciones[editar]

Los antecedentes de Pixar se remontan a 1974 cuando Alexander Schure, fundador del New York Institute of Technology (NYIT) y propietario de un estudio de animación, creó el Computer Graphics Lab (CGL) con el afán de reclutar a informáticos para producir la primera película animada por computadora en la historia del cine. Sus primeros empleados fueron Ed Catmull, Malcolm Blanchard, Alvy Ray Smith y David DiFrancesco.[7] Pese a que el área resultó pionera en muchas de las técnicas fundacionales de la computación gráfica (especialmente en la composición alfa) y de que llegó a producir una cinta experimental titulada The Works,[8] pronto atravesó problemas financieros[9] lo cual derivó en que seis de sus empleados, incluidos Catmull y Ray Smith,[10] renunciaran tiempo después para trabajar con George Lucas en The Graphics Group, del estudio Lucasfilm.[11] [12] The Graphics Group era parte de la división computacional del estudio de Lucas y comenzó sus operaciones en 1979[13] con el objeto de desarrollar «tecnología computacional de vanguardia».[14] Eventualmente Catmull y Ray Smith trabajaron en el precursor de RenderMan, llamado REYES (por sus siglas en inglés: «renders everything you ever saw»; en español: «renderiza todo lo que veas»), y desarrollaron diversas tecnologías fundamentales para la computación gráfica como los «efectos de partículas» y ciertas herramientas de animación.

Una Pixar Image Computer fotografiada en el Museo Histórico de Ordenadores.

En 1982 el equipo empezó a colaborar con Industrial Light & Magic en la producción de secuencias cinematográficas de efectos especiales[10] y, dos años después, estrenó en el SIGGRAPH una versión incompleta de Las Aventuras de André y Wally B., dirigida por John Lasseter, que se unió al grupo en 1983.[14] [15] Después de años de investigación e hitos claves para el estudio como el «efecto Génesis» de Star Trek II: la ira de Khan[10] y el caballero del vitral de Young Sherlock Holmes,[16] el grupo conformado en ese entonces por cuarenta personas[3] se derivó como una compañía independiente el 3 de febrero de 1986, financiada por Steve Jobs, poco después de su despido de Apple Computer.[3] Jobs pagó cinco millones de dólares a Lucas por los derechos de la tecnología y capitalizó cinco millones más en la recién creada empresa. Pixar fue liderada por Catmull como su presidente y por Ray Smith como su vicepresidente ejecutivo, mientras que Jobs ocupó el cargo de presidente de la Junta de Directores.[3] Sus primeras oficinas estaban ubicadas en San Rafael, California, donde también se encontraba Lucasfilm.[17]

Aunque la intención de la nueva organización era retomar la iniciativa de Schure respecto a la producción del primer largometraje animado digitalmente, por un tiempo estuvieron funcionando como una empresa de venta de hardware cuyo principal producto era la Pixar Image Computer. Este sistema estaba dirigido principalmente a agencias gubernamentales y a la comunidad médica,[18] aunque no tuvo buenas ventas.[19] El nombre del equipo provino del término en látin «pixer», el cual hace referencia a la «creación de películas». Eventualmente, la empresa fue denominada al igual que el sistema de cómputo.[20] Uno de sus clientes fue Walt Disney Studios, que buscaba incorporar el lenguaje de la Image Computer a su proyecto Computer Animation Production System (CAPS) que habría de facilitar la migración del proceso de animación 2D a un método más automatizado.[18] El 17 de agosto de 1986 Lasseter, que hasta entonces había estado trabajando en algunas animaciones demostrativas para mostrar la capacidad de la Image Computer, estrenó Luxo Jr. en el SIGGRAPH. La audiencia recibió de forma entusiasta al primer cortometraje del estudio,[21] [22] que también fue distinguido con una nominación en los premios Óscar como «Mejor cortometraje animado».[14] En 1987, de vuelta en el SIGGRAPH, Pixar mostró el corto Red's Dream que incluía escenas renderizadas completamente con la Image Computer, y presentaba innovadores efectos de lluvia y una mayor complejidad en la iluminación que Luxo Jr.[14] El siguiente cortometraje, Tin Toy, además de ser presentado tanto en el SIGGRAPH como en el Ottawa International Film Festival, obtuvo el Óscar como «Mejor cortometraje animado».[14] [23]

Si bien Pixar empezaba a gozar de una buena aceptación en la industria debido a la calidad de sus animaciones, la realidad era que atravesaba una crisis financiera que por poco lleva al estudio a la quiebra. En 1989 comenzó a invertirse más en el departamento de animación de Lasseter, que contaba solamente con cuatro empleados (Lasseter, William Reeves, Eben Ostby y Sam Leffler), pasando a constituir una división operativa responsable de producir comerciales animados por computadora para otras compañías externas como Tropicana, Listerine y Life Savers.[24] Ese mismo año dio a conocer su siguiente proyecto, el corto Knick Knack realizado en 3D estereoscópico y «uno de los últimos cortos que Lasseter animó personalmente durante los años independientes de Pixar».[14] [25]

1990-2000: Primeros largometrajes animados por computadora[editar]

El 30 de abril de 1990 Pixar vendió su división de hardware a Vicom Systems,[26] y, ese mismo año, el personal se trasladó al parque científico Point Richmond Tech Center, en la ciudad de Richmond, California.[27] Estas nuevas instalaciones representaron una inversión de 15 millones USD para el estudio.[27] Durante ese periodo entabló conversaciones con Walt Disney Feature Animation, que estaba interesado en realizar una película basada en el exitoso Tin Toy.[26] Mientras tanto, para mantener el financiamiento de la empresa, Jobs exigió a los empleados regresar sus acciones y creó un «nuevo Pixar» del cual era el único dueño.[28] Pese a que en marzo de 1991 la plantilla de Pixar se había reducido a solo cuarenta y dos empleados,[29] en junio firmó un acuerdo por 26 millones USD con Disney para la realización de tres películas animadas, incluyendo el filme basado en Tin Toy que pasaría a ser Toy Story bajo la dirección de Lasseter. No obstante, Disney mantuvo los derechos «a su sola discreción, de abandonar el proyecto en cualquier momento, aun después de iniciada la producción».[14] [30] [31] [32] Para entonces el personal de Pixar estaba conformado por los programadores que trabajaban en RenderMan y CAPS, y el departamento de animación de Lasseter que realizaba comerciales televisivos y cortos de Luxo Jr. para Sesame Street.[28]

Durante el verano de 1994 Pixar comenzó a trabajar en ideas para nuevas películas[33] y, como resultado, Lasseter, Andrew Stanton, Pete Docter y Joe Ranft esbozaron los argumentos de A Bug's Life, Monsters, Inc. y Finding Nemo. Para la historia de los insectos, el equipo consideró una adaptación de la fábula de Esopo, La cigarra y la hormiga, algo que Disney ya había hecho en 1934 con el cortometraje The Grasshopper and the Ants.[33] Para entonces el estudio continuaba presentando problemas financieros y Jobs, ya como único propietario, llegó a considerar su venta a Microsoft.[30] [34] No fue sino hasta que The New York Times pronosticó que Toy Story podría significar un notable éxito para Pixar, y al hecho de que Disney confirmó la distribución del filme para la temporada navideña de 1995, que el empresario decidió darle otra oportunidad.[34] [35] [36] Consecuentemente, por primera vez Jobs tomó un papel activo de liderazgo en la compañía y, en febrero de 1995, se nombró así mismo presidente y director ejecutivo.[37] A principios de 1995 comenzaron los trabajos de A Bug's Life y, en julio de 1995, Disney confirmó su distribución.[33]

Entrada de la sede de Pixar Animation Studios en Emeryville, California.

Tras su estreno Toy Story recaudó más de 361 millones USD en todo el mundo[38] y fue nominada en las categorías «Mejor canción original», «Mejor banda sonora» y «Mejor guion original» de los premios Óscar. Lasseter recibió a su vez una estatuilla en la misma premiación por «desarrollar e inspirar la aplicación de técnicas que han hecho posible el primer largometraje animado por computadora».[14] [39] [40] En noviembre de 1995 el estudio llevó a cabo su primera oferta pública de venta y superó a Netscape como la mayor OPV del año; tan solo en la primera media hora de venta, sus acciones pasaron de 22 a 45 USD e incluso la venta tuvo que ser retrasada debido a la gran cantidad de órdenes de compra. Las acciones escalaron a 49 USD, antes de finalizar el día en 39 USD.[41] [42]

Entre 1990 y 2000 se desarrolló de manera gradual el «Pixar Braintrust», una metodología consistente en una revisión por pares en la que directores, escritores y artistas se reúnen para revisar los proyectos internos y compartir opiniones, ideas y críticas constructivas.[43] [44] Según Catmull, el Braintrust representó la evolución de la relación de trabajo que tuvieron en su momento Lasseter, Stanton, Docter, Unkrich, y Ranft durante la producción de Toy Story.[14] [43] Tras el éxito de su primer largometraje, Pixar comenzó la construcción de un nuevo estudio en Emeryville, California, diseñado por PWP Landscape Architecture e inaugurado el 27 de noviembre de 2000.[45]

En febrero de 1997 Disney y Pixar acordaron la producción de cinco nuevas películas a estrenarse en un período de diez años, con igual distribución de las ganancias.[14] [46] Al mes siguiente, Pixar confirmó la producción de la continuación de Toy Story,[47] [48] aunque Disney no la contempló como parte del nuevo acuerdo[49] y, durante los siguientes meses, tenía pensado lanzarla directamente en formato de vídeo, al igual que Aladdín 2 (1996). No obstante, después de que algunos de sus ejecutivos miraron algunas escenas de Toy Story 2 durante su producción, el estudio cambió de opinión y anunció que llegaría a las salas de cine.[50] Esto finalmente se concretó luego de negociaciones entre Jobs y Roth Schneider, ejecutivo de Disney.[51] A finales de ese año Pixar estrenó Geri's Game, su primer cortometraje desde Knick Knack,[14] [52] que se hizo acreedor al Óscar como «Mejor cortometraje animado» en 1998.[53] Por su parte, A Bug's Life se estrenó en noviembre de 1998 y obtuvo una recaudación mundial de 363 millones USD, además de una nominación al Óscar en el apartado de «Mejor banda sonora».[14] [54] Al mes siguiente Lasseter, Stanton y Docter se integraron al equipo de producción de Toy Story 2, y pronto se mostraron inconformes con el trabajo que se venía haciendo en la secuela por lo que solicitaron que el guion fuera rescrito. La producción comenzó en enero de 1999 y para alcanzar la fecha límite el equipo debió trabajar contra reloj durante los siguientes nueve meses.[55] Las largas e intensas jornadas de trabajo causaron síndrome del túnel carpiano en algunos animadores, y lesiones por movimientos repetitivos en otros.[56] [57] Toy Story 2 se estrenó en noviembre de 1999 y recaudó un total de 485 millones USD. Se trató de la película animada con mayores recaudaciones del año, superando por un margen significativo a sus predecesoras. Además, fue la primera secuela animada con mayor recaudación que el filme original.[14] [58] Recibió críticas positivas en su gran mayoría, una nominación al Óscar a la «Mejor canción original» y otros premios como el Globo de Oro a la «Mejor película (comedia o musical)» y siete galardones Annie.[59] Al año siguiente el estudio lanzó el corto For The Birds, que recibió el Óscar al «Mejor cortometraje animado».[60]

2001-2004: Conflicto con Disney[editar]

La producción de Toy Story 2 deterioró la relación sostenida por ambos estudios hasta entonces.[61] Pixar consideraba que las ganancias no eran equitativas, ya que mientras Disney estaba a cargo de la mercadotecnia y distribución, ellos se encargaban de toda la labor creativa. Si bien los costos de producción eran sufragados a partes iguales, el acuerdo le garantizaba a Disney los derechos sobre las tramas y la producción de secuelas de cualquier filme de Pixar, además de una cuota por distribución de entre el 10 y 15 % por cada película.[62] El «cambio en el equilibrio de poder entre las dos empresas» fue un agravante del conflicto; por una parte Pixar mantenía una creciente popularidad y éxito en sus producciones, mientras que Disney tenía problemas con su propia producción de películas animadas.[62]

Entrada a la atracción A Bug's Land, inspirada en A Bug's Life y ubicada en el parque Disney California Adventure.
Atracción Turtle Talk with Crush, basada en Buscando a Nemo, en el parque Epcot.

En el año 2000 Pixar adquirió un terreno en Emeryville con una extensión de 80 937 m2 el cual había sido ocupado antes por la empresa Del Monte Foods, Inc.[27] Al año siguiente, Catmull fue nombrado presidente,[63] y en noviembre del mismo año el estudio estrenó Monsters, Inc.,[14] la primera película dirigida por Docter cuyo trabajo en Pixar comenzó en 1996.[64] El filme presentó innovaciones técnicas en el diseño de personajes, escenas y ciertos elementos como la iluminación. Asimismo, cada protagonista contó con su propio animador principal.[65] Pixar creó un departamento de simulación que, a su vez, diseñó un nuevo programa denominado Fizt, gracias al cual los animadores pudieron simular por primera vez el movimiento del cabello y de la ropa, y la influencia que el viento, la gravedad y otros objetos tienen en estos, proporcionando un mayor realismo.[65] [66] [67] Adicionalmente redujeron el tiempo necesario para crear las tomas (cada toma, con una duración de entre 3 y 10 segundos, tomaba dos semanas para ser creada; con el simulador, el tiempo se redujo a dos horas).[66] Con Monsters, Inc., la granja de render de Pixar aumentó a 3500 procesadores Sun Microsystems —comparados con los 1400 de Toy Story 2 y los 200 de Toy Story[68][65] [67] y fue creado un algoritmo para lidiar con los problemas ocasionados por la colisión entre telas[69] [68] y uno para los relacionados con la sombra del cabello, pelaje,[70] niebla, vapor y efectos atmosféricos.[67] En su fin de semana de estreno, Monsters, Inc se colocó en la primera posición de recaudación al acumular 62 millones USD en EE.UU. y Canadá.[71] En total recaudó 562 millones USD en todo el mundo.[72] Recibió el Óscar a la «Mejor canción original» y tres nominaciones más —«Mejor película de animación», «Mejor banda sonora» y «Mejor edición de sonido»—.[60] Ese mismo año, Rob Cook, Loren Carpenter y Ed Catmull recibieron un premio Óscar al mérito por los «significativos avances en el campo de la renderización de películas, ejemplificados por el RenderMan de Pixar».[14] [73]

En septiembre de 2002 Pixar estrenó su primer cortometraje protagonizado por personajes de otra película suya, Mike's New Car, nominado al Óscar al «Mejor cortometraje animado»[14] y, unas semanas después, el parque temático Disney California Adventure inauguró A Bug's Land, una atracción inspirada en A Bug's Life.[14] El 30 de mayo de 2003, mientras ambas compañías comenzaban las negociaciones para llegar a un nuevo acuerdo, Pixar estrenó su quinta película: Buscando a Nemo, que significó un éxito de taquilla y crítica. Con el filme, el estudio logró nuevamente colocarse en la primera posición de recaudación durante su fin de semana de estreno[74] y por primera vez recibió el Óscar a la «Mejor película de animación», además de otras tres nominaciones y nueve premios Annie (de un total de 12 nominaciones).[75] Con una recaudación total de 936 millones USD en los países en que fue estrenada, Buscando a Nemo se convirtió en la 32.ª película con mayor recaudación de la historia y la quinta entre las películas de animación. En total, fue la segunda película con mayores recaudaciones del año.[76]

Mientras tanto, las negociaciones sobre el nuevo acuerdo continuaban: Pixar buscó que Disney únicamente se encargara de la distribución, de forma que ellos mantuvieran el control de la producción y volvieran a tener los derechos de sus películas. Al mismo tiempo buscó financiar completamente sus filmes y recaudar el total de las ganancias, con una cuota de distribución del 10 % o menos para Disney, demandando el control de la producción de las películas que ya estaban siendo realizadas como parte del antiguo acuerdo (The Incredibles y Cars).[77] Pese a que los estudios cedieron en ciertas condiciones,[78] las negociaciones comenzaron a colapsar. Tras el lanzamiento del corto Boundin',[14] el 30 de enero de 2004 Pixar rompió relaciones con Disney,[79] [80] [81] después de que este último rechazara los términos de Pixar bajo el argumento de que le habrían de representar pérdidas millonarias.[81] Es importante mencionar que las diferencias entre Jobs y Michael Eisner, director ejecutivo de Disney, fueron un factor que agravó las negociaciones entre los estudios.[82] Pese a lo anterior, Pixar se comprometió a producir las últimas dos películas del acuerdo final: The Incredibles y Cars.[81] Por un lado Jobs dio a conocer que Pixar comenzaría a explorar nuevas opciones de distribución a partir de 2006,[80] y por el otro Disney estableció Circle 7 Animation, una división de su estudio de animación que habría de producir Toy Story 3 y Monsters, Inc. 2.[83]

2005-actualidad: Adquisición y secuelas[editar]

Tras el estreno de The Incredibles a finales de 2004,[14] [84] el parque Epcot inauguró la atracción Turtle Talk with Crush, inspirada en Buscando a Nemo.[14] En marzo de 2005 se dio a conocer que Robert Iger sustituiría a Eisner como director ejecutivo de Disney,[85] lo cual llevó al restablecimiento de las negociaciones con Pixar.[86] A finales de año el Museo de Arte Moderno incluyó entre sus exhibiciones la primera exposición externa del trabajo original de Pixar, denominada Pixar: 20 Years of Animation.[14]

E«l trabajo está organizado para que los estudios [Disney y Pixar] sean completamente independientes. Ambos grupos se aprecian a nivel creativo, de producción y técnico, así que compartimos ideas sobre cómo hacer bien las cosas, pero las hacemos de diferente manera [...] Ellos [Disney] no se sienten competidores de manera negativa. Es una combinación interesante, es como tener dos hermanos en una familia, donde hay competencia, pero al mismo tiempo cada uno quiere que al otro le vaya bien».
—Ed Catmull[87]

Disney anunció el 26 de enero de 2006 la compra de Pixar por 7400 millones USD,[88] [89] y, como parte del acuerdo de adquisición, Catmull (que se mantuvo como presidente de Pixar) y Lasseter fueron nombrados presidente y director creativo de Walt Disney Feature Animation, respectivamente. Poco después, Lasseter renombró ese estudio como Walt Disney Animation Studios.[90] Disney cerró Circle 7 y canceló los proyectos desarrollados por ese estudio hasta entonces.[91] De acuerdo a Lasseter, la iniciativa de comprar a Pixar surgió cuando Iger veía el desfile de inauguración de Hong Kong Disneyland y notó que todos los personajes que desfilaban habían sido creados por Pixar y, en cambio, no aparecía ninguno reciente de Disney.[92] Luego de un análisis financiero, confirmó que Disney había perdido dinero con sus últimos proyectos de animación. Tras ser promovido a presidente ejecutivo y presentar la información financiera, se autorizó a Iger explorar la posibilidad de un acuerdo con Pixar.[93] Pese a su cautela inicial y convencidos por Jobs, Lasseter y Catmull accedieron a negociar.[92] Las posiciones de Lasseter y Catmull no implicaron la fusión de ambas compañías. En realidad, como parte del acuerdo se estableció que Pixar se mantendría como una entidad separada. Además, algunas de sus políticas de recursos humanos permanecerían intactas. Finalmente el estudio mantendría su nombre, y sus instalaciones principales continuarían en Emeryville.[94] [95] La primera película estrenada tras la compra del estudio fue Cars,[96] seguida del cortometraje Lifted.[14]

Entre 2007 y 2008 Pixar estrenó Ratatouille y WALL·E,[14] dirigidos por Bird y Stanton, respectivamente. Este último tuvo el presupuesto más elevado en la historia de Pixar hasta entonces (180 millones USD)[97] [14] y uno de sus productores, Jim Morris, fue nombrado gerente general del estudio en septiembre de 2008.[98] Al año siguiente apareció en cines Up, décimo largometraje de Pixar, cuyas ganancias lo llevaron a ser el segundo filme con mayores recaudaciones del estudio, superado solamente por Buscando a Nemo.[99] Asimismo, se trató de la primera película de Pixar nominada al Óscar como «Mejor película» y Catmull recibió el premio Gordon E. Sawyer.[14] En septiembre de 2008 Luxo, compañía fabricante de las lámparas del mismo nombre, demandó a Disney/Pixar por infringir los derechos de su marca registrada al vender réplicas de Luxo Jr. con el DVD de Up.[100] El asunto se resolvió cuando Disney llegó a un acuerdo con Luxo y acordó no vender las lámparas de la mascota de Pixar.[101] Al año siguiente, en 2009, Lasseter, Bird, Docter, Stanton y Unkrich recibieron el León de Oro especial a toda una carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia, el cual les fue entregado por George Lucas. Durante la premiación, se mostraron escenas de Toy Story 3 y la nueva versión en 3D de Toy Story 2.[102] Para la tercera película de Toy Story, los animadores no fueron capaces de usar el trabajo original de las películas anteriores, por lo que resultó necesario recrear cada modelo desde cero.[103] [104] Tras su estreno en 2010, recaudó más que las dos películas anteriores juntas[105] y se convirtió en la película animada más exitosa de la historia del cine, récord superado cuatro años después por Frozen, de Disney.[106] [107] Es una de las diez películas con las mayores recaudaciones[108] y la primera en llegar a la marca de los 1000 millones de dólares.[14] El siguiente cortometraje de Pixar, Día y noche, combinó elementos de animación en 2D y 3D,[109] y obtuvo una nominación al Óscar al «Mejor cortometraje animado».[110] Por su parte, el Producers Guild of America premió a Lasseter con el premio especial David O. Selznick.[14]

Decoraciones alusivas a Up en su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en 2009.

En abril de 2010 el estudio fundó Pixar Canada, su subsidiaria con sede en Vancouver y encargada de producir cortometrajes sobre personajes de las películas de Pixar.[111] En sus tres años de existencia, la subsidiaria produjo ocho cortometrajes basados en los personajes de Toy Story y Cars.[112] Entre 2011 y 2013 Pixar estrenó Cars 2, Brave y Monsters University, así como el cortometraje Vacaciones en Hawaii, el primero de Pixar Canada inspirado en Toy Story.[14] Cars 2 alcanzó una calificación aprobatoria de 39 % en el sitio web recopilador Rotten Tomatoes,[113] y fue el primer filme de Pixar sin nominaciones al premio Óscar. En junio de 2013, Pixar enfrentó junto a otras compañías como Lucasfilm, Google e Intel, una demanda por acordar no contratar empleados de las otras compañías.[114] A su vez, el retraso en el estreno de The Good Dinosaur, el próximo filme del estudio, llevó al recorte del 5 % de los empleados de Pixar. El estreno de la película estaba originalmente planeado en mayo de 2014, sin embargo, se retrasó hasta noviembre de 2015.[115] Algunos medios, como Indiewire, consideraron que el estudio pasaba por un declive en la calidad de sus producciones, debido a su dependencia en las secuelas.[116] Con excepción de Cars, las películas estrenadas entre 2011 y 2013 tuvieron las peores reseñas para alguna cinta de Pixar.[117]

Por primera vez en casi una década, debido al retraso en la producción de The Good Dinosaur y Buscando a Dory, secuela de Buscando a Nemo,[118] Pixar no estrenó ningún largometraje en 2014.[119] [120] En noviembre de ese año Jim Morris fue nombrado presidente de Pixar[121] y se anunció la producción de Toy Story 4 dirigida nuevamente por Lasseter.[122] A mediados de 2015 se estrenó Inside Out, cuyas recaudaciones le llevaron a ser la tercera película de Pixar más exitosa.[123] [124] Para varios críticos, Inside Out representó el regreso de Pixar a «un mejor estado».[125] [126] [127] [128] [129] En contraste, The Good Dinosaur, estrenado en noviembre del mismo año, no obtuvo muchas ganancias y es considerado como el primer «fracaso» del estudio.[130] En junio de 2016 apareció en carteleras Buscando a Dory, dirigida por Stanton. La película rompió varios récords de taquilla, al ser el de mayores ingresos en su día de estreno en EE.UU y Canadá; el de mayores recaudaciones de Pixar;[6] el más exitoso de Walt Disney Pictures; y la cinta animada con mayores recaudaciones en la historia del cine.[131]

Filmografía[editar]

Películas[editar]

La primera película estrenada por el estudio fue Toy Story, en 1995, bajo la dirección de John Lasseter. Desde entonces Pixar suele estrenar entre uno o dos largometrajes al año. Su más reciente producción es Buscando a Dory, en 2016.[132]

Cortometrajes[editar]

Su primer cortometraje, titulado Las Aventuras de André y Wally B., se estrenó en 1984. Por lo general, el estudio suele acompañar sus producciones cinematográficas con un corto que posee una trama distinta a la del filme. El más reciente fue Piper, de Alan Barillaro estrenado con Buscando a Dory.[133] Otras producciones de breve duración están relacionadas con algunas de sus películas, como es el caso de Mike's New Car (2002) inspirado en Monsters, Inc.[134]

Programas de televisión[editar]

Toy Story fue el primer filme de Pixar en ser adaptado para la televisión, con la película y serie Buzz Lightyear of Star Command, ambas producidas por Disney. La serie fue presentada en la American Broadcasting Company entre octubre de 2000 y enero de 2001.[135] [136] Cars se convirtió en el segundo con la llegada de Cars Toons, una serie de cortos producida por Pixar, con una duración de tres a cinco minutos presentados en Disney Channel y protagonizados por Mater.[137] En 2013, el estudio estrenó su primer especial de televisión, Toy Story of Terror!, seguido de Toy Story That Time Forgot en 2014.[138] [139]

Filosofía de trabajo y temáticas[editar]

«No es solo contar una historia, sino que la gente sienta que algo la incluye, la conecta y suma a su cultura [...] Debe haber un balance entre la alegría y la tristeza si se busca una amplitud de emociones, pero también que refleje la verdad sobre las personas. Para lograr impacto es importante mantener esa idea del balance que todos tenemos entre las cosas buenas y las cosas difíciles, y particularmente en películas como Inside Out, entender que la tristeza es una parte importante de la vida, que te permite reagruparte, recuperarte y procesar las cosas malas para sanar»
—Catmull y Morris.[87]

Uno de los aspectos más valorados de las producciones de Pixar es su capacidad para «crear nuevos mundos, animar personajes únicos y contar historias por medio de la animación».[140] En opinión de Catmull, las películas de Disney estrenadas a partir de los años 1960 carecían de tramas memorables y «le daban prioridad al arte sobre el relato». La intención de Pixar sería anteponer el desarrollo de las historias a la tecnología de animación.[141] Normalmente el ciclo de producción de uno de sus filmes dura cinco años, de los cuales tres son empleados para la redacción y desarrollo del relato, el cual surge del proceso creativo Pixar Braintrust.[43] [87] En cada historia buscan que «el personaje principal crezca, cambie y se convierta en alguien mejor [...] No importa si es un juguete, un insecto, un monstruo o un automóvil»,[142] transmitiendo a la audiencia un mensaje inspirador a través de «la emotividad del relato».[143] Por lo general, sus personajes son objetos, animales y criaturas antropomorfas parlantes[144] que se embarcan en aventuras que les llevan a cambiar su perspectiva sobre la vida.[145] Entre los temas abordados con frecuencia se incluyen la amistad y la lealtad,[143] la cooperación y el trabajo en equipo,[146] y la familia.[147] [148] Este último concepto, en opinión de la revista Slant Magazine, es el más representativo de sus producciones, que en su mayoría destacan la importancia de preservar la unión familiar frente a las adversidades.[149]

Cabe mencionarse que todas las historias, personajes y escenarios de las películas de Pixar son desarrollados a nivel interno por el propio personal del estudio.[150] El Pixar Braintrust consiste en un panel en el que participan el director, los guionistas y el equipo de producción de una película proponiendo ideas y haciendo sugerencias para desarrollar la historia a producir. En la mayoría de las ocasiones, estas reuniones son convocadas cuando el director ya cuenta con una idea en mente para la película, de modo que el panel sirva como «grupo de incubación» que ayude a desarrollar el concepto en su totalidad.[150] Esta metodología ha sido utilizada constantemente por Pixar desde la producción de Toy Story. De acuerdo a Catmull, el éxito de estas reuniones se debe a la «buena comunicación del grupo, su franqueza al momento de aportar ideas y la creatividad». En sus palabras: «tratamos de crear un entorno en el que todos quieran escucharse entre sí (incluso las sugerencias desafiantes) y en el que todos muestran un interés evidente en el éxito del otro. ]De esta forma] le proporcionamos libertad y responsabilidad a nuestros cineastas».[151] Eventualmente son creados los guiones gráficos, que incluyen los diálogos y algunas composiciones musicales temporales, a los cuales se refieren como los «carretes de la historia» (del inglés story reels).[150]


A lo largo de sus producciones, Pixar incluye referencias a otros de sus trabajos y otros huevos de pascua que tienen relación con el personal del estudio. Cada filme de Pixar ha tenido un personaje caracterizado por John Ratzenberger.[152]

«A113», un código que aparece en muchas de las producciones, es un homenaje a un salón de clases del Instituto de las Artes de California, la alma máter de animadores como Lasseter, Bird, Stanton, Docter. No obstante, Pixar no es el único en utilizar el «A113»; también ha aparecido en otras películas de Disney y en series como The Simpsons o South Park.[153] [154]

Pizza Planet es un restaurante de pizza que aparecen en Toy Story; su comida se entrega en una flota de decrépitas camionetas Toyota Hilux, con un cohete en el techo que representa el logo del establecimiento. Desde su primera aparación, Pixar ha agregado una camioneta en todos sus largometrajes con excepción de The Incredibles.[155] También se ha utilizado en otras películas la pelota amarilla con una franja azul y estrella roja que apareció por primera vez en el corto Luxo, Jr.[156] y empresas ficticias como Buy n Large (BnL).[157]

Estas referencias han llevado a que, en 2013, un blog llamado The Pixar Theory, creado por Jon Negroni, estableciera la teoría de que todas las películas de Pixar se encuentran en un mismo universo relacionado.[158] En respuesta, Kori Rae, productora de Monsters University declaró que: «Es una idea divertida, pero debíamos haber sido increíblemente inteligentes para haber planeado eso».[159] Y, durante la Expo D23 de 2015, Mark Andrews, director de Brave, reiteró que la teoría es falsa: «No es verdad, ¡anda ya!»; a lo que Ronnie del Carmen, codirector de Inside Out, agregó: «¡¿Saben qué clase de reuniones tendríamos que tener para asegurarnos de que todas las películas concordaran?!».[160]


Exhibiciones[editar]

Pixar celebró su vigésimo aniversario en 2006 con el estreno de su séptimo largometraje, Cars, y con presentaciones realizadas entre el 14 de diciembre de 2005 y el 6 de febrero de 2006 en el MoMA. Se exhibieron más 500 obras originales, entre dibujos, conceptos y arte conceptual, de las seis películas. Así como Zoetrope, una instalación donde los visitantes observan personajes de Toy Story animados por medio de un zoótropo.[161] A partr de entonces, la exhibición se trasladó a otras ciudades.

Para su 25 aniversario, Pixar estrenó Cars 2 y extendió su primera exposición, ahora denominada Pixar: 25 Years of Animation (en español, Pixar: 25 años de animación), con arte de Ratatouille, WALL-E, Up y Toy Story 3. Se han realizado presentaciones en el Museo de Ciencias de Londres, el Australian Centre for the Moving Image de Melbourne, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Science Centre Singapore de Singapur, el Oakland Museum of California de Oakland, el Padiglione d’Arte Contemporanea de Milán, el Art Ludique Le Musée de París y la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, entre otros.[162]

Véase también[editar]

Referencias[editar]

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Bibliografía[editar]

Enlaces externos[editar]

Coordenadas: 37°49′58″N 122°17′02″O / 37.832639, -122.283789