Pixar

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Pixar Animation Studios
Pixar logo.svg
Logotipo de Pixar
Tipo Filial de The Walt Disney Company
Industria Animación por ordenador
Películas
Fundación 3 de febrero de 1986
Fundador(es) Edwin Catmull[1]
Alvy Ray Smith[1]
Nombres anteriores The New York Institute of Technology Computer Graphics Lab (1975–1979)
The Graphics Group of Lucasfilm Computer Division (1979–1986)
Sede central Emeryville, Estados Unidos
Personas clave Edwin Catmull (presidente)[2]
John Lasseter (director creativo)
Jim Morris (presidente)[2]
Productos Pixar Image Computer
RenderMan
Marionette
Propietario Lucasfilm (1979–1986)
Independiente (1986–2006)
The Walt Disney Studios (2006–presente)
Filiales Pixar Canada (cerrada)
Sitio web http://www.pixar.com
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Pixar Animation Studios, conocido simplemente como Pixar (pronunciado: /ˈpɪksɑr/), es un estudio cinematográfico de animación por computadora con sede en Emeryville, Estados Unidos. El estudio es mejor conocido por sus películas de animación creadas con el PhotoRealistic RenderMan, un interfaz de programación de aplicaciones de renderización de imagen utilizado para generar imágenes de alta calidad. Pixar fue fundado en 1979 como Graphics Group, parte de la división computacional de Lucasfilm, para posteriormente derivarse como una compañía en 1986 con financiamiento de Steve Jobs, cofundador de Apple. Por lo anterior, Jobs se convirtió en su mayor accionista.[3] En 2006, la empresa fue adquirida por The Walt Disney Company por un valor de 7400 millones de dólares. La mascota del estudio es Luxo Jr., un personaje del corto animado del mismo nombre.

La compañía ha producido 16 películas, Toy Story (1995) fue la primera y la más reciente The Good Dinosaur (2015). La mayoría de sus filmes han recibido buenas críticas y han sido éxitos comerciales, con excepción de Cars 2 (2011), que, a pesar de su éxito comercial, recibió críticas substancialmente menos favorecedoras.[4] En sus debuts, las 16 películas han sido calificadas por CinemaScore con al menos una «A-», que indica una recepción positiva de la crítica y la audiencia.[5] Asimismo, el estudio ha producido numerosos cortometrajes. Para octubre de 2015, sus películas habían reunido más de 9300 millones de dólares a nivel mundial, con una recaudación propmedio de 623 millones por película.[6] Finding Nemo (2003), Toy Story 3 (2010) e Inside Out (2015) son tres de las 50 películas con mayores recaudaciones de todos los tiempos y se encuentran, junto a 10 filmes más del estudio, entre las 50 películas animadas con mayores recaudaciones. Toy Story 3 es la tercera película animada con mayor recaudación en la historia, precedida por Frozen de Walt Disney Animation Studios, que logró recaudar 1279 millones de dólares, y Minions de Illumination Entertainment, que ha acumulado 1153 millones, en comparación con los 1063 de Toy Story 3.

Pixar ha ganado 16 premios Óscar, ocho Globos de Oro y 11 premios Grammy, además de muchos otros premios y reconocimientos. Desde su primera nominación en 2001, casi todas las películas del estudio han sido nominadas al Óscar a la mejor película de animación. Ocho de ellas han ganado: Finding Nemo, The Incredibles (2004), Ratatouille (2007), WALL-E (2008), Up (2009), Toy Story 3, Brave (2012) e Inside Out (2015). Monsters, Inc. (2001) y Cars (2006) son las únicas películas nominadas que no recibieron el premio. Up y Toy Story 3 fueron la segunda y tercera películas animadas nominadas al Óscar a la mejor película (la primera fue Beauty and the Beast de Walt Disney Animation Studios). El 6 de septiembre de 2009, John Lasseter, Brad Bird, Pete Docter, Andrew Stanton y Lee Unkrich recibieron el León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia. El premio fue presentado por el fundador de Lucasfilm, George Lucas.

Historia[editar]

1976-1986: Inicios en Lucasfilm[editar]

Una Pixar Image Computer fotografiada en el Museo Histórico de Ordenadores.

En 1979, Lucasfilm creó The Graphics Group, como parte de su División Computacional, para el desarrollo de «tecnología computacional de vanguardia».[7] El equipo estuvo encabezado por Edwin Catmull del New York Institute of Technology (NYIT),[8] donde se desempeñaba como encargado del Laboratorio de Computación Gráfica (CGL, por sus siglas en inglés). Poco tiempo después se unió Alvy Ray Smith, también del NYIT, ocupando el cargo de director. En el NYIT, ambos investigadores fueron pioneros de muchas de las técnicas fundacionales de la computación gráfica, especialmente de la composición alfa.[9] Tras trasladarse a Lucasfilm, el equipo trabajó en la creación del precursor de RenderMan, llamado REYES (por sus siglas en inglés: «renders everything you ever saw»; en español: «renderiza todo lo que veas»). Además, desarrolló diversas tecnologías fundamentales para la computación gráfica como los «efectos de partículas» y varias herramientas de animación.

En 1982, el equipo comenzó a trabajar en secuencias de efectos especiales con la Industrial Light & Magic.[8] El 25 de julio de 1984, The Graphics Group estrenó en el SIGGRAPH una versión incompleta de The Adventures of André and Wally B., dirigido por John Lasseter, que se unió al grupo en 1983.[7] [10] Tras años de investigación e hitos claves, como el Efecto Genesis de Star Trek II: The Wrath of Khan[8] y el caballero del vitral de Young Sherlock Holmes,[11] el grupo, conformado por 40 personas,[3] se derivó como una compañía el 3 de febrero de 1986 bajo el nombre de Pixar y con financiamiento de Steve Jobs, poco después de su despido de Apple Computer.[3] Jobs pagó cinco millones de dólares a George Lucas por los derechos de la tecnología y capitalizó cinco millones más en la recién creada empresa. Pixar fue liderada por Catmull como su presidente y por Ray Smith como su vicepresidente ejecutivo, mientras que Jobs ocupó el cargo de presidente de la Junta de Directores.[3]

1986-1990: Reconversión de la animación[editar]

Inicialmente, Pixar fue una empresa de hardware de lujo cuyo producto principal fue la Pixar Image Computer, un sistema vendido principalmente a agencias gubernamentales y a la comunidad médica. Uno de sus compradores fue Walt Disney Studios, que lo utilizó como parte de su proyecto Computer Animation Production System (CAPS), que, utilizando la máquina y el software creado por Pixar, se llevó a cabo para migrar del laborioso proceso de animación 2D a mano a un método más automatizado. No obstante, la computadora no se vendió bien.[12] El 17 de agosto de 1986,[13] Lasseter estrenó en el SIGGRAPH su corto Luxo Jr., el primer cortometraje de Pixar, con gran aceptación por parte de la audiencia.[14] Luxo Jr. se convirtió en el primer corto animado en tercera dimensión en ser nominado al Óscar al mejor cortometraje animado.[7] Al año siguiente, también en el SIGGRAPH, se estrenó Red's Dream, que presentaba efectos de lluvia y una mayor complejidad de iluminación. Un fragmento del corto fue completamente renderizado con la Pixar Image Computer.[7]

Para 1988, Pixar estrenó en el Ottawa International Film Festival y en el SIGGRAPH la versión completa de su nuevo corto Tin Toy, el primer corto animado por computadora que ganó el Óscar al mejor cortometraje animado.[7] [15] Sin embargo, con la amenaza de caer en la quiebra por las inadecuadas ventas de las computadoras, el departamento de animación de Lasseter comenzó la producción de comerciales animados por computadora para empresas como Tropicana, Listerine y Life Savers.[16] En 1989, el estudio estrenó su siguiente corto Knick Knack, su primera animación realizada en 3D estereoscópico y «uno de los últimos cortos que Lasseter animó personalmente durante los años independientes de Pixar».[7] [17]

1990-1995: Problemas económicos[editar]

El 30 de abril de 1990, Pixar vendió su división de material informático a Vicom Systems.[18] Ese mismo año, la compañía se trasladó de San Rafael a Richmond, California. Durante ese periodo, el estudio entabló conversaciones con Walt Disney Feature Animation, que mostró interés en realizar una película basada en el corto Tin Toy.[18] Para mantener el financiamiento de la empresa, Jobs exigió a los empleados regresar sus acciones y creó un «Nuevo Pixar» del cual era el único dueño.[19] A inicios de marzo de 1991, 30 empleados de la compañía fueron despedidos, reduciendo el número de trabajadores a 42.[20] Aun así, en junio de 1991, Pixar firmó un acuerdo, por 26 millones de dólares, con Disney para la realización de tres películas. No obstante, Disney mantuvo los derechos «a su sola discreción, de abandonar el proyecto en cualquier momento, aun después de iniciada la producción». Además, aunque se acordaron tres películas, la segunda y tercera serían una «opción de Disney». Toy Story sería el primer filme a realizar.[7] [21] [22] [23] Tras los despidos, los programadores de la empresa, que trabajaban en RenderMan y CAPS, y el departamento de animación de Lasseter, que realizaba comerciales de televisión, cortometrajes y, ocasionalmente, cortos para Sesame Street, fueron mantenidos en la compañía.[19]

Durante el verano de 1994, Pixar comenzó a trabajar en ideas para una nueva película.[24] Así, Lasseter, Andrew Stanton, Pete Docter y Joe Ranft esbozaron el argumento de A Bug's Life, Monsters, Inc. y Finding Nemo. Para la historia de los insectos, el equipo consideró una adaptación de la fábula de Esopo, La cigarra y la hormiga, algo que Disney ya había realizado en 1934 con el cortometraje The Grasshopper and the Ants.[24] Finalmente, a inicios de 1995, comenzaron los trabajos de A Bug's Life. El 7 de julio de 1995, Disney anunció que ejercía la opción de la segunda película del acuerdo con Pixar.[24]

Pese al total de ingresos que resultaron de estos proyectos, la empresa continuó perdiendo dinero. Jobs, como presidente de la Junta y ahora como dueño de la empresa, consideró venderla.[21] [25] No obstante, tras leer a los críticos de Nueva York, que señalaban que Toy Story podría ser un éxito, y tras confirmar que Disney distribuiría su primer película en la segunda mitad de noviembre de 1995, Jobs decidió dar otra oportunidad a Pixar.[25] [26] [27] Además, por primera vez tomó un papel activo de liderazgo en la compañía y, en febrero de 1995, se nombró presidente y director ejecutivo.[28]

1995-2000: Colaboración con Disney[editar]

Entrada de la sede de Pixar Animation Studios en Emeryville, California.

Toy Story recaudó más de 361 millones de dólares a nivel mundial.[29] La película fue nominada a los premios Óscar a la mejor canción original, mejor banda sonora y mejor guion original. Además, Lasseter recibió el premio Óscar por logro especial por «desarrollar e inspirar la aplicación de técnicas que han hecho posible el primer largometraje animado por computadora».[7] [30] [31] Cuando Pixar realizó su primera oferta pública de venta el 29 de noviembre de 1995, superó a Netscape como la mayor OPV del año. En la primera media hora de venta, las acciones pasaron de 22 a 45 dólares. Incluso la venta tuvo que ser retrasada debido a la gran cantidad de órdenes de compra. Las acciones subieron a 49 dólares antes de finalizar el día en 39.[32] [33]

Entre 1990 y 2000, se desarrolló de forma gradual el «Pixar Braintrust», el proceso creativo del estudio. Una especie de revisión por pares en la que directores, escritores y artistas revisan los proyectos de los demás y comparten opiniones, ideas y críticas (constructivas).[34] [35] Según Catmull, el Braintrust evolucionó de la relación de trabajo que llevaron a cabo Lasseter, Stanton, Docter, Unkrich, y Ranft en Toy Story.[7] [34] Tras el éxito de su primer filme, Pixar comenzó la construcción de un nuevo estudio en Emeryville, California, diseñado por PWP Landscape Architecture e inaugurado el 27 de noviembre de 2000.[36]

En diciembre de 1995, comenzaron las conversaciones sobre una secuela de Toy Story.[37] Tras plantearle la idea a Joe Roth, presidente de Walt Disney Studios, y recibir su apoyo, Disney se planteó que la película fuera directamente para vídeo, tal como había sucedido con secuelas de filmes como Aladdin.[37] Y, en marzo de 1997, Pixar y Disney anunciaron oficialmente que Toy Story tendría una secuela.[38] Poco antes, el 24 de febrero de 1997, ambas empresas firmaron un nuevo acuerdo para la producción de cinco nuevas películas en un periodo de 10 años, bajo la marca compartida Disney-Pixar y con igual distribución de las ganancias.[7] [39] Aunque Toy Story 2 formó parte del acuerdo, como secuela, no se consideró parte de las cinco películas nuevas.[40]

En noviembre de 1997, los ejecutivos de Disney observaron escenas de Toy Story 2 y comenzaron a interesarse en que fuera estrenada en cines y no directamente para vídeo.[41] Lo que finalmente se concretó luego de negociaciones entre Jobs y Roth Schneider, ejecutivo de Disney.[42] Por lo anterior, y para que el filme tuviera una mayor duración, el equipo de Pixar comenzó a rediseñar la historia.[43] No obstante, en el invierno de 1998, una persona pulsó accidentalmente un comando que comenzó a borrar los archivos de la película. Al revisar las copias de respaldo, que también habían fallado, se comprobó que se había perdido el 90% del trabajo. Fue gracias a un respaldo realizado por la supervisora de la dirección técnica (que trabajaba desde casa por su embarazo) que, tras grandes esfuerzos, el equipo pudo rescatar la película.[44]

El 24 de noviembre, el estudio estrenó su nuevo cortometraje, Geri's Game, el primero desde Knick Knack.[7] [45] El corto fue galardonado con el Óscar al mejor cortometraje animado en 1998.[46] Por su parte, A Bug's Life, fue estrenada el 20 de noviembre de 1998. Logró una recaudación, a nivel mundial, de 363 millones de dólares y recibió una nominación al Óscar a la mejor banda sonora.[7] [47] En ese momento, Lasseter, Stanton y Docter, que se unieron al equipo de Toy Story 2 en diciembre de ese año, se mostraron descontentos por la forma que la secuela estaba tomando, por lo que ese mes se reescribió la historia y, pese a la oposición de Disney, comenzó la producción de la nueva versión de la película en enero de 1999. Para alcanzar la fecha límite, el equipo trabajó contra reloj por los siguientes nueve meses.[44] Las largas y duras jornadas de trabajo causaron síndrome del túnel carpiano en algunos animadores y lesiones por movimientos repetitivos en otros.[48] [49]

Toy Story 2 se estrenó el 24 de noviembre de 1999 y recaudó un total de 485 millones de dólares a nivel mundial. Fue la película animada con mayor recaudación del año, superando por un margen significativo a las dos películas anteriores. Además, fue la primera secuela animada con mayor recaudación que el filme original.[7] [50] Recibió críticas positivas en su gran mayoría, una nominación al Óscar a la mejor canción original y premios como el Globo de Oro a la mejor película (comedia o musical) y siete premios Annie.[51] Al año siguiente, se estrenó su siguiente cortometraje, For the Birds, que recibió el Óscar al mejor cortometraje animado.[52]

2001-2004: Conflicto con Disney[editar]

Pese al éxito del acuerdo, ambas empresas tuvieron serios conflictos. Ya desde la producción de Toy Story 2, Pixar se mostró en contra de que la película fuera directamente para video.[53] En general, el estudio consideró que el acuerdo de producción no era equitativo; mientras que ellos eran responsables de la creación y producción, Disney lo era de la mercadotecnia y la distribución. No obstante, los costos de producción eran sufragados a partes iguales y Disney recibía los derechos exclusivos de las historias, los derechos de secuelas y además recibía una cuota por distribución.[54] El «cambio en el equilibrio de poder entre las dos empresas» fue un agravante del conflicto: mientras que Pixar mantenía una creciente popularidad y éxito en sus producciones, Disney pasaba problemas con su propia producción de películas animadas.[54]

En enero de 2001, Catmull fue nombrado presidente de Pixar.[55] Más tarde, el 2 de noviembre, se estrenó Monsters, Inc.[7] la primera película dirigida por Docter y cuyo trabajo había comenzado en 1996.[56] El filme presentó innovaciones técnicas producto de la complejidad de los personajes, de ciertas escenas y de algunos elementos, como la iluminación. Por vez primera, cada protagonista contó con su propio animador principal.[57] Pixar creó un departamento de simulación que, a su vez, diseñó un nuevo programa de simulación: Fizt. Gracias a este programa, los animadores podían simular el movimiento del cabello y la ropa y la influencia que el viento, la gravedad y otros objetos tienen en estos, aportando más realismo.[57] [58] [59] Además, redujeron el tiempo necesario para crear las tomas —cada toma, con una duración de entre tres y 10 segundos, tomaba dos semanas para ser creada; con el simulador, el tiempo se redujo a dos horas—.[58]

Con Monsters, Inc., la granja de render de Pixar aumentó a 3500 procesadores Sun Microsystems —comparados con los 1400 de Toy Story 2 y los 200 de Toy Story[60] —.[57] [59] Además, se desarrolló un algoritmo utilizado para lidiar con los problemas ocasionados por la colisión entre telas[61] [60] y uno para los relacionados con la sombra del cabello, pelaje,[62] niebla, vapor y efectos atmosféricos.[59] En su fin de semana de estreno, la película se colocó en la primera posición de recaudación al acumular 62 millones de dólares en los Estados Unidos.[63] En total, recaudó 562 millones de dólares a nivel mundial.[64] Recibió el Óscar a la mejor canción original y tres nominaciones más —mejor película de animación, mejor banda sonora y mejor edición de sonido—.[52] Ese mismo año, Rob Cook, Loren Carpenter y Ed Catmull recibieron el Premio de la Academia al Mérito por los «significativos avances en el campo de la renderización de películas, ejemplificados por el RenderMan de Pixar».[7] [65]

El 17 de septiembre de 2002, Pixar estrenó su primer cortometraje protagonizado por personajes de otra película suya, Mike's New Car, nominado al Óscar al mejor cortometraje animado.[7] Unas semanas después, Disney California Adventure inauguró A Bug's Land, una atracción inspirada en A Bug's Life.[7] El 30 de mayo de 2003, mientras ambas compañías comenzaron las negociaciones para llegar a un nuevo acuerdo, Pixar estrenó su quinta película: Finding Nemo, un éxito de taquilla y entre la crítica. Con el filme, el estudio logró nuevamente colocarse en la primera posición de recaudación durante su fin de semana de estreno.[66] Por primera vez, Pixar obtuvo el Óscar a la mejor película de animación, además de otras tres nominaciones y nueve premios Annie —de un total de 12 nominaciones—.[67] Con una recaudación total de 936 millones de dólares a nivel mundial, Finding Nemo se convirtió en la 32.ª película con mayor recaudación de la historia y la quinta entre las películas de animación. Del año, fue la segunda película con mayor recaudación.[68]

A lo largo del año, continuaron las negociaciones sobre el nuevo acuerdo. Pixar buscó que el acuerdo con Disney fuera únicamente de distribución, es decir, el estudio mantendría el control de la producción y conservaría los derechos de sus películas. Además buscó financiar completamente sus filmes y recaudar el total de las ganancias, con una cuota de distribución del 10% o menos para Disney. También demandó el control de la producción de las películas que ya estaban siendo realizadas como parte del antiguo acuerdo, The Incredibles y Cars.[69] Pese a que ambas compañías cedieron en ciertas condiciones,[70] las negociaciones comenzaron a colapsar. A finales de 2003, en diciembre, llegó el siguiente corto del estudio: Boundin', nominado al Óscar al mejor cortometraje animado.[7]

El 30 de enero de 2004, Pixar rompió relaciones con Disney.[71] [72] [73] Ante las peticiones del estudio, Disney se negó argumentando que generarían pérdidas de millones de dólares.[73] Por su parte, los desacuerdos entre Jobs y Michael Eisner, director ejecutivo de Disney, habían empeorado aún más las negociaciones.[74] No obstante, se aseguró que ambas compañías finalizarían su último compromiso: la producción y distribución de The Incredibles y Cars.[73] Mientras que, según Jobs, Pixar comenzaría a explorar nuevas opciones para distribuir, a partir de 2006, sus películas,[72] Disney creó Circle 7 Animation, una división de Walt Disney Feature Animation, que se encargaría de producir Toy Story 3 y Monsters, Inc. 2.[75]

2005-2006: Adquisición de Pixar[editar]

Lasseter y Catmull fueron nombrados presidente y director creativo de Walt Disney Feature Animation, respectivamente, tras la adquisición de Pixar.

El 5 de noviembre de 2004, Pixar y Disney estrenaron The Incredibles. Con 70 millones de dólares acumulados en su fin de semana de estreno, la película se colocó en la primera posición de recaudación y rompió todos los récords de Pixar.[7] [76] En total, recaudó 631 millones de dólares a nivel mundial.[77] Recibió el Óscar a la mejor película de animación y a la mejor edición de sonido y dos nominaciones más —mejor guion original y mejor sonido—.[78] Seis días después, fue inaugurada Turtle Talk with Crush, una atracción inspirada en Finding Nemo, en The Living Seas de Epcot.[7]

El 11 de junio del año siguiente, durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Pixar estrenó One Man Band, nominado al Óscar al mejor cortometraje animado.[7] Pese a lo declarado, el estudio no buscó nuevos distribuidores; tras anunciarse que Robert Iger sustituiría a Eisner como director ejecutivo de Disney,[79] las negociaciones se reiniciaron.[80] A finales de año, el 14 de diciembre, el MoMA inauguró Pixar: 20 Years of Animation, la primera exposición externa del trabajo original del estudio.[7]

Tras varios meses de negociaciones, el 26 de enero de 2006, Disney anunció la compra de Pixar Animation Studios por 7400 millones de dólares;[81] el acuerdo se completó el 5 de mayo de ese año.[82] Como parte del acuerdo de adquisición, Catmull —que se mantuvo como presidente de Pixar— y Lasseter fueron nombrados, respectivamente, presidente y director creativo de Walt Disney Feature Animation —poco después, Lasseter renombró ese estudio como Walt Disney Animation Studios—.[83] Asimismo, Disney cerró Circle 7 y canceló su proyecto de Toy Story 3.[84]

Según Lasseter, Iger comprendió que Disney necesitaba comprar Pixar mientras observaba un desfile en la inauguración de Hong Kong Disneyland. En ese momento, Iger notó que todos los personajes del desfile eran los creados por Pixar, no había ninguno creado por Disney en los últimos diez años.[85] Luego de un análisis financiero, se confirmó que Disney había perdido dinero gracias a sus últimos proyectos de animación. Tras ser promovido a presidente ejecutivo y presentar la información financiera, se autorizó a Iger explorar la posibilidad de un acuerdo con Pixar.[86] Pese a su cautela inicial y convencidos por Jobs, Lasseter y Catmull accedieron a negociar.[85]

Las posiciones de Lasseter y Catmull no implicaron la fusión de ambas compañías. En realidad, como parte del acuerdo se estableció que Pixar se matendría como una entidad separada. Además, algunas de sus políticas de recursos humanos permanecerían intactas. Finalmente, el estudio mantendría su nombre y sus instalaciones principales continuarían en Emeryville.[87] [88] La primera película estrenada tras la compra del estudio fue Cars (9 de junio). El filme recaudó, a nivel mundial, 461 millones de dólares y fue nominada al Óscar a la mejor película animada y a la mejor canción original.[89] Posteriormente, el 11 de septiembre, se estrenó Lifted, nominado al Óscar a mejor cortometraje animado.[7]

2007-2010: Nuevos éxitos[editar]

Los principales directores de Pixar y George Lucas durante el 66° Festival Internacional de Cine de Venecia en 2009. De izquierda a derecha: Andrew Stanton, Pete Docter, John Lasseter, Lucas, Lee Unkrich y Brad Bird.

Ratatouille, la octava película del estudio, se estrenó el 29 de junio de 2007.[7] Siete años atrás, Jan Pinkava creó el concepto de la película, sin embargo, debido a la falta de confianza en su desarrollo de la historia, Pixar lo reemplazó con Brad Bird en 2005, que modificó la trama y diversas características de los personajes.[90] [91] Pese a tener el estreno menos exitoso desde A Bug's Life, el filme recaudó 623 millones a nivel mundial, con lo que se convirtió en la sexta película de Pixar con la mayor recaudación.[92] En los premios Óscar, Ratatouille ganó el premio a la mejor película de animación y fue nominada a la mejor banda sonora, mejor edición de sonido, mejor sonido y mejor guion original.[93] Con esto, el estudio obtuvo su tercer Óscar a la mejor película de animación; el segundo para Bird.

En abril de 2008, Pixar anunció sus próximas películas: Up, Toy Story 3, Newt, The Bear and the Bow y Cars 2.[94] Durante el verano, Docter también dio a entender que existía la posibilidad de que se produjera una secuela de Monsters, Inc.[95] El 10 de junio, durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, se estrenó Presto, nominado al Óscar a mejor cortometraje animado. Y el 27 de junio se estrenó WALL·E,[7] dirigida por Andrew Stanton. Pese a tener el presupuesto más alto hasta ese entonces (180 millones de dólares) y el tercer mejor fin de semana de estreno, tuvo una recaudación de solo 521 millones de dólares.[96] Sin embargo, obtuvo el Óscar a la mejor película de animación y fue nominada a cinco categorías más.[7] Meses más tarde, en septiembre, el productor del largometraje, Jim Morris, fue nombrado gerente general del estudio.[97]

Al año siguiente, Up (estrenada el 29 de mayo junto con el cortometraje Partly Cloudy) se convirtió en un éxito comercial y entre la crítica. Recaudó 731 millones de dólares a nivel mundial, es decir, la segunda película de Pixar con la mejor recaudación hasta ese entonces (superada solo por Finding Nemo). Con 68 millones acumulados, el estudio logró su tercer mejor fin de semana de estreno (superada por The Incredibles y Finding Nemo).[98] En general, recibió críticas positivas; el sitio especializado Rotten Tomatoes le otorgó, con base en 281 críticas, un puntaje de 98%, además la calificó como la mejor del 2009.[99] [100] De cinco nominaciones, ganó los premios Óscar a la mejor película de animación y a la mejor banda sonora.[101] Este fue el primer largometraje de Pixar nominado al Óscar a la mejor película; con Up, el estudio obtuvo su quinto Óscar a la mejor película animada y su primero a la mejor banda sonora. En la misma premiación, la Academia otorgó el premio Gordon E. Sawyer a Catmull.[7]

A inicios de septiembre, Luxo, la compañía fabricante de las lámparas del mismo nombre, demandó a Disney/Pixar por violar la marca registrada al vender réplicas de Luxo Jr. con el DVD de Up.[102] No obstante, el asunto se resolvió cuando Disney llegó a un acuerdo con Luxo y aceptó no vender las lámparas Luxo Jr. Además, la empresa le permitió a Pixar continuar utilizando la lámpara como personaje.[103] También en septiembre, Lasseter, Bird, Docter, Stanton y Unkrich fueron premiados con el León de Oro especial a toda una carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia, galaradón que recibieron de manos del director George Lucas. Durante la premiación, se mostraron escenas de Toy Story 3 y la nueva versión en 3D de Toy Story 2.[104]

Cuando la producción de Toy Story 3 de Circle 7 Animation se canceló y fue transferida a Pixar,[105] [106] Lasseter, Stanton, Docter y Unkrich desarrollaron la nueva historia de la película.[107] En febrero de 2007, se anunció que Unkrich, codirector de Toy Story 2, dirigiría el nuevo filme.[108] Unkrich comentó sentir presión por evitar crear «el primer fracaso» de Pixar, dado que (para 2010) todas las películas del estudio habían sido éxitos.[109] En febrero del año siguiente, se anunció la trama: «Woody y sus amigos son abandonados en una guardería puesto que su dueño, Andy, parte a la universidad».[110] Los animadores no pudieron utilizar el trabajo original de Toy Story, por lo que fue necesario recrear los modelos desde cero.[111] Para crear la compleja escena del vertedero el equipo necesitó más un año, del que la mitad se utilizó para crear sistemas de simulación necesarios para la secuencia.[112]

Tras su estreno el 18 de junio de 2010, Toy Story 3 fue un éxito sin precendentes para Pixar. Recaudó más que las dos películas anteriores juntas;[113] con 145.3 millones tuvo el tercer fin de estreno a nivel mundial más exitoso para una película animada (fue superada en 2013 por Despicable Me 2 y en 2015 por Inside Out).[114] Sus 1063 millones acumulados en todo el mundo la convirtieron en la película animada más exitosa de la historia (superada en 2014 por Frozen de Walt Disney Animation Studios[115] ),[116] la quinta película con las mayores recaudaciones[117] (a 2015 ocupa el lugar 17), la más exitosa del 2010 y del estudio (posición que aún ocupa),[118] [119] y la primera en llegar a la marca de los 1000 millones de dólares.[7] Con un 99% de aprobación, Toy Story 3 fue la película con las mejores críticas del año en Rotten Tomatoes.[120] Además, la revista Time la nombró la mejor película del año.[121] Fue nominada a cinco premios Óscar (después de Up, fue el segundo largometraje de Pixar nominado al Óscar a la mejor película), obtuvo los premios en las categorías mejor película animada y mejor canción original por «We Belong Together» de Randy Newman.[122]

En su siguiente cortometraje, Day and Night, estrenado junto a Toy Story 3 y nominado al Óscar al mejor cortometraje animado,[122] Pixar combinó elementos de animación en 2D y 3D;[123] fue el segundo cortometraje del estudio, después de Your Friend the Rat, en incluir animación en 2D. Por su parte, el Producers Guild of America premió a Lasseter con el Premio Especial David O. Selznick.[7]

2011-2013: Los primeros fracasos[editar]

En sus tres años de existencia, Pixar Canada produjo ocho cortometrajes basados en los personajes de Toy Story y Cars.

A inicios de 2010, se confirmó la cancelación de Newt y se anunció que The Bear and the Bow había sido renombrada como Brave.[124] Más tarde, Catmull explicó sobre la cancelación de Newt: «era otra extraña idea que no funcionaba. Cuando se la mostramos a otra persona [Pete Docter], nos dijo: 'Lo haré, pero tengo otra idea [Inside Out] que, me parece, es mejor'. Y nosotros también pensamos que era mejor. Esa es la razón por la que no continuamos con Newt».[125] Ese mismo año, en abril, el estudio fundó Pixar Canada, su subsidiaria con sede en Vancouver y encargada de producir cortometrajes sobre personajes de las películas de Pixar.[126]

El 6 de junio, durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, se estrenó La Luna, nominado al Óscar al mejor cortometraje animado. 18 días después, se estrenó Cars 2 junto a Hawaiian Vacation, el primer corto de Toy Story Toon.[7] La película recaudó 559 millones a nivel mundial, ocupando (en ese momento) la séptima posición entre las películas de Pixar.[119] [127] Con 39%, es el largometraje peor calificado del estudio por Rotten Tomatoes.[128] Asimismo, fue el primer filme de Pixar sin nominaciones al premio Óscar. Pese a las críticas y la baja recaudación (538 millones de dólares),[129] Brave, estrenada el 22 de junio de 2012, recibió el Óscar a la mejor película de animación.[7] El proyecto fue concebido por Brenda Chapman, que se desempeñó como directora (la primera para Pixar) y escritora.[130] No obstante, en octubre de 2010 fue reemplazada por Mark Andrews debido a «desacuerdos creativos».[131] Esta fue la primera película de Pixar protagonizada por una mujer.[132] Dado que Chapman recibió el crédito como codirectora, se convirtió en la primera mujer en recibir el Óscar a la mejor película animada.[131]

El 8 de mayo de 2013, tras protestas en línea, Disney retiró su solicitud de registro de «Día de los Muertos» ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos, solicitud realizada por propósitos de una nueva película de Pixar.[133] Y el 12 de junio, Pixar enfrentó, junto a otras compañías como Lucasfilm, Google e Intel, una demanda por acordar no contratar empleados de las otras compañías.[134] El retraso en la entrega de The Good Dinosaur, obligó al estudio a despedir al 5% de sus trabajadores. El estreno de la película estaba originalmente planeado en mayo de 2014, sin embargo, se retrasó hasta noviembre de 2015.[135] El 21 de julio, se estrenó la precuela de Monsters, Inc., Monsters University.[7] Con críticas en general positivas y con 743 millones, pasó a ser la 11° película animada con las mayores recaudaciones de la historia (a 2015 ocupa el lugar 14).[136] Tras ocho cortos, el 8 de octubre, se anunció el cierre de Pixar Canada y el despido de sus aproximadamente 100 trabajadores para centrar los esfuerzos de Pixar en su estudio principal.[137]

Para algunas personas, estas problemáticas representaron el declive de la calidad de Pixar, especialmente por su excesiva dependencia en las secuelas.[138] Apoyando esta idea, Christopher Orr de The Atlantic consideró las calificaciones que Rotten Tomatoes otorgó a los filmes del estudio. Con excepción de Cars, las películas peor calificadas fueron las tres estrenadas entre 2011 y 2013.[139] «Parecen muy lejanos los días en los que cada estreno de Pixar [significaba] un alucinante punto de inflexión», comentó al respecto Nicholas Barber de The Independent.[140]

2014-presente: Inside Out y producciones futuras[editar]

Por primera vez desde 2005, debido al retraso en la producción de The Good Dinosaur y Finding Dory, secuela de Finding Nemo anunciada a inicios de 2013,[141] Pixar no estrenó ningún largometraje en 2014.[142] [143] No obstante, continuó la producción de las películas, especialmente de Inside Out, cuyo estreno estaba programado para junio de 2015. A lo largo del 2014 se revelaron detalles de la trama y los avances del filme.[144] [145] [146] El 18 de marzo, Robert Iger anunció que Pixar trabajaba en secuelas de Cars 2 y The Incredibles.[147] Y en noviembre, Jim Morris fue nombrado presidente de Pixar.[148] También en noviembre, se anunció oficialmente Toy Story 4, con fecha de estreno el 16 de junio de 2017 y marcando el retorno de Lasseter a la dirección.[149]

Inside Out se estrenó el 19 de junio de 2015, aunque previamente se mostró durante el 68° Festival de Cannes en mayo. Con críticas en su mayoría positivas, recaudó más de 856 millones de dólares, es decir, es el tercer filme de Pixar con las mayores recaudaciones. Con 90.4 millones, tuvo el fin de semana de estreno de mayor recaudación para una película orginal. Además fue la quinta película (la segunda animada) con mayor recaudación del año y la 43° película con la mayor recuadación de la historia (la décima, dentro de las películas animadas).[119] [150] [151] Ganó el premio de la Academia a la mejor película animada.[152] En agosto, se anunció la producción de Coco, inspirada en el Día de Muertos de México.[153] Y el 8 de octubre, Pixar presentó las fechas de estreno de sus siguientes seis producciones, comenzando con The Good Dinosaur el 25 de noviembre de 2015. El estreno de Toy Story 4 se retrasó hasta el 15 de junio de 2018.[154] [155] Como parte de los anuncios de estrenos de Disney se consideraron dos películas de Pixar sin título para 2020.[156]

Para diversos críticos, Inside Out representó el regreso de Pixar a un mejor estado.[157] [158] [159] [160] [161] Sin embargo, The Good Dinosaur, estrenada el 25 de noviembre, fue su primer fracaso en taquilla. Con un costo de producción y mercadotecnia de 350 millones de dólares, el filme recaudó poco más de 300 millones. No obstante, las ganancias de Inside Out y Star Wars: The Force Awakens permitieron a Disney soportar estas pérdidas.[162] Desde de su anuncio en el verano de 2011, Pixar enfrentó diversas problemáticas con el filme. El director Bob Peterson fue reemplazado por Peter Sohn en agosto de 2013. Esta fue la cuarta ocasión en que el estudio sustituyó al director inicial.[163] [164] Este cambio conllevó, a su vez, drásticas modificaciones en la historia, ocasionando un retraso de 18 meses en la fecha de estreno. Además, prácticamente en su totalidad, el reparto coral original fue «abruptamente» reemplazado.[165] [166] Sin contar las secuelas, The Good Dinosaur es una de las obras de Pixar peor calificadas por los críticos[167] y la tercera en recibir ninguna nominación a los Óscar.

Producciones cinematográficas[editar]

Tradiciones[editar]

«Creo que alguien tiene demasiado tiempo libre. [...] Es como las teorías conspiracionistas del 11-S... ¿en serio? No, las películas fueron creadas en diferente orden y por diferentes directores en diferentes tiempos y en diferentes lugares. Es genial que todo funcione en esa forma, pero probablemente no fue intencional»
—Jay Ward, sobre la «Teoría Pixar».[168]

En un programa de entrevistas de la PBS, Lasseter aseguró en las películas de Pixar «[Lo que se busca] es una historia donde el personaje principal crezca. Cambie, se convierta en una mejor persona [...] No importa si es un juguete, un insecto, un monstruo o un automóvil [...]».[169] Sobre las secuelas de los filmes, Lasseter ha señalado que «La única razón por la que hacemos una secuela en Pixar es si logramos una gran historia que sea tan buena o mejor que la original».[170]

A lo largo de sus producciones, Pixar incluye referencias a otros de sus trabajos y otros huevos de pascua que tienen relación con el personal del estudio. Cada filme de Pixar ha tenido un personaje caracterizado por John Ratzenberger.[171]

«A113», un código que aparece en muchas de las producciones, es un homenaje a un salón de clases del Instituto de las Artes de California, la alma máter de animadores como Lasseter, Bird, Stanton, Docter. No obstante, Pixar no es el único en utilizar el «A113»; también ha aparecido en otras películas de Disney y en series como The Simpsons o South Park.[172] [173]

Pizza Planet es un restaurante de pizza que aparecen en Toy Story; su comida se entrega en una flota de decrépitas camionetas Toyota Hilux, con un cohete en el techo que representa el logo del establecimiento. Desde su primera aparación, Pixar ha agregado una camioneta en todos sus largometrajes con excepción de The Incredibles.[174] También se ha utilizado en otras películas la pelota amarilla con una franja azul y estrella roja que apareció por primera vez en el corto Luxo, Jr.[175] y empresas ficticias como Buy n Large (BnL).[176]

Estas referencias han llevado a que, en 2013, un blog llamado The Pixar Theory, creado por Jon Negroni, estableciera la teoría de que todas las películas de Pixar se encuentran en un mismo universo relacionado.[177] En respuesta, Kori Rae, productora de Monsters University declaró que: «Es una idea divertida, pero debíamos haber sido increíblemente inteligentes para haber planeado eso».[178] Y, durante la Expo D23 de 2015, Mark Andrews, director de Brave, reiteró que la teoría es falsa: «No es verdad, ¡anda ya!»; a lo que Ronnie del Carmen, codirector de Inside Out, agregó: «¡¿Saben qué clase de reuniones tendríamos que tener para asegurarnos de que todas las películas concordaran?!».[179]

Largometrajes[editar]

Cortometrajes[editar]

Fuente: [184]
Complementarios a un largometraje
Fuente: [189]

Series[editar]

Toy Story fue el primer filme de Pixar en ser adaptado para la televisión, con la película y serie Buzz Lightyear of Star Command, ambas producidas por Disney. La serie fue presentada en la American Broadcasting Company entre octubre de 2000 y enero de 2001.[190] [191] Cars se convirtió en el segundo con la llegada de Cars Toons, una serie de cortos producida por Pixar, con una duración de tres a cinco minutos presentados en Disney Channel y protagonizados por Mater.[192] En 2013, el estudio estrenó su primer especial de televisión, Toy Story of Terror!, seguido de Toy Story That Time Forgot en 2014.[193] [194]

Cars Toons[editar]

Mater's Tall Tales
Tales from Radiator Springs
Fuente: [197]

Toy Story Toons[editar]

Especiales de televisión
Fuente: [198]

Exhibiciones[editar]

Pixar celebró su vigésimo aniversario en 2006 con el estreno de su séptimo largometraje, Cars, y con presentaciones realizadas entre el 14 de diciembre de 2005 y el 6 de febrero de 2006 en el MoMA. Se exhibieron más 500 obras originales, entre dibujos, conceptos y arte conceptual, de las seis películas. Así como Zoetrope, una instalación donde los visitantes observan personajes de Toy Story animados por medio de un zoótropo.[199] A partr de entonces, la exhibición se trasladó a otras ciudades.

Para su 25 aniversario, Pixar estrenó Cars 2 y extendió su primera exposición, ahora denominada Pixar: 25 Years of Animation (en español, Pixar: 25 años de animación), con arte de Ratatouille, WALL-E, Up y Toy Story 3. Se han realizado presentaciones en el Museo de Ciencias de Londres, el Australian Centre for the Moving Image de Melbourne, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Science Centre Singapore de Singapur, el Oakland Museum of California de Oakland, el Padiglione d’Arte Contemporanea de Milán, el Art Ludique Le Musée de París y la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, entre otros.[200]

Véase también[editar]

Referencias[editar]

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Bibliografía[editar]

Enlaces externos[editar]

Coordenadas: 37°49′58″N 122°17′02″O / 37.832639, -122.283789