Serguéi Prokófiev

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Serguéi Serguéievich Prokófiev
Серге́й Серге́евич Проко́фьев
Sergei Prokofiev circa 1918 over Chair Bain.jpg
Información personal
Nombre en ruso Сергeй Сергeевич Прокoфьев Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacimiento 23 de abril de 1891
aldea de Sóntsovka,
óblast de Donetsk,
región de Ucrania,
Imperio ruso Bandera de Rusia
Fallecimiento 5 de marzo de 1953 (61 años)
ciudad de Moscú,
Unión Soviética Bandera de la Unión Soviética
Causa de muerte Causas naturales Ver y modificar los datos en Wikidata
Lugar de sepultura Cementerio Novodévichi Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad Rusa y soviética Ver y modificar los datos en Wikidata
Familia
Cónyuge
Educación
Alma máter
Alumno de
Información profesional
Ocupación compositor y pianista
Género Ópera, sinfonía y ballet Ver y modificar los datos en Wikidata
Instrumento Piano Ver y modificar los datos en Wikidata
Obras notables
Miembro de
Distinciones
  • Orden de la Bandera Roja del Trabajo
  • Medalla "Por el trabajo valiente en la Gran Guerra Patriótica 1941-1945"
  • Artista del Pueblo de la RSFSR
  • Premio Stalin (1943)
  • Medalla de Oro de la Royal Philharmonic Society (1944)
  • Premio Stalin (1946)
  • Premio Lenin (1957) Ver y modificar los datos en Wikidata
Web
Sitio web
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Serguéi Serguéievich Prokófiev (en ruso Серге́й Серге́евич Проко́фьев) (Sóntsovka, 23 de abril de 1891Moscú, 5 de marzo de 1953), conocido como Serguéi Prokófiev o Sergei Prokofiev, fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso.

Primera infancia y primeras composiciones[editar]

Reinhold Glière

Prokofiev nació en 1891 en Sontsovka (ahora Sontsivka, Raión Pokrovsk, Óblast de Donetsk, Ucrania oriental), una finca rural remota en la gobernación de Yekaterinoslav del Imperio ruso.[1]​ Su padre, Sergei Alexeyevich Prokofiev, era ingeniero agrónomo. La madre de Prokofiev, María (de soltera Zhitkova), provenía de una familia de antiguos siervos que habían sido propiedad de la familia Sheremetev, bajo cuyo patrocinio se enseñó a los siervos desde una edad temprana.[2][3]​ Fue descrita por Reinhold Glière (el primer profesor de composición de Prokofiev) como "una mujer alta con hermosos ojos inteligentes ... que supo crear una atmósfera de calidez y sencillez sobre ella".[4]​ Después de su boda en el verano de 1877, los Prokofiev se mudaron a una pequeña propiedad en la gobernación de Smolensk. Eventualmente, Sergei Alexeyevich encontró empleo como ingeniero de caminos, empleado por uno de sus antiguos compañeros de estudios, Dmitri Sontsov, a cuya propiedad en las estepas ucranianas se mudaron los Prokofievs.[5]

Glazunov por Repin

En el momento del nacimiento de Prokofiev, María, que había perdido dos hijas anteriormente, había dedicado su vida a la música; durante la primera infancia de su hijo, pasó dos meses al año en Moscú o San Petersburgo tomando clases de piano. Sergei Prokofiev se inspiró en escuchar a su madre practicando el piano por la noche, en su mayoría obras de Chopin y Beethoven, y escribió su primera composición para piano a la edad de cinco años, un "Galope indio", que fue escrito por su madre en una escala mayor con un cuarto grado de escala elevado, ya que el joven Prokofiev sentía "renuencia a abordar las notas negras".[6]​ A los siete años también había aprendido a jugar al ajedrez.[7]​ El ajedrez seguiría siendo una pasión suya, y se familiarizó con los campeones mundiales de ajedrez como José Raúl Capablanca, a quien venció en un partido de exhibición simultánea en 1914, y Mikhail Botvinnik, con quien jugó varios partidos en la década de 1930.[8]​ A la edad de nueve años, estaba componiendo su primera ópera, The Giant,[9]​ así como una obertura y otras piezas.

Nikolai Tcherepnin

Educación formal y primeros trabajos controvertidos[editar]

Nikolai Myaskovsky

En 1902, la madre de Prokofiev se encontró con Sergei Taneyev, director del Conservatorio de Moscú, quien inicialmente sugirió que Prokofiev debería comenzar las clases de piano y composición con Alexander Goldenweiser.[10]​ Incapaz de arreglar eso, Taneyev en cambio arregló las cosas para que el compositor y pianista Reinhold Glière pasara el verano de 1902 en Sontsovka enseñando a Prokofiev.[11]​ La primera serie de lecciones culminó, ante la insistencia de Prokofiev, de 11 años, con el incipiente compositor haciendo su primer intento de escribir una sinfonía.[12]​ El verano siguiente, Glière volvió a visitar Sontsovka para dar más clases.[13]​ Cuando, décadas después, Prokofiev escribió sobre sus lecciones con Glière, dio crédito al método simpático de su maestro, pero se quejó de que Glière le había presentado la estructura de frase "cuadrada" y las modulaciones convencionales, que posteriormente tuvo que desaprender. Sin embargo, equipado con las herramientas teóricas necesarias, Prokofiev comenzó a experimentar con armonías disonantes y marcas de tiempo inusuales en una serie de piezas cortas de piano que llamó "ditties" (a partir de la llamada "forma de canción", más precisamente de forma ternaria, en la que se basaron), sentando las bases para su propio estilo musical.[14]

A pesar de su creciente talento, los padres de Prokofiev dudaron sobre iniciar a su hijo en una carrera musical a tan temprana edad, y consideraron la posibilidad de que asistiera a una buena escuela secundaria en Moscú. En 1904, su madre se había decidido en cambio por San Petersburgo, y ella y Prokofiev visitaron la entonces capital para explorar la posibilidad de mudarse allí para su educación. Fueron presentados al compositor Alexander Glazunov, profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, quien pidió ver a Prokofiev y su música. Prokofiev había compuesto dos óperas más, Desert Islands y The Feast during The Plague, y estaba trabajando en su cuarta, Undina.[15]​ Glazunov quedó tan impresionado que instó a la madre de Prokofiev a que su hijo solicitara la admisión al Conservatorio. Pasó las pruebas introductorias y se inscribió ese año.[16]

Varios años más joven que la mayoría de su clase, Prokofiev era visto como excéntrico y arrogante, y molestaba a varios de sus compañeros manteniendo estadísticas sobre sus errores.[17]​ Durante ese período, estudió bajo, entre otros, Alexander Winkler para el piano,[18]Anatoly Lyadov para armonía y contrapunto, Nikolai Tcherepnin para dirección, y Nikolai Rimsky-Korsakov para orquestación (aunque cuando Rimsky-Korsakov murió en 1908, Prokofiev señaló que era solo uno de muchos estudiantes en una clase muy concurrida y lamentó que de otro modo "nunca tuvo la oportunidad de estudiar con él").[19]​ También compartió clases con los compositores Boris Asafyev y Nikolai Myaskovsky, y este último se convirtió en un amigo relativamente cercano y de por vida.[20]

Como miembro de la escena musical de San Petersburgo, Prokofiev desarrolló una reputación como un rebelde musical, mientras recibía elogios por sus composiciones originales, que interpretó él mismo en el piano.[21][22]​ En 1909, se graduó de su clase en composición con notas poco impresionantes. Continuó en el Conservatorio, estudiando piano con Anna Yesipova y continuando sus clases de dirección bajo Tcherepnin.[23]

Diaghilev por Bakst. 1906

En 1910, el padre de Prokofiev murió y el apoyo financiero a Sergei cesó.[24]​ Afortunadamente, comenzó a hacerse un nombre como compositor y pianista fuera del Conservatorio, haciendo apariciones en las noches de música contemporánea de San Petersburgo. Allí interpretó varias de sus obras para piano más aventureras, como sus altamente cromáticos y disonantes, Etudes op. 2 (1909). Su actuación impresionó a los organizadores de las Noches lo suficiente como para invitar a Prokofiev a dar el estreno ruso de Drei Klavierstücke op. 11, de Arnold Schoenberg.[25]​ La experimentación armónica de Prokofiev continuó con Sarcasmos para piano, op. 17 (1912), que hace un uso extenso de politonalidad.[26]​ Compuso sus primeros dos conciertos para piano alrededor de ese momento, el último de los cuales causó un escándalo en su estreno (23 de agosto de 1913, Pavlovsk). Según una versión, el público salió de la sala con exclamaciones de "¡Al diablo con esta música futurista! ¡Los gatos en el tejado hacen mejor música!", Pero los modernos estaban en éxtasis.[27]

En 1911, llegó la ayuda del renombrado musicólogo y crítico ruso Alexander Ossovsky, quien escribió una carta de apoyo al editor de música Boris P. Jurgenson (hijo del fundador de la editorial Peter Jurgenson [1836-1904]); y así se le ofreció un contrato al compositor.[28]​ Prokofiev hizo su primer viaje al extranjero en 1913, viajando a París y Londres, donde se encontró por primera vez con los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev.

Primeros ballets[editar]

Massine, Leonide (1895-1979) - 1914 - Retrato por Leon Bakst

En 1914, Prokofiev terminó su carrera en el Conservatorio al participar en la "batalla de los pianos", una competencia abierta a los cinco mejores estudiantes de piano, cuyo premio fue un piano de cola Schreder: Prokofiev ganó al interpretar su propio Concierto para piano n.º 1.[29]​ Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico, pues no correspondía con la línea nacionalista rusa.

Poco después, viajó a Londres, donde se puso en contacto con el empresario Sergei Diaghilev. Diaghilev encargó el primer ballet de Prokofiev, Ala y Lolli; pero cuando Prokofiev le trajo el trabajo en curso a Italia en 1915, lo rechazó como "no ruso".[30]​ Instando a Prokofiev a escribir "música que fuera de carácter nacional", Diaghilev luego le encargó el ballet Chout (The Fool, el título original en ruso fue Сказка про шута, семерых шутов перешутившего (Skazka pro shuta, semerykh shutov pereshutivshevo), que significa "El cuento del bufón que supera a otros siete bufones"). Bajo la guía de Diaghilev, Prokofiev eligió su tema de una colección de cuentos populares recopilados por el etnógrafo Alexander Afanasyev.[31]​ La historia, relacionada con un bufón y una serie de trucos de confianza, había sido previamente sugerida a Diaghilev por Igor Stravinsky como posible tema para un el ballet, y Diaghilev y su coreógrafo Léonide Massine ayudaron a Prokofiev a darle forma de guión de ballet.[32]​ La inexperiencia de Prokofiev con el ballet lo llevó a revisar el trabajo extensamente en la década de 1920, siguiendo la detallada crítica de Diaghilev, antes de su primera producción.[33]​ El estreno del ballet en París el 17 de mayo de 1921 fue un gran éxito y fue recibido con gran admiración por un público que incluía a Jean Cocteau, Igor Stravinsky y Maurice Ravel. Stravinsky llamó al ballet "la única pieza de música moderna que podía escuchar con placer", mientras que Ravel lo llamó "una obra de genio".[34]

Moneda de 10 rublos conmemorativa de El Jugador de Prokofiev

Primera guerra mundial y revolución[editar]

En paralelo durante la Primera Guerra Mundial, Prokófiev regresó al Conservatorio. Estudió órgano para evitar ser reclutado. Compuso El jugador, ópera basada en la novela homónima de Fiódor Dostoievski, pero los ensayos estuvieron plagados de problemas y el estreno, previsto para el año 1917, tuvo que ser cancelado debido a la Revolución de febrero. En el verano de aquel año, Prokófiev compuso su primera sinfonía, la Clásica. Este es el nombre que él mismo le dio, dado que fue compuesta en un estilo que, según Prokófiev, Joseph Haydn habría usado si estuviera vivo en esa época.[35]​ Es de estilo más o menos clásico, pero incorpora elementos musicales más modernos (ver Neoclasicismo). La sinfonía también fue una obra contemporánea exacta del Concierto para violín n.º 1, en re mayor, op. 19, que estaba programado para estrenarse en noviembre de 1917. Compuso la melodía de apertura del concierto en 1915, durante su historia de amor con Nina Mescherskaya. Los movimientos restantes se inspiraron en parte en la representación en San Petersburgo de 1916 de la obra Mitos de Karol Szymanowski por el violinista polaco Paul Kochanski.[36]

Karol Szymanowski

Las primeras interpretaciones de ambas obras debieron esperar hasta el 21 de abril de 1918 y el 18 de octubre de 1923, respectivamente.

A pesar de los acontecimientos que llevaron a la abdicación del zar Nicolás II de Rusia y, finalmente, la Revolución de Octubre, 1917 se convirtió en el año más productivo de Prokofiev en términos de composición. Junto con el Primer concierto para violín y la Sinfonía "clásica", compuso la tercera y cuarta sonatas para piano y las Visiones fugitivas para piano. También comenzó la cantata Siete, eran siete, basada en textos caldeos, y trabajó en el Tercer concierto para piano.[37]

Auditorium Building en 1919 sede de la Chicago Opera Association

Se quedó brevemente con su madre en Kislovodsk en el Cáucaso. Después de completar la composición de la cantata Siete, ellos eran siete, una "invocación caldea" para coro y orquesta, Prokofiev dice "quedé sin nada que hacer y el tiempo colgó pesadamente de mis manos". Creyendo que Rusia "no tenía ningún uso para la música en ese momento", Prokofiev decidió probar fortuna en América hasta que la confusión en su tierra natal hubiera pasado. Partió hacia Moscú y Petersburgo en marzo de 1918 para resolver cuestiones financieras y organizar su pasaporte.[38]​ En mayo se dirigió a los Estados Unidos, obteniendo el permiso oficial de Anatoly Lunacharsky, el Comisario del Pueblo para la Educación, quien le dijo: "Eres un revolucionario en la música, somos revolucionarios en la vida. Debemos trabajar juntos. Si quieres ir a América, no me interpondré en tu camino ".[39]

Vida en el extranjero[editar]

Representación del Ángel de Fuego (Italia, 1973)
Ettal en 1900

Al llegar a San Francisco después de haber sido liberado de los interrogatorios por funcionarios de inmigración en la Isla de los Ángeles el 11 de agosto de 1918, Prokofiev pronto fue comparado con otros exiliados rusos famosos (como Sergei Rachmaninoff). Su concierto de debut como solista en Nueva York dio lugar a varios compromisos más. También firmó un contrato con el director

Igor Stravinsky

musical de la Chicago Opera Association, Cleofonte Campanini, para la producción de su nueva ópera El amor de las tres naranjas;[40]​ sin embargo, debido a la enfermedad y la muerte de Campanini, el estreno fue pospuesto. La demora fue otro ejemplo de la mala suerte de Prokofiev en asuntos operísticos. El fracaso también le costó su carrera como solista estadounidense ya que la ópera le tomó demasiado tiempo y esfuerzo. Pronto se encontró en dificultades financieras, y en abril de 1920, se fue a París, no queriendo regresar a Rusia y reconocer un fracaso.[41]

En París, Prokofiev reafirmó sus contactos con los Ballets Rusos de Diaghilev. También completó algunas de sus obras más antiguas, inacabadas, como el Tercer Concierto para piano. El amor de tres naranjas finalmente se estrenó en Chicago, bajo la batuta del compositor, el 30 de diciembre de 1921.[42]​ Diaghilev se interesó lo suficiente en la ópera como para pedirle a Prokofiev que diera una audición de la partitura vocal en junio de 1922, mientras ambos estaban en París para una reactivación de Chout, por lo que podría considerarlo para una posible producción. Stravinsky, que estuvo presente en la audición, se negó a escuchar más que el primer acto.[43]​ Entonces acusó a Prokofiev de "perder el tiempo componiendo óperas", Prokofiev replicó que Stravinsky "no estaba en posición de establecer una dirección artística general, ya que él mismo no es inmune al error".[44]​ Según Prokofiev, Stravinsky "se volvió incandescente por la ira" y "casi llegamos a las manos y nos separamos solo con dificultad". Como resultado, "nuestras relaciones se tensaron y durante varios años la actitud de Stravinsky hacia mí fue crítica".[45]

Serge Koussevitzky

En marzo de 1922, Prokofiev se mudó con su madre a la ciudad de Ettal, en los Alpes bávaros, donde durante más de un año se concentró en un proyecto de ópera, El Ángel de Fuego, basado en la novela de Valery Bryusov. Su música posterior había adquirido seguidores en Rusia, y recibió invitaciones para regresar allí, pero decidió quedarse en Europa. En 1923, Prokofiev se casó con la cantante española de madre rusa, Carolina Codina (1897-1989, de nombre artístico Lina Llubera) antes de regresar a París.[46]

En París, varias de sus obras, incluida la Segunda Sinfonía, se representaron, pero su recepción fue tibia y Prokofiev sintió que "evidentemente ya no era una sensación".[47]​ Aún así, la Segunda Sinfonía pareció incitar a Diaghilev a encargar Le pas d'acier (El paso de acero), una partitura de ballet "modernista" destinada a retratar la industrialización de la Unión Soviética. La obra fue recibida con entusiasmo por audiencias y críticos parisinos.

G. Balanchine (años 20)

Alrededor de 1924, Prokofiev fue introducido a la Ciencia Cristiana. Comenzó a practicar sus enseñanzas, que creía que eran beneficiosas para su salud y su temperamento ardiente y a las que permaneció fiel por el resto de su vida, según el biógrafo Simon Morrison.[48]

Prokofiev y Stravinsky restauraron su amistad, aunque a Prokofiev le disgustó particularmente la "estilización al modo de Bach" de Stravinsky en obras tan recientes como el Octeto y el Concierto para piano y instrumentos de viento. Por su parte, Stravinsky describió a Prokofiev como el Compositor ruso de su tiempo, después de él.[49]

Primeras visitas a la Unión Soviética[editar]

En 1927, Prokofiev hizo su primera gira de conciertos en la Unión Soviética. En el transcurso de más de dos meses, pasó un tiempo en Moscú y Leningrado (el nuevo nombre a San Petersburgo), donde disfrutó de una exitosa puesta en escena de El amor de las tres naranjas en el Teatro Mariinsky. En 1928, Prokofiev completó su Tercera Sinfonía, que se basaba ampliamente en su ópera no estrenada El Ángel de Fuego. El director Serge Koussevitzky caracterizó a la Tercera como "la mayor sinfonía desde la Sexta de Chaikovski".[50]

Mientras tanto, sin embargo, Prokofiev, bajo la influencia de las enseñanzas de la Ciencia Cristiana, se había vuelto contra el estilo expresionista y el tema de El Ángel de Fuego.[51]​ Ahora prefería lo que llamó una "nueva simplicidad", que creía más sincera que las "artimañas y complejidades" de tanta música moderna de la década de 1920. Durante 1928-29, Prokofiev compuso lo que iba a ser su último ballet para Diaghilev, El hijo pródigo. Cuando se representó por primera vez en París el 21 de mayo de 1929, con coreografía de George Balanchine, Serge Lifar en el papel principal y decorados de Georges Rouault, la audiencia y los críticos quedaron especialmente impresionados por la escena final en la que el hijo pródigo se arrastra sobre el escenario arrodillado para ser bienvenido. su padre.[52]​ Diaghilev había reconocido que en la música de la escena, Prokofiev "nunca había sido más claro, más simple, más melodioso y más tierno". Solo unos meses después, Diaghilev murió.[53]

Tamara Toumanova & Serge Lifar

Ese verano, Prokofiev completó el Divertimento, op. 43 (que había comenzado en 1925) y revisó su Sinfonietta, op. 5/48, un trabajo que comenzó en sus días en el Conservatorio.[54]​ En octubre de ese año, tuvo un accidente automovilístico mientras conducía a su familia de regreso a París después de sus vacaciones: cuando el auto volcó, Prokofiev perdió algunos músculos en su mano izquierda. Prokofiev, por lo tanto, no pudo actuar en Moscú durante su gira poco después del accidente, pero pudo disfrutar viendo las interpretaciones de su música en público.[55]​ Prokofiev también asistió a la "audición" del Teatro Bolshoi de su ballet El paso de acero, y fue interrogado por miembros de la Asociación Rusa de Músicos Proletarios (RAPM) sobre el trabajo: se le preguntó si la fábrica retrataba "una fábrica capitalista, donde el trabajador es un esclavo, o una fábrica soviética, donde el trabajador es el maestro. Si se trata de una fábrica soviética, cuándo y dónde lo examinó Prokofiev, que desde 1918 hasta el presente había estado viviendo en el extranjero y vino aquí por primera vez en 1927 durante dos semanas? " Prokofiev respondió: "Eso se refiere a la política, no a la música, y por lo tanto no responderé". La RAPM condenó el ballet de manera dogmática como una "anécdota antisoviética llana y vulgar, una composición contrarrevolucionaria que linda con el fascismo". El Bolshoi no tuvo más opción que rechazar el ballet.[56]

Cartel de la película El teniente Kije. 1934

Con la mano izquierda sanada, Prokofiev recorrió los Estados Unidos con éxito a principios de 1930, apoyado por su reciente éxito europeo.[57]​ Ese año Prokofiev comenzó su primer ballet no Diaghilev con En el Dnieper, op. 51, una obra encargada por Serge Lifar, que había sido nombrado maitre de ballet en la Ópera de París. En 1931 y 1932, completó su cuarto y quinto conciertos para piano. El año siguiente vio la finalización de la Canción Sinfónica, Op. 57, de la que el amigo de Prokofiev, Myaskovsky, pensando en su posible audiencia en la Unión Soviética, le dijo "no es para nosotros ... carece de lo que entendemos por monumentalismo - una simplicidad familiar y amplios contornos, de los cuales eres extremadamente capaz, pero que temporalmente estás evitando cuidadosamente ".[58]

Medalla conmemorativa del ballet Romeo y Julieta
Galina Ulanova y Yury Zhdanov en el ballet "Romeo y Julieta"

A principios de la década de 1930, tanto Europa como América sufrían la Gran Depresión, que inhibió tanto las nuevas producciones de ópera como las de ballet, aunque las audiencias para las apariciones de Prokofiev como pianista no habían disminuido, al menos en Europa. Sin embargo, Prokofiev, que se veía a sí mismo como un compositor en primer lugar, estaba cada vez más resentido por la cantidad de tiempo que perdía para la composición a través de sus apariciones como pianista. Después de haber estado nostálgico por algún tiempo, Prokofiev comenzó a construir puentes sustanciales con la Unión Soviética. Tras la disolución de la RAPM en 1932, actuó cada vez más como embajador musical entre su país de origen en Europa occidental, y sus estrenos y comisiones fueron cada vez más bajo los auspicios de la Unión Soviética. Uno de ellos fue El teniente Kijé, que fue comisionado como la banda sonora de una película soviética.[59]​ Otra comisión, del Teatro Kirov (como se denominaba entonces al Mariinsky) en Leningrado, fue el ballet Romeo y Julieta, compuesto para un guión creado por Adrian Piotrovsky y Sergei Radlov siguiendo los preceptos de "drambalet" (ballet dramatizado, oficialmente promovido en el Kirov para reemplazar las obras basadas principalmente en la visualización coreográfica y la innovación).[60]​ Tras la amarga renuncia de Radlov al Kirov en junio de 1934, se firmó un nuevo acuerdo con el Teatro Bolshoi de Moscú, en el entendido de que Piotrovsky seguiría participando. Sin embargo, el final feliz original del ballet (contrario a Shakespeare) provocó controversia entre los funcionarios culturales soviéticos; la producción del ballet fue pospuesta indefinidamente cuando el personal del Bolshoi fue

Pedro y el lobo. Toronto 2007

revisado a instancias del presidente de la Comisión de Asuntos de Arte, Platon Kerzhentsev.[61]​ Nikolai Myaskovsky, uno de sus amigos más cercanos, mencionó en varias cartas cómo le gustaría que Prokofiev permaneciera en Rusia.[62]

El Concierto para violín n.º 2 en sol menor opus 63, escrito en 1935 fue estrenado el 1 de diciembre de 1935 en Madrid por el violinista francés Robert Soëtans y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós.

Regreso a Rusia[editar]

Alexander Nevsky

En 1936, Prokofiev y su familia se establecieron permanentemente en Moscú, después de desplazarse entre Moscú y París durante los últimos cuatro años.[63]​ Ese año compuso una de sus obras más famosas, Pedro y el lobo, para el Teatro Central para Niños de Natalya Sats.[64]​ Se trata de un trabajo programático para narrador, instrumentos individuales y orquesta. Sats también persuadió a Prokofiev para que escribiera dos canciones para niños, "Sweet Song" y "Chatterbox"; finalmente se unieron a "The Little Pigs" y se publicaron como Tres canciones para niños, op. 68.[65]​ Prokofiev también compuso la gigantesca Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre, originalmente destinada a la presentación durante el año del aniversario, pero efectivamente bloqueada por Kerzhentsev, quien exigió en la audición del trabajo ante la Comisión de Asuntos de las Artes: "¿Qué crees tú?" ¿Ha vuelto, Sergey Sergeyevich, tomando textos que pertenecen a la gente y poniéndoles una música tan incomprensible?[66]​ La Cantata tuvo que esperar hasta el 5 de abril de 1966 para un estreno parcial, algo más de 13 años después de la muerte del compositor.

Meyerhold. Foto del arresto en 1939
Montage de la música de Alexander Newsky. Eisenstein.
Svjatoslav Richter

Obligado a adaptarse a las nuevas circunstancias (cualesquiera que fueran los recelos privados que tuviera sobre ellas), Prokofiev escribió una serie de "Canciones de masas" (Opp. 66, 79, 89), utilizando las letras de los poetas soviéticos oficialmente aprobados. En 1938, Prokofiev colaboró ​​con Serguéi Eisenstein en la épica película histórica Alexander Nevsky, parte de su música más creativa y dramática. Aunque la película tenía una grabación de sonido muy pobre, Prokofiev adaptó gran parte de su partitura a una cantata de gran escala para mezzosoprano, orquesta y coro, que fue interpretada y grabada extensamente. Tras el éxito de Alexander Nevsky, Prokofiev compuso su primera ópera soviética, Semyon Kotko, que debía ser producida por el director Vsevolod Meyerhold. Sin embargo, el estreno de la ópera se pospuso porque Meyerhold fue arrestado el 20 de junio de 1939 por la NKVD (policía secreta de Joseph Stalin) y fusilado el 2 de febrero de 1940.[67]​ Solo meses después del arresto de Meyerhold, Prokofiev fue 'invitado' a componer Zdravitsa (literalmente traducido '¡Salud!', Pero con más frecuencia conocida por el título inglés Hail to Stalin) (Op. 85) para celebrar el 60º cumpleaños de Joseph Stalin.[68]

Sergei Eisenstein

Más tarde, en 1939, Prokófiev compuso sus Sonatas para piano Nos. 6, 7 y 8, Opp. 82-84, ampliamente conocidas hoy como las "Sonatas de Guerra". Estrenadas respectivamente por Prokofiev (n.º 6: 8 de abril de 1940), Sviatoslav Richter (n.º 7: Moscú, 18 de enero de 1943) y Emil Gilels (n.º 8: Moscú, 30 de diciembre de 1944),[69]​ que fueron posteriormente muy interpretadas en particular por Richter. El biógrafo Daniel Jaffé argumentó que Prokofiev, "habiéndose forzado a componer una alegre evocación del nirvana que Stalin quería que todos creyeran haber creado" (es decir, en Zdravitsa), posteriormente, en las tres sonatas, "expresó sus verdaderos sentimientos". Como evidencia, Jaffé ha señalado que el movimiento central de Sonata No. 7 se abre con un tema basado en Robert Schumann 'Wehmut' ('Tristeza', que aparece en el Liederkreis de Schumann, Op. 39): sus palabras se traducen, " A veces puedo cantar como si estuviera contento, pero secretamente las lágrimas son buenas y así liberas mi corazón. Los ruiseñores... cantan su canción de anhelo desde la profundidad de su mazmorra ... todo el mundo se deleita, pero nadie siente el dolor, la profunda tristeza en la canción."[70]​ Irónicamente (parece que nadie notó su alusión), la Sonata No. 7 recibió un Premio Stalin (Segunda Clase), y la No. 8 un Premio Stalin (Primera Clase).

Mientras tanto, Romeo y Julieta finalmente fue montado por el Kirov Ballet, coreografiado por Leonid Lavrovsky, el 11 de enero de 1940. Para sorpresa de todos sus participantes, los bailarines que lucharon para arreglárselas con los ritmos sincopados de la música y casi boicotearon la producción, el ballet fue un éxito instantáneo, y fue reconocido como el mayor logro del ballet dramático soviético.[71]

Segunda Guerra Mundial (1941-1945)[editar]

La Operación Barbarroja, con la invasión alemana de la Unión Soviética en junio de 1941, llegaba como una auténtica sorpresa para la mayoría de rusos, especialmente para Stalin. Ante el temor del alcance de la invasión alemana se ordenaron diversas evacuaciones hacia territorios más alejados los presuntos teatros de operaciones militares. Prokófiev era uno de los que estaba dentro de esos planes y marchó hacia el Cáucaso. El año ya había empezado mal para el compositor, había sufrido un ataque al corazón en primavera. Lina se quedaba en Moscú con sus dos hijos. Prokófiev separa de Lina en 1941, aunque nunca se divorciaron formalmente. Desde entonces estaba ligado sentimentalmente con la escritora y libretista de 25 años Mira Mendelson (1915-1968), que era evacuada de Moscú junto con Prokófiev.

Durante los años de la guerra, las restricciones sobre el estilo y la petición de que los compositores escribieran en un estilo de "realismo socialista" se aflojaron, y Prokofiev generalmente pudo componer a su manera.

Siguió escribiendo la ópera Guerra y paz, basada en la novela monumental de Tolstoi. El tratamiento que le dio Prokófiev también fue igualmente monumental.[72]​ La partitura para piano fue completada en el verano de 1942 (cambiando dos escenas de la versión original), y fue sometida al Comité soviético para las Artes. El Comité exigió que las escenas de la segunda parte (la Guerra) fueran más patrióticas y tuvieran mayor énfasis heroico. Prokófiev, que quería ver su obra maestra representada cuanto antes, añadió marchas, coros, y otros materiales a la segunda parte para satisfacer al comité. Además, compuso el Prólogo coral, que enfatiza el desafío del pueblo ruso frente al enemigo.

Teatro Maly

Estaba previsto estrenarla en 1943 en el Teatro Bolshói de Moscú con dirección de Serguéi Eisenstein y dirección de Samuil Samosud. Pero solo se pudo hacer una representación privada de ocho escenas con acompañamiento para piano en el Centro de Actores de Moscú el 16 de octubre de 1944, y una representación pública en versión de concierto, con nueve escenas, dirigida por Samosud, que tuvo lugar en el Gran Hall del Conservatorio de Moscú el 7 de junio de 1945. La primera representación escenificada fue de una versión ampliada en siete

Iván el Terrible

escenas, que tuvo lugar el 12 de junio de 1946 en el Teatro Maly de Leningrado, con dirección de Samosud. La segunda parte, también con una escena adicional (escena 10), se iba a representar en julio de 1947, pero después del ensayo no se ofrecieron representaciones públicas, «por razones ajenas al control del teatro y del compositor». Después del Decreto Zhdánov de febrero de 1948, Prokófiev comenzó a trabajar en una versión más reducida de la ópera, para un sólo día, al tiempo que hizo varias revisiones del esquema original, aunque mantuvo la estructura de 13 escenas. Esta versión se interpretó por primera vez el 26 de mayo de 1953 en el Teatro Comunale, Florencia, dirigida por Artur Rodziński, dos meses después de la muerte del compositor.

También empezaba en 1942 un borrador para otra ópera, Khan Buzay, que abandonaría. Asimismo, también escribía música para cuatro películas, el ballet La cenicienta, varias suites sinfónicas, el Cuarteto de cuerda núm. 2, una Sonata para flauta y piano, una transcripción de la misma para violín y piano (hecho a instancias del violinista David Oistrakh), dos marchas militares y unas cuantas canciones folclóricas.

En 1943 Prokofiev se unió a Eisenstein en Alma-Ata, la ciudad más grande de Kazajstán, para componer más música de cine (Iván el Terrible) y el ballet de Cenicienta (Op. 87), una de sus composiciones más melódicas y célebres. En 1944, Prokofiev compuso su Quinta Sinfonía (Op. 100) en la colonia de compositores fuera de Moscú. Dirigió su estreno el 13 de enero de 1945, justo quince días después del triunfante estreno el 30 de diciembre de 1944 de su Octava Sonata de Piano y, el mismo día, la primera parte de Ivan el Terrible de Eisenstein. La obra rápidamente emergió como su sinfonía más popular y se le otorgó su segundo premio Stalin. Con el estreno de su Quinta Sinfonía, que fue programada junto a Pedro y el Lobo y la Sinfonía Clásica (dirigida por Nikolai Anosov), Prokofiev pareció alcanzar el cenit de su fama como compositor líder de la Unión Soviética.

Andrei Zhdanov. Sello de la USSR

La Cenicienta, el segundo ballet más popular de Prokofiev después de Romeo y Julieta,[73]​ fue originalmente encargada por el Teatro Kírov, justo antes de la invasión alemana. Pero no fue estrenado hasta el 1945 en el escenario del Bolshoi con un éxito considerable y con la famosa bailarina Galina Ulanova. El estreno en el Kírov de Leningrado se produjo cinco meses más tarde y se repitió el éxito. Antes del estreno hizo varias transcripciones para piano de la misma (Op. 95, 97 y 102).

Esta etapa brillante en su vida como compositor culmina desgraciadamente en enero de 1945, cuando Prokófiev sufrió una conmoción cerebral en una caída. Su vida corrió peligro los siguientes días y a partir de entonces sufriría a menudo dolores de cabeza y periodos de presión arterial peligrosamente alta. No se recuperaría nunca más de forma completa de este accidente, aunque la grandeza de sus trabajos no den esta impresión.

Trayectoria posterior a la guerra[editar]

Alexey Maresyev. Sello de Rusia

Prokofiev tuvo tiempo de escribir su Sexta Sinfonía de posguerra y su Novena Sonata para Piano (para Sviatoslav Richter) antes del llamado "Decreto Zhdanov". A principios de 1948, después de una reunión de compositores soviéticos convocada por Andrei Zhdanov, el Politburó emitió una resolución denunciando a Prokofiev, Dmitri Shostakovich, Myaskovsky y Khachaturian por el crimen del "formalismo", descrito como una "renuncia a los principios básicos de la música clásica". "a favor de sonidos confusos, nerviosos que convirten la música en cacofonía ".[74]​ Ocho de las obras de Prokofiev fueron prohibidas: El año 1941, la Oda al final de la guerra, el Poema festivo, la Cantata por el trigésimo aniversario de la revolución de octubre, la Balada de un niño desconocido, Los pensamientos ciclo para piano de 1934 y la sonata para piano núms. 8.[75]​ Tal era la amenaza percibida detrás de la prohibición de las obras que incluso las obras que habían evitado la censura ya no fueron programadas: en agosto de 1948, Prokofiev estaba en graves aprietos financieros, su deuda personal ascendía a 180.000 rublos.

Mstislav Rostropovich en los años 50

Mientras tanto, el 20 de febrero de 1948, la esposa de Prokofiev, Lina, fue arrestada por "espionaje", ya que había intentado enviar dinero a su madre en España. Después de nueve meses de interrogatorio, fue sentenciada por un Colegio Militar de tres miembros del Tribunal Supremo de la URSS a 20 años de trabajos forzados. Finalmente fue liberada después de la muerte de Stalin en 1953 y en 1974 abandonó la Unión Soviética.[76]

Los últimos proyectos de ópera de Prokofiev, entre ellos su desesperado intento de apaciguar a las autoridades culturales, La historia de un hombre real, fueron cancelados rápidamente por el Teatro Kirov. El libreto de esta ópera era del compositor y Mira Mendelson, y se basa en la novela homónima de Boris Polevoy, que a su vez se basó en la historia del piloto Alexey Maresyev. El desaire, en combinación con su salud en declive, hizo que Prokofiev se retirara progresivamente de la vida pública y de diversas actividades, incluso su apreciado ajedrez, y se dedicó cada vez más a su propio trabajo. Después de una grave recaída en 1949, sus médicos le ordenaron limitar su composición a una hora por día.[77]

En la primavera de 1949, escribió su Sonata para violonchelo en C, op. 119, para Mstislav Rostropovich, de 22 años, quien dio la primera presentación en 1950, con Sviatoslav Richter. Para Rostropovich, Prokofiev también recompuso extensivamente su Concierto para violonchelo, transformándolo en un Concierto sinfónico, su última gran obra maestra y un hito en el repertorio de violonchelo y orquesta de la actualidad. La última presentación pública a la que asistió fue el estreno de la Séptima Sinfonía en 1952, por la cual recibió el premio Stalin. La música fue escrita para la División de Radio para Niños.[78]

Muerte[editar]

Prokofiev murió a la edad de 61 años el 5 de marzo de 1953, el mismo día que Joseph Stalin, cuando acababan de comenzar los ensayos para su ballet La flor de piedra (1950), que fue puesto en escena el año siguiente. Había vivido cerca de la Plaza Roja, y durante tres días las multitudes se reunieron para llorar a Stalin, por lo que era imposible transportar el cuerpo de Prokofiev para el funeral en la sede de la Unión de Compositores Soviéticos. Está enterrado en el cementerio de Novodevichy en Moscú.[79]​ Era ateo.[80][81]

El principal periódico musical soviético reportó la muerte de Prokofiev con un breve artículo en la página 116. Las primeras 115 páginas se dedicaron a la muerte de Stalin. Por lo general, la muerte de Prokofiev se atribuye a una hemorragia cerebral. Había estado enfermo crónicamente durante los ocho años anteriores;[82]​ la naturaleza precisa de la enfermedad terminal de Prokofiev sigue siendo incierta.

Lina Prokofiev sobrevivió a su marido distanciado por muchos años, muriendo en Londres a principios de 1989. Las regalías de la música de su difunto esposo le proporcionaron unos ingresos modestos, y actuó como narradora de una grabación de Pedro y el lobo de su marido (actualmente lanzada en CD por Chandos Records[83]​) con Neeme Järvi dirigiendo la Orquesta Nacional Escocesa. Sus hijos Sviatoslav (1924-2010), arquitecto, y Oleg (1928-1998), artista, pintor, escultor y poeta, dedicaron una gran parte de sus vidas a la promoción de la vida y el trabajo de sus padres.[84][85]

Obras[editar]

Óperas[editar]

Otras obras para la escena[editar]

Ballets[editar]

  •    Ala y Lollij, Op. 20 (en su mayor parte incorporada en la 'Suite Escita', Op. 20)
  •      Chout / La fábula de los bufones, Op. 21. Estrenado en 1921 en el Théâtre de la Gaîté Lyrique en París dirigido por Ernest Ansermet
  •      Trapèze, Op. 39 (también conocido como Quinteto, Op. 39)
  •      Le pas d'acier / El paso de acero, Op. 41
  •      El hijo pródigo, Op. 46
  •      En el Dinieper, Op. 51 (Estrenado en 1932 en el Palais Garnier en París con Serge Lifar)
  •      Romeo y Julieta, Op. 64 (1935-36)
  •      Cenicienta, Op. 87 (1940-44)
  •      La fábula de la flor de piedra, Op. 118

Bandas sonoras[editar]

  •      El teniente Kijé, también arreglado como una suite orquestal, Op. 60 (1934)
  •      Aleksandr Nevskij, dirigida por Sergej Ėjzenštejn, Op. 78 (1938-39) (que también existe en la forma de cantata)
  •      Ivan the Terrible, dirigida por Sergej Ėjzenštejn, Op. 116

Obras para orquesta[editar]

 Sinfonías[editar]

  •         Sinfonía n. 1 Clásica, Op. 25 (1916-17)
  •         Sinfonía n. 2 en re menor Hierro y acero, Op. 40 (1924)
  •         Sinfonía n. 3 en Do menor, Op. 44 (1928)
  •         Sinfonía n. 4 en C, Op. 47 (1929-30, reescrita como Op. 112, 1947)
  •         Sinfonía n. 5 en B, Op. 100 (1945)
  •         Sinfonía n. 6 en mi bemol menor, Op. 111 (1947)
  •         Sinfonía n. 7 en Do sostenido menor, Op. 131 (1951-52)

        otras dos sinfonías juveniles, escritas antes de 1909

Otras obras para orquesta[editar]

  •     Sinfonietta en La, Op. 5 (más tarde editada como Op. 48)
  •     Sueños, Op. 6
  •     Otoño, Op. 8
  •     Diversión, Op. 43
  •     Canción sinfónica, Op. 57
  •     Día de verano, Op.65a. Suite infantil para pequeña orquesta (1941)
  •     Obertura rusa, Op. 72
  •     El año 1941, Op. 90
  •     Suite de valses, Op. 110
  •     Dos valses de Pushkin, Op. 120
  •     La reunión del Volga y del Don, Op. 130

Además de una serie de suites orquestales organizadas por producciones cinematográficas: Romeo y Julieta, Cenicienta, Teniente Kijé, L'amore delle tre naranjas, etc.

Conciertos[editar]

     Para piano[editar]

  •          Concierto para piano n. 1 en D, Op. 10 (1911-12)
  •          Concierto para piano n. 2 en sol menor, Op. 16 (1912-13, reescrito en 1923)
  •          Concierto para piano n. 3 en C, Op. 26 (1917-21)
  •          Concierto para piano n. 4 en B, Op. 53 (1931), para la mano izquierda (escrito para Paul Wittgenstein, que no lo entendió ni interpretó)
  •          Concierto para piano n. 5 en Sol, Op. 55 (1932)
  •          Concierto para piano Op. 133 (1952), para dos pianos y orquesta de cuerdas (sin terminar)

     Para violín[editar]

  •          Concierto para violín n. 1 en re mayor, Op. 19 (1916-17)
  •          Concierto para violín n. 2 en sol menor, Op. 63 (1935)

     Para violonchelo[editar]

  •          Concierto para violonchelo en mi menor, Op 58 (1933-38)
  •          Sinfonía-concierto para violonchelo y orquesta en Mi menor, Op. 125 (1950-52)
  •          Concierto para violonchelo en sol menor, Op. 132 (1952) (una versión completada por Kabalevskij, otra por Blok)

Obras corales[editar]

  •      Siete, eran siete (cantata), Op. 30 texto de Konstantin Balmont (estrenada en 1924 en el Palais Garnier en París, dirigida por Serge Koussevitzky)
  •      Cantada por el 20 ° aniversario de la Revolución de Octubre, Op. 74
  •      Canción de nuestros días, Op. 76
  •      Aleksandr Nevskij (cantata), Op. 78
  •      Balada de un joven desconocido, Op. 93
  •      Hogueras de invierno, Op. 122
  •      En guardia por la paz, Op. 124

Obras para piano[editar]

Sonatas para piano[editar]

  •         Sonata para piano n. 1 en Fa menor, Op. 1 (1907-09)
  •         Sonata para piano n. 2 en re menor, Op. 14 (1912)
  •         Sonata para piano n. 3 en la menor, Op. 28 (1907-17)
  •         Sonata para piano n. 4 en Do menor, Op. 29 (1917)
  •         Sonata para piano n. 5 en Do mayor, Op. 38 (1923, reescrita en 1952-3 como Op. 135)
  •         Sonata para piano n. 6 en A mayor, Op. 82 (1939-40)
  •         Sonata para piano n. 7 en si bemol mayor, Op. 83 (1939-42)
  •         Sonata para piano n. 8 en si bemol mayor, Op. 84 (1939-44)
  •         Sonata para piano n. 9 en Do mayor, Op. 103 (1947)
  •         Sonata para piano n.º 10 en Mi menor, Op. 137 (sin terminar) (1952)
  •         Sonata para piano n.11, Op. 138 (no estrenada)
  •         otras seis sonatas juveniles (escritas antes de 1909)

Otras obras para piano[editar]

  •     Cuatro piezas para piano, Op. 3 (1907-08)
  •     Cuatro piezas para piano, Op. 4 (1910-12)
  •     Toccata para piano en re menor, Op 11 (1912)
  •     Diez piezas para piano, Op. 12
  •     Sarcasmos, cinco piezas para piano, Op. 17 (1912-14)
  •     Visiones fugitivas, veinte piezas para piano, Op. 22 (1915-17)
  •     Las historias de una abuela vieja, Op. 31 (1918)
  •     Cuatro piezas para piano, Op. 32 (1918)
  •     Las cosas en sí mismas, dos piezas para piano, Op. 45 (1928)
  •     Dos sonatas para piano, Op. 54 (1931-32)
  •     Pensamientos, tres piezas para piano, Op. 62 (1933-34)
  •     Música para niños, doce piezas fáciles, Op. 65 (1935)

Obras de cámara[editar]

  •      Dos cuartetos de cuerda:
  1.          Cuarteto de cuerda n. 1 en si menor, Op. 50
  2.          Cuarteto de cuerda n. 2 en Fa (sobre temas populares de Kabardini), Op. 92
  •      Obertura sobre temas judíos, Op 34 (para clarinete, cuarteto de cuerdas y piano)
  •      Quinteto, Op. 39 (para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo)
  •      Dos sonatas para violín
  1.          n. 1 en Fa menor, Op. 80
  2.          n. 2 en Re, Op. 94a (basado en la sonata en re para flauta, Op. 94)
  •      Sonata para violines al unísono / solo de violín en Re, Op. 115
  •      Sonata para dos violines en C, Op. 56
  •      Sonata para flauta en Re, Op. 94
  •      Sonata op. 119 en do mayor para violonchelo y piano (1949) primera actuación privada en la Malyj Sal del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con Mstislav Rostropovič y Svjatoslav Richter.
  •      Sonata para violonchelo solo en do sostenido menor, Op. 134

Galería[editar]

Referencias[editar]

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Bibliografía[editar]

  • Jaffé, Daniel (1998). Sergey Prokofiev. 20th-Century Composers. Phaidon Press. ISBN 9780714835136. 

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