Judy Chicago

De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Judy Chicago
Judy Chicago.jpg
Información personal
Nacimiento 20 de julio de 1939
Bandera de Estados Unidos Chicago, Estados Unidos
Nacionalidad Estadounidense
Educación
Educación Universidad de California
Alma máter
Información profesional
Ocupación Pintora, escultora, educadora y escritora
Empleador
  • California State University, Fresno Ver y modificar los datos en Wikidata
Género Instalación artística Ver y modificar los datos en Wikidata
Movimientos Arte feminista Ver y modificar los datos en Wikidata
Obras notables The Dinner Party
Miembro de
Distinciones
  • Victorian Honour Roll of Women
  • Women's Caucus for Art Lifetime Achievement Award (1999) Ver y modificar los datos en Wikidata
Web
Sitio web
[editar datos en Wikidata]

Judy Chicago (Chicago, 20 de julio de 1939) es una pintora, escultora, educadora, escritora y pionera del arte feminista estadounidense, fue reconocida por la crítica en la década de 1970 por su obra The Dinner Party.

Formación[editar]

La madre supo transmitir a sus hijos su pasión por el arte. Esta influencia sería decisiva tanto para la carrera artística de Judy, como para la de su hermano Ben como ceramista. A los tres años empezó a dibujar, y a los cinco ya tenía claro que se quería dedicar al mundo del arte. Hizo las pruebas para entrar en el Instituto de Arte de Chicago, pero no las superó.

El año 1957, gracias a una beca, se trasladó a Los Ángeles para comenzar a estudiar en la School of Art en la Universidad de California. Durante los años de universidad se convirtió en activista política, y empezó a diseñar carteles para la UCLA NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) y finalmente se convirtió en secretaria de esta asociación.[1]​ En 1959 conoció a Jerry Gerowitz, dejó la escuela y se fueron a vivir juntos. Por primera vez, Judy tendría un estudio propio para trabajar. Un año más tarde se matriculó de nuevo en la universidad para terminar sus estudios. La pareja se casó en 1961, y al año siguiente ella se licenció en Bellas Artes y se convirtió en un miembro de la Phi Beta Kappa Society. Apenas un año después, Jerry Gerowitz murió en un accidente automovilístico, tragedia que marcó profundamente a Judy. El año 1964, obtuvo el máster en Bellas Artes de Universidad de California.

En 1965 realizó su primera exposición individual en la galería de Rolf Nelson en Los Ángeles. Cuatro años más tarde, en 1969, realizó una muestra, una serie de esculturas esféricas de plástico acrílico y una serie de dibujos en el Museo de Arte de Pasadena. La crítica afirmó que el trabajo de Judy estaba en la vanguardia del arte conceptual.[1]​ También se inició al mismo tiempo en el campo de las performance: a través del uso de fuegos artificiales y pirotecnia creaba atmósferas para intentar “suavizar y feminizar” el paisaje. En esta época, Judy empieza a explorar la sexualidad en su obra. Crea los Lifesavers Pasadena, unas pinturas acrílicas abstractas sobre plexiglás. Según la artista, esta obra representaba el punto de inflexión en su trabajo en relación a la sexualidad y la representación de las mujeres.

El nacimiento de Judy Chicago: de Cohen a Gerowitz a Chicago[editar]

Judy se estaba creando un nombre como artista, pero se sentía desconectada de su apellido Cohen, que había recibido de su padre, también del que había adquirido al casarse, Gerowitz. Decidió cambiar el apellido por otro independiente, que no estuviera vinculado a ningún hombre, ni por matrimonio ni por herencia. El galerista Rolf Nelson le puso el apodo de Judy Chicago, ya que según él tenía un fuerte acento de Chicago. De manera que Judy decició adoptarlo como propio. Para cambiar legalmente el nombre tuvo que conseguir la firma del que por entonces era su marido (Lloyd Hamrol). Para celebrar el cambio de nombre, creó una invitación vestida como un boxeador, con una sudadera en la que ponía su nombre. Esta invitación se publicó en la revista Artforum en octubre de 1970.

Carrera artística[editar]

Movimiento Feminista de los años 70[editar]

El año 1970 organizó el primer curso de arte feminista en el CalArts, California State College, de Fresno.[1]​ Al año siguiente, conjuntamente con Miriam Schapiro fundó e impartió el primer programa de arte feminista en la California School of Art de Los Ángeles.[1]

Womanhouse[editar]

En 1972 Chicago y Schapiro, en colaboración con 21 estudiantes de su programa, crearon el proyecto Womanhouse. En una propiedad vacía de Los Ángeles recrearon diecisiete ambientes que hacían referencia a la discriminación que sufrían las mujeres dentro del ámbito doméstico. En la cocina recrearon temas en torno a la nutrición, en referencia a la “mater nutricia”, y en el baño una reflexión sobre la menstruación.[2]​ En esta instalación también se realizaron algunas performance feministas como Cock and Cunt Play creada por Chicago.

The Dinner Party[editar]

En 1973 fundó el “Taller de estudios feministas”, un espacio de exposiciones para arte feminista donde también se impartían clases de arte. A partir del año siguiente empezó a trabajar en el que sería su proyecto más icónico: “The Dinner Party”. La ejecución de esta obra se realizó entre 1974 y 1979, consistía en la recreación de una cena imaginaría para mujeres célebres. Las invitadas eran desde personajes históricos o mitológicos (Diosa Primigenia) hasta pintoras contemporáneas (Georgia O'Keeffe) que habían influido directamente en la obra de Chicago.[3]​ Las protagonistas cenarían alrededor de una mesa en forma de triángulo equilátero, en cada uno de los lados del triángulo se encontraban trece servicios con sus correspondientes manteles, platos, copas y cubiertos con el nombre de un personaje femenino famoso (Gea, Hatshepsut, Safo de Mitilene, Leonor de Aquitania, Christine de Pisan, Emily Dickinson o Virginia Woolf...).[4]​ El suelo sobre el cual se apoyaba la mesa estaba formado por casi 2000 piezas de cerámica blanca en forma triangular donde estaban escritos en letras doradas los nombres de 999 mujeres que han contribuido positivamente en la historia de las mujeres.[5]​ La obra se presentó por primera vez en el Museo de Arte Moderno de San Francisco el año 1979. Después de haber sido expuesta en diferentes países, desde 2007 la obra se encuentra en exposición permanente en el Centro de Arte Feminista Elisabeth Al Sackler en el Museo de Brooklyn, en Nueva York.

Birth Project[editar]

A partir de 1980 y hasta 1985, Judy Chicago realizó “Birth Project”. Había observado que no existía iconografía sobre el tema del nacimiento en el arte occidental, de manera que diseñó una serie de imágenes sobre la creación y el nacimiento para ser bordados, y que fueron realizados por 150 expertos de todo el país.

PowerPlay[editar]

Para completar BirthProject, creó PowerPlay, proyecto que realizó entre 1982 y 1985. Y que consistió en un ciclo de imágenes dedicadas a la masculinidad y el uso abusivo de poder.[3]​ Desde el punto de vista de la crítica feminista, analizaba la construcción sexual de la masculinidad, explorando como las definiciones predominantes afectaban el mundo en general y a los hombres en particular.

Holocaust Project: From darkness into light[editar]

El 1985 comenzó este proyecto que no finalizó hasta 1993. El trabajo se centraba en el concepto judío del “Tikkun” (idea optimista de la salvación y la restauración del mundo) y ponía de manifiesto las experiencias en los campos de concentración de las víctimas del holocausto. Estaba compuesto por una serie de imágenes que alternaban la pintura de Chicago con la fotografía de Donald Woodman (su marido) y con trabajos artesanales de vidrios de color y tapicería, diseñada por Chicago y realizada por artesanos especializados. El proyecto incluía una imagen, “One must Scream”, basada en dos supervivientes del crematorio de Birkenau.

Resolutions: A Stich in Time[editar]

Es su último trabajo, iniciado en 1994, contó con la ayuda de especialistas de la aguja que habían trabajado con ella con anterioridad. La obra alterna una serie de pinturas y bordados que reinterpretan refranes y proverbios. Esta exposición se inauguró en junio de 2000 en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, y estuvo de gira por diferentes estados de los Estados Unidos y Canadá. A lo largo de todo 2014, y coincidiendo con el 75 aniversario de Judy Chicago, se realizaron una serie de exposiciones conmemorativas y eventos en diferentes galerías e instituciones de los Estados Unidos, como el Museo Palmer de la Universidad Estatal de Pensilvania, el Museo Nacional de Mujeres Artistas a Washington, la Biblioteca Schlesinger, Museo de Brooklyn y el Museo de Arte de Nuevo México, entre otros.

Bibliografía[editar]

  • Alario Trigueros, M. Teresa: Arte y feminismo. Ed. Nerea. San Sebastián. 2008. ISBN 9788496431232
  • Chadwick, Whitney: Mujer, arte y Sociedad. Destino. Madrid. 1992. ISBN 84-233-2247-5
  • Levin, Gail: Becoming Judy Chicago: a biography of the artist. Bergain Price. 2007
  • Martínez-Collado, Ana: Tendenci@s. Perspectivas feministes en el arte actual.Ed. Autor-Editor. Madrid. 2005. ISBN 9788460943006
  • Mayayo, Patricia: Historias de Mujeres. HIstorias de Arte. Cátedra. Madrid. 2007. ISBN 9788437620640
  • Vicente Aliaga, Juan: Arte y cuestiones de género. Una travessia del siglo XX. Ed. Nerea. San Sebastián. 2004. ISBN 9788489569898

Referencias[editar]

  1. a b c d Gerhard, Jane F. The Dinner Party. Judy Chicago and the power of popular feminisme. 1970-2007. (en inglés). University of Georgia Press., 2013. ISBN 0820344575.
  2. Aliaga, Juan Vicente. Arte y cuestiones de género. Una travesía del siglo XX. (en castellano). San Sebastián: Nerea, 2004. ISBN 9788489569898.
  3. a b Grosenick, Uta. Woman Artist. Mujeres Artistas de los siglos XIX y XX (en castellano). Colonia: Taschen, 2001, p. 576. ISBN 3-8228-1728-7.
  4. Escudero, Jesús Adrián. «Estéticas feministas contemporáneas ( o de cómo hacer cosas con el cuerpo)». Anales de la Historia del Arte. 2013.13, 2013, pàg. 287-305.
  5. Alario Trigueros, María Teresa. Arte y feminismo (en castellano). San Sebastián: Nerea, 2008. ISBN 9788496431232.

Enlaces externos[editar]