Il pomo d'oro

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La manzana de oro
Il pomo d'oro
Pomodoro.jpg
Reproducción de la escenografía para el mundo subterráneo de "Il pomo d'oro".
Género ópera
Actos 1 prólogo y 5 actos
Idioma Italiano
Música
Compositor Antonio Cesti
Puesta en escena
Lugar de estreno Viena
Fecha de estreno Julio de 1668
Personajes véase Personajes
Libretista Francesco Sbarra
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Il pomo d'oro (La manzana de oro) es una ópera en un prólogo y cinco actos con música de Antonio Cesti y libreto en italiano de Francesco Sbarra (1611-1668). Se estrenó ante la corte imperial en un teatro al aire libre construido especialmente para la ocasión en Viena en 1668.

La obra era tan larga que tuvo que representarse a lo largo de dos días: el Prólogo, el Acto I y el Acto II el 12 de julio; los actos III, IV y V el 14 de julio. Originalmente se planeó para conmemorar la boda del emperador habsburgo Leopoldo I y Margarita Teresa de España en 1666, la producción fue reprogramada para conmemorar el 17.º cumpleaños de la emperatriz en 1668. La puesta en escena no tuvo precedentes por su magnificencia y su gasto. El diseñador Ludovico Ottavio Burnacini proporcionó no menos de 24 escenarios y había numerosas oportunidades de espectacular maquinaria escénica, incluyendo naugfragios y torres que se derrumban.

Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabase no aparece entre las óperas representadas en el período 2005-2010.

Personajes[editar]

Hay un total de 47 personajes. El prólogo contiene partes para Amore (soprano) e Himeneo, así como La Gloria austriaca y personajes que representan las tierras del Imperio Habsburgo: Italia, Spagna, Germania, Boemia, America, Sardinia. La ópera principal tiene partes para: Giove (bajo), Giunone (soprano), Pallade (soprano), Venere (soprano), Apollo (castrato), Nettuno (bajo), Marte (tenor), Bacco (bajo), Mercurio (castrato), Hebe (soprano), Momo (bajo), Ganimede (castrato), Eolo (bajo), Zeffiro (soprano), Austro, Euro (tenor), Volturno, l’Elemento del Foco (castrato), Aglaie (soprano), Eufrosine (soprano), Pasithea (alto), Plutone (bajo), Proserpina (soprano), la Discordia (soprano), Caronte (bajo), Tesifone (soprano), Aletto (soprano), Megera (alto), un sacerdote (bajo), Paride (tenor), Ennone (soprano), Filaura (tenor), Aurindo (alto), Cecrope (bajo), Adrasto (alto), Alceste (alto), un soldado (tenor).

Argumento[editar]

La ópera narra la historia del Juicio de Paris. Los dioses piden al príncipe troyano Paris que decida cuál de las diosas, Venus, Juno o Palas (Minerva) es la más bella y de esta manera merece que se le entregue la manzana de oro de la discordia. Paris da el premio a Venus. Las diosas desdeñadas intentan vengarse hasta que Júpiter decide poner fin a la confusión, se vuelve al público y regala la manzana de oro a la emperatriz Margarita Teresa.

Escenografía[editar]

En la Biblioteca Nacional de Madrid se conserva una traducción del libretto de esta ópera, en el que aparecen 22 estampas al aguafuerte, estas estampas reproducen el escenario de la ópera de Cesti y Sbarra. Las decoraciones estaban diseñadas por Giovanni Burnacini para celebrar el matrimonio del Emperador Leopoldo I con Margarita Teresa, hija del Rey Felipe IV en 1665. Las 22 estampas representaban lo siguiente:

• La primera el interior del Teatro el día del estreno.

• La segundo con el Palacio de Plutón.

• La tercera el Convite e los dioses.

• La cuarta con los personajes de Paris y Enone.

• La quinta con el patio del Palacio de Paris.

• La sexta titulada Puerto de mar.

• La séptima la boca del infierno.

• La octava la exaltación de los Austrias.

• La novena con la Laguna Tritonia.

• La décima con la Caverna de Eolo.

• La undécima con la que se configura el valle con el río Xanto.

• La duodécima el Arsenal de Marte.

• La décimo tercera con Tormenta en el mar.

• La décimo cuarta con el Anfiteatro de Cécrope y Marte.

• La décimo quinta con el Bosque de cedros.

• La décimo sexta con el templo de Palas en Atenas.

• La décimo séptima con el título de Venus en su estrella.

• La décimo octava con la Fortaleza de Marte.

• La décimo novena con la Granja deliciosa de Paris.

• La vigésima con Júpiter destruyendo la fortaleza.

• La vigésimo primera con un Baile final en una plaza.

• La vigésimo segunda finalmente con la escenificación del Triunfo de Venus y Marte.


Il Pomo d’Oro trata de la historia del Triunfo de Venus en el concurso de las tres diosas. El mensaje simbólico del espectáculo era el del ensalzamiento de la Infanta Española, como diosa del Amor y la Belleza y el triunfo de los Habsburgo. El montaje de Burnacini es un ejemplo del culmen de la escenografía Italiana de la época.

Il Pomo d’Oro fue una ópera extraordinaria por su longitud, con muchos medios escenográficos. Cincuenta cantantes, coros, leones elefantes, coreografías y veintiséis cambios de escena. Por la complejidad, fue necesario construir un teatro a propósito, dado que este espectáculo fue concebido para una fiesta cortesana y los teatros públicos no tenían los medios para habilitar esta representación. En la Viena de Leopoldo I se mostraba especial interés a este tipo de espectáculos, que servían como propaganda al poder de la nobleza.

En la estampa con la que comienza el relato de los diseños de Burnacini se puede observar el nuevo teatro con todos los asientos ocupados, tanto en el patio de butacas como en los palcos, con los reyes sobre un estrado. Este teatro se encargó a Burnacini por su experiencia como escenógrafo y arquitecto para las fiestas cortesanas.

Burnacini llevó a Viena la moda italiana de la Quadrattura. que eran imágenes ficticias en las que se simulaba un aumento del espacio con perspectivas arquitectónicas de gran complejidad visual.

La estética predominante en las decoraciones de Burnacini es la de fare presto, con influencia de las creaciones florentinas de Bernardo Buontalenti. Esto se denota en las coronas de nubes con dioses, representaciones de ámbito divino, frente a la sección inferior, lugar para los mortales. Establece una diferenciación de niveles.

Los complejos movimientos escenográficos implicó un desarrollo de la maquinaria para permitir movimientos diagonales a lo largo y a lo ancho del escenario, así como el transporte de personajes mediante carriles y pescantes, agilizando la representación, mediante esa sucesión de novedades y efectos sorprendentes que aportaban continuidad a la obra.


Referencias[editar]

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