Historia del concepto de creatividad

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Cuadro de Kandinsky

Evolución del concepto[editar]

Las formas en que las sociedades han percibido el concepto de creatividad han cambiado a lo largo de la historia, al igual que el término en sí. El antiguo concepto griego de arte (en griego, "techne" - la raíz de "técnica" y "tecnología"), con la excepción de la poesía, no involucraba la libertad de acción sino el sometimiento a las reglas. En Roma, el concepto griego fue en parte cuestionado, y los artistas plásticos compartieron la imaginación e inspiración con los poetas.

Bajo el cristianismo medieval, el "creatio" latino vino a designar el acto de Dios de "creatio ex nihilo" ("creación de la nada"); por lo tanto, "creatio" dejó de aplicarse a las actividades humanas. La Edad Media, sin embargo, fue incluso más allá de la antigüedad, cuando revoca el estatus excepcional de la poesía: también era un arte y, por lo tanto, arte y no creatividad.

Los hombres del Renacimiento buscaban dar voz a su sentido de la libertad y la creatividad. Sin embargo, el primero en aplicar la palabra "creatividad" fue el poeta polaco del siglo XVII Maciej Kazimierz Sarbiewski, pero lo aplicó solo a la poesía. Durante más de un siglo y medio, la idea de la creatividad humana encontró resistencia, porque el término "creación" estaba reservado para la creación "de la nada".

En el siglo XIX, el arte se tomó su revancha: ahora el arte no solo era reconocido como creatividad, sino que solo era creativo. Cuando más tarde, a comienzos del siglo XX, comenzó a discutirse también la creatividad en las ciencias y en la naturaleza, esto se tomó como una transferencia, a las ciencias y a la naturaleza, de los conceptos que eran propios del arte.

La creatividad en la cultura occidental antigua[editar]

La antigua Grecia[editar]

Los antiguos griegos no tenían términos correspondientes a "crear" o "creador". La expresión "poiein" ("hacer") les era suficiente. E incluso eso no se extendió al arte en general, sino solo a la poiesis (poesía) y a los poetas (poeta o "creador") que lo hicieron. Platón pregunta en La República: "¿Diríamos, de un pintor, que hace algo?" y responde: "Ciertamente no, él simplemente imita". Para los antiguos griegos, el concepto de creador y de creatividad implicaba libertad de acción, mientras que el concepto de arte de los griegos implicaba el sometimiento a leyes y reglas. El arte (en griego, "techne") era "la fabricación de cosas, de acuerdo con las reglas". No contenía creatividad, y habría sido, en opinión de los griegos, un mal estado de cosas si lo hubiera tenido.[1]

Esta comprensión del arte tenía una premisa distinta: la naturaleza es perfecta y está sujeta a leyes, por lo tanto el hombre debería descubrir sus leyes y someterse a ellas, y no buscar la libertad, lo que lo desviará de ese óptimo que puede alcanzar. El artista era un descubridor, no un inventor.[2]

La única excepción a esta visión griega -una gran excepción- fue la poesía. El poeta hacía cosas nuevas, daba vida a un mundo nuevo, mientras que el artista simplemente lo imitaba. Y el poeta, a diferencia del artista, no estaba sujeto a las leyes. No hubo términos que corresponden a "creatividad" o "creador", pero en realidad se entendió que el poeta era alguien que crea.

En la música, no había libertad: se prescribían melodías, especialmente para ceremonias y entretenimientos, y se las conocía como "nomoi" ("leyes"). En las artes visuales, la libertad estaba limitada por las proporciones que Policleto había establecido para el cuerpo humano, y que llamó "el canon" (que significa "medida"). Platón argumentó en el Timeo que, para ejecutar un buen trabajo, uno debe contemplar un modelo eterno. Más tarde, el romano, Cicerón, escribiría que el arte abarca aquellas cosas "de las que tenemos conocimiento" ("quae sciuntur").

Los poetas veían las cosas de manera diferente. El libro I de la Odisea pregunta, "¿por qué prohibir al cantante deleitarnos a nosotros con el canto, como él mismo haría?" Aristóteles tenía dudas acerca de si la poesía es la imitación de la realidad, y en cuanto a si se requiere la adhesión a la verdad: era, más bien, el reino de "lo que no es ni verdadero ni falso."[3]

El universalismo romano[editar]

En Roma, estos conceptos griegos fueron parcialmente sacudidos. Horacio escribió que no solo los poetas sino también los pintores tenían derecho al privilegio de atreverse con lo que quisieran ("quod libet audendi").

En el período de decadencia de la antigüedad, Filostrato escribió que "uno puede descubrir similitudes entre la poesía y el arte y descubrir que tienen la imaginación en común". Calistrato afirmó que "no solo se inspira el arte de los poetas y los prosistas, sino que las manos de los escultores están dotadas de la bendición de la inspiración divina". Esto era algo nuevo: los griegos clásicos no habían aplicado los conceptos de imaginación e inspiración a las artes visuales, sino que los habían restringido a la poesía. El latín era más rico que el griego: tenía un término para "crear" ("creatio") y para "creador", y tenía dos expresiones - "facere" y "creare" - donde el griego solo tenía una, "poiein". Aún así, los dos términos latinos significaban casi lo mismo.[4]

Sin embargo, un cambio fundamental llegó en el período cristiano: "creatio" vino a designar el acto de Dios de "creación de la nada" ("creatio ex nihilo"). "Creatio", por lo tanto, adquirió un significado diferente al de "facere" ("hacer"), y dejó de aplicarse a las funciones humanas. Como escribió la figura oficial y literaria romana del siglo VI, Casiodoro, "las cosas hechas y creadas difieren, porque podemos hacer, no podemos crear".[5]

Junto a esta nueva interpretación religiosa de la expresión, persistió la antigua visión de que el arte no es un dominio de la creatividad. Esto se ve en dos escritores cristianos tempranos e influyentes, Pseudo-Dionisio y San Augustín.

La edad media[editar]

La Edad Media aquí fue incluso más allá de la antigüedad; no hicieron excepción de la poesía: también tenía sus reglas, era un arte y, por lo tanto, era una destreza y no una creatividad.[6]​ Los pensadores medievales tardíos como Hraban y Robert Grosseteste en el siglo XIII pensaban de la misma manera.

Los cambios del Renacimiento[editar]

Todo esto cambió en los tiempos modernos. Los hombres del Renacimiento tenían un gran sentido de su propia independencia, libertad y creatividad, y buscaban dar voz a este sentido de independencia y creatividad. El filósofo Marsilio Ficino escribió que el artista "piensa" ("excogitatio") sus obras; el teórico de la arquitectura y la pintura, Leon Battista Alberti, que "preordina" ("preordinazione"); Rafael, que da forma a una pintura de acuerdo con su idea; Leonardo da Vinci, que emplea "formas que no existen en la naturaleza"; Miguel Ángel, que el artista se da cuenta de su visión en lugar de imitar a la naturaleza; Giorgio Vasari, que "la naturaleza es conquistada por el arte"; el teórico del arte veneciano, Paolo Pino, que la pintura es "inventar lo que no es"; Paolo Veronese, que los pintores se aprovechan de las mismas libertades que los poetas y los locos; Federico Zuccario (1542-1609), que el artista plasma "un mundo nuevo, nuevos paraísos"; Cesare Cesariano (1483-1541), que los arquitectos son "semidioses". Entre los músicos, el compositor y musicólogo flamenco Johannes Tinctoris (1446-1511) exigió novedad en lo que hizo un compositor, y definió a un compositor como "aquel que produce nuevas canciones".[7]

La consolidación del Barroco[editar]

Aún más enfáticos fueron los que escribieron sobre poesía: G.P. Capriano sostuvo (1555) que la invención del poeta brota "de la nada". Francesco Patrizi (1586) vio la poesía como "ficción", "conformación", "transformación". [7]

Finalmente, por fin, alguien se atrevió a usar la palabra "creación". Era el poeta y teórico poético polaco del siglo XVII, Maciej Kazimierz Sarbiewski (1595-1640), conocido como "el último poeta latino". En su tratado, De perfecta poesi, no solo escribió que un poeta "inventa", sino también que el poeta "crea una cosa nueva" ("de novo creat"). Sarbiewski incluso agregó: "a la manera de Dios" ("instar Dei").[8]

Sarbiewski, sin embargo, consideraba la creatividad como el privilegio exclusivo de la poesía; la creatividad no estaba abierta a los artistas visuales. "Otras artes simplemente imitan y copian pero no crean, porque suponen la existencia del material del que crean o del sujeto". Todavía a fines del siglo XVII, André Félibien (1619-75) escribiría que el pintor es "por así decirlo [un] creador". El jesuita español Baltasar Gracián (1601-58) escribió de manera similar a Sarbiewski: "El arte es la consumación de la naturaleza, como si fuera un segundo Creador ..."[9]

El racionalismo del siglo de las luces[editar]

En el siglo XVIII, el concepto de creatividad aparecía con mayor frecuencia en la teoría del arte. Estaba relacionado con el concepto de imaginación, que estaba en todos los labios. Joseph Addison escribió que la imaginación "tiene algo parecido a la creación". Voltaire declaró (1740) que "el verdadero poeta es creativo". Con ambos autores, sin embargo, esto fue más bien una comparación de poeta con creador.[10]

Otros escritores tuvieron una visión diferente. Denis Diderot sintió que la imaginación es simplemente "el recuerdo de formas y contenidos" y "no crea nada", sino que solo combina, magnifica o disminuye. Precisamente en la Francia del siglo XVIII, la idea de la creatividad del hombre encontró resistencia. Charles Batteux escribió que "la mente humana no puede crear, estrictamente hablando, todos sus productos llevan el estigma de su modelo, incluso los monstruos inventados por una imaginación libre de leyes solo pueden estar compuestos por partes tomadas de la naturaleza". Luc de Clapiers, marqués de Vauvenargues (1715-47) y Étienne Bonnot de Condillac (1715-1780) hablaron de un efecto similar.

Su resistencia a la idea de la creatividad humana tenía una triple fuente. La expresión "creación" se reservó para la creación ex nihilo (latín: de la nada), que era inaccesible para el hombre. En segundo lugar, la creación es un acto misterioso, y la psicología de la Ilustración no admitió misterios. En tercer lugar, los artistas de la época estaban apegados a sus reglas, y la creatividad parecía irreconciliable con las reglas. La última objeción fue la más débil, ya que ya se estaba empezando a realizar (por ejemplo, por Houdar de la Motte, 1715) que las reglas en última instancia son una invención humana.[11]

La eclosión del Romanticismo[editar]

En el siglo XIX, el arte tomó su compensación por la resistencia de los siglos precedentes en contra de reconocerlo como creatividad. Ahora el Romanticismo no solo consideraba el arte como creatividad, sino que solo se lo consideraba así.

Cuando más tarde, a comienzos del siglo XX, comenzó a discutirse también la creatividad en las ciencias (por ejemplo, Jan Łukasiewicz, 1878-1956) y en la naturaleza (por ejemplo, Henri Bergson), esto generalmente se tomó como la transferencia, a las ciencias y a la naturaleza, de los conceptos propios del arte.[12]

Estudio científico de la creatividad[editar]

El inicio del estudio científico de la creatividad a veces es atribuido a J. P. Guilford que en 1950 desempeño la dirección de la Asociación Americana de psicología, que ayudó a popularizar el tema.[13]

Otros estudiosos de la creatividad han adoptado un enfoque más pragmático, enseñando técnicas prácticas de creatividad. Tres de las más conocidas son la "lluvia de ideas" de Alex Osborn (desde la década de 1950 hasta la actualidad), la teoría de la resolución de problemas inventiva de Genrikh Altshuller (TRIZ, desde la década de 1950 hasta la actualidad) y el pensamiento lateral de Edward de Bono (desde 1960 hasta la actualidad).

Períodos y personalidades[editar]

Antigua Grecia[editar]

Antigua Roma[editar]

Siglo XI – Siglo XV[editar]

Siglo XIII
Década de 1470

1500–1900[editar]

No había una demanda real de dicha ciencia hasta el siglo XIX, cuando comenzó la Revolución Industrial:

  • William Gordon - Synectics
  • Edward Matchett - Método de diseño fundamental (1968)
  • Idan Gafni - Asociación de tarjetas de expansión (Objetos de Emparejamiento)
  • Edward de Bono - Variedad de técnicas
  • L. D. Miles - Ingeniería del Valor - una técnica para operar con el conocimiento disponible

Siguiendo la línea de pensamiento de Miles:

  • Fritz Zwicky - Análisis Morfológico
  • Yoji Akoa - Despliegue de la Función de Calidad
  • a partir de mediados de la década de 1940 - inicio de la creatividad basada en el conocimiento, por TRIZ

Siglo XX[editar]

Principios del siglo XX[editar]

Década de 1940[editar]

Década de 1950[editar]

Década de 1960[editar]

Década de 1970[editar]

Década de 1980[editar]

  • Pablo Palnik - Conciencia Creativa en El estado saludable de la mente. [1981]
Década de 1990
  • Tony Buzan - Mapa de la mente
  • Idan Gafni - concepto de asociación de tarjetas de expansión concepto (Objeto de Emparejamiento)

Siglo XXI[editar]

Referencias[editar]

  1. Władysław Tatarkiewicz, A History of Six Ideas: an Essay in Aesthetics, p. 244. 
  2. Tatarkiewicz, p. 245. 
  3. Tatarkiewicz, pp. 245–46.
  4. Tatarkiewicz, p. 246. 
  5. Tatarkiewicz, p. 247. 
  6. Tatarkiewicz, p. 247. 
  7. Tatarkiewicz, pp. 247–48. 
  8. Tatarkiewicz, p. 248. 
  9. Tatarkiewicz, p. 248. 
  10. Tatarkiewicz, pp. 248–49. 
  11. Tatarkiewicz, p. 249. 
  12. Tatarkiewicz, p. 249. 
  13. «Guilford's structure of the intellect». The Co-Creativity Institute. Consultado el January 20, 2017. 

Bibliografía[editar]

  • Sternberg, R.J.; Lubart, T.I. (1999). «The Concept of Creativity: Prospects and Paradigms». En ed. Sternberg, R.J. Handbook of Creativity. Cambridge University Press. 
  • Albert, R.S.; Runco, M.A. (1999). «A History of Research on Creativity». En ed. Sternberg, R.J. Handbook of Creativity. Cambridge University Press.