Pixar

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Pixar Animation Studios
Pixar logo.svg
Logotipo de Pixar
Tipo Filial de The Walt Disney Company
Industria Animación por ordenador
Películas
Fundación 3 de febrero de 1986
Fundador(es) Edwin Catmull[1]
Alvy Ray Smith[1]
Nombres anteriores The New York Institute of Technology Computer Graphics Lab (1975–1979)
The Graphics Group of Lucasfilm Computer Division (1979–1986)
Sede central Emeryville, Estados Unidos
Personas clave Edwin Catmull (presidente)[2]
John Lasseter (director creativo)
Jim Morris (presidente)[2]
Productos Pixar Image Computer
RenderMan
Marionette
Propietario Lucasfilm (1979–1986)
Independiente (1986–2006)
The Walt Disney Company (2006–presente)
Filiales Pixar Canada (cerrada)
Sitio web http://www.pixar.com
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Pixar Animation Studios, conocido simplemente como Pixar (pronunciado: /ˈpɪksɑr/), es un estudio cinematográfico de animación por computadora con sede en Emeryville, Estados Unidos. El estudio es mejor conocido por sus películas de animación creadas con el PhotoRealistic RenderMan, un interfaz de programación de aplicaciones de renderización de imagen utilizado para generar imágenes de alta calidad. Pixar fue fundado en 1979 como Graphics Group, parte de la división computacional de Lucasfilm, para posteriormente derivarse como una compañía en 1986 con financiamiento de Steve Jobs, cofundador de Apple. Por lo anterior, Jobs se convirtió en su mayor accionista.[3] En 2006, la empresa fue adquirida por The Walt Disney Company por un valor de 7400 millones de dólares. La mascota del estudio es Luxo Jr., un personaje del corto animado del mismo nombre.

La compañía ha producido 17 películas, Toy Story (1995) fue la primera y la más reciente Finding Dory (2016). La mayoría de sus filmes han recibido buenas críticas y han sido éxitos comerciales, con excepción de Cars 2 (2011), que, a pesar de su éxito comercial, recibió críticas substancialmente menos favorecedoras.[4] En sus debuts, las 17 películas han sido calificadas por CinemaScore con al menos una «A-», que indica una recepción positiva de la crítica y la audiencia.[5] Asimismo, el estudio ha producido numerosos cortometrajes. Para octubre de 2015, sus películas habían reunido más de 9300 millones de dólares a nivel mundial, con una recaudación promedio de 623 millones por película.[6] Finding Nemo (2003), Toy Story 3 (2010) e Inside Out (2015) son tres de las 50 películas con mayores recaudaciones de todos los tiempos y se encuentran, junto a 10 filmes más del estudio, entre las 50 películas animadas con mayores recaudaciones. Toy Story 3 es la tercera película animada con mayor recaudación en la historia, precedida por Frozen de Walt Disney Animation Studios, que logró recaudar 1279 millones de dólares, y Minions de Illumination Entertainment, que ha acumulado 1153 millones, en comparación con los 1063 de Toy Story 3.

Pixar ha ganado 16 premios Óscar, ocho Globos de Oro y 11 premios Grammy, además de muchos otros premios y reconocimientos. Desde su primera nominación en 2001, casi todas las películas del estudio han sido nominadas al Óscar a la mejor película de animación. Ocho de ellas han ganado: Finding Nemo, The Incredibles (2004), Ratatouille (2007), WALL-E (2008), Up (2009), Toy Story 3, Brave (2012) e Inside Out (2015). Monsters, Inc. (2001) y Cars (2006) son las únicas películas nominadas que no recibieron el premio. Up y Toy Story 3 fueron la segunda y tercera películas animadas nominadas al Óscar a la mejor película (la primera fue Beauty and the Beast de Walt Disney Animation Studios). El 6 de septiembre de 2009, John Lasseter, Brad Bird, Pete Docter, Andrew Stanton y Lee Unkrich recibieron el León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia. El premio fue presentado por el fundador de Lucasfilm, George Lucas.

Historia[editar]

1976-1989: Antecedentes y primeras animaciones[editar]

Los antecedentes de Pixar se remontan a 1974 cuando Alexander Schure, fundador del New York Institute of Technology (NYIT) y propietario de un estudio de animación, creó el Computer Graphics Lab (CGL) con el afán de reclutar a informáticos para producir la primera película animada por computadora en la historia del cine. Sus primeros empleados fueron Ed Catmull, Malcolm Blanchard, Alvy Ray Smith y David DiFrancesco.[7] Pese a que el área resultó pionera en muchas de las técnicas fundacionales de la computación gráfica (especialmente en la composición alfa) y de que llegó a producir una cinta experimental titulada The Works,[8] pronto atravesó problemas financieros[9] lo cual derivó en que seis de sus empleados, incluidos Catmull y Ray Smith,[10] renunciaran tiempo después para trabajar con George Lucas en The Graphics Group, del estudio Lucasfilm.[11] [12] The Graphics Group era parte de la división computacional del estudio de Lucas y comenzó sus operaciones en 1979[13] con el objeto de desarrollar «tecnología computacional de vanguardia».[14] Eventualmente Catmull y Ray Smith trabajaron en el precursor de RenderMan, llamado REYES (por sus siglas en inglés: «renders everything you ever saw»; en español: «renderiza todo lo que veas»), y desarrollaron diversas tecnologías fundamentales para la computación gráfica como los «efectos de partículas» y ciertas herramientas de animación.

Una Pixar Image Computer fotografiada en el Museo Histórico de Ordenadores.

En 1982 el equipo empezó a colaborar con Industrial Light & Magic en la producción de secuencias cinematográficas de efectos especiales[10] y, dos años después, estrenó en el SIGGRAPH una versión incompleta de Las Aventuras de André y Wally B., dirigida por John Lasseter, que se unió al grupo en 1983.[14] [15] Después de años de investigación e hitos claves para el estudio como el «efecto Génesis» de Star Trek II: la ira de Khan[10] y el caballero del vitral de Young Sherlock Holmes,[16] el grupo conformado en ese entonces por cuarenta personas[3] se derivó como una compañía independiente el 3 de febrero de 1986 bajo el nombre de Pixar, financiado por Steve Jobs, poco después de su despido de Apple Computer.[3] Jobs pagó cinco millones de dólares a Lucas por los derechos de la tecnología y capitalizó cinco millones más en la recién creada empresa. Pixar fue liderada por Catmull como su presidente y por Ray Smith como su vicepresidente ejecutivo, mientras que Jobs ocupó el cargo de presidente de la Junta de Directores.[3]

Aunque la intención de Pixar era retomar la iniciativa de Schure respecto a la producción del primer largometraje animado digitalmente, por un tiempo estuvieron funcionando como una empresa de venta de hardware cuyo principal producto era la Pixar Image Computer. Este sistema estaba dirigido principalmente a agencias gubernamentales y a la comunidad médica,[17] aunque no tuvo buenas ventas.[18] Uno de sus clientes fue Walt Disney Studios, que buscaba incorporar el lenguaje de la Image Computer a su proyecto Computer Animation Production System (CAPS) que habría de facilitar la migración del proceso de animación 2D a un método más automatizado.[17] El 17 de agosto de 1986 Lasseter, que hasta entonces había estado trabajando en algunas animaciones demostrativas para mostrar la capacidad de la Image Computer, estrenó Luxo Jr. en el SIGGRAPH. La audiencia recibió de forma entusiasta al primer cortometraje del estudio,[19] [20] que también fue distinguido con una nominación en los premios Óscar como «Mejor cortometraje animado».[14] En 1987, de vuelta en el SIGGRAPH, Pixar mostró el corto Red's Dream que incluía escenas renderizadas completamente con la Image Computer, y presentaba innovadores efectos de lluvia y una mayor complejidad en la iluminación que Luxo Jr.[14] El siguiente cortometraje, Tin Toy, además de ser presentado tanto en el SIGGRAPH como en el Ottawa International Film Festival, obtuvo el Óscar como «Mejor cortometraje animado».[14] [21]

Si bien Pixar empezaba a gozar de una buena aceptación en la industria debido a la calidad de sus animaciones, la realidad era que atravesaba una crisis financiera que por poco lleva al estudio a la quiebra. En 1989 comenzó a invertirse más en el departamento de animación de Lasseter, que contaba solamente con cuatro empleados (Lasseter, William Reeves, Eben Ostby y Sam Leffler), pasando a constituir una división operativa responsable de producir comerciales animados por computadora para otras compañías externas como Tropicana, Listerine y Life Savers.[22] Ese mismo año dio a conocer su siguiente proyecto, el corto Knick Knack realizado en 3D estereoscópico y «uno de los últimos cortos que Lasseter animó personalmente durante los años independientes de Pixar».[14] [23]

1990-2000: Toy Story y colaboraciones con Disney[editar]

El 30 de abril de 1990 Pixar vendió su división de hardware a Vicom Systems,[24] y, ese mismo año, el estudio se movió de San Rafael a Richmond, California. Durante ese periodo entabló conversaciones con Walt Disney Feature Animation, que estaba interesado en realizar una película basada en el exitoso Tin Toy.[24] Mientras tanto, para mantener el financiamiento de la empresa, Jobs exigió a los empleados regresar sus acciones y creó un «nuevo Pixar» del cual era el único dueño.[25] Pese a que en marzo de 1991 la plantilla de Pixar se había reducido a solo cuarenta y dos empleados,[26] en junio firmó un acuerdo por 26 millones USD con Disney para la realización de tres películas animadas, incluyendo el filme basado en Tin Toy que pasaría a ser Toy Story bajo la dirección de Lasseter. No obstante, Disney mantuvo los derechos «a su sola discreción, de abandonar el proyecto en cualquier momento, aun después de iniciada la producción».[14] [27] [28] [29] Para entonces el personal de Pixar estaba conformado por los programadores que trabajaban en RenderMan y CAPS, y el departamento de animación de Lasseter que realizaba comerciales televisivos y cortos de Luxo Jr. para Sesame Street.[25]

Durante el verano de 1994 Pixar comenzó a trabajar en ideas para nuevas películas[30] y, como resultado, Lasseter, Andrew Stanton, Pete Docter y Joe Ranft esbozaron los argumentos de A Bug's Life, Monsters, Inc. y Finding Nemo. Para la historia de los insectos, el equipo consideró una adaptación de la fábula de Esopo, La cigarra y la hormiga, algo que Disney ya había hecho en 1934 con el cortometraje The Grasshopper and the Ants.[30] Para entonces el estudio continuaba presentando problemas financieros y Jobs, ya como único propietario, llegó a considerar su venta a Microsoft.[27] [31] No fue sino hasta que The New York Times pronosticó que Toy Story podría significar un notable éxito para Pixar, y al hecho de que Disney confirmó la distribución del filme para la temporada navideña de 1995, que el empresario decidió darle otra oportunidad.[31] [32] [33] Consecuentemente, por primera vez Jobs tomó un papel activo de liderazgo en la compañía y, en febrero de 1995, se nombró así mismo presidente y director ejecutivo.[34] A principios de 1995 comenzaron los trabajos de A Bug's Life y, en julio de 1995, Disney confirmó su distribución.[30]

Entrada de la sede de Pixar Animation Studios en Emeryville, California.

Tras su estreno Toy Story recaudó más de 361 millones USD en todo el mundo[35] y fue nominada en las categorías «Mejor canción original», «Mejor banda sonora» y «Mejor guion original» de los premios Óscar. Lasseter recibió a su vez una estatuilla en la misma premiación por «desarrollar e inspirar la aplicación de técnicas que han hecho posible el primer largometraje animado por computadora».[14] [36] [37] En noviembre de 1995 el estudio llevó a cabo su primera oferta pública de venta y superó a Netscape como la mayor OPV del año; tan solo en la primera media hora de venta, sus acciones pasaron de 22 a 45 USD e incluso la venta tuvo que ser retrasada debido a la gran cantidad de órdenes de compra. Las acciones escalaron a 49 USD, antes de finalizar el día en 39 USD.[38] [39]

Entre 1990 y 2000 se desarrolló de manera gradual el «Pixar Braintrust», una metodología consistente en una revisión por pares en la que directores, escritores y artistas se reúnen para revisar los proyectos internos y compartir opiniones, ideas y críticas constructivas.[40] [41] Según Catmull, el Braintrust representó la evolución de la relación de trabajo que tuvieron en su momento Lasseter, Stanton, Docter, Unkrich, y Ranft durante la producción de Toy Story.[14] [40] Tras el éxito de su primer largometraje, Pixar comenzó la construcción de un nuevo estudio en Emeryville, California, diseñado por PWP Landscape Architecture e inaugurado el 27 de noviembre de 2000.[42]

En febrero de 1997 Disney y Pixar acordaron la producción de cinco nuevas películas a estrenarse en un período de diez años, con igual distribución de las ganancias.[14] [43] Al mes siguiente, Pixar confirmó la producción de la continuación de Toy Story,[44] [45] aunque Disney no la contempló como parte del nuevo acuerdo[46] y, durante los siguientes meses, tenía pensado lanzarla directamente en formato de vídeo, al igual que Aladdín 2 (1996). No obstante, después de que algunos de sus ejecutivos miraron algunas escenas de Toy Story 2 durante su producción, el estudio cambió de opinión y anunció que llegaría a las salas de cine.[47] Esto finalmente se concretó luego de negociaciones entre Jobs y Roth Schneider, ejecutivo de Disney.[48] A finales de ese año Pixar estrenó Geri's Game, su primer cortometraje desde Knick Knack,[14] [49] que se hizo acreedor al Óscar como «Mejor cortometraje animado» en 1998.[50] Por su parte, A Bug's Life se estrenó en noviembre de 1998 y obtuvo una recaudación mundial de 363 millones USD, además de una nominación al Óscar en el apartado de «Mejor banda sonora».[14] [51] Al mes siguiente Lasseter, Stanton y Docter se integraron al equipo de producción de Toy Story 2, y pronto se mostraron inconformes con el trabajo que se venía haciendo en la secuela por lo que solicitaron que el guion fuera rescrito. La producción comenzó en enero de 1999 y para alcanzar la fecha límite el equipo debió trabajar contra reloj durante los siguientes nueve meses.[52] Las largas e intensas jornadas de trabajo causaron síndrome del túnel carpiano en algunos animadores, y lesiones por movimientos repetitivos en otros.[53] [54] Toy Story 2 se estrenó en noviembre de 1999 y recaudó un total de 485 millones USD. Se trató de la película animada con mayores recaudaciones del año, superando por un margen significativo a sus predecesoras. Además, fue la primera secuela animada con mayor recaudación que el filme original.[14] [55] Recibió críticas positivas en su gran mayoría, una nominación al Óscar a la «Mejor canción original» y otros premios como el Globo de Oro a la «Mejor película (comedia o musical)» y siete galardones Annie.[56] Al año siguiente el estudio lanzó el corto For The Birds, que recibió el Óscar al «Mejor cortometraje animado».[57]

2001-2004: Conflicto con Disney[editar]

La producción de Toy Story 2 conllevó el deterioro de las relaciones sostenidas por ambos estudios.[58] Pixar consideraba que las ganancias no eran equitativas, ya que mientras Disney estaba a cargo de la mercadotecnia y distribución, ellos se encargaban de toda la labor creativa. Si bien los costos de producción eran sufragados a partes iguales, el acuerdo le garantizaba a Disney los derechos sobre las tramas y la producción de secuelas de cualquier filme de Pixar, además de una cuota por distribución de entre el 10 y 15 % por cada película.[59] El «cambio en el equilibrio de poder entre las dos empresas» fue un agravante del conflicto; por una parte Pixar mantenía una creciente popularidad y éxito en sus producciones, mientras que Disney tenía problemas con su propia producción de películas animadas.[59]

En enero de 2001 Catmull fue nombrado presidente de Pixar,[60] y en noviembre del mismo año el estudio estrenó Monsters, Inc.,[14] la primera película dirigida por Docter cuyo trabajo en Pixar tuvo sus inicios en 1996.[61] El filme presentó innovaciones técnicas en el diseño de personajes, escenas y ciertos elementos como la iluminación. Asimismo, cada protagonista contó con su propio animador principal.[62] Pixar creó un departamento de simulación que, a su vez, diseñó un nuevo programa denominado Fizt, gracias al cual los animadores pudieron simular por primera vez el movimiento del cabello y de la ropa, y la influencia que el viento, la gravedad y otros objetos tienen en estos, proporcionando un mayor realismo.[62] [63] [64] Adicionalmente redujeron el tiempo necesario para crear las tomas (cada toma, con una duración de entre 3 y 10 segundos, tomaba dos semanas para ser creada; con el simulador, el tiempo se redujo a dos horas).[63] Con Monsters, Inc., la granja de render de Pixar aumentó a 3500 procesadores Sun Microsystems —comparados con los 1400 de Toy Story 2 y los 200 de Toy Story[65][62] [64] y fue creado un algoritmo para lidiar con los problemas ocasionados por la colisión entre telas[66] [65] y uno para los relacionados con la sombra del cabello, pelaje,[67] niebla, vapor y efectos atmosféricos.[64] En su fin de semana de estreno, Monsters, Inc se colocó en la primera posición de recaudación al acumular 62 millones USD en EE.UU. y Canadá.[68] En total recaudó 562 millones USD en todo el mundo.[69] Recibió el Óscar a la «Mejor canción original» y tres nominaciones más —«Mejor película de animación», «Mejor banda sonora» y «Mejor edición de sonido»—.[57] Ese mismo año, Rob Cook, Loren Carpenter y Ed Catmull recibieron un premio Óscar al mérito por los «significativos avances en el campo de la renderización de películas, ejemplificados por el RenderMan de Pixar».[14] [70]

En septiembre de 2002 Pixar estrenó su primer cortometraje protagonizado por personajes de otra película suya, Mike's New Car, nominado al Óscar al «Mejor cortometraje animado»[14] y, unas semanas después, el parque temático Disney California Adventure inauguró A Bug's Land, una atracción inspirada en A Bug's Life.[14] El 30 de mayo de 2003, mientras ambas compañías comenzaban las negociaciones para llegar a un nuevo acuerdo, Pixar estrenó su quinta película: Buscando a Nemo, que significó un éxito de taquilla y crítica. Con el filme, el estudio logró nuevamente colocarse en la primera posición de recaudación durante su fin de semana de estreno[71] y por primera vez recibió el Óscar a la «Mejor película de animación», además de otras tres nominaciones y nueve premios Annie (de un total de 12 nominaciones).[72] Con una recaudación total de 936 millones USD en los países en que fue estrenada, Buscando a Nemo se convirtió en la 32.ª película con mayor recaudación de la historia y la quinta entre las películas de animación. En total, fue la segunda película con mayores recaudaciones del año.[73]

Mientras tanto, las negociaciones sobre el nuevo acuerdo continuaban: Pixar buscó que Disney únicamente se encargara de la distribución, de forma que ellos mantuvieran el control de la producción y volvieran a tener los derechos de sus películas. Al mismo tiempo buscó financiar completamente sus filmes y recaudar el total de las ganancias, con una cuota de distribución del 10 % o menos para Disney, demandando el control de la producción de las películas que ya estaban siendo realizadas como parte del antiguo acuerdo (The Incredibles y Cars).[74] Pese a que los estudios cedieron en ciertas condiciones,[75] las negociaciones comenzaron a colapsar. Tras el lanzamiento del corto Boundin',[14] el 30 de enero de 2004 Pixar rompió relaciones con Disney,[76] [77] [78] después de que este último rechazara los términos de Pixar bajo el argumento de que le habrían de representar pérdidas millonarias.[78] Es importante mencionar que las diferencias entre Jobs y Michael Eisner, director ejecutivo de Disney, fueron un factor que agravó las negociaciones entre los estudios.[79] Pese a lo anterior, Pixar se comprometió a producir las últimas dos películas del acuerdo final: The Incredibles y Cars.[78] Por un lado Jobs dio a conocer que Pixar comenzaría a explorar nuevas opciones de distribución a partir de 2006,[77] y por el otro Disney estableció Circle 7 Animation, una división de su estudio de animación que habría de producir Toy Story 3 y Monsters, Inc. 2.[80]

2005-2006: Adquisición de Pixar[editar]

Lasseter y Catmull fueron nombrados presidente y director creativo de Walt Disney Feature Animation, respectivamente, tras la adquisición de Pixar.

En noviembre de 2004 Disney y Pixar estrenaron The Incredibles, que recaudó 70 millones USD en su fin de semana inaugural colocándose en la primera posición de recaudaciones y rompiendo los récords de taquilla logrados por Pixar hasta entonces.[14] [81] En total, recaudó 631 millones de dólares a nivel mundial.[82] Recibió el Óscar a la «Mejor película de animación» y a la «Mejor edición de sonido» y dos nominaciones más —«Mejor guion original» y «Mejor sonido»—.[83] Seis días después, comenzó a operar la atracción Turtle Talk with Crush, inspirada en Buscando a Nemo, en el área temática The Living Seas del parque Epcot, en Florida.[14]

El 11 de junio del año siguiente, durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Pixar estrenó El hombre orquesta, nominado al Óscar al «Mejor cortometraje animado».[14] Pese a sus anteriores declaraciones, el estudio todavía no se había puesto en contacto con ningún distribuidor aparte de Disney. De hecho, poco después, cuando se anunció que Robert Iger sustituiría a Eisner como director ejecutivo de Disney,[84] las negociaciones entre ambas empresas volvieron a retomarse.[85] A finales de año, el 14 de diciembre, el MoMA inauguró Pixar: 20 Years of Animation, la primera exposición externa del trabajo original del estudio.[14] Tras varios meses de negociaciones, el 26 de enero de 2006, Disney anunció la compra de Pixar por 7400 millones USD;[86] el acuerdo se completó el 5 de mayo de ese año.[87] Como parte del acuerdo de adquisición, Catmull (que se mantuvo como presidente de Pixar) y Lasseter fueron nombrados, respectivamente, presidente y director creativo de Walt Disney Feature Animation (poco después, Lasseter renombró ese estudio como Walt Disney Animation Studios).[88] Asimismo, Disney cerró Circle 7 y canceló los proyectos que se encontraba desarrollando ahí hasta ese instante.[89] Según Lasseter, Iger comprendió que Disney necesitaba comprar Pixar mientras observaba un desfile en la inauguración de Hong Kong Disneyland. En ese momento, Iger notó que todos los personajes del desfile habían sido creados por Pixar, y en cambio no aparecía ninguno reciente de Disney.[90] Luego de un análisis financiero, confirmó que Disney había perdido dinero con sus últimos proyectos de animación. Tras ser promovido a presidente ejecutivo y presentar la información financiera, se autorizó a Iger explorar la posibilidad de un acuerdo con Pixar.[91] Pese a su cautela inicial y convencidos por Jobs, Lasseter y Catmull accedieron a negociar.[90]

Las posiciones de Lasseter y Catmull no implicaron la fusión de ambas compañías. En realidad, como parte del acuerdo se estableció que Pixar se mantendría como una entidad separada. Además, algunas de sus políticas de recursos humanos permanecerían intactas. Finalmente el estudio mantendría su nombre, y sus instalaciones principales continuarían en Emeryville.[92] [93] La primera película estrenada tras la compra del estudio fue Cars (9 de junio). El filme recaudó 461 millones USD en todo el mundo y fue nominado al Óscar a la «Mejor película animada» y a la «Mejor canción original».[94] Posteriormente, el 11 de septiembre, se estrenó Lifted, nominado también al Óscar a «Mejor cortometraje animado».[14]

2007-actualidad[editar]

Los principales directores de Pixar y George Lucas durante el 66° Festival Internacional de Cine de Venecia en 2009. De izquierda a derecha: Andrew Stanton, Pete Docter, John Lasseter, Lucas, Lee Unkrich y Brad Bird.

Ratatouille, la octava película del estudio, se estrenó el 29 de junio de 2007.[14] Pese a tener el estreno menos exitoso desde A Bug's Life, el filme recaudó 623 millones USD en todo el mundo, pasando a ser la sexta película de Pixar con la mayor recaudación.[95] En los premios Óscar, Ratatouille ganó el premio a la «Mejor película de animación» y resultó nominada en las categorías «Mejor banda sonora», «Mejor edición de sonido», «Mejor sonido» y «Mejor guion original».[96] Meses después, en abril de 2008, el estudio anunció sus próximas películas a partir de 2009: Up, Toy Story 3, Newt, The Bear and the Bow y Cars 2.[97] Durante el verano, Docter también dio a entender que existía la posibilidad de que se produjera una secuela de Monsters, Inc.[98] En junio lanzó el corto Presto y el filme WALL·E,[14] este último dirigido por Stanton. Ambas producciones recibieron nominaciones en los premios Óscar (WALL·E ganó su candidatura como «Mejor película de animación»). Cabe señalarse que este largometraje tuvo el presupuesto más elevado en la historia de Pixar hasta entonces (180 millones USD), y logró una recaudación total de 521 millones USD.[99] [14] En septiembre del mismo año, el productor del largometraje, Jim Morris, fue nombrado gerente general del estudio.[100]

Al año siguiente, Up (estrenada el 29 de mayo junto con el cortometraje Partly Cloudy) se convirtió en un éxito comercial y entre la crítica. Recaudó 731 millones de dólares a nivel mundial, es decir, la segunda película de Pixar con la mejor recaudación hasta ese entonces (superada solo por Finding Nemo). Con 68 millones acumulados, el estudio logró su tercer mejor fin de semana de estreno (superada por The Incredibles y Finding Nemo).[101] En general, recibió críticas positivas; el sitio especializado Rotten Tomatoes le otorgó, con base en 281 críticas, un puntaje de 98%, además la calificó como la mejor del 2009.[102] [103] De cinco nominaciones, ganó los premios Óscar a la mejor película de animación y a la mejor banda sonora.[104] Este fue el primer largometraje de Pixar nominado al Óscar a la mejor película; con Up, el estudio obtuvo su quinto Óscar a la mejor película animada y su primero a la mejor banda sonora. En la misma premiación, la Academia otorgó el premio Gordon E. Sawyer a Catmull.[14]

A inicios de septiembre, Luxo, la compañía fabricante de las lámparas del mismo nombre, demandó a Disney/Pixar por violar la marca registrada al vender réplicas de Luxo Jr. con el DVD de Up.[105] No obstante, el asunto se resolvió cuando Disney llegó a un acuerdo con Luxo y aceptó no vender las lámparas Luxo Jr. Además, la empresa le permitió a Pixar continuar utilizando la lámpara como personaje.[106] También en septiembre, Lasseter, Bird, Docter, Stanton y Unkrich fueron premiados con el León de Oro especial a toda una carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia, galaradón que recibieron de manos del director George Lucas. Durante la premiación, se mostraron escenas de Toy Story 3 y la nueva versión en 3D de Toy Story 2.[107]

Cuando la producción de Toy Story 3 de Circle 7 Animation se canceló y fue transferida a Pixar,[108] [109] Lasseter, Stanton, Docter y Unkrich desarrollaron la nueva historia de la película.[110] En febrero de 2007, se anunció que Unkrich, codirector de Toy Story 2, dirigiría el nuevo filme.[111] Unkrich comentó sentir presión por evitar crear «el primer fracaso» de Pixar, dado que (para 2010) todas las películas del estudio habían sido éxitos.[112] En febrero del año siguiente, se anunció la trama: «Woody y sus amigos son abandonados en una guardería puesto que su dueño, Andy, parte a la universidad».[113] Los animadores no pudieron utilizar el trabajo original de Toy Story, por lo que fue necesario recrear los modelos desde cero.[114] Para crear la compleja escena del vertedero el equipo necesitó más un año, del que la mitad se utilizó para crear sistemas de simulación necesarios para la secuencia.[115]

Tras su estreno el 18 de junio de 2010, Toy Story 3 fue un éxito sin precendentes para Pixar. Recaudó más que las dos películas anteriores juntas;[116] con 145.3 millones tuvo el tercer fin de estreno a nivel mundial más exitoso para una película animada (fue superada en 2013 por Despicable Me 2 y en 2015 por Inside Out).[117] Sus 1063 millones acumulados en todo el mundo la convirtieron en la película animada más exitosa de la historia (superada en 2014 por Frozen de Walt Disney Animation Studios[118] ),[119] la quinta película con las mayores recaudaciones[120] (a 2015 ocupa el lugar 17), la más exitosa del 2010 y del estudio (posición que aún ocupa),[121] [122] y la primera en llegar a la marca de los 1000 millones de dólares.[14] Con un 99% de aprobación, Toy Story 3 fue la película con las mejores críticas del año en Rotten Tomatoes.[123] Además, la revista Time la nombró la mejor película del año.[124] Fue nominada a cinco premios Óscar (después de Up, fue el segundo largometraje de Pixar nominado al Óscar a la mejor película), obtuvo los premios en las categorías mejor película animada y mejor canción original por «We Belong Together» de Randy Newman.[125]

En su siguiente cortometraje, Day and Night, estrenado junto a Toy Story 3 y nominado al Óscar al mejor cortometraje animado,[125] Pixar combinó elementos de animación en 2D y 3D;[126] fue el segundo cortometraje del estudio, después de Your Friend the Rat, en incluir animación en 2D. Por su parte, el Producers Guild of America premió a Lasseter con el Premio Especial David O. Selznick.[14]

2011-2013: Los primeros fracasos[editar]

En sus tres años de existencia, Pixar Canada produjo ocho cortometrajes basados en los personajes de Toy Story y Cars.

A inicios de 2010, se confirmó la cancelación de Newt y se anunció que The Bear and the Bow había sido renombrada como Brave.[127] Más tarde, Catmull explicó sobre la cancelación de Newt: «era otra extraña idea que no funcionaba. Cuando se la mostramos a otra persona [Pete Docter], nos dijo: 'Lo haré, pero tengo otra idea [Inside Out] que, me parece, es mejor'. Y nosotros también pensamos que era mejor. Esa es la razón por la que no continuamos con Newt».[128] Ese mismo año, en abril, el estudio fundó Pixar Canada, su subsidiaria con sede en Vancouver y encargada de producir cortometrajes sobre personajes de las películas de Pixar.[129]

El 6 de junio, durante el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, se estrenó La Luna, nominado al Óscar al mejor cortometraje animado. 18 días después, se estrenó Cars 2 junto a Hawaiian Vacation, el primer corto de Toy Story Toon.[14] La película recaudó 559 millones a nivel mundial, ocupando (en ese momento) la séptima posición entre las películas de Pixar.[122] [130] Con 39%, es el largometraje peor calificado del estudio por Rotten Tomatoes.[131] Asimismo, fue el primer filme de Pixar sin nominaciones al premio Óscar. Pese a las críticas y la baja recaudación (538 millones de dólares),[132] Brave, estrenada el 22 de junio de 2012, recibió el Óscar a la mejor película de animación.[14] El proyecto fue concebido por Brenda Chapman, que se desempeñó como directora (la primera para Pixar) y escritora.[133] No obstante, en octubre de 2010 fue reemplazada por Mark Andrews debido a «desacuerdos creativos».[134] Esta fue la primera película de Pixar protagonizada por una mujer.[135] Dado que Chapman recibió el crédito como codirectora, se convirtió en la primera mujer en recibir el Óscar a la mejor película animada.[134]

El 8 de mayo de 2013, tras protestas en línea, Disney retiró su solicitud de registro de «Día de los Muertos» ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos, solicitud realizada por propósitos de una nueva película de Pixar.[136] Y el 12 de junio, Pixar enfrentó, junto a otras compañías como Lucasfilm, Google e Intel, una demanda por acordar no contratar empleados de las otras compañías.[137] El retraso en la entrega de The Good Dinosaur, obligó al estudio a despedir al 5% de sus trabajadores. El estreno de la película estaba originalmente planeado en mayo de 2014, sin embargo, se retrasó hasta noviembre de 2015.[138] El 21 de julio, se estrenó la precuela de Monsters, Inc., Monsters University.[14] Con críticas en general positivas y con 743 millones, pasó a ser la 11° película animada con las mayores recaudaciones de la historia (a 2015 ocupa el lugar 14).[139] Tras ocho cortos, el 8 de octubre, se anunció el cierre de Pixar Canada y el despido de sus aproximadamente 100 trabajadores para centrar los esfuerzos de Pixar en su estudio principal.[140]

Para algunas personas, estas problemáticas representaron el declive de la calidad de Pixar, especialmente por su excesiva dependencia en las secuelas.[141] Apoyando esta idea, Christopher Orr de The Atlantic consideró las calificaciones que Rotten Tomatoes otorgó a los filmes del estudio. Con excepción de Cars, las películas peor calificadas fueron las tres estrenadas entre 2011 y 2013.[142] «Parecen muy lejanos los días en los que cada estreno de Pixar [significaba] un alucinante punto de inflexión», comentó al respecto Nicholas Barber de The Independent.[143]

2014-presente: Inside Out y producciones futuras[editar]

Por primera vez desde 2005, debido al retraso en la producción de The Good Dinosaur y Finding Dory, secuela de Finding Nemo anunciada a inicios de 2013,[144] Pixar no estrenó ningún largometraje en 2014.[145] [146] No obstante, continuó la producción de las películas, especialmente de Inside Out, cuyo estreno estaba programado para junio de 2015. A lo largo del 2014 se revelaron detalles de la trama y los avances del filme.[147] [148] [149] El 18 de marzo, Robert Iger anunció que Pixar trabajaba en secuelas de Cars 2 y The Incredibles.[150] Y en noviembre, Jim Morris fue nombrado presidente de Pixar.[151] También en noviembre, se anunció oficialmente Toy Story 4, con fecha de estreno el 16 de junio de 2017 y marcando el retorno de Lasseter a la dirección.[152]

Inside Out se estrenó el 19 de junio de 2015, aunque previamente se mostró durante el 68° Festival de Cannes en mayo. Con críticas en su mayoría positivas, recaudó más de 856 millones de dólares, es decir, es el tercer filme de Pixar con las mayores recaudaciones. Con 90.4 millones, tuvo el fin de semana de estreno de mayor recaudación para una película orginal. Además fue la quinta película (la segunda animada) con mayor recaudación del año y la 43° película con la mayor recuadación de la historia (la décima, dentro de las películas animadas).[122] [153] [154] Ganó el premio de la Academia a la mejor película animada.[155] En agosto, se anunció la producción de Coco, inspirada en el Día de Muertos de México.[156] Y el 8 de octubre, Pixar presentó las fechas de estreno de sus siguientes seis producciones, comenzando con The Good Dinosaur el 25 de noviembre de 2015. El estreno de Toy Story 4 se retrasó hasta el 15 de junio de 2018.[157] [158] Como parte de los anuncios de estrenos de Disney se consideraron dos películas de Pixar sin título para 2020.[159]

Para diversos críticos, Inside Out representó el regreso de Pixar a un mejor estado.[160] [161] [162] [163] [164] Sin embargo, The Good Dinosaur, estrenada el 25 de noviembre, fue su primer fracaso en taquilla. Con un costo de producción y mercadotecnia de 350 millones de dólares, el filme recaudó poco más de 300 millones. No obstante, las ganancias de Inside Out y Star Wars: The Force Awakens permitieron a Disney soportar estas pérdidas.[165] Desde de su anuncio en el verano de 2011, Pixar enfrentó diversas problemáticas con el filme. El director Bob Peterson fue reemplazado por Peter Sohn en agosto de 2013. Esta fue la cuarta ocasión en que el estudio sustituyó al director inicial.[166] [167] Este cambio conllevó, a su vez, drásticas modificaciones en la historia, ocasionando un retraso de 18 meses en la fecha de estreno. Además, prácticamente en su totalidad, el reparto coral original fue «abruptamente» reemplazado.[168] [169] Sin contar las secuelas, The Good Dinosaur es una de las obras de Pixar peor calificadas por los críticos[170] y la tercera en recibir ninguna nominación a los Óscar.

Producciones cinematográficas[editar]

Tradiciones[editar]

«Creo que alguien tiene demasiado tiempo libre. [...] Es como las teorías conspiracionistas del 11-S... ¿en serio? No, las películas fueron creadas en diferente orden y por diferentes directores en diferentes tiempos y en diferentes lugares. Es genial que todo funcione en esa forma, pero probablemente no fue intencional»
—Jay Ward, sobre la «Teoría Pixar».[171]

En un programa de entrevistas de la PBS, Lasseter aseguró en las películas de Pixar «[Lo que se busca] es una historia donde el personaje principal crezca. Cambie, se convierta en una mejor persona [...] No importa si es un juguete, un insecto, un monstruo o un automóvil [...]».[172] Sobre las secuelas de los filmes, Lasseter ha señalado que «La única razón por la que hacemos una secuela en Pixar es si logramos una gran historia que sea tan buena o mejor que la original».[173]

A lo largo de sus producciones, Pixar incluye referencias a otros de sus trabajos y otros huevos de pascua que tienen relación con el personal del estudio. Cada filme de Pixar ha tenido un personaje caracterizado por John Ratzenberger.[174]

«A113», un código que aparece en muchas de las producciones, es un homenaje a un salón de clases del Instituto de las Artes de California, la alma máter de animadores como Lasseter, Bird, Stanton, Docter. No obstante, Pixar no es el único en utilizar el «A113»; también ha aparecido en otras películas de Disney y en series como The Simpsons o South Park.[175] [176]

Pizza Planet es un restaurante de pizza que aparecen en Toy Story; su comida se entrega en una flota de decrépitas camionetas Toyota Hilux, con un cohete en el techo que representa el logo del establecimiento. Desde su primera aparación, Pixar ha agregado una camioneta en todos sus largometrajes con excepción de The Incredibles.[177] También se ha utilizado en otras películas la pelota amarilla con una franja azul y estrella roja que apareció por primera vez en el corto Luxo, Jr.[178] y empresas ficticias como Buy n Large (BnL).[179]

Estas referencias han llevado a que, en 2013, un blog llamado The Pixar Theory, creado por Jon Negroni, estableciera la teoría de que todas las películas de Pixar se encuentran en un mismo universo relacionado.[180] En respuesta, Kori Rae, productora de Monsters University declaró que: «Es una idea divertida, pero debíamos haber sido increíblemente inteligentes para haber planeado eso».[181] Y, durante la Expo D23 de 2015, Mark Andrews, director de Brave, reiteró que la teoría es falsa: «No es verdad, ¡anda ya!»; a lo que Ronnie del Carmen, codirector de Inside Out, agregó: «¡¿Saben qué clase de reuniones tendríamos que tener para asegurarnos de que todas las películas concordaran?!».[182]

Largometrajes[editar]

Fuente: [183]
En producción
Fuente: [157] [184]
Canceladas
Fuente:[185]

Cortometrajes[editar]

Fuente: [187]
Complementarios a un largometraje
Fuente: [192]

Series[editar]

Toy Story fue el primer filme de Pixar en ser adaptado para la televisión, con la película y serie Buzz Lightyear of Star Command, ambas producidas por Disney. La serie fue presentada en la American Broadcasting Company entre octubre de 2000 y enero de 2001.[193] [194] Cars se convirtió en el segundo con la llegada de Cars Toons, una serie de cortos producida por Pixar, con una duración de tres a cinco minutos presentados en Disney Channel y protagonizados por Mater.[195] En 2013, el estudio estrenó su primer especial de televisión, Toy Story of Terror!, seguido de Toy Story That Time Forgot en 2014.[196] [197]

Cars Toons[editar]

Mater's Tall Tales
Tales from Radiator Springs
Fuente: [200]

Toy Story Toons[editar]

Especiales de televisión
Fuente: [201]

Exhibiciones[editar]

Pixar celebró su vigésimo aniversario en 2006 con el estreno de su séptimo largometraje, Cars, y con presentaciones realizadas entre el 14 de diciembre de 2005 y el 6 de febrero de 2006 en el MoMA. Se exhibieron más 500 obras originales, entre dibujos, conceptos y arte conceptual, de las seis películas. Así como Zoetrope, una instalación donde los visitantes observan personajes de Toy Story animados por medio de un zoótropo.[202] A partr de entonces, la exhibición se trasladó a otras ciudades.

Para su 25 aniversario, Pixar estrenó Cars 2 y extendió su primera exposición, ahora denominada Pixar: 25 Years of Animation (en español, Pixar: 25 años de animación), con arte de Ratatouille, WALL-E, Up y Toy Story 3. Se han realizado presentaciones en el Museo de Ciencias de Londres, el Australian Centre for the Moving Image de Melbourne, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Science Centre Singapore de Singapur, el Oakland Museum of California de Oakland, el Padiglione d’Arte Contemporanea de Milán, el Art Ludique Le Musée de París y la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, entre otros.[203]

Véase también[editar]

Referencias[editar]

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Bibliografía[editar]

Enlaces externos[editar]

Coordenadas: 37°49′58″N 122°17′02″O / 37.832639, -122.283789