Anexo:Óperas de Georg Friedrich Händel

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Georg Friedrich Händel compuso 43 óperas, o 46 si se añaden Sémele, Acis y Galatea y Hércules.[1][2][3]​ Componen el punto central de su obra junto con los oratorios y es uno de los más importantes compositores de ópera,[4]​ y el más destacado en el subgénero dramático de la ópera barroca, la ópera seria del siglo XVII. Sin embargo, dentro de la ópera seria no se puede comparar a Händel con sus antecesores, Alessandro Scarlatti, y sucesores, Johann Adolph Hasse, Christoph Willibald Gluck y Nicola Porpora, ya que fue diferente de ellos por sus formas poco italianas[5]​ y la utilización de recursos de la ópera alemana y francesa.[6]

Análisis[editar]

A excepción de sus primeras óperas en Hamburgo, Almira, Nero, Florindo y Dafne, que están escritas en alemán y pertenecen al subgénero singspiel,[7]​ y Alceste, su última ópera, escrita en inglés ya al final de su vida, todas están escritas en italiano dentro de la tradición de la ópera seria de la primera mitad del siglo XVIII.[6]​ En relación con Acis y Galatea, Semele y Hércules, todas escritas en inglés como Alceste, es un grupo muy ambiguo en lo referente a su catalogación de género y fueron consideradas por su autor en el caso de Semele y Hércules como oratorios, pero aptos para representación escénica, considerándose en algunos casos como óperas y englobados dentro de las óperas handelianas.[1]​ En el caso de Acis y Galatea, se estrenó en 1718 como una mascarada, y fue la primera obra escrita en inglés de Händel.[3]​ Sin embargo, en 1732 la amplió al añadir nuevos números y con muchas modificaciones, y se estrenó como una ópera.[3]

Senesino y Francesca Cuzzoni, dos de las grandes estrellas de la ópera del siglo XVIII, gracias a los que, en parte, se deben la dificultad y virtuosismo del estilo vocal de las óperas de Händel.

Asimilada totalmente desde 1707 con Rodrigo la tradición del drama italiano, casi todas sus óperas tienen la fórmula clásica de 3 actos, alternando la dualidad arias da capo-recitativos, sin danzas ni conjuntos, ni ritornellos instrumentales, a excepción de coros como números finales y dúos y tríos en muy contadas ocasiones. Alceste, Teseo, Ariodante, Serse y otras óperas, sin embargo, rompen el esquema clásico, añadiendo coros y danzas en mitad de la ópera en Ariodante, Alceste y Serse, teniendo más de 3 actos como Teseo o Alceste,[5]​ o abandonando la rigidez y seriedad de la temática de la ópera seria haciendo un drama más compacto en Serse.[5]Serse, además, añade muchos elementos cómicos y tiene un estilo más moderno,[4]​ que se acerca a la música galante de mediados del siglo XVIII,[4]​ siendo única en el catálogo de Händel. Serse también tiene ariosos que se interponen entre los recitativos, que muchos de ellos son acompañados, y arias o ritornellos instrumentales. Sin embargo, Händel siempre fue fiel en esencia en las formas básicas convencionales: arias, recitativos secos y acompañados, ariosos, grandes conjuntos (coros), dúos y tríos, las formas básicas de la ópera del siglo XVIII.[8][9]

Argumentos[editar]

Argumentalmente, gran parte de las óperas son de tema heroico, tan de boga en la ópera seria de principios del siglo XVIII, aunque algunas, como Il pastor fido o Atalanta, son de temática pastoral, de moda y auge en Italia a finales del siglo XVII y principios del siguiente. Otra temática presente en algunas óperas, y de singular importancia, es la llamada ópera mágica, como Rinaldo, Orlando, Ariodante y Alcina, donde en el argumento, extraído de la literatura épica y caballeresca, tiene una gran importancia y presencia la magia y el encantamiento.[10]

Instrumentación[editar]

La gran mayoría de las óperas tienen una instrumentación muy reducida, aunque su lenguaje orquestal utiliza matices en abundancia y es muy colorista. Las arias da capo son las grandes protagonistas en ese sentido, con un grandioso vigor melódico, un ritmo y melodía con gran supremacía y grandes solos obligados, como en la aria "Vo fa la guerra" de Rinaldo, donde hay una gran intervención solista de un clave.[4]

La influencia del contrapunto germano, aprendido de Friedrich Wilhelm Zachow, se encuentra en el acompañamiento instrumental de las arias, donde se muestra la facilidad y el dominio que tiene Händel en ese campo y está más presente en las piezas instrumentales de las óperas, donde a veces se hallan fugas. Si el estilo alemán está presente a través del contrapunto, el estilo francés aparece en las oberturas de sus óperas y las danzas y ballets, especialmente en Alcina y Ariodante. Las oberturas, siempre compuestas a la moda francesa, tienen siempre un esquema de dos movimientos: empiezan por una lenta y solemne introducción y acaba uno rápido con secciones fugadas.[10]

Voces[editar]

El estilo vocal de sus óperas es muy depurado y es deudor de Alessandro Scarlatti y Antonio Caldara en su aprendizaje italiano, entre 1706 y 1710, hecho a base de componer numerosas cantatas. Estas poseían una torrencial fluidez melódica indudablemente forjada en su estancia en Italia.[10]​ Escrita y pensada la parte vocal para lucir la técnica y capacidades vocales de los grandes castrati y las grandes divas del siglo XVIII, cantantes superdotados,[10]​ exige un gran virtuosismo en algunos pasajes, ya sea por extenderse en muchos compases sobre una vocal, desafinar y poner límite la capacidad de los cantantes, o bien por otras difíciles técnicas virtuosas como notas agudas y graves y sonido aflautado.[10]​ Así, los intérpretes actuales, aunque estén muy capacitados, no pueden igualar la técnica de los castrati y las divas del siglo XVIII.[10]​ En ese sentido, Händel siempre estuvo a disposición, aunque temporalmente, para cantar sus difíciles y exigentes óperas de casi todos los mejores intérpretes italianos[10]​ de su época, como los célebres Farinelli, Senesino o Francesca Cuzzoni, aunque el público de Londres no apreciaba ese reparto.[10]

Lista de óperas[editar]

HWV Título Estreno Lugar Notas
1 Almira 8 de enero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Ópera
2 Nero 25 de febrero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
3 Florindo 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Sólo se conocen algunos fragmentos
4 Daphne 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
5 Rodrigo 1707 Florencia
6 Agrippina finales 1709/principios 1710 Teatro San Giovanni Grisostomo, Venecia
7a/b Rinaldo 24 de febrero de 1711 Queen's Theatre, Londres
8a/b/c Il pastor fido 22 de noviembre de 1712 Queen's Theatre, Londres La versión de 1712 es 8a. Las versiones revisadas de 1734 son designadas como 8c. El prólogo Terpsícore añadido a la versión final es 8b.
9 Teseo 10 de enero de 1713 Queen's Theatre, Londres
10 Lucio Cornelio Silla junio de 1713? Londres? Música reutilizada en Amadigi
11 Amadigi di Gaula 25 de mayo de 1715 King's Theatre, Londres
12a/b Radamisto 27 de abril de 1720 King's Theatre, Londres
13 Muzio Scevola 15 de abril de 1721 King's Theatre, Londres Sólo el acto 3 es de Händel
14 Floridante 9 de diciembre de 1721 King's Theatre, Londres
15 Ottone 12 de enero de 1723 King's Theatre, Londres
16 Flavio 14 de mayo de 1723 King's Theatre, Londres
17 Giulio Cesare 20 de febrero de 1724 King's Theatre, Londres
18 Tamerlano 31 de octubre de 1724 King's Theatre, Londres
19 Rodelinda 13 de febrero de 1725 King's Theatre, Londres
20 Scipione 12 de marzo de 1726 King's Theatre, Londres
21 Alessandro 5 de mayo de 1726 King's Theatre, Londres
22 Admeto 31 de enero de 1727 King's Theatre, Londres
23 Riccardo Primo 11 de noviembre de 1727 King's Theatre, Londres
24 Siroe, rey de Persia 17 de febrero de 1728 King's Theatre, Londres
25 Tolomeo 30 de abril de 1728 King's Theatre, Londres
26 Lotario 2 de diciembre de 1729 King's Theatre, Londres
27 Parténope 24 de febrero de 1730 King's Theatre, Londres
28 Poro, Re dell'Indie 2 de febrero de 1731 King's Theatre, Londres
29 Ezio 15 de enero de 1732 King's Theatre, Londres
30 Sosarme 15 de febrero de 1732 King's Theatre, Londres
31 Orlando 27 de enero de 1733 King's Theatre, Londres
32 Arianna in Creta 26 de enero de 1734 King's Theatre, Londres
33 Ariodante 8 de enero de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
34 Alcina 16 de abril de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
35 Atalanta 12 de mayo de 1736 Covent Garden Theatre, Londres
36 Arminio 12 de enero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
37 Giustino 16 de febrero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
38 Berenice 18 de mayo de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
39 Faramondo 3 de enero de 1738 King's Theatre, Londres
40 Serse 15 de abril de 1738 King's Theatre, Londres
A 14 Giove in Argo (Pasticcio) 1 de mayo de 1739 King's Theatre, Londres
41 Imeneo 22 de noviembre de 1740 Teatro en Lincoln's Inn Fields, Londres
42 Deidamia 10 de enero de 1741 Teatro en Lincoln's Inn Fields, Londres

Véase también[editar]

Referencias[editar]

  1. a b Alier, Heilbron y Sans, 1998, pp. 229 y 230.
  2. Alier, Heilbron y Sans, 1998, pp. 222—224.
  3. a b c Alier, Heilbron y Sans, 1998, pp. 226—228.
  4. a b c d «Historia de la ópera: la ópera barroca y el rococó». WeblaOpera. 2005. Consultado el 27 de junio de 2009. 
  5. a b c Beltrando-Patier, 1996, p. 410.
  6. a b Beltrando-Patier, 1996, p. 409.
  7. Beltrando-Patier, 1996, p. 404.
  8. Bukofzer, 1992, p. 333.
  9. Beltrando-Patier, 1996, p. 409, 410.
  10. a b c d e f g h Alier, Heilbron y Sans, 1998, pp. 225—226.

Enlaces externos[editar]