Música experimental

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Moodswinger, 2006, Yuri Landman, Liars.

La música experimental es un género musical que busca expandir las nociones existentes de la música. Su labor consiste en trabajar con ideas y formas aún no desarrolladas suficientemente en el ámbito musical y experimentar activamente con ellas a la búsqueda de nuevos estímulos que puedan reorganizar sus propios conceptos artísticos.

Música experimental es un término introducido por John Cage en 1955. Según Cage, un hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles. En un sentido más amplio también se refiere a la música que busca desafiar las nociones preestablecidas de qué es la música. Este término también fue utilizado originalmente para designar a la música electroacústica en los inicios de esta.

Introducción[editar]

A continuación se reproducen varios escritos de John Cage sobre el concepto de música experimental:

En esta música no hay nada más que sonidos: sonidos que han sido escritos y sonidos que no lo han sido. Los que no lo han sido parecen silencios en la música escrita y abren el camino de la música a aquellos sonidos que se producen en un entorno físico. Es una apertura que existe también en la escultura y en la arquitectura contemporáneas. Los edificios de cristal de Mies Van der Rohe o cuando se contemplan las construcciones en tela metálica del escultor Richard Lippold es inevitable que se vean otras cosas, incluida la gente, si es que hay personas en ese momento. No existen el espacio vacío ni el tiempo vacío, siempre existe algo que ver, algo que oír. Se tiene que escoger. Si no se quieren abandonar los intentos de controlar el sonido se podrá complicar la técnica musical tendiendo a aproximarse a las nuevas posibilidades y a la nueva conciencia. O bien, se podrá abandonar todo intento de controlar el sonido, quitarse el sonido de la cabeza y ponerse a descubrir medios que consientan a los sonidos el ser ellos mismos, en vez de ser el vehículo de las teorías humana o expresión de los sentimientos del hombre.

John Cage

La emoción se produce en la persona que ya la posee. Y los sonidos, cuando se consiente que sean ellos mismos, no exigen del que los escucha que lo haga sin sentimiento alguno. Todo lo que se entiende por la capacidad de respuesta es justo lo contrario. Música nueva: audición nueva. No el intento de comprender algo que se dice, porque, si se dijese algo, las formas de las palabras se adaptarían a los sonidos. Sólo una atención a la actividad de los sonidos.

John Cage

Aquel que se dedique a la música experimental encuentra los medios para separarse de la actividad de los sonidos que produce. Algunos utilizan operaciones aleatorias, tomadas de fuentes antiguas como el libro de las transformaciones (I King) chino, o modernas, como las tablas de los números casuales que también utilizan los físicos en sus investigaciones. El campo total de las posibilidades puede repartirse con aproximación menor o mayor, y los sonidos existentes en el interior de tales reparticiones se pueden numerar.

John Cage

Antecedentes[editar]

El impresionismo musical fue una gran influencia sobre muchos de los compositores de “vanguardia” o “experimentales”. Esta influencia se debe a la búsqueda, por parte de los compositores impresionistas, de nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir la mayor riqueza sonora. Uno de los más citados es Debussy. En su obra “Preludio a la siesta de un fauno”, Debussy se aparta totalmente de la estética establecida y de cualquier obligación tonal, utilizando a su gusto y antojo los recursos para expresar la impresión que en él había dejado el poema de Mallarmé.

Origen[editar]

El origen de la música experimental es difuso, pero puede nombrarse a Olivier Messiaen como un introductor de elementos no utilizados antes como las "Ondas Martenot", instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia, cuyo creador fue Maurice Martenot. El gran discípulo de Messiaen, Pierre Boulez, comienza a fusionar la música occidental con la oriental, algo no muy común hasta entonces.

En la música experimental, no sólo cambian las formas y las técnicas musicales, sino que con frecuencia cambian también la estructura y la localización de la orquesta. Por ejemplo, el compositor John Cage se dedica a la "música concreta", es decir, la utilización musical de todo tipo de objetos. Por su parte, Karlheinz Stockhausen, conocido por sus innovaciones en música electroacústica, se dedica a la música aleatoria y a la composición seriada. Su obra “Gruppen” (en castellano, “Grupos”) fue escrita en dos etapas y requiere la utilización de 3 orquestas. Finalmente, los compositores Steve Reich y Terry Riley cultivan la música “repetitva” con la superposición y repetición de sonidos grabados.

Se comienza a utilizar el sintetizador y muchos compositores escriben para orquesta, voz y, de modo novedoso, cinta magnetofónica. Además, destaca la influencia oriental en la música contemporánea y experimental.

Música microtonal[editar]

La visión actual acerca del microtonalismo es que ha existido desde la antigüedad en las músicas no occidentales (india, árabe), en la música griega (sistema enarmónico), en la música medieval (aunque esta afirmación está sujeta a controversia), y en la música folclórica de algunas regiones europeas, aunque más como accidente o teoría, que como práctica consciente.

Música concreta[editar]

La música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados en Francia por Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948.

Está ligada a la aparición de máquinas que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (analógico, como la cinta, o digital, como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada cortándolo, pegándolo, superponiéndolo, y luego combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva (como una partitura auditiva). Por esta razón, se habla igualmente de " música de sonidos fijados”, fijados en un soporte como la cinta, el CD o los archivos informáticos. Esta revolución de sonidos cambió la estructura habitual de la música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resultó de la misma importancia que la de una melodía tocada al violín.

La evolución de la música concreta se desarrolla en Europa a partir de los años 1950, que acompaña y muy pronto se entremezcla con la darmstadtiana. En lugar de la escala de doce sonidos, con ella se ofrece al compositor la enorme disponibilidad de frecuencias, microintervalos, combinaciones, timbres y empastes sonoros nuevos, posibles gracias a la moderna tecnología electroacústica.

Fluxus[editar]

Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional.

George Maciunas
Manifiesto de Fluxus.

Fluxus se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no tiene como premisa la idea de la vanguardia como renovación de la lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se desune de todo lenguaje específico, es decir, tiene como pretensión la acogida de diferentes medios y materiales procedentes de campos distintos. En conclusión, el lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte.

Según Fillioum, poeta y artista francés, el movimiento Fluxusantes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine”.

La intención principal de Fluxus es disolver el arte en lo cotidiano.

De esta forma Cage espera poner en paralelo tipos concretos de “modelos de realidad”: “Si vas por la calle en una ciudad ves que la gente se mueve con una intención, pero no sabes cuál es. Pasan muchas cosas que pueden verse como si no tuvieran ningún objetivo” y cuantas más cosas pasen, mejor, ya que “si sólo hay una cuantas ideas, la pieza produce una especie de concentración que es característica de los seres humanos. Si hay muchas cosas, produce una especie de caos característico de la naturaleza”.

Michael Nyman - Música Experimental. De John Cage en adelante.

Porque se compara a Fluxus con movimientos o grupos cuyos individuos tenían algún principio en común, o un programa acordado. En Fluxus nunca se ha intentado acordar objetivos o métodos; individuos que tenían algo indefinible en común se unían de forma natural para publicar e interpretar sus obras. Quizá ese algo común sea el sentimiento de que los límites del arte son mucho más amplios de lo que parecían convencionalmente, o de que el arte y cierto límites que hace mucho tiempo que están establecidos ya son muy útiles. (1964)

George Brecht

Música minimalista[editar]

Es un género originario de Estados Unidos, que se cataloga como experimental. Empezó a desarrollarse en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. El minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia: Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.

Influencia de la música experimental[editar]

1960 - 1980[editar]

Lee Ranaldo y Thurston Moore experimentaron con afinaciones alteradas y jugaron con la técnica del “tercer puente” utilizando destornilladores que se situaban entre las cuerdas y el cuello de la guitarra. A todo este tipo de experimentos les siguió el krautrock en la década de los 1970. Los músicos alemanes comenzaron a experimentar con estructuras e instrumentos inusuales.

Los artistas del krautrock usaban elementos del rock psicodélico, experimentaban con collage de sonidos y efectos electrónicos, realizaban improvisaciones, buscaban crear atmósferas, e incorporaban elementos de la música concreta, el minimalismo, el jazz y la música oriental. El krautrock tenía influencias de los principios de la música experimental (Karlheinz Stockhausen, La Monte Young y John Cage), pero también utilizó como fuente de inspiración el pasado más cercano con grupos como The Velvet Underground con sus notas sostenidas y sus ritmos intensos, las experimentaciones electrónicas de Silver Apples, los trabajos más vanguardistas de The Beatles o Pink Floyd.

Einstürzende Neubauten creó sus propios instrumentos a base de pedazos de metal y herramientas de construcción.

El art rock es un término utilizado para describir a un amplio subgénero de la música rock, caracterizada por su tendencia experimental. El art rock utiliza elementos tales como experimentación con ritmos no muy explorados hasta el momento, elementos estéticos y líricos no asociados a la música rock (en muchos casos con letras poéticas). Este género es difícil de concretar ya que tiene influencias como el jazz, la música clásica, la world music y la música avantgarde. Sus variantes son tan extensas como los grupos, es decir, mientras Pink Floyd incorpora el surrealismo y la influencia fantástica y mítica de la literatura en la lírica, The Velvet Underground se interesa por el uso del feedback e instrumentos como la viola, incorpora también elementos del jazz y la música de vanguardia. Estos son sólo dos ejemplos del experimentalismo en el rock. Lo que influiría a todo el rock que vendría después como el glam rock, el punk, la new wave, el rock gótico y el noise rock.

Procol Harum incorporaría elementos de la música clásica, como por ejemplo en su tema “A Whiter Sade Of Pale” donde se utiliza un órgano para realizar una melodía influenciada por Johann Sebastian Bach y letras poéticas bajo la influencia de Bob Dylan. Realmente, el art rock es un término no definido y por lo tanto no limitado, con todo lo positivo y negativo a lo que conlleva esto.

1980 - Actualidad[editar]

La revista Tellus Audio Cassette comenzó en 1983, realizando una revista que incluía cintas de casete centradas principalmente tanto en la música experimental del pasado, como en la del presente.

La influencia del experimentalismo en el rock desde la década de los 80 hasta hoy en día recibe el nombre de post-rock. Aunque el término fue dado a conocer por el crítico Simon Reynolds, no es un término que fuera creado por él, James Wolcott lo utilizó por primera vez en 1979.

Algunos de los grupos más influyentes para los 1990 y la siguiente década fueron, por ejemplo, Sonic Youth, grupo que comenzó su carrera en 1981 y que siempre tuvo como referencia a John Cage.

El post-rock toma como influencia el dronescape, estilo musical minimalista, cuyas composiciones suelen ser largas y prácticamente desprovistas de cambios armónicos durante toda la pieza.

Conceptos[editar]

=== Música aleatoria : La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas.

El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950.

Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage - "Music of Changes" (1951 o 4'33; Música de cambios)-, el alemán Karlheinz Stockhausen - "Hymnen" (1967; "Himnos")-, los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y el francés Pierre Boulez.

Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas.

Notación gráfica[editar]

La notación gráfica es la representación de la música a través del uso de símbolos visuales fuera de la esfera de la notación musical tradicional. La notación gráfica se desarrolló en la década de 1950 y se utiliza a menudo en combinación con la notación musical tradicional. Los compositores se basan a menudo en la notación gráfica de la música experimental, donde la notación musical estándar puede ser ineficaz.

Música indeterminada[editar]

Incorpora a su proceso de composición o de ejecución un elemento de azar o de indeterminación de cualquier tipo. Uno de sus principales compositores es John Cage, que introdujo en el proceso de composición y en el de ejecución el concepto de indeterminación.

Otros grandes autores que hacían una concepción “abierta” del principio compositivo fueron Morton Feldman, Christian Wolff y Earle Brown. El común denominador de este tipo de “música reiterativa” es el rechazo del desarrollo musical entendido según la concepción dialéctica y la adhesión al principio de la “variación estática” propia de la tradición oriental: variación entendida como diferenciación casi imperceptible de elementos sencillos en torno a un núcleo melódico-rítmico prefijado.

Microtonos[editar]

La música occidental se divide en "octavas" formadas cada una por doce escalones de frecuencia o semitonos. Sin embargo, normalmente no usa las frecuencias intermedias entre los doce semitonos mencionados. Estos semitonos o frecuencias no utilizados en el sistema occidental se les denominan microtonos.

Música electroacústica[editar]

La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos. Entre estos estudios estaban el Groupe de Recherches de la ORTF, en París, hogar de la musique concrete, el Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) en Colonia, que dirigía su atención hacia la Elektronische Musik, y el Columbia-Princeton Electronic Music Center en Nueva York, donde se exploraba la tape music, la música electrónica y la informática musical.

Técnicas[editar]

Este tipo de música busca constantemente producir sonidos y "efectos" nuevos de los instrumentos. Algunos de ellos son:

  • Preparar instrumentos: Esto consiste en agregar previamente otros objetos en ciertas partes del instrumento para producir distintos timbres o efectos. Por ejemplo colocar piedritas y maderas entre las cuerdas de un piano (piano preparado).
  • Clústers: Es la superposición de gran cantidad de notas, generalmente por grados conjuntos (como cuando apoyamos las dos manos sobre el teclado de un piano).
  • Creación de nuevos instrumentos, modificación de los instrumentos tradicionales o utilización de objetos de la vida cotidiana para producir sonidos.
  • Formas de tocar no-convencionales: glissando, frullato, col legno, etc. Son formas de producir otros timbres y sonidos del instrumento o voz utilizando otras técnicas, pero sin modificar el instrumento ni agregarle objetos.
  • Experimentación con nuevas tecnologías: es buscar combinaciones de efectos musicales, o la creación de ellos (juntando trémolo, con eco, etc.).

Uno de los primeros guitarristas que comenzaron con instrumentos a los cuales se les añadieron un puente adicional era Fred Frith. El guitarrista y compositor Glenn Branca ha creado ciertos instrumentos similares, a los que él llama las guitarras armónicas. Desde los años 70, el guitarrista y lutier alemán Hans Reichel ha creado guitarras con un tercer puente.

Véase también[editar]

Bibliografía[editar]

  • La música experimental. De John Cage en adelante de Michael Nyman (1974).
  • Historia de la música / El Siglo XX 2ªParte de Andrea Lanza (1986) (Madrid: Turner Música. ISBN 84-7506-186-9)
  • La mosca tras la oreja: de la música experimental al arte sonoro en España, de Llorenç Barber y Montserrat Palacios (2010) (Madrid: Fundación Autor. ISBN 978-84-8048-815-0).
  • "Silence: Lectures and Writings", de John Cage. (1961) (Middletown, CT: Wesleyan University Press. (Paperbak reprint edition 1973, ISBN 0-8195-6028-6)
  • Ars sonora, 25 años: una experiencia de arte sonoro en radio, ed. por José Iges (2012). (Madrid: Fundación Autor. ISBN 978-84-8048-844-0).

Enlaces externos[editar]