Cine experimental

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El cine experimental es aquel que amplía o desplaza los límites del lenguaje audiovisual convencional y del cine narrativo tradicionalmente estructurado alrededor de un relato argumental, utilizando nuevos recursos para expresar y hacer sentir emociones, experiencias, sentimientos, concepciones del mundo, críticas al propio medio, etc. En muchas obras, lo narrativo cede a los experimentos de tipo formal, siendo frecuente el uso de efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

El cine experimental se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria cultural, ni se dirige a un público amplio, sino específico y minoritario, y que comparte el interés por productos que podríamos calificar -sin intención peyorativa- como marginales, o también llamados "de culto".

Manifestaciones del cine experimental[editar]

El cine experimental ha sido desarrollado en el contexto de movimientos contra-culturales de variados tipos:

  1. Estéticos: las vanguardias artísticas de principios del Siglo XX.
  2. Políticas: Cine de agitación del 68, el cine de propaganda.
  3. Filosóficos-teóricos: el estructuralismo: el cine feminista, el cine Gay.
  4. Culturales: el underground y los movimientos de la contracultura.
  • El cine corporal comprendería todas las tendencias de los años setenta, como el cine del yo, los diarios filmados, los filmes militantes, el cine underground, el cine de la materialidad y todos aquellos que reivindican un cine personal.
  • El cine estructural comprendería las grandes vanguardias de los años veinte, el llamado cine estructural de los sesenta y otras aproximaciones seriadas o minimalistas, el letrismo, el cine conceptual, el que interroga al propio cine y todos aquellos que reivindican un cine de las formas. Es obvio que existen numerosos cineastas que evidencian diferentes aproximaciones dentro de un mismo filme o de una obra a la otra.

En Francia[editar]

En lo que respecta a Francia, puede decirse esquemáticamente que las tres cooperativas surgidas en los años 70 y 80 se diferencian de acuerdo con estas tres tendencias:

  • Le Collectif Jeune Cinéma (1971) emplea el nombre de cinéma différent y se aproxima más al cine corporal, desde un enfoque tal vez literario[1]
  • La Paris Film Coop (1974) se aproxima más al cine estructural (y post-structural) y al cine científico o de animación[2]
  • Lightcone (1982), la más importante cooperativa di Europa, con muy artistas trabajar con found footage[3]
  • Federación de cooperativas y grupos de distribución franceses[4]

En España[editar]

Los cineastas más importantes del cine español de todas las épocas son Luis Buñuel y Salvador Dali , que marcan el estilo surrealista y José Val del Omar verdadero inventor y artista cinematográfico. En los años sesenta, el empresario navarro Juan Huarte, mecenas de Jorge Oteiza, Eduardo Chillida o Antonio López, fundó la productora X Films para promocionar el cine experimental en España. Gracias a ella, José Antonio Sistiaga logró realizar su primera película abstracta, pintada a mano sobre celuloide, titulada Ere erera baleibu icik subua aruaren. Otro pintor, Rafael Ruiz Balerdi, realizó uno de los cortometrajes experimentales más célebres del cine español: Homenaje a Tarzán. Nombres como José Luis Garci, Luis Eduardo Aute, Jordi Grau, José Luis García-Sánchez, Claudio Guerín o el cortometrajista Gabriel Blanco trabajaron o dieron sus primeros pasos en el cine gracias a esta productora, a la que el Festival Punto de Vista le dedicó un homenaje en su edición de 2006. También hay que destacar de la época de los 60s hasta finales del siglo XX los "francotiradores" independientes: Néstor Basterretxea, Fernando Larruquert, Ton Sirera, Iván Zulueta, Frederic Amat, Antonio Maenza, Ángel García del Val, Pedro Almodovar (rodando en Super-8), Ricardo Bofill, Javier Aguirre, Joan Brossa, Jaume Xifra, Luis Rivera, Ramon de Vargas, Oriol Durán, Ramón Massats, Llorenc Soler, Antoni Padros, Jose Angel Rebolledo, Carles Barba, Jacinto Esteva, Joaquin Jorda, Carlos Duran, Ricardo Muñoz Suay, José María Nunes, Carles Santos, Marcel Pey, Manuel Huerga, Eugeni Bonet, Eugénia Balcells, Juan Bufill, Adolfo Arrieta y Benet Rosell . En tiempos más recientes, y ya en el siglo XXI, destacan autores como Carlos Serrano Azcona con películas como Banderas Falsas, el colectivo Los Hijos, David Varela, Virginia garcía del Pino, Enrique Piñuel, Víctor Iriarte, Ion de Sosa, Luis López Carrasco, Antoni Pinent, Chus Domínguez Gonzalo López-Gallego ejemplo de cine experimental que nace de la obsesión por un lenguaje inusual y sin embargo no concibe una película sin hilo conductor, o los cortometrajistas César Velasco Broca y Laida Lertxundi.

A nivel geográfico Barcelona fue uno de los focos más activos del cine experimental español, con autores como Pere Portabella, José María Nunes y Carlos Atanes o la escuela de Barcelona.

Como puntos de difusión importante de este cine de vanguardia y experimental destacan en Madrid el festival de La Semana de Cine Experimental de Madrid, que tiene como objetivo el fomento de la investigación cinematográfica, y la Cineteca de Matadero; en Barcelona la sala Xcéntric (CCCB) y el festival L´Alternativa; en Pamplona el festival Punto de Vista; en A Coruña el Centro Galego de Artes da Imaxe(CGAI) y con carácter itinerante La muestra itinerante de cine Playtime.

En Argentina[editar]

Claudio Caldini

Nació en Buenos Aires en 1952. Aprendió de su padre los principios óptico-mecánicos de la fotografía y del cine. y se dedico a experimentar con la musica, la danza y luego con el cine. En los ´90 los videastas lo declararon precursor del cine experimental y referente argentino del mismo. Caldini dice: “…el cine experimental siempre presenta a su propia materia y no trata de seguir una línea narrativa. No hay mímesis, no hay diégesis, no hay nada de todo aquello propio de la teoría cinematográfica.” “…El cine experimental para mantenerse vivo tiene que… estar rompiendo Continuamente, pero ya casi casi no quedan núcleos por romper.” Entre sus obras más importantes se encuentran: LUX TAAL cortometraje(2009), S/T cortometraje(2007), A través de las ruinas(1982),Vadi-Samvadi cortometraje(1981), Cuarteto cortometraje(1978), Baltazar cortometraje(1975), Ventana cortometraje(1975, Film-Gaudí cortometraje(1975). El cine de Claudio Caldini marca una clara dirección, una ruptura al enclave narrativo tradicional, ese que alguna vez es desprendido por la novela, de un relato de acciones de la representación teatral. Uno se encuentra con otra lógica al analizar sus películas, por que estas, se encuentran más allá de nuestra experiencia con lo cotidiano, nos trasladan a ciertos tiempos en donde uno puede moverse más rápido, donde la cámara nos muestra más allá de la velocidad en que se reproduce la realidad. Los ojos captan esto como subiendo y bajando los parpados en lapsos, la proyección de estos fragmentos únicos reproducidos por la cámara.Esto exige que el espectador se predisponga a una visualización mas atenta, ya que uno tiene que derrumbar sus propios límites en su construcción como espectador pasivo, uno debe derrumbar el muro de los prejuicios con los que es educado cuando uno se dispone a ver una película, ya que las narraciones están sujetas a otra logica a un análisis conceptual, de imágenes fragmentadas, deconstruidas, descontextualizadas, superpuestas, pero que están sujetas a una logica del conceptoinicial del proyecto de película y de su significación. Por ejemplo Caldini en su cortometraje Lux Tall se refiere a un concepto que desde el título nos lleva a analizar que, Lux Taal es una palabra combinada, que podríamos definir como un transito o un posible camino. Una conexión entre la expresión verbal entre dos culturas. En griego Lux se refiere a una fuente iluminada y Taal en sanscrito se refiere a los intervalos temporales. Este transito es otra clave de la película, los disparos de luces son alternativos, marcan un ritmo. Las formas se componen desde lo oscuro hacia la luz. O de la luz a lo oscuro, tal vez como el recorrido que la luz hace en la rotación de un planeta. El ojo va incorporando estos destellos producidos sobre la oscuridad, componiendo formas vividas. Una vez montadas estas imágenes/transporte dentro lo secuencial en la proyección, no hay forma de decir si el tiempo es crono o lógico, ya que nos provocan sensaciones en donde una cierta musicalidad de imágenes nos contiene. Según la concepción vedica del tiempo, se dice que este tiene forma de espiral, y si vemos el proceder de la maquinaria con la que Caldini reproduce esta realidad, el dibujo o mándala que traza su película entrando y saliendo por diferentes proyectores, nos hace pensar en la posibilidad de que esto fuera así. Para Caldini esto es lo experimental en el cine; trasmitir una idea, un concepto desde la forma de componer las imágenes hasta la formaen la que el espectador las aborda.

Narcisa Hirsch

Una exponente de la corriente es Narcisa Hirsch que dedicó su vida al cine experimental, durante las décadas de los 60 y 70. Nacida en Berlín, Alemania, en 1928, esta artista surgida de la pintura y convertida luego en pionera del cine experimental argentino expandió en los 60 y 70 su actividad audiovisual en forma de instalaciones, objetos, performances, grafitis e intervenciones urbanas. Sus inicios como directora fueron parte de un movimiento más amplio de artistas que se acercaron al cine desde diferentes disciplinas artísticas como Marie Louise Alemann, Claudio Caldini, Juan José Mugni, Juan Villola y Horacio Vallereggio. Hirsch define al cine experimental como "... un lenguaje distinto y por eso tienen que tener paciencia. La mayoría del material de las películas era de “super 8”. En los 70 fuimos un grupo de cine experimental, muy artesanal. Trabajaba cada uno en lo suyo pero proyectábamos juntos en algún sótano, y finalmente gracias a Maria louise Alemán en el instituto Goethe, que ahora está haciendo las recopilaciones de las películas dentro de un marco más teórico. No hay que entender nada, hay que dejarse fluir con las imágenes y con el sonido y ya está. Si eso es afín a ustedes bien, sino bueno, es como la música. En cuanto al “mito de narciso”,( refiriendose a su última película "el mito de narciso" ) es una estrategia que adopte, capitalicé mi nombre que siempre ha sido una especie de flagelo y entonces hice algo sobre mi mismo, negando el mito original que dice que narciso se vio en el estanque y se enamoró de si mismo. Yo digo que no se enamoró de si mismo, sino que se miró en el estanque para conocerse a él mismo, y al acercarse demasiado a las aguas se cayó y se ahogó, porque ese conocimiento no se puede tener y eso es lo que trato de decir en la película .”

Algunas de sus obras son:

El mito de Narciso (60’)(2011), Celebración cortometraje(2007), El erotismo del tiempo cortometraje(2006), El mito de Narciso (20’)cortometraje(2005), Aleph cortometraje(2005),Ama-zona cortometraje(2001), Home coming cortometraje(2001), Rumi cortometraje(1999), A Dios cortometraje(1989), Ana, ¿dónde estás?(1985), Para Virginia cortometraje(1984), Orelie Antoine, rey de la Patagonia cortometraje(1983), Come out cortometraje(1974), Pink Freud cortometraje(1972), Descendencia cortometraje(1971), Canciones napolitanas cortometraje(1971), Patagonia (16')cortometraje(1970), Patagonia (10')cortometraje(1970), Retrato de una artista como ser humano cortometraje(1969), Marabunta cortometraje(1967), Manzanas cortometraje(1966)

El público[editar]

Es indispensable que el cine experimental tenga en cuenta a su público, porque de alguna manera experimenta con él. Andre Parente menciona respecto de los elementos del cine experimental:

“…el cine hace converger tres dimensiones diferentes: la arquitectura de la sala, heredada del teatro a la italiana; la tecnología de captación/proyección, cuyo patrón fue inventado a fines del siglo XIX, y la forma narrativa”

  1. la narración
  2. El dispositivo Filmación/Proyección
  3. La arquitectura de la sala con todo lo que esto supone, es decir pone énfasis al espacio que termina de dar forma a ese film que conlleva consigo además de lo físico del espacio, lo que viene adjunto, su público, la atención y reacción del mismo y todo lo que allí pueda ocurrir y que de énfasis a la película o de alguna forma intervenga en ella.

Desde este último punto es interesante revisar la necesidad de un cine que busca en el lenguaje, en la narrativa, lo intelectual, lo social y lo sentimental y la participación activa de su público. Esta es la tarea del cine experimental, que a través de la experiencia logra conectar a un público activo con las ideas y las percepciones de un mundo que necesita de reflexiones, y criticas profundas.

Los medios estéticos[editar]

  • Ensanchamiento de las normas restrictivas y arbitrarias del cine comercial (género, duración, soporte). Cada filme experimental se organiza de acuerdo con una lógica que le es propia.
  • Narración compleja, fragmentaria, deconstruida o inexistente.
  • La concepción del filme aflora a lo largo del filme: experimentación y reflexión, rodaje y escritura van de la mano.

Los medios de producción[editar]

  • El filme es ante todo algo personal: el cineasta no sólo integra todas las líneas creativas del filme sino que muchas veces las efectúa él mismo (tomas de cámara o de sonido, edición, desarrollo). Éste es un cine para los cineastas, por oposición al cine de autor o de realizador.
  • Autoproducción y presupuesto mínimo.
  • Distribución y difusión por vías paralelas o cooperativas.

El cine llamado de autor o de arte y ensayo toma distancia respecto a los criterios normativos del cine tradicional, pero se inscribe en un sistema de producción y distribución comercial, y por ello le resulta tremendamente difícil apartarse de las normas.

Características[editar]

En principio para este genero es difícil encontrar una definición taxativa, Jose Antonio Gonzalez un autor mexicano lo define de la siguiente manera: “El cine experimental: es un lenguaje cinematográfico propio, que desarrolla un arte inseparable del propio medio de expresión. Se organiza de acuerdo con una lógica que le es propia, la narración compleja, fragmentaria, deconstruida o inexistente. La concepción del film aparece a lo largo de la experimentación y reflexión, por otro lado, rodaje y creación del guion son paralelos, proceso que se completan para muchos luego de la experiencia del espectador. Es ante todo personal: el realizador no solo integra todas las líneas creativas del film sino que muchas veces las efectúa él mismo (cámara, sonido, edición, etc).”

  1. El contenido narrativo no suele ser significativo. La mayoría se basa de una idea sueño o pensamiento el cual es el único tema de toda la película, pero hay obras en las que se pueden presentar muchos temas sin relación entre ellos.
  2. No tiene continuidad secuencial (ésta crea una especie de unión entre planos y da un significado a los mismos).
  3. Se propone ampliar las dimensiones de la estructura narrativa conocida hasta entonces; en otras palabras, no se rige por las normas habituales en cuanto a estructura o sintaxis visual.
  4. Se contrapone al “cine comercial” de narrativa ortodoxa y dirigida al gran público.
  5. Quiere hacer visibles convenciones sociales y cinematográficas cambiando sus propias reglas y modelos, por ejemplo suprimiendo, añadiendo, distanciando, invirtiendo o recolocándolos.
  6. "Found footage film”: Trabaja con material ajeno, para la revalorización y la nueva contextualización de materiales cinematográficos desconocidos.
  7. El material cinematográfico en sí se convierte en un objeto, o se utiliza para mostrar situaciones interiores.
  8. El público en el cine experimental se vuelve parte de la misma experiencia.
  9. El cine experimental pudo ver su nacimiento en un amalgamiento con distintas disciplinas artísticas. Puede delimitarse a través de sus parámetros tecnológicos, pero las mutaciones que permiten los soportes audiovisuales digitales favorecen a una visión híbrida del mismo que abren la puerta a nuevas concepciones estéticas, determinadas siempre por los contextos donde se hacen visibles. Describir al cine experimental es tarea compleja, pero existen pautas que indican algunas de las razones de su existencia:
  • El cineasta explora el hecho audiovisual, combinando sonidos e imágenes en movimiento, con criterios y conocimientos de la cultura artística en general incluyendo a otras artes como la poesía, la música, el teatro, la danza, etc. para dar una visión o una opinión propia del mundo
  • La creación de una obra experimental concierne otro tipo de búsqueda, un acercamiento a la crítica por parte de los espectadores, es decir necesita de un público activo para su lectura.
  • La experiencia no se limita solo al campo de lo puramente técnico, sino de lo ideológico, la percepción y las diferentes formas de percepción como así también de los estímulos que se reciben desde el contexto, la idea, el público, etc.

Autores[editar]

Luis Buñuel fue un director de cine español que nació en el año de 1900 y posteriormente fue naturalizado mexicano. Gran parte de sus obras las realizó en México y en Francia, y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Falleció en el año de 1983 en la Ciudad de México. La obra cumbre de Luis Buñuel, realizada en colaboración con Salvador Dalí es “El perro andaluz” del año 1929, obra pionera del cine experimental mundial. Otras obras:

  • La edad de Oro (1930)
  • Los Olvidados (1950)
  • Tristana (1970)
  • El fantasma de la libertad (1974)
  • Ese oscuro objeto del deseo (1977)

Walter Ruttmann nació en 1887. Fue uno de los pioneros alemanes del cine experimental y de gran influencia para los trabajos posteriores en este campo. Arquitecto y pintor, su carrera en el cine empezó a principios de los años 20 y fue un prominente exponente de la música y el "avant garde". Ruttmann y sus colegas enriquecieron el lenguaje del cine como medio expresivo, utilizando nuevas técnicas: sus trabajos son un parteaguas en el arte que se desarrolló posteriormente con las imágenes en movimiento. Murió en 1941. Obra cumbre: Opus I (1921) Otras obras:

  • Opus II (1923)
  • Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927)
  • In der Nacht (1931)
  • Acero (1933)

Hans Richtner nace en 1888 en Berlín y muere en 1976, en Locarno. Su introducción al arte moderno fue a través de su contacto con el grupo "Blaue Reiter" (1912), el cubismo (1914), y fue uno de los miembros más representativos del movimiento Dada en Alemania. Sus primeros trabajos abstractos con película fueron en 1917. En 1919 creó su primer Prélude (la orquestación de un tema desarrollado en once dibujos). Su obra cumbre es Rhythmus 21 (1921). Otras obras:

  • Rhythm 23 (1923)
  • Filmstudie (1926)
  • Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk) (1927)
  • Race Symphony (1928)

Véase también[editar]

Referencias[editar]

  • André Parente, “A forma Cinema: Variaçoes e Rupturas”; Rio de Janeiro, 2009: 23.
  • Jose Antonio Gonzalez, La historia del cine experimental. Tesis profesional;México, 2005

Enlaces externos[editar]