Modernismo (arte)

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Primer número de Jugend, Múnich, 30 de mayo de 1896.
Tirador de puerta. Casa-Museo Horta. Bruselas.
Ex libris diseñado por Koloman Moser.
Rótulo comercial.
Anuncio aparecido en Les Dessous Élégants, 1904.
Diseño de joya.

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y Francia–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–, Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o Floreale –en Italia–.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios[1] ). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener.

El modernismo no fue unánimemente recibido: una amplia corriente de opinión identificaba sus formas con el concepto de degeneración (una desintegración orgánica que corresponde a la desintegración social).[2]

Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

  • Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
  • Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
  • Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.
  • Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.

La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes.

La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en francés) no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las vanguardias o al arte moderno, dentro de lo polisémico de ambos conceptos.[3]

Cronología y evolución[editar]

Se ha calificado como pre-modernista las decoración mural del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora.

A lo largo de la segunda mitad del siglo xix se fue intensificando la tendencia, visible en movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro forjado que se deja a la vista, se exhibe con profusión y se aprovecha más allá de su función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular (vitraux). Algo similar ocurría en los diseños textiles florales.

El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo.[4]

En 1888 Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall (este de Londres), dedicada a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Tras cerrar en 1897 la Kelmscott Press de William Morris, Ashbee aprovechó la experiencia de muchos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House Press). La Guild se trasladó en 1902 a Chipping Camden (Gloucestershire), donde decae hasta su cierre en 1908.[5] [6]

La libertad vindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados «secesión» aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París - el Salon du Champs de Mars de 1890, escindido de la Société des Artistes Français-,[7] Múnich -la Münchner Secession, escindida de la Münchner Künstlergenossenschaft, 1892-, Viena -la Wiener Secession escindida de la Vereinigung Bildender Künstler Österreich en 1897-, Berlín -la Berliner Secession escindida de la Große Berliner Kunstausstellung, 1898-[8] ) dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento.

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller de Bruselas se convierte en un centro difusor de la nueva estética en arquitectura y diseño.

El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París representó la aceptación popular del art nouveau en las artes plásticas: era de Alfons Mucha y representaba a la actriz Sarah Bernhardt en Gismonda.

En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend («juventud»), que dio nombre al estilo en Alemania (Jugendstil).

En 1897 se inauguró el nuevo edificio de Charles Rennie Mackintosh para la Glasgow School of Art. Un grupo de artistas de esa ciudad, liderados por Mackintosh e identificados con el movimiento modernista, se conocerá como Escuela de Glasgow.

Entre 1897 y 1903 funcionó en Barcelona el local Els Quatre Gats, punto de encuentro del modernismo catalán (allí expuso por primera vez Picasso, en febrero y julio de 1900).

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau («Casa del Arte Nuevo»), una galería de arte abierta cinco años antes (1895) en París por el marchante alemán Samuel Bing.[9] Al igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.[10] (Arthur Lasenby Liberty) y la neoyorquina Tiffany's (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de la misma.

El modernismo alcanzó su apogeo en la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa ModernaPrimera Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno») de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos.

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Decó.

El modernismo en las artes gráficas[editar]

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.

Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.

Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo personalísimo a la vez que controvertido, por lo irreverente de sus temas.

Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser o Franz von Stuck.

Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas[editar]

Joya de René Lalique.
Diseño Cyclamen, de Hermann Obrist.

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés.

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano. En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

Pintura modernista[editar]

Cartel de Sarah Bernhardt en Gismonda, de Alfons Mucha.
Friso de Beethoven, de Klimt.

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo y la reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados.[26] [27]

[28]

Escultura modernista[editar]

La escultura modernista o art nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes.

Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas.[29] En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss,[30] Demetre Chiparus, Joseph Lorenzl[31] o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.[32]

Modernismo, «mediterraneísmo» y «noucentisme»[editar]

A pesar de su oposición al modernismo, contra el que pretende explícitamente ser una reacción en un sentido «humanista» y «clasicista», tampoco es muy evidente en las formas la diferenciación entre la escultura «modernista» y la noucentista o «mediterraneísta», que surge en la primera década del siglo xx y se define estéticamente en relación con Aristide Maillol (su obra La Mediterranée, de 1905) y el movimiento estético en torno al crítico Eugenio D'Ors (Josep Clarà, Manolo Hugué, Enric Casanovas, Julio González, Pablo Gargallo, Cristino Mallo, etc.), muchos de cuyos componentes evolucionaron hacia las vanguardias. El mediterrenaísmo o novecentismo también tiene una vertiente pictórica (el propio Maillol, José María Sert, Joaquín Sunyer, Joaquín Torres García).[33] [34]

Escultores modernistas por nacionalidad[editar]

En distintas naciones europeas se han identificado como modernistas o art nouveau a varios escultores de finales del xix y comienzos del xx:

Bélgica[35]
Austria[36] [37]
España[38]
Polonia[39]

Arquitectura modernista[editar]

Escalera del Hotel Tassel, Bruselas, de Victor Horta.
Villa Maund, Schoppernau (Austria), de William Morris.[41]
Palacio Baburizza, de Barison y Schiavon en Valparaíso, Chile.
Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí.
Parque Güell, Barcelona, de Gaudí.

El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos xix y xx.

Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (donde se le dará el nombre de art nouveau) con la obra de Goh Ver Wayans y Victor Horta. La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras: de Van de Velde la casa Bloemenwerf;[42] y de Horta los kioscos y bocas de metro, la escalera de la calle Paul-Emile Janson y el Hotel Solvay (especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), el Hotel Tassel, la Casa del Pueblo[43] y el Palacio de Bellas Artes; todo ello en Bruselas, y el Gran Bazar de Fráncfort.

El movimiento vienés denominado Sezession (1897) tuvo como arquitectos a Otto Wagner[44] y Josef María Olbrich; y el paralelo movimiento de Múnich (1892) a Franz von Stuck.

En Inglaterra pueden considerarse dentro del modernismo arquitectónico a William Morris y a Charles Rennie Mackintosh. El estilo de Morris no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza (influencia del pintoresquismo inglés del siglo previo) y la valoración del espacio interior funcional. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos, y se le sitúa dentro del género en consonancia del arquitecto fránces Charles Voysey. Los planteamientos de Mackintosh son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico. Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de arte de Glasgow.

En España, la arquitectura modernista, muy poco presente en Madrid,[45] sí tuvo desarrollo en otras zonas (Cartagena y La Unión, Alcoy, Valencia,[46] Ávila,[47] Zamora,[48] Zaragoza, el Bajo Aragón, Ceuta,[49] Melilla,[50] algunas de las casas de indianos de la zona cantábrica[51] o Canarias), pero sobre todo en la ciudad más dinámica de la época: Barcelona. Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat, Domenech y Montaner, Puig y Cadafalch, Enric Sagnier, Rubió y Bellver, Jujol y Gibert, Valeri y Pupurull, Muncunill y Parellada, Víctor Beltrí) desarrollaron un lenguaje propio, del que partió Antonio Gaudí para desarrollar su particular universo artístico, muy personal.[52]

Riga es la ciudad europea con mayor cantidad de edificios art nouveau, a consecuencia del crecimiento de urbano que se produjo a partir del derribo de las murallas, y la formación que un grupo de arquitectos (Rudolf Heinrich Zirkwitz, Friedrich Scheffel, Heinrich Scheel, Janis Alksnis y Konstantin Peksens[53] ) recibió en el Aula de Arquitectura que se creó (1869) en el Instituto Politécnico de Riga.[54] [55] [56]

En Sudamérica, el modernismo no tuvo demasiado desarrollo debido a su elevado costo de construcción, a la calidad artesanal de sus ornamentos y al gusto conservador de las clases altas. En la Argentina existen algunos casos notables de la influencia del modernismo en todas sus corrientes, gracias a la inmigración de arquitectos de diversos países europeos, especialmente en la ciudad de Buenos Aires: dentro de la corriente Jugendstil se destaca el Edificio Otto Wulff con su decoración zoológica y sus atlantes de rasgos duros y la obra de Oskar Ranzenhofer (Palacio Vera), dentro del modernisme catalá se destacan las obras de Julián García Núñez (como el Hospital Español hoy semi-demolido y varios edificios de departamentos y oficinas como Chacabuco 78) y de Eduardo Rodríguez Ortega (Casa de los Lirios). En el art nouveau de línea belga, los impulsores fueron Edouard Le Monnier (con la silueta distintiva del Yacht Club Argentino), y Louis Dubois (la cúpula exótica del Hotel Chile); y en el floreale italiano, Francesco Gianotti se destacó con la Galería General Güemes, primer rascacielos de Buenos Aires, y varios edificios de departamentos, y Virginio Colombo deslumbró con sus ostentosos edificios y residencias (Casa de los Pavos Reales, Palacio Carú).

[57] [58]

Véase también[editar]

Referencias[editar]

Bibliografía[editar]

Notas[editar]

  1. Noticia de los urinarios modernistas de Camps Elisis, Lérida, de Francesc de Paula Morera i Gatell.
  2. José Deleito y Piñuela, 1902. El concepto de «degeneración» proviene del libro de Max Nordau Entartung (Berlín, 1892). Ambos citados en Lily Litvak, op. cit. pg. 113 El texto de Deleito era respuesta a una pregunta planteada como encuesta: ¿Qué es el modernismo y qué significa como escuela dentro del arte en general y de la literatura en particular, de la que se publicaron 25 respuestas (en la revista Gente Vieja, 30 de abril de 1902). Por lo menos la mitad de las respuestas eran censuras negativas (Belém Clark de Lara, La república de las letras: asomos a la cultura escrita del México decimonónico, UNAM, 2005, ISBN 9703210880, pg. 541
  3. Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000, ISBN 847490577X, pg. 6 y ss.
  4. en:File:MackmurdoWren1883.gif Pevsner, Nikolaus (1975). Pioneers of Modern Design. Harmondsworth: Penguin Books. p. 90. ISBN 0140204970. 
  5. Ashbee en Jean-Paul Midant, Diccionario Akal de arquitectura, 2004, ISBN 8446017474, pg. 63.
  6. Fuentes citadas en en:Toynbee Hall
  7. Auguste Dalligny, Société Nationale des Beaux-Arts - l'Exposition du Champ de Mars, Journal des Arts, 16 May 1890; Paul Bluysen, Le Salon du Champ de Mars - IV, La République francaise, 23 June 1890.
  8. Peter Paret, The Berlin Secession. Modernism and its enemies in Imperial Germany, Harvard University Press 1980
  9. Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, Horta and Bing: An Unwritten Episode of L'Art Nouveau, The Burlington Magazine, vol. 119, Special Issue Devoted to European Art Since 1890 (Nov., 1977), pp. 747-752. Fuente citada en en:Maison de l'Art Nouveau
  10. Alison Adburgham, Liberty's - A biography of a shop, George Allen and Unwin (1975) Fuente citada en en:Liberty (department store).
  11. Imagen publicado en Jugend de Berlín como "Sonnenblume".
  12. Esta obra es también conocida como "La canción del silencio", "Ephraim Moses Lilien", Instituto Leo Baek, Nueva York y Berlín; accedido 25 de mayo de 2014.
  13. Goya, 1965, vol. 67-72, pg. 334; Freixa, op. cit,, pgs. 21 y 143-144
  14. Fuentes citadas en en:Carlo Bugatti
  15. Watelet J.G., Gustave Serrurier-Bovy, l'œuvre d'une vie, éditions du Perron, Liège 2000. Fuente citada en fr:Gustave Serrurier-Bovy.
  16. Jacques Gruber sur le site de l'École de Nancy.
  17. * Site de Contretype Fuentes citadas en fr:Jules Brunfaut
  18. http://www.ceramique1900.com/delaherche.html
  19. Ian Millman, Georges de Feure : maître du symbolisme et de l'Art Nouveau, A.C.R. Edition internationale, 1992. Fuente citada en
  20. Peitschenhieb, fuente citada en en:Hermann Obrist
  21. www.nancy.cci.fr Le site officiel claude.fourcaulx.free.fr fr.structurae.de. Fuentes citadas en fr:Chambre de commerce et d'industrie de Meurthe-et-Moselle
  22. Johannes Just: Meissener Jugendstil Porzellan. Leipzig: Edition Leipzig, 1983, ISBN 3-570-09020-5. Fuente citada en de:Theodor Grust.
  23. Website der Rosenthal GmbH. Rosenthal GmbH – Geschichte. Fuentes citadas en de:Rosenthal (Unternehmen)
  24. Four Seasons Hotel Gresham Palace. Fuente citada en en:Gresham Palace.
  25. http://www.issenheim.fr/vivre-a-issenheim/calendrier-des-manifestations/icalrepeat.detail/2011/03/19/7634/0.html?pop=1&tmpl=component
  26. spanisharts.com
  27. Preckler, El modernismo..., op. cit.
  28. Roberto Sánchez, El cartel de cine: arte y publicidad, PUZ, 1997, ISBN 8477334811, pg. 59.
  29. Art Deco - Sculpture
  30. http://www.preiss.de/engl/pkbiographie.htm
  31. http://www.worldcollectorsnet.com/magazine/issue41/iss41p2/
  32. http://www.lastcenturyart.com/infoProd.asp?codi=53
  33. Quesada, op. cit.
  34. Preckler, El nuevo..., op. cit.
  35. Fiona Gallagher, Christie's art nouveau
  36. Gallagher, op. cit.
  37. Franz Windisch-Graetz, Leben und Werk des Bildhauers Gustav Gurschner, en Alte und moderne Kunst, 1996 Nr. 87, pgs. 34–39; fuente citada en de:Gustav Gurschner
  38. ArteEspaña
  39. Stefan Muthesius, Art, architecture and design in Poland, 966-1990: an introduction, pg. 90
  40. Escultor austriaco-bohemio (1873-1971) [1]
  41. Vgl. Hans Sandmayr: 100 Jahre Villa Maund, ein geschichtsträchtiges Haus im Bregenzerwald. Bezau 1997, S. 17 ff. Fuente citada en de:Villa Maund
  42. Unesco website; fuente citada en en:Bloemenwerf
  43. Histoire de la Maison du Peuple de Bruxelles, fuente citada en fr:Maison du Peuple (Bruxelles)
  44. Que también desarrolló una estética que se relaciona con el racionalismo arquitectónico: Image:Wien PSK.jpg: Wiener Postsparkasse («Caja Postal de Viena»). Otto Wagner Museum located within the Austrian Postal Savings Bank, Virtual tour through the building. Fuentes citadas en en:Austrian Postal Savings Bank.
  45. * Los estilos arquitectónicos que pasaron de puntillas por Madrid (entrevista a los autores de Madrid modernista, Óscar da Rocha Aranda y Ricardo Muñoz Fajardo): El modernismo se dio muy poco aquí. Los ejemplos más característicos son la Filmoteca Nacional, de Críspulo Moro Cabeza (Cine Doré...) y el palacio de Longoria (sede de la SGAE), de José Grases... [el interior del] Círculo de Bellas Artes... la escalinata central del Casino de Madrid o el panteón de José Cámara en el cementerio de San Justo... En Carabanchel... la Colonia de la Prensa, una serie de viviendas unifamiliares de principios de siglo xx creadas para acoger a periodistas de clase media... El modernismo madrileño destaca por su sobriedad, que «se amolda al aspecto general de la ciudad».
  46. Concepción de Soto, Arquitectos y arquitecturas modernista en la ciuda de Valencia 1900-1915 - Valencia ante el Modernismo, RACV Digital, 2012.
  47. Muñoz, op. cit.
  48. El Modernismo en Zamora
  49. Arquitecto José Blein ([2])
  50. Melilla modernista
  51. * Casas indianas en Ferrol modernista.
  52. Arquitectura modernista en Cataluña
  53. Krastiņš, Jānis (2002) (in Latvian, English). Rīgas arhitektūras meistari 1850-1940 : The masters of architecture of Riga 1850-1940.. Riga: Jumava. ISBN 9984054500. Fuente citada en en:Konstantīns Pēkšēns
  54. http://elviajero.elpais.com/articulo/viajes/Riga/ciudad/detalles/elpviavia/20040424elpviavje_2/Tes
  55. http://www.rtu.lv/component/option,com_newsbox/task,view/id,2/Itemid,1074/lang,en Fuente citada en en:Riga Technical University
  56. * Gerhard Kabierske: Der Architekt Hermann Billing (1867–1946). Leben und Werk. (= Materialien zu Bauforschung und Baugeschichte, 7.) Karlsruhe 1996, ISSN 0940-578X.
    • Erika Rödiger-Diruf et al.: Hermann Billing. Architekt zwischen Historismus, Jugendstil und Neuem Bauen. Ausstellungskatalog Städtische Galerie Karlsruhe 1997, ISBN 3-923344-38-4.
    • Friedemann Schäfer: Stadtspaziergänge in Karlsruhe. Jugendstil. Karlsruhe 2007, ISBN 978-3-7650-8360-0.
    Fuentes citadas en de:Hermann Billing.
  57. * O. Wagner, Moderne architektur, Vienna, 1896-1902 trad. it. Architettura moderna e altri scritti, Bologna, 1980
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    • (en alemán) Wilhelm Worringer, Abstraktion und Einfühlung, München, 1908; trad. it. Astrazione e empatia, Torino, 1975
    • Leonardo Benevolo, Storia dell'architettura moderna, Bari, 1973
    • R. Schmutzler, Art Nouveau, New York & Londra, 1962 trad. it. Art Nouveau, Milano, 1966
    • Manfredi Nicoletti, L'architettura liberty in Italia, Bari 1978
    Fuentes citadas en it:Architettura modernista
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  59. Maurice Culot, Lise Grenier (dir.), Henri Sauvage 1873-1932, contributions de R. Delevoy, F. Loyer, B. B. Taylor, L. Miotto-Muret, J. Gübler, Bruxelles/Paris, AAM/SADG, 1976. Fuentes citadas en fr:Henri Sauvage
  60. Hankar et L'Hôtel Ciamberlani, Aparté Editions. Fuente citada en nl:Hotel Ciamberlani
  61. Web oficial, fuente citada en en:Réseau Art Nouveau Network.
  62. Web oficial. Fuente citada en en:Jugendstilsenteret
  63. Paul Cauchie, décorateur, architecte, peintre, édition Maison Cauchie. Fuente citada en fr:Paul Cauchie y fr:Maison Cauchie
  64. * Arte Nova em Portugal Fuentes citadas en pt:Arte Nova em Portugal
  65. J. Gubler, «Switzerland, the Temperate Presence of Art Nouveau», dans Art Nouveau Architecture, 1979, 159-170. Fuente citada en fr:Art nouveau en Suisse
  66. AA. VV., Torino 1902: le Arti Decorative Internazionali nel Nuovo Secolo, Fabbri Editori, Milano, 1994. Fuente citada en it:Liberty a Torino

Enlaces externos[editar]